Sinopsis Azul Ruben Dario 541v42

INTRODUCCIÓN En la Literatura Hispanoamericana tratamos con el habla de los países americanos donde sus residentes practican el idioma español. Tenemos dos países excepcionales: el Paraguay donde junto con el español se reconoce un idioma verdaderamente americano, el guaraní, como lengua oficial. El otro caso es los Estados Unidos de América. A pesar de ser el inglés la lengua oficial, residen en él más hablantes de la lengua española que en la mayoría de las otras naciones y también es donde muchos de los más notables escritores de América Hispana en algún momento de su vida han radicado. La Literatura Hispanoamericana tiene sus comienzos con la llegada de las tres carabelas de Colón. Cierto que en el Nuevo Mundo existían civilizaciones con culturas propias bien definidas. Desafortunadamente la mayoría de éstas fueron erradicadas. Aunque algunas han logrado sobrevivir, con las que trataremos en la literatura americana. Y todas, de una forma u otra, han influenciado las literaturas de nuestra América Hispana. Común entre estas literaturas hispanas en América son sus comienzos en las crónicas de los conquistadores y los catecismos de los evangelizadores. Avanzan a un período de transformación, afectado por la influencia española, donde la conciencia criolla se desarrolla en identidad nacional. Y de ahí en adelante es donde se ponen interesantes. Volverán a ocurrir transformaciones, de reflexión cultural, pero cada una de ellas, con cierta influencia de sus vecinos, toma su propio camino. Se vuelven a consolidar en el Modernismo, para sólo después retornar de nuevo a sus rumbos ya trazados. Las circunstancias y estímulos que contribuyeron al desarrollo de estas literaturas son tan variados como las tierras del Nuevo Mundo, y tan numerosos como su población.

SINOPSIS . EL REY BURGUÉS. Había una vez un rey muy poderoso. Éste vivía en un gran palacio en una ciudad inmensa. Un día llegó al palacio un poeta pidiéndole comida; el rey le contestó que si hablaba comería. El poeta entonces comenzó a hablar del arte y de la poesía, de una forma rítmica, de tal forma que a la vez hacía poesía. Entonces, el rey preguntó a los que estaban allí qué hacer, y un filósofo le dijo que el poeta podía ganarse el pan tocando un instrumento en el Jardín de los Cisnes; y el rey así lo hizo. Cada vez que el rey se paseaba le daba un trozo de pan. Al llegar el invierno, una noche, en el palacio se preparó un festín, y el poeta, debido al frío murió, y nadie hasta el siguiente día se enteró. Ideas Modernistas: Descripción de lugares exóticos, como forma del autor de evadirse. Narrador omnisciente, que sabe todo lo que ocurre y pasa a lo largo de todo el cuento. El tema predominante es el de hablar de la situación social del momento, en este caso, de los pobre y los mendigos. Utilización del simbolismo, en el que, con una simple palabra ya se sabe qué clase de persona es: el rey BURGUÉS, imaginamos que es un rey poderoso, altivo y algo avaricioso, el POETA, suponemos que, aunque sea pobre, es una persona pura, limpia. 2. EL SÁTIRO SORDO. Un sátiro, rey de su selva, fue a “espiar” a Apolo que estaba tañendo su lira. Al ver la osadía del sátiro, Apolo le castigó dejándole sordo, de tal forma que no podía escuchar nada de lo que ocurría en su selva. El sátiro tenía dos consejeros áulicos: la alondra y el asno, que le ayudaban a entender las cosas que ocurrían en la selva y él no oía. Orfeo, un poeta (que tañía su lira haciendo sonreír a todos los animales) espantado de la miseria de los hombres, quiso huir de los bosques, yendo a la selva del sátiro.

Llegó allí con su lira, se colocó enfrente del sátiro y empezó a cantar. Cuando terminó su repertorio, le preguntó al sátiro si podía quedarse en su selva. Éste les pidió ayuda a sus consejeros. Finalmente, el sátiro le negó su estancia allí y Orfeo quiso ahorcarse, pero en lugar de quitarse la vida, se casó con Eurípides. Ideas Modernistas: Preferencia por palabras esdrújulas, por su valor musical. Empleo del adjetivo como metáfora. Utilización de la técnica impresionista. Utilización de lugares y ambientes exóticos e irreales, como forma de huida de una realidad que no les gusta. Influencia “Parnasianista” en el estilo, en la que se apuesta por un tipo de literatura de gran perfección formal y con un léxico muy cuidado (“arte por el arte”). Narrador omnisciente, que conoce todo lo interior y lo exterior de los personajes. 3. LA NINFA. En el castillo de Lesbia, en la hora del chartreuse, en la mesa se encontraban seis amigos actores, la mesa estaba presidida por Aspasia. Lesbia comentó que le gustaban los sátiros, los seres mitológicos y las ninfas. Un sabio que allí se encontraba, habiéndose basado en hechos históricos pasados, les dijo que ya bastaba de tanta sabiduría, pues al él lo que le gustaban eran las ninfas, pero que no existían. Pero Lesbia decía que él sí las veía. Un día de primavera, mientras un amigo de Lesbia (el que cuenta la historia) vagaba por el laberinto del castillo, oyó un ruido, se acercó al lugar donde se había producido, y vio a una ninfa dentro de un estanque, salió de éste y se marchó corriendo por los rosales. Después se reunió con los demás actores y Lesbia les dijo el amigo había visto una ninfa y que ella le estaba mirando. Todos quedaron asombrados, observando cómo se miraban. Ideas Modernistas: Escenarios exóticos e irreales, que representan la huida de la realidad del autor.

Narrador omnipresente, que se encarna en forma de protagonista que cuenta su historia. Tema nuevamente social: la burguesía, pues en esta época, los autores se preocupaban por la situación del país. Empleo de la técnica impresionista, en la que se utilizan observaciones muy detalladas del paisaje y de las cosas descritas y brillantes adjetivos, que resaltan las descripciones. 4. EL FARDO. Cuenta que el tío Lucas, un viejo pescador, iba todos los días con su hijo de pesca. Vendían los fardos que pescaban, y si había buena venta, por la tarde también iban a pescar. Pero un Sábado, por el reumatismo, el tío Lucas no pudo ir, y mandó a su hijo ir solo a la tarea diaria. Pescó muchos fardos, y en uno, el más grande, se colocó encima de él para poder acabar su tarea, atando una cuerda a éste, para así poder subir las redes y coger los últimos peces (estaba ya acercándose a la playa), cuando, de pronto, la cuerda se soltó del fardo, haciendo que éste cayera sobre el hijo del tío Lucas y éste, con el fardo encima, sobre el filo de la lancha, rompiéndole los riñones, desencajándole el espinazo y echando por la boca sangre negra. El tío Lucas lloraba abrazado al cuerpo de su hijo. Ideas Modernistas: Pesimismo por la realidad en la que viven. Descripción de lugares de ensueño, como una forma de evasión. Narrador omnisciente, que sabe todo lo que ocurre, y encarnado en forma de testigo que cuenta la historia y habla con el tío Lucas. 5. EL VELO DE LA REINA MAB. Las hadas habían repartido todos sus dones; La reina Mab se coló por la ventana de su buhardilla y vio cuatro hombres, a uno le había tocado una cantera, a otro el iris, al tercero el ritmo y al último el cielo azul. El primero con Grecia en la cabeza, alababa a las venus y los dioses de ésta. El segundo protestaba, diciendo que para qué quería el iris, si después sus cuadros no se ponían en ningún sitio y tenía que cobrarlos más baratos. El tercero decía

que pondría su alma en la gran ilusión de sus sinfonías, temiendo todas sus decepciones, y el último alababa las epopeyas y todos los elementos que la componían. Entonces, la reina Mab cogió su Velo de los Sueños y envolvió a los cuatro hombres, y desde entonces se piensa en el porvenir de los brillantes infelices y se oyen risas que quitan la tristeza. Ideas Modernistas: Narrador omnipresente, que sabe todo lo que les ocurre a los personajes, tanto exterior como interiormente. Descripción de lugares irreales, como medio de huida y evasión de los autores. Empleo de la técnica impresionista, en la que se realizan buenas descripciones con brillantes adjetivos y detalladas observaciones. 6. LA CANCIÓN DEL ORO. Cuenta la historia de un harapiento que va vagabundeando por las calles hasta llegar a la “gran calle de los palacios”. En ésta, comienza a observar por las vidrieras, viendo todo lo que tienen dentro los hoteles. La noche se va echando encima, y el mendigo come un poco de pan para poder combatir mejor el frío. Comienza a cantar una canción, en la que siempre, al principio de cada oración dice: “¡Cantemos el oro!”. Es como un himno para él. En medio de la noche, el vagabundo y esta canción van haciendo eco, mezclando gemidos, ditirambos y carcajadas. Más tarde, cuando la canción terminó, pasó una vieja y él pidió limosna. Ésta le dio un mendrugo de pan duro, y el mendigo se fue por las sombras y las tinieblas, castañeando los dientes. Ideas Modernistas: Utilización del adjetivo de forma metafórica, intentando que la lengua sea bella en sí misma. Descripción de lugares fríos, tenebrosos, y un poco irreales, como huída de la realidad. Pesimismo de la época.

Narrador omnisciente, que parece un testigo de lo que está ocurriendo. Influencia “Parnasianista”, en la utilización de brillantes adjetivos que hacen el objeto muy “cargado”. Repetición de “¡cantemos el oro!”, que da ritmo y musicalidad a la historia. 7. EL RUBÍ. Un gnomo está dando vueltas por el palacio diciendo q los hombres pueden hacer rubíes y zafiros. El cuerpo del delito estaba allí en el centro de la gruta, entonces, el gnomo cogió su cinturón y llamó a todos los gnomos, entre ellos el más viejo y maléfico: Puck. Tras las miradas de todos asombrados, Puck comenzó a contar la historia de cómo después de recorrerse las calles parisinas, vio cómo se hacía el rubí. También dijo que había cumplido una promesa: traer un rubí, y les contó la historia que le sucedió. Salió disparado de un volcán, al caer, vio a una bella mujer, la cogió, dio un golpe a la tierra y se la llevó. Mientras estaba dormida, Puck empezó a picar los rubíes; ya agotado, decidió irse a dormir, pero al rato despertó por un ruido, eran los gritos de la hermosa mujer; había intentado salir para buscar a su amado, porque entre ellos se comunicaban y había caído en los rubíes y estaba toda desangrada. Al oír esta historia, los gnomos empezaron a martillar el rubí y a quitar todas las piedras de las paredes y las echaron al fondo de un agujero mientras Puck se marchaba. Ideas Modernistas: Narrador omnisciente, que sabe todo lo que ocurre. Utilización de escenarios irreales, pues los gnomos no existen mas que en fantasía, que representan la evasión de los autores. Utilización del adjetivo como metáfora. 8. EL PALACIO DEL SOL. Berta era una niña de 15 años que padecía anemia y siempre estaba triste. Su madre llamó al doctor, y éste le recomendó glóbulos de ácido arsenioso y duchas. Berta mejoró gracias al tratamiento, pero seguía estando triste. Llegó un día a las puertas de su muerte, y todos los del palacio lloraban (porque era de una familia rica). Pero una mañana, ella estaba en el jardín y vio que de

una flor salía un hada: era el hada de los sueños de las adolescentes que las llevaba al palacio del sol, y que curaba a las cloróticas con sólo llevarlas en su carro de oro al palacio del sol. Cuando descendió, estaba toda su familia boquiabierta, pues Berta estaba saltando y cantando. Ideas Modernistas: Lugares exóticos e irreales, que representan la evasión del autor. Utilización del adjetivo de forma metafórica. Empleo de la técnica impresionista, de grandes observaciones subrayadas con brillantes adjetivos. Utilización de los estamentos privilegiados como tema del cuento. Repetición de estrofas, que dan musicalidad a la historia. 9. EL PÁJARO AZUL. En el café Plombier se encontraba el hombre más querido entre ellos, Garcín, bautizado por ellos como Pájaro Azul. Un día recibió una carta de su padre, que le decía que fuera a llevar los libros al almacén y que cuando hubiera llegado, quemara sus manuscritos y entonces tendría su dinero. Garcín rompió las cartas e improvisó unos versos. Desde entonces Garcín cambió de carácter y escribió un libro titulado “El Pájaro Azul” y lo recitaba en el café poniendo a todos cara de asombro. Un día llegó riendo, pero en realidad estaba muy triste porque Niní había muerto. Al día siguiente cuando llegó al bar todos le aplaudieron, el dijo que su pájaro azul iba a escapar; y posteriormente se marchó. A la mañana siguiente, el café no era lo mismo: todos se marcharon a sus habitaciones, allí habían encontrado un coronel con un disparo en el cráneo y una nota que decía: “Hoy, en plena primavera, dejo abierta la puerta de la jaula al pobre pájaro azul”. Ideas Modernistas: Narrador omnisciente, que sabe todo lo que les ocurre a los personajes. Empleo de escenarios exóticos e irreales como representación de la evasión del autor.

10. PALOMAS BLANCAS Y GARZAS MORENAS. Rubén cuenta que, cuando él era pequeño se llevaba muy bien con su prima Inés. Tuvo que ir a un internado a estudiar sus cursos de Bachillerato, y cuando regresó para estar con su abuela y con se prima Inés, la encontró hecha una mujer. Él le dijo dos veces que la amaba, y ella se echaba a reír. Tuvo que irse a otro país, y allí, en una fiesta, conoció a Elena, su primer amor verdadero. Con ella soñó y se dio su primer beso, el primer beso recibido de labios de mujer. Ideas Modernistas: El narrador es el protagonista de la historia. La mujer se idealiza, siendo, la que amas, un amor imposible. Descripción de lugares exóticos, con motivo de la necesidad de huir de la realidad en la que vive el autor. Utilización del adjetivo de forma metafórica. Utilización de simbolismos para representar a la mujer: para referirse a su prima Inés, utiliza el término “palomas blancas”, y para hablar de Elena, utiliza el término “garzas morenas”.

ANÁLISIS Competencia Con el análisis de Azul, de Rubén, en la cual se desarrollan conocimientos literarios y de distintos tipos de lenguaje ya que Distingue el lenguaje literario frente a otros tipos de lenguaje, de acuerdo a sus funciones. Su obra Azul publicada en 1888 es considerada la más representativa del modernismo. Esto se debe a sus variaciones temáticas, el uso de recursos estilísticos y sus innovaciones métricas. Además, tiene una combinación de prosa y poesía en la que destaca el preciosismo, exotismo y la riqueza del lenguaje, los cuales caracterizan al modernismo Azul es la obra más representativa del modernismo. Marca lo mejor de este movimiento literario. Una de sus características más importantes es la mezcla que se da de prosa y verso. En todos los cuentos cortos y los poemas podemos apreciar una descripción pictórica de los paisajes. El narrador es omnisciente o en primera persona. Usa la rima y la repetición como efectos musicales. Utiliza el simbolismo y las metáforas. La evasión de la realidad es una característica muy importante del modernismo y definitivamente se muestra en este libro. Los temas de cada cuento y poema son bastante diferentes entre si, ya que durante el modernismo no existió un tema definido. Utiliza un lenguaje elegante. La descripción de los paisajes es una característica del modernismo y se puede apreciar en los siguientes fragmentos del El Rey Burgués y Acuarela. _“El rey tenía un palacio soberbio donde había acumulado riquezas y objetos dearte maravillosos. Llegaba a él por entre grupos de lilas y extensos estanques, siendo saludado por los cisnes de cuellos blancos, antes que por los lacayos estirados. Buen gusto. Subía por una escalera llena de columnas de alabastro y de es maradigna, que tenía a los lados leones de mármol como los...

Azul… es una compilación de los escritos que Rubén Darío (1867-1916) realiza para La Epoca de Santiago de Chile durante los años 1886 a 1888. Había viajado el joven vate desde su pueblo natal en Nicaragua hasta las grandes ciudades de Chile, las cuales eran de las más modernas en Latinoamérica y cuyos artistas mantenían constantes vínculos con Francia e Inglaterra. El libro Azul apareció en 1888 y era tan original que llamó la atención del famoso novelista y critico español Juan Valera (quien no dejó de presentar ciertos prejuicios racistas y comentarios poco certeros). Pero fue gracias al Prólogo de este famoso crítico y novelista que el libro de Darío adquirió la inicial demanda en España y Latinoamérica. Luego el Darío ya plenamente famoso publicaría Prosas profanas (1996) y Cantos de vida y esperanza, (1995), entre otros libros. Estos mencionados lo convertirían principalmente en el gran poeta hispanoamericano y español de fines del siglo XIX y principios del XX. L’art, c’est l’azur es una expresión que siguió Darío y que expone la búsqueda de lo ideal y lo infinito frente a una sociedad tan vulgar como la de la burguesía y su sucia revolución industrial. El cisne, por su elegancia y exotismo preciosistas, se convierte en su gran signo, como objeto difícil de alcanzar y de espectacularidad icónica. Con esta actitud y símbolos el poeta aspira a que el arte pueda crear su propia esfera de expresión dada a lo infinito y fugaz como el cielo, y sin responder a las demadas del corto y bajo positivismo científico de la sociedad moderna y su maquinaria simplemente utilitaria y animada por el antiestético capital. Cuando en 1886 llega Darío a Chile el comercio internacional de esta nación se había duplicado y las novedades europeas (los objetos de lujo) estaban cada vez más al alcance de los ciudadanos. Allí, como señalamos, Rubén hizo amistad con el hijo del Presidente chileno y tiene al alcance su gran biblioteca con libros de Flaubert, Zola, Hugo, Verlaine, Poe, Whitman. Fue también en asiduo visitante de la Biblioteca Nacional de Santiago. Ya desde niño se le reconocía como un gran lector y un poeta incipiente. No obstante, sus inicios fueron de precariedad, lo que contrastará con su mentalidad afrencesada que se denota en sus primeros escritos y en sus comentarios que más bien parecen de las primeras protestas vanguardistas y contraculturalistas. Tal parece que Darío apreciaba lo exótico y a

la misma vez despreciaba la burguesía que le permitía estar en o con tales objetos y signos exóticos. Por otra parte, no deja de mostrar una gran consciencia social y americanista (conviertiéndo muchos signos de estos espacios en algo singularmente irable). Se trata de una bipolaridad estética e ideológica que ha provocado polémicas, confusiones y desacuerdos entre los críticos y los historiadores de la literatura (en este texto intento evitar estos extremos críticos que podrían confundir en mucho a los iniciados en estos asuntos. Será tema de otra ocasión). Los versos y prosas que integraron Azul… aparecieron en la prensa chilena entre diciembre de 1886 y junio de 1888. Para 1887 Rubén había ido a Valparaíso a integrarse a la redacción de un periódico, del cual fue despedido “por escribir bien”. Según un crítico el público inicial de Azul debió de haber sido el de las mujeres de la emergente burguesía chilena (José María Martínez), lo cual se donota en la delicadeza de las imágenes y el estilo tan del agrado de ese género. El libro, no obstante, parece haber sido concebido, inicialmente, para lectores cultos, pero hombres. Mas no se le escapa al autor el modo romántico de concebir el gusto por y desde lo femenino. La crítica feminista actual muestra amplios desacuerdos con estas concepciones genéricas de Darío en Azul, la cuales no dejan de ser contradictorias construcciones machistas de los tiempos. Este aspecto de la femineidad y la masculinidad (tal vez lo gay) en la obra de Darío será lo de seguro más estudiado en estos tiempos nuestros. El libro Azul… se compone de dos secciones. La primera es de cuentos (algunos bastante poéticos y muy poco dados al realismo mimético) y que contiene dos partes: relatos muy relacionados, en los que se destaca la nueva tendencia modernista con gran claridad, y “En Chile”, donde narra sus experiencias durante su estancia en esa nación de una manera algo alegórica, siempre siguiendo la exaltación de lo refinado y la búsqueda de sí mismo y de su arte. La segunda parte, “El año lírico” se compone de poesías post-románticas, modernistas y simbolistas, y en las cuales se alcanzan inquietantes, innovadoras y originales imágenes (aunque no tanto como en su posterior poesía). Azul… fue editado tres veces durante la vida del autor. La primera edición fue publicada en Valparaíso, Chile por la Imprenta y Litografía Excélsior que terminó

de imprimir el libro el 30 de julio de 1888. La segunda, más amplia, incluyendo tres poemas en francés, se editó en la ciudad de Guatemala por la Imprenta de La Unión en 1890. La tercera, con el contenido reducido, en Buenos Aires por La Nación en 1905. Un gran millonario se negaría inicialmente a publicar el libro por la crítica social que encerraba el mismo en cuanto a la amenzada del mundo material ante el poeta y su fina sensibilidad abusada por los ricos (“El rey burgués" nos permite ver mucho de la crítica de Darío a las clases dominantes… de las que no era parte, pero creo que le hubiese querido pertenecer). Para varios analistas de este movimiento, apoyados en el famoso crítico español, Ricardo Gullón, el tema principal de los cuentos de Azul... es “la lucha del hombre contra la sociedad”, y ese hombre no es más que el artista, pues “el poeta está en esos cuentos como personaje y como autor”. Se trataría del sujeto poético frente a las peripecias que le ofrece el materialismo del mundo moderno, sobre todo el de la revolución industrial (minera). El gusto del narador-lírico por hurgar y codificar discursivamente los signos que refieran al mundo del refinamiento y la elegancia exagerada, son índice de triunfo en ese mundo considerado en general como el mal y lo antipoético. No obstante, en parte, el lenguaje refinado que evocaba ese mundo rico y aristócrata era de interés para poeta. Hay, en este sentido, un deseo de separar el arte de la realidad de la riqueza material. Esto, no obstante, puede ser una gran contradicción de la estética modernista. Se quiere desvincular la riqueza del lenguaje poético de la riqueza del mundo material. Inconformidad e insurgencia se traducen, pues, en una crítica social expresada más claramente con dominio, marcado muchas veces por un tono irónico y con el disimulo (y la contradicción). Lo fantástico o lo maravilloso intervienen en ocasiones como modos de exponer problemas morales, como en “La ninfa”, “El rubí”, “El palacio del sol”. Se trata de mascaradas que hacen referencia a la nueva situación de soledad del artista frente a la realidad del mundo moderno interesado mayormente en lo material y positivista carente de misterio poiético y humano. Pero mientras muchos de estos artistas como Darío desprecian el mundo burgués de la industrialización valoran los lujos de la aristocracia que esa misma burguesía solía proveer y poseer. Angel Rama y Fançoise Perus son los mayores

críticos en estos apectos de análisis profundo y complejo a la contradicción social inherente en el discurso modernista. Hoy día, sin embargo, la crítica postestructuralista y deconstruccionista no gusta de los reduccionismos sociológicos de estos críticos marxistas. Iris M. Zavala ha logrado interesantes análisis que, sin abandonar el marxismo, exponen nuevos y complejos criterios que deben ser tomados en cuenta (sigue más bien al crítico Mikail Bajtin).

CAPÍTULO I LA LITERATURA HISPANOAMERICANA 1.1 DEFINICIÓN La literatura hispanoamericana es la literatura de los pueblos de habla hispana de Norteamérica, Sudamérica, Centroamérica y el Caribe, escrita en lengua española, sobre todo la publicada desde los años posteriores a la segunda mitad del siglo XIX hasta la actualidad. 1.2 HISTORIA Su historia, que comenzó durante el siglo XVI, en la época de la conquista, se puede dividir a grandes rasgos en cuatro periodos. Durante el periodo Colonial fue un simple apéndice de la que se escribía en España, pero con los movimientos de independencia que tuvieron lugar a comienzos del siglo XIX entró en un segundo periodo dominado por temas patrióticos. En la etapa de consolidación nacional que siguió al periodo anterior, experimentó un enorme auge, hasta que alcanzó su madurez a partir de la década de 1910, llegando a ocupar un significativo lugar dentro de la literatura universal. La producción literaria de los países latinoamericanos forma un conjunto armónico, a pesar de las diferencias y rasgos propios de cada país. 1.2.1 Periodo colonial Las primeras obras de la literatura latinoamericana pertenecen tanto a la tradición literaria española como a la de sus colonias de ultramar. Así, los primeros escritores americanos —como el soldado y poeta español Alonso de Ercilla y Zúñiga, creador de La Araucana (1569-1589), una epopeya acerca de la conquista del pueblo araucano de Chile por parte de los españoles— no habían nacido en el Nuevo Mundo. Las guerras y la cristianización del recién descubierto continente no crearon un clima propicio para el cultivo de la poesía lírica y la narrativa, por lo cual la literatura latinoamericana del siglo XVI sobresale principalmente por sus obras didácticas en prosa y por las crónicas.

Especialmente destacadas en este terreno resultan la Historia verdadera de la conquista de la Nueva España (1632), escrita por el conquistador e historiador español Bernal Díaz del Castillo, lugarteniente del explorador también españolHernán Cortés, y la historia en dos partes de los incas de Perú y de la conquista española de este país, Comentarios reales (1609 y 1617), del historiador peruano Garcilaso de la Vega, el Inca Garcilaso de la Vega. Las primeras obras teatrales escritas en Latinoamérica, como Representación del fin del mundo (1533), sirvieron como vehículo literario para la conversión de los nativos. El espíritu del renacimiento español, así como un exacerbado fervor religioso, resulta evidente en los textos de comienzos del periodo colonial, en el que los más importantes difusores de la cultura eran los religiosos, entre los que se encuentran el misionero e historiador dominico Bartolomé de Las Casas, que vivió en Santo Domingo y en otras colonias del Caribe; el autor teatral Hernán González de Eslava, que trabajó en México, y el poeta épico peruano, aunque nacido en España, Diego de Hojeda. México (actualmente Ciudad de México) y Lima, las capitales de los virreinatos de Nueva España y Perú, respectivamente, se convirtieron en los centros de toda la actividad intelectual del siglo XVII, y la vida en ellas, una espléndida réplica de la de España, se impregnó de erudición, ceremonia y artificialidad. Los criollos superaron a menudo a los españoles en cuanto a la asimilación del estilo barroco predominante en Europa. Esta aceptación quedó de manifiesto, en el terreno de la literatura, por la popularidad de las obras del dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca y las del poeta, también español, Luis de Góngora, así como en la producción literaria local. El más destacado de los poetas del siglo XVII en Latinoamérica fue la monja mexicana Juana Inés de la Cruz, que escribió obras de teatro en verso, de carácter tanto religioso —por ejemplo, el auto sacramental El Divino Narciso (1688)— como profano. Escribió asimismo poemas en defensa de las mujeres y obras autobiográficas en prosa acerca de sus variados intereses. La mezcla de sátira y realidad

que dominaba la literatura española llegó también al Nuevo Mundo, y allí aparecieron, entre otras obras, la colección satírica Diente del Parnaso, del poeta peruano Juan del Valle Caviedes, y la novela Infortunios de Alonso Ramírez (1690), del humanista y poeta mexicano Carlos Sigüenza y Góngora. En España, la casa Borbón sustituyó a la Habsburgo a comienzos del siglo XVIII. Este acontecimiento abrió las colonias, con o sin sanción oficial, a las influencias procedentes de Francia, influencias que quedaron de manifiesto en la amplia aceptación del neoclasicismo francés y, durante la última parte del siglo, en la extensión de las doctrinas de la ilustración. Así, el dramaturgo peruano Peralta Barnuevo adaptó obras teatrales sas, mientras que otros escritores, como el ecuatoriano Francisco Eugenio de Santa Cruz y el colombiano Antonio Nariño, contribuyeron a la difusión de las ideas revolucionarias sas hacia finales del siglo. Durante esta segunda época, surgieron nuevos centros literarios. Quito en Ecuador, Bogotá en Colombia y Caracas en Venezuela, en el norte del continente, y, más adelante, Buenos Aires, en el sur, comenzaron a superar a las antiguas capitales de los virreinatos como centros de cultura y creación y edición literarias. Los os con el mundo de habla no hispana se hicieron cada vez más frecuentes y el monopolio intelectual de España comenzó a decaer. 1.2.2 El periodo de independencia El periodo de la lucha por la independencia ocasionó un denso flujo de escritos patrióticos, especialmente en el terreno de la poesía. La narrativa, censurada hasta el momento por la corona de España, comenzó a cultivarse y, en 1816, apareció la primera novela escrita en Latinoamérica, El Periquillo Sarniento, del escritor y periodista mexicano José Joaquín Fernández de Lizardi. En ella, las aventuras de su protagonista enmarcan numerosas vistas panorámicas de la vida colonial, que contienen veladas críticas a la sociedad. La literatura y la

política estuvieron íntimamente relacionadas durante este periodo en que los escritores asumieron actitudes similares a las de los tribunos republicanos de la antigua Roma. Desde sus inicios dan claras muestras de su preocupación por destacar los aspectos costumbristas de la realidad, así como de su interés por los problemas de la crítica social y moral. El poeta y cabecilla político ecuatoriano José Joaquín Olmedo alabó al líder revolucionario Simón Bolívar en su poema ‘Victoria de Junín’ (1825), mientras que el poeta, crítico y erudito venezolano Andrés Bello ensalzó los paisajes tropicales en la silva A la agricultura de la zona tórrida (1826), similar a la poesía bucólica del poeta clásico romano Virgilio. El poeta cubano José María Heredia se anticipó al romanticismo en poemas como Al Niágara (1824), escrito durante su exilio en los Estados Unidos. Hacia ese mismo año, en el sur, comenzó a surgir una poesía popular anónima, de naturaleza política, entre los gauchos de la región de La Plata. 1.2.3 Periodo de consolidación Durante el periodo de consolidación que siguió al anterior, las nuevas repúblicas tendieron a dirigir su mirada hacia Francia aún más que hacia España, aunque con nuevos intereses regionalistas. Las formas neoclásicas del siglo XVIII dejaron paso al romanticismo, que dominó el panorama cultural de Latinoamérica durante casi medio siglo a partir de sus inicios en la década de 1830. Argentina entró en o con el romanticismo franco-europeo de la mano de Esteban Echeverría y, junto con México, se convirtió en el principal difusor del nuevo movimiento. Al mismo tiempo, la tradición realista hispana halló continuación a través de las obras llamadas costumbristas (que contenían retratos de las costumbres locales). La consolidación económica y política y las luchas de la época influyeron en la obra de numerosos escritores. Muy destacable fue la denominada generación romántica argentina en el exilio de oponentes al régimen

(1829-1852) del dictador Juan Manuel de Rosas. Este grupo, muy influyente también en Chile y Uruguay, contaba (además de con Echeverría) con José Mármol, autor de una novela clandestina, Amalia (1851), y con el educador (más adelante presidente de Argentina) Domingo Faustino Sarmiento, en cuyo estudio biográfico-social Facundo, civilización y barbarie (1845) sostenía que el problema básico de Latinoamérica era la gran diferencia existente entre su estado primitivo y las influencias europeas. En Argentina, las canciones de los bardos gauchos fueron dejando paso a las creaciones de poetas cultos como Hilario Ascasubi y José Hernández que usaron temas populares para crear una nueva poesía gauchesca. El Martín Fierro (1872) de Hernández, en el que narra la difícil adaptación de su protagonista a la civilización, se convirtió en un clásico nacional, y los temas relacionados con los gauchos pasaron al teatro y a la narrativa de Argentina, Uruguay y el sur de Brasil. La poesía en otras zonas del continente tuvo un carácter menos regionalista, a pesar de que el romanticismo continuó dominando el ambiente cultural de la época. Los poetas más destacados de esos años fueron la cubana Gertrudis Gómez de Avellaneda, autora también de novelas, y el uruguayo Juan Zorrilla de San Martín, cuya obra narrativa Tabaré (1876) presagió el simbolismo. La novela progresó notablemente en este periodo. Así, el chileno Alberto Blest Gana llevó a cabo la transición entre el romanticismo y el realismo al describir la sociedad chilena con técnicas heredadas del escritor francés Honoré de Balzac en su Martín Rivas (1862). Escribió la mejor novela histórica de la época, Durante la reconquista (1897). Por otro lado, María (1867), un cuento lírico sobre un amor marcado por un destino aciago en una vieja plantación, escrito por el colombiano Jorge Isaacs, está considerada como la obra maestra de las novelas hispanoamericanas del romanticismo.

En Ecuador, Juan León Mera idealizó a los indígenas de América al situar en la jungla su novela Cumandá o un drama entre salvajes (1879). En México el más destacado de los realistas románticos fue Ignacio Altamirano, en la misma época en que José Martiniano Alencar inició el género regional con sus novelas poemáticas e indianistas románticas (cuentos de amor entre indios y blancos), como El Guaraní (1857) e Iracema (1865). Los novelistas naturalistas, entre los que se contó el argentino Eugenio Cambaceres, autor de Sin rumbo (1885), pusieron de manifiesto en sus obras la influencia de las novelas experimentales del escritor francés Émile Zola. El ensayo se convirtió en este periodo en el medio de expresión favorito de numerosos pensadores, a menudo periodistas, interesados en temas políticos, educacionales y filosóficos. Un artista y polemista muy característico del momento fue el ecuatoriano Juan Montalvo, autor de Siete tratados (1882), mientras que Eugenio María de Hostos, un educador y político liberal portorriqueño, llevó a cabo su obra en el Caribe y en Chile, y Ricardo Palma creó un tipo de viñetas narrativas e históricas muy peculiar denominada Tradiciones peruanas (1872). El modernismo, movimiento de profunda renovación literaria, apareció durante la década de 1880, favorecido por la consolidación económica y política de las repúblicas latinoamericanas y la paz y la prosperidad resultantes de ella. Su característica principal fue la defensa de las funciones estética y artística de la literatura en detrimento de su utilidad para una u otra causa concreta. Los escritores modernistas compartieron una cultura cosmopolita influida por las más recientes tendencias estéticas europeas, como el parnasianismo francés y el simbolismo, y en sus obras fundieron lo nuevo y lo antiguo, lo nativo y lo foráneo tanto en la forma como en los temas. La mayoría de los modernistas eran poetas, pero muchos de ellos cultivaron, además, la prosa, hasta el punto de que la prosa hispana se renovó al o con la poesía del momento. El iniciador del movimiento fue el peruano Manuel González Prada, ensayista de gran conciencia social a la vez que osado experimentador

estético. Entre los principales poetas modernistas se encontraban el patriota cubano José Martí, el también cubano Julián del Casal, el mexicano Manuel Gutiérrez Nájera y el colombiano José Asunción Silva, aunque fue el nicaragüense Rubén Darío quien se convirtió en el más destacado representante del grupo tras la publicación de Prosas profanas (1896), su segunda obra mayor, y él sería el verdadero responsable de conducir el movimiento a su punto culminante. Solía mezclar los aspectos experimentales del movimiento con expresiones de desesperación o de alegría metafísica, como en Cantos de vida y esperanza (1905), y tanto él como sus compañeros de grupo materializaron el mayor avance de la lengua y de la técnica poética latinoamericana desde el siglo XVII. A la generación más madura pertenecieron escritores como el argentino Leopoldo Lugones y el mexicano Enrique González Martínez, que marcó un punto de inflexión hacia un modernismo más íntimo y trató temas sociales y éticos en su poesía. El uruguayo José Enrique Rodó aportó nuevas dimensiones artísticas al ensayo con su obra Ariel (1900), que estableció importantes caminos espirituales para los autores más jóvenes del momento. Entre los novelistas se encontraban el venezolano Manuel Díaz Rodríguez, que escribió Sangre patricia (1902) y el argentino Enrique Larreta, autor de La gloria de Don Ramiro (1908). El modernismo, que llegó a España procedente de Latinoamérica, alcanzó su punto culminante hacia 1910, y dejó una profunda huella en varias generaciones de escritores de lengua hispana. Al mismo tiempo, otros muchos escritores ignoraron el modernismo y continuaron produciendo novelas realistas o naturalistas centradas en problemas sociales de alcance regional. Así, en Aves sin nido (1889), la peruana Clorinda Matto de Turner pasó de la novela indianista sentimental a la moderna novela de protesta, mientras que el mexicano Federico Gamboa cultivó la novela naturalista urbana en obras como Santa (1903), y el uruguayo Eduardo Acevedo Díaz escribió novelas históricas y de gauchos.

El relato breve y el teatro maduraron a comienzos del siglo XX de la mano del chileno Baldomero Lillo, que escribió cuentos de mineros, como Sub terra (1904), y de la de Horacio Quiroga, autor uruguayo de historias de la jungla, quien, en Cuentos de la selva (1918), combinó un enfoque de tipo regional centrado en la relación entre los seres humanos y

la

naturaleza

primitiva,

con

la

descripción

de

fenómenos

psicológicamente extraños en unos cuentos de misterio poblados de alucinaciones, mientras que el dramaturgo Florencio Sánchez enriqueció el teatro de su país con sus obras sociales de carácter local. 1.2.4 Literatura contemporánea La Revolución Mexicana, iniciada en 1910, coincidió con un rebrote del interés de los escritores latinoamericanos por sus características distintivas y sus propios problemas sociales. A partir de esa fecha, y cada vez en mayor medida, los autores latinoamericanos comenzaron a tratar temas universales y, a lo largo de los años, han llegado a producir un impresionante cuerpo literario que ha despertado la iración internacional. 1.2.5 Poesía En el terreno de la poesía, numerosos autores reflejaron en su obra las corrientes que clamaban por una renovación radical del arte, tanto europeas —cubismo, expresionismo, surrealismo— como españolas, entre la cuales se contaba el ultraísmo, denominación que recibió un grupo de movimientos literarios de carácter experimental que se desarrollaron en España a comienzos del siglo. En ese ambiente de experimentación, el chileno Vicente Huidobro fundó el creacionismo, que concebía el poema como una creación autónoma, independiente de la realidad cotidiana exterior; el también chileno Pablo Neruda, que recibió el Premio Nobel de Literatura en 1971, trató, a lo largo de su producción, un gran número de temas, cultivó varios estilos poéticos diferentes e incluso pasó por una fase de comprometida militancia política, y el poeta

colombiano Germán Pardó García alcanzó un alto grado de humanidad en su poesía, que tuvo su punto culminante en Akróteras (1968), un poema escrito con ocasión de los Juegos Olímpicos de México. Por otro lado, surgió en el Caribe un importante grupo de poetas, entre los que se encontraba el cubano Nicolás Guillén, que se inspiraron en los ritmos y el folclore de los pueblos negros de la zona. La chilena Gabriela Mistral, premio Nobel de Literatura (1945) otorgado por primera vez a las letras latinoamericanas, creó una poesía especialmente interesante por su calidez y emotividad, mientras que en México el grupo de los Contemporáneos, que reunía a poetas como Jaime Torres Bodet, José Gorostiza y Carlos Pellicer, se centró esencialmente en la introspección y en temas como el amor, la soledad y la muerte. Otro mexicano, el premio Nobel de Literatura de 1990 Octavio Paz, cuyos poemas metafísicos y eróticos reflejan una clara influencia de la poesía surrealista sa, está considerado como uno de los más destacados escritores latinoamericanos de posguerra, y ha cultivado también la crítica literaria y política. 1.2.6 Teatro El teatro latinoamericano continuó su proceso de maduración en gran cantidad de ciudades, en especial Ciudad de México y Buenos Aires, en las que se convirtió en un importante vehículo cultural, y vivió un periodo de afianzamiento en otros países, como Chile, Puerto Rico y Perú. En México pasó por una completa renovación experimental, representada por el Teatro de Ulises (que comenzó en 1928) y el Teatro de orientación (en 1932), activados por Xavier Villaurrutia, Salvador Novo y Celestino Gorostiza, que culminaría con la obra de Rodolfo Usigli y continuaría con la de un nuevo grupo de dramaturgos, con Emilio Carballido a la cabeza. Por otro lado, entre los más destacados autores de teatro argentinos se encuentra Conrado Nalé Roxlo. 1.2.7 Ensayo

Los ensayistas posteriores al modernismo han sido muy activos, han adoptado una dirección nacionalista y más universal, y han ofrecido una gran variedad de puntos de vista intelectuales. La generación del Centenario de la Independencia de 1910 tuvo representantes como José Vasconcelos, conocido por su sueño utópico de una “raza cósmica” (La raza cósmica, 1925), el erudito dominicano Pedro Henríquez Ureña, autor de Seis ensayos en busca de nuestra expresión (1928), y Alfonso Reyes, supremo mexicano universal, humanista completo y autor de Visión de Anáhuac (1917). Por otro lado, el ensayista colombiano Germán Arciniegas sobresale como un cualificado intérprete de la historia en El continente de siete colores (1965), y el argentino Eduardo Mallea, autor de Historia de una pasión argentina (1935), destaca entre los novelistas de ese país. 1.2.8 Narrativa A partir de comienzos de siglo, la novela latinoamericana en español ha experimentado un enorme desarrollo que ha pasado por tres fases: la primera, dominada por una gran concentración en temas, paisajes y personajes locales, se vio seguida por otra en la que se produjo una extensa obra narrativa de carácter psicológico e imaginativo ambientada en escenarios urbanos y cosmopolitas, para llegar finalmente a una tercera

en

la

que

los

escritores

adoptaron

técnicas

literarias

contemporáneas, que condujeron a un inmediato reconocimiento internacional y a un continuo y creciente interés por parte del mundo literario. La narrativa de carácter regional tuvo en el argentino Ricardo Güiraldes, autor de Don Segundo Sombra (1926), la culminación de la novela de gauchos; al colombiano José Eustasio Rivera creador de La vorágine (1924), de la novela de la jungla, y al venezolano Rómulo Gallegos Freire, autor de Doña Bárbara (1929), de la novela de las planicies. La revolución mexicana inspiró el género propio: “la literatura de la Revolución mexicana”, que inauguró Mariano Azuela, autor de las

novelas Andrés Pérezmaderista (1911) y Los de abajo (1915), y a Gregorio López, que escribió El indio (1935). La situación de los indígenas atrajo el interés de numerosos escritores mexicanos, guatemaltecos y andinos, como el boliviano Alcides Arguedas, que trató el problema en Raza de bronce (1919), y el peruano Ciro Alegría, autor de El mundo es ancho y ajeno (1941), mientras que el diplomático guatemalteco Miguel Ángel Asturias, que recibió en 1966 el Premio Lenin de la Paz y en 1967 el Premio Nobel de Literatura, se reveló como un excelente autor de sátiras políticas en su obra El señor presidente (1946). En Chile, Eduardo Barrios se especializó en novelas psicológicas como El hermano asno (1922), y Manuel Rojas Sepúlveda se alejó de la novela urbana y cultivó una especie de existencialismo en Hijo de ladrón (1951). Otros escritores, entre los que se cuenta María Luisa Bombal, autora de la novela La última niebla (1934), cultivaron el género fantástico. En Argentina, Manuel Gálvez escribió una novela psicológica moderna acerca de la vida urbana, Hombres en soledad (1938). En este país, así como en Uruguay, se desarrolló una rica corriente narrativa donde se hacía gran énfasis tanto en los aspectos psicológicos como fantásticos de la realidad. Así, el argentino Macedonio Fernández abordó el absurdo en Continuación de la nada (1944), mientras que Leopoldo Marechal escribió una novela simbolista, Adán Buenosayres (1948), y Ernesto Sábato una novela existencial, El túnel (1948). Jorge Luis Borges, por otro lado, fue en sus comienzos un poeta ultraísta y, más tarde, se convirtió en el escritor más importante de la Argentina moderna, especializado en la creación de cuentos (Ficciones, 1944), traducidos a numerosos idiomas. Colaboró en varias ocasiones con Adolfo Bioy Casares y despertó el interés por la novela policiaca complicada y por la literatura fantástica. Bioy Casares fue pionero en el terreno de la novela de ciencia ficción con La invención de Morel (1940), y el uruguayo Enrique Amorim inauguró la novela policiaca larga con El asesino desvelado (1945).

Otro de los escritores que obtuvieron inmediato reconocimiento internacional por su brillantez y originalidad fue el argentino Julio Cortázar, en especial debido a su antinovela experimental Rayuela (1963). Entre los autores uruguayos centrados en la novela psicológica urbana se encuentran Juan Carlos Onetti con El astillero (1960) y Mario Benedetti con La tregua (1960). La nueva novela mexicana evolucionó a partir del crudo realismo como consecuencia de la influencia de escritores como James Joyce, Virginia Woolf, Aldous Huxley y, especialmente, John Dos os y William Faulkner. Con un escenario y una trama de carácter local, a la que añadieron nuevas dimensiones psicológicas y mágicas, José Revueltas escribió El luto humano (1943) y Agustín Yáñez Al filo del agua (1947). Juan Rulfo escribió en un estilo similar su Pedro Páramo (1955), mientras que Carlos Fuentes, en La región más transparente (1958), alterna lo puramente fantástico y psicológico con lo regional, y Juan José Arreola, autor de Confabulario (1952), destaca por sus fantasías breves, de carácter alegórico y simbólico. Otros novelistas han experimentado con técnicas multidimensionales, como, por ejemplo, Vicente Leñero, creador de la novela Los albañiles, que ganó el Premio Biblioteca Breve en 1963 y que el autor convirtió en pieza dramática en 1970, y Salvador Elizondo, que escribió Farabeuf (1965). Entre los restantes novelistas latinoamericanos que han escrito en español y que han conseguido reconocimiento internacional, el antiguo regionalismo ha sido superado por nuevas técnicas, estilos y perspectivas extremadamente variadas. La etiqueta estilística realismo mágico se puede aplicar a muchos de los más destacados narradores — aquellos capaces de descubrir el misterio que se esconde tras los acontecimientos de la vida cotidiana. El novelista cubano Alejo Carpentier añadió una nueva dimensión mitológica a la novela ambientada en la jungla en Los pasos perdidos (1953), al tiempo que su compatriota José Lezama Lima consiguió crear en Paradiso (1966) un denso mundo mitológico de complejidad neobarroca. Por otro lado, el

peruano Mario Vargas Llosa descubrió a sus lectores variadas perspectivas escondidas en el aparentemente cerrado mundo de una academia militar en La ciudad y Los perros, novela que consiguió en 1962 el Premio Biblioteca Breve y que fue una de las que inauguró el boom de la Literatura latinoamericana, mientras que el colombiano Gabriel García Márquez, galardonado con el Premio Nobel en 1982, se dio a conocer internacionalmente con su novela Cien años de soledad (1967), en la que, a través de una mágica e intemporal unidad, logró trascender el ámbito puramente local en el que se desarrolla la trama narrativa. Con la obra de estos escritores, la novela latinoamericana escrita en español no sólo alcanzó su mayoría de edad, sino que parece estar atrayendo la atención de un público internacional cada vez más numeroso. 1.3 CARACTERÍSTICAS Las características de la literatura hispanoamericana son: 1.3.1 Unidad de lengua Esto determina la unidad cultural y literaria. El español de América ha evolucionado por su parte, diferenciándose del de España: Posee rasgos una fonética similar a la del andaluz. Se ve influenciado por sus lenguas de sustrato. Para hablar de unidad léxica de la lengua tenemos que comprender una evolución unificada a nivel de fonética, léxico y morfología. 1.3.2 Transculturación La transculturación supone un cruce de culturas, donde se suele dar la pérdida de una de ellas por la imposición de la otra. Ligado al concepto de transculturación encontramos el de heterogeneidad, que supone que las literaturas heterogéneas pertenecerán a varios sistemas culturales, por lo que ni el autor, ni el lector, ni el sistema de valores y las convenciones estéticas pertenecerán a una sola cultura. Sólo el tema

permanecerá estático. Este doble estatuto socio culturalgenerará una cultura heterogénea. 1.3.3 Telurismo La iración por la naturaleza americana supondrá un tópico en esta literatura. Esta naturaleza se verá idealizada por los mitos y las utopías, aunque también se presentarán distopías: lo relevante es la importancia, no el enfoque. La literatura descriptiva supondrá la aportación más importante de la literatura hispanoamericana. A partir del S. XX, lo telúrico no representará lo hispánico, ya que se hablará de espacios occidentales, y no del espacio natural propio. 1.3.4 Universalismo La literatura hispanoamericana asume como propias muchas tradiciones diferentes entre sí (la española, sa, inglesa…). No importa la lengua nila época, al resultar Hispanoamérica de tantos cruces, todas las tradiciones literarias se sienten como propias. 1.3.5 Compromiso político-social La situación política y social de Hispanoamérica incide sobre la literatura. Hispanoamérica se encontraba sumida en una desigualdad social e inestabilidad política, que se debe en parte al desarrollo de los países ricos. La literatura hispanoamericana deberá cumplir una función social e histórica, denunciando las injusticias y tratando de ofrecer soluciones.6. Asincronismo. La literatura hispanoamericana posee una falta de sincronía con respecto a la europea. Se fundirán ciertos rasgos que en Europa pertenecerán a diferentes movimientos; además, se producirá un desajuste temporal en la aplicación de diversas vertientes literarias. Hasta 1816 no aparece en la literatura hispanoamericana la primera novela, mientras que en España la novela data de varios siglos antes. La picaresca tendrá un carácter tardío en Hispanoamérica, y, sin embargo, con el Romanticismo y el Modernismo pasará al contrario: serán posteriores en España

CONCLUSIONES Aunque la literatura hispanoamericana sólo alcanza a definirse como fenómeno específico a partir de la independencia, no podemos referirnos a los escritores criollos fuera de la tradición literaria de España, que desde el momento de la conquista envió las últimas publicaciones de la península Ibérica. La primera noticia historiográfica de Europa es obra del descubridor, Cartas y diario, a la que seguirán la de otros cronistas como Hernán Cortés, Bartolomé de las Casas, Bernal Díaz del Castillo, Cieza de León, etc. Mención especial merece la crónica de Alonso Ercilla, la Araucana. Las crónicas alcanzan durante el s. XVII gran desarrollo gracias a las órdenes religiosas establecidas en el Nuevo Mundo. La implantación de la imprenta y la fundación de universidades facilitó el florecimiento de la literatura hispanoamericana, la implantación del teatro siguió un proceso parecido al de su nacimiento en la metrópoli: en sus inicios tuvo un carácter religioso. A mediados del s. XVIII casi todas las grandes capitales poseían teatros. La producción dramática hispanoamericana alcanzó su madurez con las obras de Juan Ruiz de Alarcón y sor Juana Inés de la Cruz.

BIBLIOGRAFÍA Literatura hispanoamericana – SlideShare Literatura Hispanoamericana – EcuRed. www.ecured.cu/index.php/Literatura_Hispanoamericana www.slideshare.net/.../literatura-hispanoamericana-14238797 http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761556433/Literatura_hispanoamericana .html http://sololiteratura.com/ http://www.damisela.com/literatura/pais/ http://www.monografias.com/trabajos5/hispa/hispa.shtml