Ingram, J. - Orientación Musical.pdf 653ut

JAIME INGRAM JAÉN

ORIENTACIÓN MUSICAL

UNIVERSAL BOOKS

Panamá, abril 2002

784 .62 In54 Ingram Jaén, Jaime Orientación Musical / Jaime Ingrain Jaén, -4 ed . - Panamá Imprenta Universal Books, 2001 . 538p. ;2Icm ISBN 9962-02-281-9 I MÚSICA-TEORÍA 2 . MÚSICA EN EUROPA . 3 . MÚSICA EN AMÉRICA 4 . MÚSICA EN PANAMÁ I . Título.

Orientación Musical © Jaime Ingram Jaén Primera Edición : Editorial Universitaria (EUPAN), 1974 Primera reimpresión : Instituto Nacional de Cultura (INAC), 1978 Segunda reimpresión : Imprenta Betania, I98? Segunda Edición, revisada y ampliada, Universal books, 2002 ISBN 9962-02-281-9 Queda prohibida la reproducción parcial o total de esta obra, por cualquier medio o procedimiento, incluida la fotocopia, de acuerdo con las leyes vigentes en la República de Panamá, salvo autorización expresa del autor o el editor . Impreso por Universal Books Panamá, abril 2002

Orientación Musical

I La Música y sus Elementos Estructuras de la Música El Estudio de la Música

II Música en la Antigüedad Música en Europa

III Música en América Música en Panamá Dos listas suplementarias

A ni¡ compañera de toda la vida, Nelly y a mis hijos Jorge, Elena y Jaime

PARTE I

La Música y sus elementos Formas y Estructuras de la Música El Estudio de la Música

De todas las bellas artes, la música es la que influye más directamente en el espíritu Beethoven

1 . LA MÚSICA Y SUS ELEMENTOS Definición La música es la ciencia de los sonidos' y el arte que nace de su combinación y sucesión . Un sonido aislado carece totalmente de significado musical . Para que sea música y no simplemente ciencia física, es menester que los sonidos se combinen en forma inteligente y sensible . Elementos de la música Los elementos constitutivos de la música son : el sonido y el ritmo . Sonido Sonido es la sensación o efecto que produce en el oído el movimiento vibratorio de un cuerpo, transmitido por un medio elástico como el aire o el agua . Clases de sonidos Cuando un cuerpo es golpeado, sus moléculas vibran . Si el movimiento vibratorio de las moléculas es regular o sea que si todas las moléculas de dicho cuerpo giran a igual velocidad y en igual dirección se produce, según el concepto musical, un sonido de afinación determinada o tono .' 1)

Adolfo Danha (1835-1896) el conocido teórico francés en su Teoría de la Música señala que la música es "el arte de los sonidos" . Edición en español, Ricordi Americana, Buenos Aires, Argentina .

2)

La expresión tono puede tener, en música, varios significados, pero en éste momento sólo nos interesan dos de ellos : tono, como sonido de 'altura definida" (por ejemplo : mi, sol o la, etc .) y tono, como el intervalo formado por dos semitonos (por ejemplo, el intervalo entre do y re) . Según ciertos teóricos, el tono se divide en 9 partes iguales siendo que cada una de estas partes se llama colon, que viene a ser la menor diferencia entre dos sonidos, apreciables al oído .

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JAI?N

Cuando el movimiento vibratorio de las moléculas del cuerpo golpeado es desigual o irregular, o sea que vibran a velocidades diferentes y en distintas direcciones, se produce lo que denominamos un sonido de afinación indeterminada o ruido . Los sonidos de afinación determinada pueden ser entonados mientras que los sonidos de afinación indeterminada o ruido, que también se llaman sonidos indiferenciados, no pueden entonarse . Tanto los sonidos determinados como los indeterminados hacen parte del arte musical . Una combinación de sonidos puede ser agradable o desagradable para nuestros oídos sin que por ello deje de ser una combinación musical válida . Propiedades del sonido

El sonido puede ser: grave o agudo (altura), breve o prolongado (duración), penetrante o dulce (timbre) y fuerte o débil (intensidad). Altura

La altura o tesitura es la mayor o menor elevación del sonido causada por la mayor o menor cantidad de vibraciones emitidas por un cuerpo sonoro durante un lapso de tiempo determinado. La altura del sonido depende del número de vibraciones por segundo . Mientras mayor sea la cantidad de vibraciones, más agudo será el sonido y mientras menor sea la cantidad de vibraciones por segundo, más grave será el sonido . Altura es también el lugar que ocupa un sonido determinado en la gama o escala musical . La altura del sonido depende de la frecuencia de la vibración, según las leyes de la ciencia Acústica . Capacidad del Oído

El oído humano tiene capacidad para escuchar sonidos que varían entre 16 hasta 20 .000 ciclos por segundo. El violín puede emitir sonidos que van desde 300 a 3.000 ciclos, mientras que el piano produce sonidos de

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16 a 4 .000 ciclos . La frecuencia o vibraciones por segundo de la nota La, en la quinta línea de la clave de fa, es de 440 ciclos o vibraciones por segundo en la llamada afinación de concierto . Hay animales, como el perro, con capacidad auditiva mucho mayor que la del ser humano . De ahí que existan pitos que por emitir sonidos excesivamente agudos no los oye el hombre y sirven para llamar a los perros . Duración

La duración es la proyección del fenómeno sonoro en el tiempo y en el espacio . Duración es la existencia del sonido, que bien puede ser corto o prolongado . Decimos que un sonido es prolongado o largo cuando el efecto vibratorio se mantiene por un tiempo determinado. (v.g., el sonido de una campana grande) . El sonido es corto o breve cuando el fenómeno vibratorio desaparece rápidamente (v.g., el chasquido de las castañuelas). La prolongación del sonido es la duración o perpetuación de la onda sonora . Timbre

El timbre es la cualidad que nos permite distinguir un sonido de otro . El timbre nos permite identificar la fuente sonora ; es el color del sonido, es el matiz sonoro . Por el timbre sabemos, por ejemplo, si el sonido que escuchamos es producido por un violín o por una flauta aunque ambos instrumentos emitan la misma nota . Cada persona o cada instrumento tiene su propio timbre que le caracteriza . De ahí que el timbre sea la cualidad que nos posibilita identificar la fuente sonora . En física el timbre es el tipo de onda sonora . Intensidad

Intensidad es la mayor o menor fuerza con que se produce el sonido . La intensidad es la dinámica del sonido que puede ser débil o fuerte . La intensidad es el tamaño, en sentido vertical, de la onda sonora . De la intensidad nace el acento musical,

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elemento básico dentro de la rítmica musical . Intensidad es la nota cuantitativa del sonido y depende también de la amplitud de la vibración . Velocidad del sonido

La velocidad del sonido depende del medio en el cual se propaga . En el aire (atmósfera) su velocidad es de 333 metros por segundo . En los líquidos es de 1435 metros por segundo, como término medio, mientras que en los cuerpos sólidos es de 4.000 a 6 .000 metros por segundo. Escritura musical

El discurso musical se escribe con notas que se colocan sobre el papel pautado o pentagrama . Notas

Las notas son los signos con los cuales se escribe la música en el pentagrama . Las notas constituyen la representación gráfica de los sonidos sobre el pentagrama . Las notas se colocan en las líneas y los espacios del pentagrama : En las líneas

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En los espacios Nombre de las Notas

Los nombres de las notas son : do, re, mi, fa, sol, la y si, en el sentido ascendente según la altura y a la inversa en sentido descendente .


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El nombre de las notas se debe al monje benedictino Guido de Arezzo o D'Aresso (995-1050) quien utilizó para ellas las siete primeras sílabas de cada verso de un himno latino de San Juan Bautista : Ut queant laxis Resonare fibris Miragestoum Famili tuorum Solve polluti Labiretum SanteJos

En países sajones, como Alemania, Inglaterra o Estados Unidos, se nombran las notas por medio de letras, así : A, B, C, D, E, F y G, que corresponde a : la, sí, do, re, mi, fa y sol . El sistema que utiliza sílabas en vez de letras se llama solmisación . Tipos de notas

Existen siete tipos de notas o figuras de diferente duración o valor, a saber : redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa : 1° LAREDONDA p 2° LA BLANCA 3° LA NEGRA 4° LA CORCHEA 5° LA SEMICORCHEA 6° LA FUSA 7° LA SEMIFUSA

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La Redonda vale : 2 blancas ó 4 negras u 8 corcheas ó 16 semicorcheas ó 32 fusas ó 64 semifusas . La Blanca vale : 2 negras ó 4 corcheas u 8 Semicorcheas ó 16 fusas ó 32 semifusas . La Negra vale : 2 corcheas ó 4 semicorcheas u 8 fusas o 16 semifusas . La Corchea vale : 2 semicorcheas ó 4 fusas u 8 semifusas. La Semicorchea vale : 3 fusas ó 4 semifusas . La Fusa vale : 2 semifusas . El tipo de nota o figura indica la duración del sonido . Valor de las notas

Las notas no tienen un valor absoluto sino un valor relativo . Su valor depende del quebrado que aparece en la armadura . Así por ejemplo : en un compás de 4/4 la negra vale 1 tiempo y por consiguiente (aplicando la relación matemática, señalada más arriba, entre una figura y otra) la blanca valdrá 2 tiempos, la redonda 4 tiempos, la corchea 1/2 tiempo, etc . Mientras que en un compás de 6/8 la corchea vale 1 tiempo, la negra 2 tiempos, la blanca 4 tiempos, la semicorchea 1/2 tiempo, etc . Silencios

Los silencios son signos que sirven para indicar la suspensión o interrupción momentánea de los sonidos . A cada figura o tipo de nota corresponde un silencio determinado, de lo cual se desprende que hay siete tipos de silencios : de redonda, de blanca, de negra, de corchea, de semicorchea, de fusa y de semifusa .


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1° SILENCIO DE REDONDA 2° SILENCIO DE BLANCA 3° SILENCIO DE NEGRA

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4° SILENCIO DE CORCHEA sf 5° SILENCIO DE SEMICORCHEA 6° SILENCIO DE FUSA 7° SILENCIO DE SEMIFUSA Pentagrama La palabra deriva del griego : penta, que significa cinco y grama, que significa línea . Se llama pentagrama al conjunto de cinco líneas horizontales, paralelas y equidistantes con sus cuatro interlíneas llamadas espacios. Clave de Sol uivisona

Línea ulvisona

Siempre se coloca al final de una pieza Línea Lí, aFi 1 Divisoria Dome iinm

-COmpSs-~ .--Compás-~ .--Compás-~ ~Co npás- .

Clavo de Fa

Sobre las líneas y espacios del pentagrama se colocan las notas y signos musicales en general . La altura o tesitura del sonido es indicada por el lugar que ocupa la nota en el pentagrama . Hay ciertas notas que debido a su altura tienen que ser escritas o colocadas fuera del pentagrama, para las cuales se utilizan las llamadas líneas adicionales .

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Más altas que la pauta . Q e e Q Ej . a

-ci -e<:y Más bajas que la pauta .

Claves

La clave es un signo que se coloca al inicio del pentagrama y sirve para determinar el nombre de las notas . Clave significa llave. Actualmente hay en vigencia res claves diferentes que son : la de Sol, la de Fa y la de Do .' iéiiii3

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0 (LAVEI 101, _Qk_ BASTA HACE POCO SE UTILIZARON LASTRES CLAVES EN NUEVE POSICIONES DIFERENTES .

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(111X%1 .DO ; 1)1

La Clave de Sol se coloca sobre la segunda línea del pentagrama y la nota que se escribe en esa línea se denominará Sol . La Clave de Fa se coloca sobre la cuarta línea del pentagrama y la nota que se escribe en esa línea se denominará Fa . La Clave de Do puede colocarse sobre la tercera o la cuarta línea del pentagrama y en tal caso la nota escrita sobre la tercera o sobre la cuarta línea, según el caso, se llamará Do .

Compás El pentagrama se divide en espacios más o menos iguales separados por líneas verticales llamadas líneas divisorias; cada uno de esos espacios se denomina compás . El compás divide el trozo de música, matemáticamente hablando, en grupos iguales o desiguales de duración. También es correcto decir que compás es el espacio 3)

Hasta hace poco se utilizaron las tres claves en nueve posiciones diferentes .


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del pentagrama comprendido entre dos líneas divisorias . La duración del compás - el pie métrico que representa - se indica con fracciones o quebrados colocados al comienzo del pentagrama o frente a cualquier línea divisoria . El numerador del quebrado indica la cantidad de tiempos que tiene el compás y el denominador determina el tipo de nota que sirve de unidad de tiempo . Los compases pueden ser simples y compuestos . Tiempo Tiempo es cada una de las partes en que se divide el compás. Alteraciones Las alteraciones son signos destinados a bajar o subir cromáticamente la entonación de las notas . Las alteraciones son cinco : el Sostenido, que sube la nota medio tono; el Bemol, que baja la nota medio tono ; el doble sostenido, que sube la nota dos semitonos ; el doble bemol, que baja la nota dos semitonos, y el Becuadro, que anula cualquiera de las alteraciones anteriores . EL SOSTENIDO EL BEMOL b

#$

EL DOBLE SOSTENIDO $ EL DOBLE BEMOL bb

EL BECUADRO H Si las alteraciones se colocan frente a las notas su efecto cubre únicamente el compás en donde aparecen y se denominan alteraciones accidentales . Las alteraciones se denominan propias cuando están colocadas al principio del pentagrama, al lado de la clave . En este caso afectan a una o varias notas durante toda la obra . Las alteraciones propias se llaman en conjunto, armadura de clave . Orden de los sostenidos y bemoles El orden de los sostenidos es el siguiente : fa, do, sol, re, la, mi y si . El orden de los bemoles es el contrario al de los sostenidos, o sea : si, mi, la, re, sol, do y fa .

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Puntillo y doble puntillo Un punto colocado inmediatamente después de una nota o de un silencio añade a la figura la mitad de su propio valor. Ese punto se denomina puntillo . El doble puntillo aumenta tres cuartos del valor original de la figura . TABLA DEL VALOR DE LAS NOTAS CON PUNTILLO LA REDONDA CON PUNTILLO O • Vale 3 blancas

r~ u

LA BLANCA CON PUNTILLO - 3 negras LA NEGRA CON PUNTILLO - 3 corcheas LA CORCHEA CON PUNTILLO ~ I LA SEMICORCHEA CON PUNTILLO. . . ~ .

LA FUSA CON PUNTILLO

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- 3 semicorcheas . . .~I ,I - 3

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Valor relativo de las notas con puntillo La Redonda con puntillo vale 3 blancas ; la Blanca con puntillo vale 3 negras ; la Negra con puntillo vale 3 corcheas ; la Corchea con puntillo vale 3 semicorcheas ; la Semicorchea con puntillo vale 3 fusas ; la Fusa con puntillo vale 3 Semifusas . Melodía Melodía es una idea musical expresada por una sucesión de sonidos determinados . Elementos de la melodía En una línea melódica hay dos elementos esenciales que son : longitud y tesitura. La longitud determina si la melodía es larga o corta y la tesitura si es aguda o grave .

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La melodía es la materia prima de la obra musical . De ella emanan casi todos lo elementos musicales con los cuales elabora el compositor su obra . Se le considera la piedra fundamental de la obra, alrededor de la cual se teje toda una estructura sonora . Cuando la melodía representa el elemento básico en la obra se le llama tema o sujeto. Del carácter de la melodía depende generalmente el carácter de la obra musical . La melodía es el elemento horizontal de la música en contraposición a la Armonía que es el elemento vertical. La primera está formada por una combinación horizontal (en sucesión) de sonidos y la segunda por una combinación vertical (simultánea) de sonidos . Por su propia naturaleza una melodía no puede ir separada del elemento rítmico . Una melodía puede cantarse al unísono sin acompañamiento alguno (canto monofónico), o con un acompañamiento específico (canto homofónico), o puede combinarse también con otras melodías entre sí (canto. polifónico) . Escala o gama

La escala o gama musical es la sucesión en orden predeterminado por la teoría y ciencia musical, de una serie de sonidos . De acuerdo con su conformación las escalas toman diferentes nombres . Así tenemos que en el Oriente y en casi todas las civilizaciones antiguas se utilizó la escala formada por cinco sonidos, llamada escala pentáfona o pentatónica. En nuestro sistema temperado occidental las escalas pueden ser de género diatónico, cromático o enarmónico. La escala cromática está formada por doce sonidos separados por distancias sensiblemente iguales llamadas semitonos o medios tonos .

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1.6p

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La escala diatónica, o de siete sonidos, está constituida por cinco tonos enteros y dos semitonos' .

1tono 1

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Los siete grados o sonidos que forman cualquier gama diatónica se denominan : tónica, supertónica, mediante, subdominante, dominante, superdominante y sensible . Así por ejemplo, en la escala de Do Mayor, el do será la tónica ; el re, la supertónica ; el mi, la mediante ; el fa, la subdominante ; el sol, la dominante ; el la superdominante y el si, la sensible ; mientras que en la escala de fa, el fa, será la tónica ; el sol, la supertónica; el la, la mediante ; el sí, la subdominante, y así en adelante . Dependiendo del orden de sucesión de los tonos y semitonos, la escala diatónica puede ser de modo mayor o de modo menor (ver modo más adelante) . La escala enarmónica carece de significación propia dentro de nuestro sistema temperado . Intervalo Intervalo es la distancia o ámbito que existe entre dos notas o sonidos . Es la diferencia de vibraciones que existe entre dos sonidos distintos . Para saber qué intervalo hay entre una nota y otra basta con contar los grados o notas que separan un son¡3)

Dentro del Sistema de Afinación Temperada, el semitono puede ser cromático o diatónico . El primero es el intervalo entre dos notas que tienen el mismo nombre (por ejemplo, entre fa y fa sostenido) mientras que el segundo es el que existe entre dos notas con nombres diferentes (por ejemplo, fa y sol bemol) .


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do del otro . Así el intervalo puede ser de segunda, de tercera, de cuarta, de quinta, etc. Tipos de intervalos De acuerdo con la conformación, o sea la cantidad de tonos o semitonos que lo integran, los intervalos pueden ser mayores, menores, aumentados, disminuidos, justos o perfectos, simples y compuestos, consonantes o disonantes . Acorde La combinación simultánea de tres o más notas, o sonidos diferentes, se llama acorde . También podemos decir que un acorde es la reunión de tres o más notas que suenan simultáneamente .

e Dentro del concepto de la Armonía tradicional, en el sistema tonal, el acorde es la reunión de tres o más sonidos colocados en forma vertical y separados por intervalos de terceras . Estas terceras pueden ser mayores o menores dependiendo del intervalo que separa una nota de otra . Según los sonidos que lo componen, el acorde toma diferentes nombres : mayor o menor, aumentado o disminuido, consonante o disonante .4 La clasificación, combinación y sucesión de los acordes lo dicta la ciencia o disciplina musical llamada Armonía . Armonía La armonía es el arte, disciplina o ciencia musical, que nos dicta las normas para construir y combinar entre sí los acordes .

4)

El concepto consonante, disonante ha cambiado en el transcurso de la Historia de la Música .

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Ya hemos establecido que Melodía es un concepto "horizontal" de sucesión y combinación de sonidos, mientras que Armonía es un concepto "vertical" de esa combinación . La progresión de acordes o su combinación y construcción, es materia fundamental en la instrucción de todo músico profesional . Con la armonía nace el concepto consonante y disonante de los acordes . Los primeros son, en líneas generales, aquellos que nos dan la sensación de reposo y relajación, y disonantes son aquellos que por su construcción nos dan la sensación de tensión e inestabilidad . Esta sensación de inestabilidad o de reposo se debe directamente, desde el punto de vista técnico, al tipo o tipos de intervalos que forman el acorde . Los intervalos consonantes dan acordes consonantes y viceversa . Tonalidad Tonalidad es la relación constante que mantiene una obra musical con la Tónica de la escala a la cual pertenece . Así decimos que tal o cual obra está en la tonalidad de Re, o Sol o Mi . También se dice que tonalidad es el conjunto de leyes que rigen la constitución de las escalas' .

El concepto de tonalidad o centro tonal nace en el siglo XVIII con varios autores y teóricos entre ellos : Rameau, con su Tratado de Armonía y sus Principios Naturales (1722) concepto que tiende a desintegrarse a partir de la segunda mitad del siglo XIX . Modulación Modular es cambiar de tonalidad o centro tonal, es pasar de una tonalidad a otra . La modulación le da a la obra mayor riqueza e interés armónico . Una obra que estuviera por completo dentro de la misma tonalidad sería insoportablemente monótona .

5)

A. Danha, obra citada .


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Modo Modo' es un aspecto o un tipo de clasificación de la tonalidad . Una obra musical puede estar escrita dentro de una escala mayor o menor. Antiguamente, los griegos, por ejemplo, cultivaban una serie de modos . Hoy en día sólo utilizamos dos, el modo mayor y el modo menor, que viene a ser como la luz y la sombra en la pintura . El modo mayor tiene más "brillo" mientras que el modo menor es más "oscuro" y por consiguiente menos alegre . Politonalidad, Multitonalidad y Atonalidad Cuando en una obra aparecen varias tonalidades combinadas simultáneamente decimos que hay .onpaqluiedt-s brpolitna Si se trata de progresión constante de tonalidades sin que ninguna en especial prevalezca sobre las otras, no necesariamente simultáneas, decimos que hay multitonalidad. Si el compositor evita totalmente dar la sensación de centro armónico o centro tonal, o tonalidad, decimos que la obra es atónica o que hay atonalidad o simplemente que la obra es atonal . Contrapunto El contrapunto es el arte, disciplina o ciencia musical que nos enseña la manera de combinar simultáneamente dos o más líneas melódicas . Mientras la armonía trata de la combinación de sonidos en sentido vertical, el contrapunto trata de la combinación en sentido horizontal . La palabra viene del latín: punctus vs . punctum, expresión que significa punto contra punto o sea nota contra nota . Es casi imposible determinar los límites del Contrapunto con relación a la Armonía . En ésta el elemento principal es el acorde y cualquier relieve melódico es la resultante de la unión y combinación de los mismos . En el Contrapunto sucede justamente lo contrario : la meto6) Según Danha, obra cit ., modo es la manera de ser de una escala diatónica .

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día es el elemento básico y la simultaneidad sonora no es más que el resultado de la combinación de dos o más líneas melódicas . En ambas disciplinas hay que considerar los dos elementos . El Contrapunto es una disciplina históricamente anterior a la Armonía . Los primeros ejemplos, aunque elementales, datan del siglo IX y aparecen en la obra anónima Musica Enchiriadis . Sin embargo, en los alrededores del año 787 un monje, autor de la Vida de Carlontagno, señaló que "los cantores romanos enseñaron a los ses el arte de la música organizada", lo que parece sugerir que mucho antes al siglo IX se conocía ya la "música a varias voces", opinión que comparten muchos especialistas . Densidad o Textura

Existen tres tipos de textura o densidad musical : monofónica, polifónica y homofónica . La textura monofónica está representada por una sola melodía . V.g. : una melodía antigua que se canta sin acompañamiento y al unísono como sucede con el CánQ Litúrgico.

La polifónica consiste en la unión simultánea de dos o más líneas melódicas de diseño o delineamiento individual . V.g. : una fuga de Bach . La homofónica es cuando tenemos una melodía con un acompañamiento o sea una línea melódica sostenida por una Armonía, como por ejemplo, un Vals de Chopin. Ritmo

Ritmo musical es el movimiento que surge de la sucesión o concatenación de los sonidos . El Ritmo es el segundo elemento constitutivo de la música (el primero es el Sonido), es una consecuencia del fluir sonoro . No existe obra musical sin ritmo, aunque si puede existir ritmo sin sonido musical, por ejemplo, el péndulo del reloj. Ritmo es la cualidad temporal de duración de la música .


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Clases de Ritmo

El ritmo puede ser regular o irregular, según el discurso musical . La combinación o sucesión regular o alternada de sonidos de igual o diferente duración trae como consecuencia la formación de ritmos regulares o irregulares . Es regular o rítmico, cuando la unidad métrica se repite igual, siempre o periódicamente . Es irregular cuando el pie métrico o unidad de medida cambia constantemente en el transcurso del fluir sonoro, de lo que se desprende que el ritmo se forma esencialmente por la acción del factor "acento" y el factor "duración" . Si en el fluir sonoro no existe regularidad de sucesión en cuanto al pie métrico se refiere, decimos que es arrítmico . Acento

Acento es el énfasis que se hace sobre un sonido cualquiera . La regularidad del acento en el discurso sonoro da como resultado un ritmo regular y viceversa . Términos de Acentuación Términos

Abreviación Significado

Forte piano fp Fuerte

la 1" -nota y débil la siguiente la 11 nota y fuerte la siguiente . Legato Leg Ligado (acompaña o reemplaza el signo de la ligadura) . Legatissium Leg Lo más ligado posible Leggiero Legg Ligero. Marcoto Marc Marcado . Pesante Pes Pesado . Rinforzando Rinf. o Rfz Reforzando el sonido Sforzando Sfz Dando repentinamente más fuerza . Sostenuto Sost Bien sostenido el sonido . Staccato Stacc Destacado. Tenuto Ten Reteniendo el sonido . Piano forte pf Débil

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Expresión musical Dinámica y movimiento

La dinámica es el aspecto de la música que determina el grado o cambio de intensidad del sonido o discurso musical . La dinámica musical se denomina también matiz . El movimiento o aire, elemento ligado al ritmo, concierne a la velocidad o tiempo que se dice o expresa el discurso musical . Signos de dinámica y movimiento

Tanto la dinámica o matiz como el movimiento o aire, se indican con signos o palabras de origen italiano . Estos términos pueden expresar una idea constante como pueden significar también una idea variable o graduable . Términos de dinámica o matiz constante Término Significado Abreviatura pianissísinlo Extremadamente suave ppp pianissimo Muy suave pp piano Suave p sotto voce Suavemente sv mezza voce A media voz mzv mezzo forte Medio fuerte mf forte Fuerte f fortissimo Muy fuerte ff tutta forza Con toda fuerza fff Términos de dinámica o matiz graduable crescendo Aumentando la sonoridad diminuendo Disminuyendo gradualmente decrescendo Disminuyendo la intensidad

eres . dim .

decre

Signos de matiz graduable

equivale a crescendo equivale a diminuendo

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Términos de movimiento o aire, uniformes 1 . Términos en movimiento lento Grave o larghissimo Muy lento ; lo más lento largo Muy despacio ; arrastrado lento Despacio adagio No tan despacio larghetto Menos lento que adagio moderatto Moderadamente andante Andando, caminando andantino Más que andante 2 . Términos en movimientos rápidos allegretto Rápido, aprisa vivo Más aprisa vivace Rápidamente, vivo presto Muy rápido prestíssimo Rapidísimo vivacíssinw Aún más rápido

Términos de movimientos o aire, graduables o paulatinos 1 . Términos que disminuyen la velocidad ritardando Disminuyendo velocidad ritenuto Frenando, reteniendo Rallentando Idem alargando Idem Allargando Idem

allarg .

2 . Términos que aumentan la velocidad animato Animándose Accelleran-do Acelerando affrettando Apresurando incalzando Acelerando stringendo Idem

ani, accell affrett incalz string

rit . riten raíl alarg.

Carácter o color

El carácter equivale a la emoción que debe producir la obra a quien la escucha . Para indicar el carácter o color existen más de sesenta palabras comúnmente usadas, todas de origen italiano, entre ellas : Amabile, arrtoro-

40-

JAIME

INGRAM

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so, appasionato, ardito, brillante, capriccioso, con allegrezza, con bravura, con delicatezza, con dolore, con grazia, con gusto, con tenerezza, delicatamente, delicato, disperato, dolce, dolcissimo, doloroso, drammatico, enérgico, espressivo, furioso, giocoso, imperioso, innocente, lagrimoso, malinconico, tuesta, nobile, patético, pomposo, religioso, rustico, semplice, teneramente, tranquillo, tristemente . Acentuación

La acentuación es un elemento importante dentro de la expresión porque ayuda a captar el diseño rítmico de la obra . De la misma forma que las sílabas de una palabra no se pronuncian con igual intensidad o énfasis, en el discurso musical existen notas que se acentúan o articulan más que otras de acuerdo con el discurso . Este juego de variedad de intensidades tiene una importancia muy particular en el arte musical . Medios musicales

Son dos los medios de expresión musical : las voces humanas y los instrumentos . Voces Humanas

La voz humana es en esencia un instrumento de viento o aire cuyo surtidor son los pulmones ; las cuerdas vocales, el elemento vibratorio, (o el cuerpo que vibra o que produce las vibraciones) ; y las cavidades de la garganta, boca y nariz, el cuerpo resonador de o caja .Csroen-acimo instrumento es completo y a l vez xcepcional, ya que por una propiedad muy particular, que nos permite cambiar el contorno de la caja de resonancia, podemos producir sonidos de color o timbres diferentes . El estilo y el gusto han variado mucho con relación al timbre de la voz . En efecto, hasta el siglo XVI estuvo muy de moda en el hombre el llamado falsetto o vozen falsete (voz más aguda que la natural), costumbre ya desaparecida y hasta repudiada . Más adelante, en el Siglo XVIII se cultivó la voz del castrato, etc.

ORIENTACIÓN MUSICAL- 4 1

Así mismo, durante la época de Mozart, o sea finales del siglo XVIII y comienzos del XIX, se exigía al cantante un timbre dulce y flexible en contraposición al timbre brillante, potente y profundamente dramático que demanda el siglo romántico, particularmente en la gran ópera . A manera de ilustración de cómo el tipo de voz varía según la época y el medio, es interesante constatar la diferencia entre el timbre de una cantaora alante y la de un intérprete de bluesZ o de boleros . La voz es un don de la naturaleza con el cual se nace . No se crea sino que se educa . El timbre y el control se pueden perfeccionar, así como la extensión de los registros agudos o graves . Tipos de Voces o Indices de Altura de la Voz Humana

Las voces humanas son : femeninas, masculinas y de niños . De acuerdo con la altura o tesitura de la voz de cada uno, existen diferentes clasificaciones dentro de cada género . Voces Femeninas

Las voces femeninas se clasifican en : soprano, medio soprano (mezzo soprano) alto y contralto. La voz de soprano a su vez puede dividirse en : soprano ligera, soprano lírica y soprano dramática . La soprano ligera o coloratura (en Zarzuela generalmente se le llama tiple) es la voz más aguda de la mujer y al mismo tiempo la más flexible y la que exige mayor movilidad ; la soprano lírica es de mayor volumen y expresión que la anterior . La soprano dramática es una voz un poco menos aguda y de contextura más densa . La medio soprano, es una voz más grave que la de soprano dramática y de timbre aún más denso y poco menos penetrante . 7) El blue es un estado de espíritu . Es un estilo característico de la música negra . La palabra no tiene equivalente en castellano de ahí que no debe traducirse . Se dice, por ejemplo, Rapsodia en blue y no Rapsodia en azul ., con referencia a la obra para piano y orquesta de Gershwin .

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El alto y contralto : es la voz más grave de la mujer . Es un tipo intenso, noble y sumamente bello de voz femenina y a la vez muy difícil de encontrar . Comúnmente se considera el alto ligeramente más aguda que la contralto . Voces Masculinas Las voces masculinas se clasifican en : tenor, barítono y a' o . La voz de tenor se puede subdividir en tenor lírico y tenor dramático, El tenor lírico : es la voz masculina más aguda . Es una voz cálida y flexible . El tenor dramático es una voz más voluminosa y sonora . El barítono es una voz más grave que la de tenor . Se trata de una voz muy noble y expresiva . El bajo es la voz masculina más grave y se divide en dos : bajo cantante : voz grave, expresiva y todavía flexible ; y bajo profundo: voz sumamente grave, sonora, expresiva, pero de menor flexibilidad . Se llaman voces blancas a las voces de los niños varones . Las voces blancas se dividen igual que las femeninas, o sea en: soprano o sopranino, medio sopranos y altos . Coro Se llama coro a un grupo de personas que cantan juntas . El coro puede ser mixto si tiene voces femeninas y voces masculinas combinadas . Generalmente el coro mixto está formado por : sopranos, medio sopranos, tenores, barítonos y bajos . Existen también coros exclusivamente de voces femeninas así como de voces masculinas y de voces blancas . Instrumentos Musicales

Los instrumentos musicales suelen clasificarse en cuatro grandes familias, a saber : cuerdas, vientos (o aires), percusión y eléctricos (o mecánicos) . Cuerdas Los instrumentos de cuerdas son aquellos cuyo sonido es producido por la vibración de_ cuerdas . Por ra-


zones de su ejecución los instrumentos de cuerdas pueden dividirse en varios tipos, a saber : cuerdas con arco o cuerdas frotadas ; cuerdas rasgueadas y cuerdas percutidas . Cuerdas con arco

Los instrumentos de cuerdas con arco o cuerdas frotadas, son los que se tocan o ejecutan con la ayuda de un arco (la cuerda se frota con el arco), v .g. el violín, la viola, el violonchelo y el bajo o contrabajo . Cuerdas rasgueadas o punteadas

Son aquellos instrumentos cuyas cuerdas son rasgueadas o punteadas con la punta de los dedos o con la ayuda de un p lectro. V.g. la guitarra, la mandolina, el arpa, el clavecín, la lira, la mejoranera, etc . Cuerdas percutidas

Son aquellos instrumentos cuyas cuerdas se percuten por la acción de un martinete o martillo de madera, fieltro u otro material . V.g. el Piano, el Clavicordio, el Salterio, etc . Viento o Aire

Los instrumentos de viento o aire -también llamados instrumentos de soplo o de aliento- son aquellos en los cuales el sonido se produce por la vibración de una columna de aire encerrada en un tubo cilíndrico o de forma prismática . Los instrumentos de viento se dividen en dos grandes grupos que son : maderas y metales o cobre. Maderas

Los instrumentos llamados de madera o más correctamente de lengüeta, son los siguientes : flautín o píccolo en italiano, flauta, oboe, corno inglés, clarinete (sopranino o requinto, soprano, alto o contralto y bajo), fagot, contrafagot y saxofón (sopranino en fa, soprano en do, tenor en do, barítono en fa y bajo en do, aunque para las bandas se construyen diferentes tipos, a saber : sopranino en mi bemol, soprano en sí bemol, contralto en mi bemol, tenor en sí, barítono en mi bemol y bajo en sí bemol) .

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Metales

Los instrumentos tipo metal o cobre son los siguientes: Trompeta, Cornetín, Trompa o Corno Francés, Trombones (de pistones y barra) y la Tuba, que es el instrumento más grave de la orquesta . Percusión

Los instrumentos de percusión son aquellos que son percutidos ya sean de madera, metal, cuerdas o piel . Estos instrumentos se utilizan primariamente para funciones rítmicas y se dividen en dos tipos, según produzcan sonidos de afinación determinada o sonidos de afinación indeterminada o ruidos . Al primer grupo pertenecen: la marimba, campanas, timbales, xilófono, celesta, etc., y al segundo, el tambor (con sus palillos, macillos o baquetas)', triángulo, platillos, castañuelas, pandereta, maracas, palitos, etc. Eléctricos

Pertenecen al grupo de instrumentos eléctricos o radioeléctricos aquellos cuyo sonido es producido eléctricamente, inventados en el siglo actual : Thereminvox o Theremin (1924), Orgatrón (1925), Cruz Sonora (1926), Superpiano (1927), Ondas, Musicales (1928) Hellertion (1928), Trautonium (1930), Evricón (1931), Neo Bechstein, Ondiolina, etc . Hasta el momento estos instrumentos sólo se utilizan esporádicamente para efectos especiales dentro de la orquesta . La Orquesta

La Orquesta es el conjunto instrumental más prolífero e importante de la música . Surge de la unión de las tres grandes familias instrumentales, cuerdas, vientos y percusión . Si bien es cierto que los conjuntos instrumentales son tan antiguos como la existencia de los propios instrumentos, la orquesta como tal, con un concepto de balance, contraste, timbre, etc ., se origina en los albores del siglo XVII con la llegada de la ópera italiana, en 8)

Generalmente son varillas de madera, forradas, a veces y según se necesite, con piel, esponja, caucho, o fieltro .

ORIENTACIÓN

MUSICAL- 4 5

cuyo género sobresale Claudio Monteverdi (1567-1643) compositor italiano, uno de sus mayores y más originales zapadores . Con el decorrer de los años y después de pasar por las manos de los compositores barrocos, clásicos, románticos y modernos, la orquesta se desarrolla ampliamente hasta alcanzar las grandes proporciones de hoy . Timbales

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Posible colocación de los músicos en la orquesta .

La orquesta de hoy está formada aproximadamente por 86 a 130 ejecutantes . Es el conjunto de todas las familias instrumentales combinadas en una proporción preestablecida, como por ejemplo : un flautín, tres flautas, tres oboes, un corno inglés, tres clarinetes, un clarinete bajo, dos fagotes, un contrafagot . En los vientos metales la proporción puede ser : 4 trompetas, 3 trombones 4 trompas o cornos y 1 tuba . La percusión varía mucho según la partitura pero generalmente comprende : timbales, caja, triángulo, campanas, celesta, platillos, bombo y piano . Las cuerdas se dividen en seis secciones : grupo de primeros violines, grupo de segundos violines, violas,

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violonchelos, contrabajos y arpas. Estas secciones guardarán una proporción preestablecida entre si . Una orquesta de medianas proporciones comprende alrededor de 18 primeros violines, 16 segundos violines, 12 violas, 10 violonchelos, unos 8 bajos y dos arpas, lo que daría un total de 60 unidades aproximadamente en la familia de las cuerdas . En una orquesta es más importante el balance y proporción entre los grupos instrumentales que la cantidad de instrumentos en general . Sin embargo, el número de ellos puede variar de acuerdo con las exigencias del compositor (de la partitura).

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Otra posible colocación de los músicos en la orquesta . La Orquesta de Cámara, es un conjunto de dimensiones más reducidas, compuesta por la familia de las cuerdas y algún instrumento de viento y timbales . La Orquesta de Cuerdas, es aquella que está constituida exclusivamente por la familia de las cuerdas .


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Primeros Atriles

Se denomina primeros atriles a los principales ejecutantes de cada sección instrumental . El primer atril por regla general es el mejor ejecutante de su respectivo instrumento en cada grupo . Filarmónica o Sinfónica

Se denomina Orquesta Sinfónica o Filarmónica a una orquesta de grandes proporciones (capaz de tocar obras sinfónicas) en contraposición a Orquesta de Cuerdas_ u Orquesta de Cámara . La denominación "Filarmónica" es el nombre propio que utilizan algunas orquestas (Filarmónicos : del griego, que significa amigos de la armonía) . Musicalmente no existe diferencia entre una Orquesta Filarmónica (Orquesta Filarmónica de Berlín) y una Orquesta Sinfónica, (Orquesta Sinfónica de Chicago) e inclusive hay algunas que usan ambas expresiones y se denominan Orquesta Sinfónica Filarmónica, como la de Nueva York, por ejemplo . Otras orquestas tan grandes y eficientes como las que más no usan ni una expresión ni otra, como por ejemplo la Orquesta de la Konzertgebozo de Amsterdam, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Nacional de España o la célebre Orquesta de la NBC que dirigía Arturo Toscanini . Al frente de la orquesta se encuentra el Director. El Director es aquel que conduce o dirige_ la orquesta, el coro o la ópera . También se le denomina maestro expresión original del idioma italiano . Es tarea del director ensayar detalladamente las obras ; exigir a cada uno de los músicos la fiel interpretación de la partitura; obtener la expresión o dinámica y timbres adecuados a cada instrumento; buscar el equilibrio sonoro en sus diversas combinaciones, hasta lograr que se compenetren unos a otros no sólo armónica y mecánicamente, sino en intensidad emocional y carácter, para la debida interpretación de la obra . Es responsabilidad del director salvaguardar la rítmica y la estilística de todo el conjunto . El director de orquesta o de coro es en sí un virtuoso . Su labor es importante y de gran responsabilidad . Si bien no necesita dominar la técnica de cada uno de los instrumentos de la orquesta que dirige,

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(como tampoco necesita ser cantante) debe tener amplio conocimiento teórico, por lo menos, de la técnica y posibilidades sonoras de cada uno de ellos . A semejanza de cualquier ejecutante, el Director debe poseer, además de talento interpretativo y sensibilidad, una vasta instrucción musical, así como conocimiento cabal de los estilos musicales. Debe poseer cualidades de organizador para poder controlar y disciplinar todo el conjunto y cada uno de los integrantes de la orquesta o del coro . Sigue en jerarquía al Director de la orquesta, el primer violín (el primer violinista a la izquierda del director, mirando el escenario desde la platea) al que se denomina Concertino (Koncert Meister, en alemán) . Música de Cámara

Se llama Música de Cámara a aquella que se hace con conjuntos instrumentales en combinaciones de a tres (trío) o cuatro (cuarteto) o cinco (quinteto), seis (sexteto), siete (septeto), ocho (octeto), etc. Al constituirse, en el siglo XVI, las capillas de música, a toda obra musical destinada a ser ejecutada en los salones de la Corte o salones cortesanos se le denominó Música de Cámaras, en aquel entonces sinónimo de música profana en contraposición a Música de Iglesia y Música de Teatro . Actualmente la separación entre música d iglesia y música profana es innecesaria porque se denomina música de cámara genéricamente a toda aquella destinada a conjuntos instrumentales en número menor que tina orquesta de cuerdas . 9)

En una Enciclopedia de 1805 se describe Música de Cámara, así : "conmposiciones para una pequeña sala, pocos músicos y un reducido auditorio a diferencia de la música de iglesia, de teatro o de sala pública de conciertos" . Los Tríos para violín, violonchelo y piano comienzan propiamente con Haydn y la Escuela de Mannheim . Anteriormente la Sonata a tre era realmente una Sonata para cuatro instrumentos : 2 violines, violonchelo y clavecín (u órgano si era para iglesia), porque sólo las cuerdas se contaban en el título, toda vez que el Clave, que era el instrumento obligado para todos los tipos de música de ese período se daba por descartado, porque el violonchelo y el clave hacían la misma línea de notas en el bajo . El violonchelo melódicamente y el clave como base de su realización armónica . La esencia de la música de cámara reside en la igualdad de importancia de los diversos instrumentos que participan .

2. FORMAS 0 ESTRUCTURAS DE LA MÚSICA Elementos generales Se denomina forma al conjunto organizado de las ideas musicales de un compositor . Este puede utilizar estructuras ya establecidas, variarlas o crear nuevas . Para una mayor comprensión de lo que son las estructuras musicales se estudiarán en primer lugar algunos de los elementos generales que son comunes a todas ellas, tales como : tema, frase, período, sección, unidad y contraste . Generalmente las obras musicales llevan por nombre el de la estructura o forma en que están construidas, por ejemplo : Sonata, Nocturno, Rapsodia, Minueto, Suite, etc . Tema o sujeto Toda composición musical está construida sobre una o varias ideas llamadas temas o sujetos . Dichos temas constituyen generalmente las melodías principales de la obra mediante las cuales las identificamos . Todos conocemos, por ejemplo, la melodía o tema principal de la Serenata de Schubert, o la Polonesa en la bemol de Chopin, o la segunda Rapsodia Húngara, de Liszt, o de la Quinta Sinfonía de Beethoven . Estos temas, que a veces son sorprendentemente cortos, y que por lo general nos quedan en el oído (en la memoria), constituyen las células generadoras con que el compositor construye su obra . Frase Un pensamiento musical es una frase o sentencia, al igual que en la gramática de la lengua . La frase puede ser larga o corta . En la música de los siglos XVIII y XIX están formadas por grupos de 4 compases o múltiples de cuatro . Las frases musicales tienen, al igual que en el idioma, sus puntos y comas lla-

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mados cadencia y semicadencia, lo que da la sensación de reposo final o reposo transitorio . El trozo de frase anterior a la semicadencia se denomina grupo suspensivo, mientras que aquel que termina con la cadencia final se denomina grupo conclusivo . Período Cuando varias frases están unidas entre sí, formando un solo discurso, decimos que hay un período .

No siempre es fácil determinar los límites de las frases y los períodos en una obra, ya que en la construcción de la misma entran en juego gran variedad de elementos que sirven de enlace y que pueden, a veces, sembrar dudas sobre la verdadera longitud de una frase determinada . Sección Al conjunto de varios períodos se le denomina sección. Una obra puede estar formada por varias secciones . Estas secciones en música, generalmente se indican por letras mayúsculas (A, B, C, etc .) o cuando el caso así lo requiere, por nombres más funcionales, tales como : Introducción, Exposición, Final, Coda, etc . Unidad Por más compleja o extensa que sea una obra, ésta debe contener un elemento o elementos que repetidos o sugeridos inteligentemente a través del discurso, le impriman un sentido de unidad a la obra. Este elemento puede ser de índole melódico o rítmico, o ambos a la vez . Contraste o Variedad

Además de la unidad deseada, toda obra necesita también de una dosis adecuada de agentes contrastantes que transmitan una interesante variedad, evitando la monotonía . Este contraste puede conseguirse variando los elementos melódicos, modificando el diseño rítmico o armónico, o cambiando el timbre mediante diferentes combinaciones instrumentales, o alterando el volumen de sonoridad con una dinámica inteligente y adecuada, etc ., o mediante la modificación súbita y simultánea de todos los recursos mencionados .


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El interés temático, melódico, rítmico y armónico, la unidad del discurso y el contraste de los elementos constitutivos de una obra dicen mucho de la capacidad creadora (talento creador) del compositor.

Por último, es necesario, para que el arte musical cumpla con su función social, que todos estos elementos unidos, que constituyen la obra ya terminada, sea capaz de transmitir un mensaje de carácter estético que no necesariamente tiene que ser de nuestro agrado . Estructuras Binarias Cuando una obra se compone de dos secciones (A y B) decimos que tiene forma binaria : por ejemplo las danzas de las Suites barrocas, o las Sonatas de Domenico Scarlatti . Generalmente en las estructuras binarias se repiten las secciones, así : A, A; B, B, lo que en música se escribe, A: B :. Los dos puntos indican que la sección debe repetirse .

Las estructuras binarias pueden ser de tres tipos diferentes, a saber : simétricas, asimétricas y compuestas . La estructura binaria simétrica es aquella que ambas partes (A y B) tienen igual longitud, o sea igual cantidad de compases . En la estructura binaria asimétrica, la segunda sección (B) es mayor que la primera (A) . La estructura binaria compuesta es aquella cuya segunda sección (B) concluye con los mismos elementos, o parte de los elementos, de la primera sección (A) . Esta estructura se representa así, :A : :B + A : Como ejemplo de estructura binaria compuesta tenemos la primera parte de todo Minueto . Forma Ternaria La forma ternaria es aquella que se compone de tres secciones independientes, siendo que la primera y la tercera son iguales o casi iguales entre si, mientras la segunda es de carácter contrastante . La estructura ternaria se representa con la fórmula A B A . Ejemplo de forma ternaria, con una introducción, es el Himno Nacional . El Coro sería la sección A y la Estrofa la sección B . De ahí que la fórmula del Himno sería : Introducción (que no se repite), sección A (coro), sección B (estro-

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fa) y nuevamente sección A . Está claro que en cuanto a carácter, la estrofa (B), suave y más lenta, contrasta con el coro (A), que tiene el aire de una marcha militar . Diferencias entre la forma binaria y la ternaria

En la forma binaria se guarda una unidad estilística, melódica y rítmica en sus dos secciones que se repiten, siendo que la segunda sección es el complemento lógico y necesario de la primera, mientras que en la estructura ternaria se unen tres partes que son completas de por sí . La diferencia se refleja concretamente en la progresión armónica del discurso . En efecto, en la forma binaria la primera sección se extiende de Tónica (I grado de la escala) a Dominante (V grado de la escala) mientras la segunda sección va de Dominante a Tónica, recordando que es un principio general en música que toda obra debe empezar y terminar en la tónica . En la forma ternaria, cada sección tiene un ciclo armónico completo e independiente . Secciones funcionales

Al describir las estructuras musicales se utilizan ciertos términos que sirven para determinar algunas secciones que tienen un fin específico dentro de la estructura general, tales como : 1. Introducción : Se denomina introducción aquella parte que sirve para iniciar la obra a manera de prefacio . En la introducción no necesariamente tienen que aparecer los temas que se desarrollarán más adelante . 2. Exposición: Se llama exposición a la sección mayor en la que se presentan los temas principales de la obra . 3. Recapitulación : Es la sección donde se repiten los materiales temáticos ya sea en la misma tonalidad o en tonalidad diferente . 4. Coda : Es una especie de epílogo que sirve para dar fin a la obra o a una sección principal de la obra . 5. Episodio : Se denomina episodio a la sección secundaria que sirve para unir dos temas importantes o dos secciones principales de una obra .


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Transición o puente : Se denomina así a las secciones que sirven para modular o sea para cambiar de tonalidad . Generalmente el puente contiene elementos del tema o temas .

Diferencias entre Sección y Movimiento de una obra No debemos confundir sección con movimiento de una obra . Las secciones son las partes en que pueden dividirse los movimientos, mientras que los movimientos son las partes que constituyen una obra, o parte de ella si es que la obra tiene varios movimientos . Por ejemplo : una sinfonía cualquiera de cuatro movimientos, podría tener : un movimiento rápido (el primero), un movimiento lento (el segundo), otro movimiento, medianamente rápido (el tercero) y un movimiento aún más rápido de carácter brillante (el cuarto) . En este caso, el primer movimiento puede estar construido dentro de la estructura Sonata (ver más adelante) que tiene varias secciones y probablemente una introducción y una coda extensa . El segundo movimiento podría ser una Marcha Fúnebre, de forma binaria . El tercer movimiento puede ser un Minueto o un Scherzo (ver más adelante) de forma ternaria y el cuarto movimiento bien puede ser un Rondo (ver más adelante) o un Tema con Variaciones (ver más adelante) . Cada movimiento tiene sus propios temas y secciones totalmente independiente de los demás . FORMAS O ESTRUCTURAS PROPIAMENTE DICHAS Formas o Estructuras Las estructuras pueden ser, vocales, instrumentales y mixtas . A continuación ofrecemos una breve explicación de algunas de las estructuras o formas más conocidas en música, dispuestas en orden alfabético : Balada, Ballet, Barcarola, Cantata, Capricho, Concierto, Concerto Grosso, Chacona, Coral, Fantasía, Fuga, Himno, Intermezzo, Lied, Madrigal, Minueto, Misa, Motete, Nocturno, Obertura, Opera, Opereta, Oratorio, Pasacaglia, Poema Sinfónico, Preludio, Preludio Coral, Rapsodia,

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Réquiem, Rondó, Sinfonía, Sonata, Sonatina, Singspiele, Suite, Te Dean,, Toccata, Variaciones y Zarzuela . Balada : Forma vocal e instrumental Se denominó balada a una canción sencilla, para danzar, difundida desde la época de los trovadores, que se caracterizaba por la presencia de un estribillo. Aunque el término es de origen francés (Ballade), existieron la ballata italiana del Renacimiento y las ballads inglesas, importadas probablemente de Francia donde se conocían desde el siglo XIV. Con el correr de los años la balada en Inglaterra fue el equivalente de canción de carácter popular. Entre las baladas más significativas de la polifonía vocal están las de Guillermo de Machaut. En Alemania la balada adquirió gran importancia en el período romántico designándosele a ciertos poemas legendarios y fantásticos con acompañamiento instrumental . Schubert y Schumann escribieron lieder (plural de Lied) de este género con textos de Goethe y Schiller . Llámase también balada a ciertas composiciones instrumentales de forma libre y de carácter dramático como las de Chopin (Baladas Ops . 23, 38, 47 y 52), consideradas las mayores en su género ; le siguen las de Brahms (4 Baladas Ops . 10) Grieg y Fauré (Balada para piano y orquesta Op . 19) . El compositor ruso Nicolas Medner introdujo el género Balada-Sonata, para piano ; a su vez Nicolai Miaskovsky escribió una Sinfonía-Balada y Alexander Glazunov, una Balada-Concierto para violonchelo y orquesta .

Ballet : Forma musical coreografiada Se trata de una composición musical destinada a ser representada plásticamente con movimientos corporales, danza y mímica, cuyo origen se remonta a civilizaciones muy antiguas, pero que cobra forma definitiva en Italia y Francia durante los siglos XV y XVI, incorporándose posteriormente a la llamada Gran ópera sa . El concepto actual de Ballet, es el creado en la Rusia zarista a finales del decimonono y comienzos del siglo actual, particularmente por Diaghileff, en el que se compenetran, con gracia y armonía, la mímica, la danza y la música, transformándose en un espectáculo origi-


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nal, con técnica y estéticas propias, totalmente independiente de la ópera y de casi igual importancia que ésta . La partitura musical puede ser originalmente escrita para el propio espectáculo o tomarse prestada de una obra ya existente, como por ejemplo Sylfides, en el que se usan varios Preludios originales para piano de Chopin, o el ballet Paganini, cuya partitura fue tomada de la Rapsodia para piano y orquesta sobre un Tema de Paganini, de Rachmaninoff . Ejemplos de Ballets con partituras originales, especialmente escritas, son: La Bella Durmiente del Bosque, Cascanueces, El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky ; La Consagración de la Primavera, El Pájaro de Fuego, Petrouchka, Agon, etc ., de Stravisnky ; Dafne y Cloé, así como Bolero, de Ravel ; Espartaco, de Kachaturian ; Rodeo, de Copland; Estancia de Ginastera, etc . Barcarola: Género vocal e instrumental

Composición vocal e instrumental de carácter melancólico, en ritmo de balanceo, en compás de 6/8, cuyo origen se remonta a los cantos de los condoleros venecianos . Existen estrofas de Dante y Tasso, musicadas en melodías de este carácter . Escribieron célebres barcarolas para piano : Chopin (Barcarola Op . 60), Mendelssohn (Barcarola o Gondollied), Fauré (6 Barcarolas), así como Rossini (Ottelo), Weber (Oberón), Auber (Fra Diavolo), Offenbach (Los cuentos de Hoffmann), Verdi (I due foscari), etc . Cantata : Forma mixta Originalmente cantata es una composición para voz, en contraposición a sonada o sonata, tina composición instrumental y toccata una composición para instrumento de tecla . Los primeros creadores de cantatas fueron los compositores italianos, L . Rossi, Cesti, Stradella, etc . Más adelante apareció la cantata sacra en forma coral, cultivada por Buxtehude y posteriormente la cantata en forma combinada con coro, solistas y conjunto instrumental tan desarrollada en el período barroco . En principio la cantata es como un oratorio corto con argumento generalmente profano y no necesariamente

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religioso . Los compositores más conspicuos en este tipo de cantata han sido A . Scarlatti y Bach, quien escribió más de 300 de las cuales se conservan unas 200, la mayoría con carácter religioso aunque otras, como la entretenida Cantata del café, con temas totalmente profanos . Durante el siglo XIX fue obligatorio, en Francia, escribir una cantata para candidatizarse al Prix de Rome y se calcula que de esta exigencia se produjeron aproximadamente cien mil obras dentro del género . Mozart escribió una Cantata masónica, una aria de la cual se transformó en el Himno nacional austriaco después de la primera guerra mundial . En el siglo XX son conocidas la Cantata Académica del inglés Benjamín Britten así como la Cantata Misericordium escrita para conmemorar el centenario de la Cruz Roja Internacional . Son conocidas así mismo, la Cantata Profana de Béla Bartók y la efectiva Cantata para América Mágica del argentino Alberto Ginastera . Capricho : Composición libre, vocal o instrumental . La expresión, en un sentido musical, aparece por vez primera en Italia en el siglo XVI, ligada al madrigal y a la canzone . Praetorius definió el capricho como una especie de fantasía improvisada en la que se pasa de un tema a otro . Frescobaldi dio a sus Doce caprichos para órgano un estilo fugado con movimientos vivos y fogosos en su ejecución . Handel, Bach y Scarlatti lo trataron como una composición libre en estilo fugado . Un buen ejemplo del capricho barroco es el Capricho para la partida del queridísimo hermano, de Bach . Más adelante tanto Locatelli (24 Caprichos) como Paganini (24 Caprichos Op . 1) y Kreutzer (40 Estudios y Caprichos) le dieron el carácter de difíciles estudios técnicos para violín, lo que fue emulado por otros compositores que escribieron caprichos para diferentes instrumentos, entre ellos, Cavallini (Caprichos para clarinete), Boehm (Caprichos para flauta), Piatti (Caprichos para violonchelo), Mendelssohn (Capricho Brillante para piano y orquesta), Brahms (Caprichos e Intermezos Op . 116 para piano), Dohnanyi (2 Caprichos para piano), etc . También está el de Stravinsky, para piano y orquesta, el Capricho español de Rimsky-Korsakov, el Capricho Italiano Op . 45 de Tchaikovsky, los de oboe y


cuerda, o el de violonchelo sólo, de Penderecki, etc . El término se escribe generalmente en su versión italiana, capriccio, como tantas otras expresiones en música . Concierto (ver Sonata) Concerto Grosso : Forma instrumental

Estructura característica del período barroco cuyo conjunto lo constituyen los llamados concertino 10 o principale, contra la orquesta entera llamada Concerto Grosso, tutti o ripieni . Es preciso no confundir el Concierto del período barroco con la estructura Concierto que aparece posteriormente, en el período Clásico Vienés, con la llegada de la estructura Sonata-Allegro . Escribieron Concerti Grossi : Stradella, Corelli, Torelli, Geminiani, Vivaldi, Hándel, y Bach (los llamados Conciertos de Brandenburgo), etc . De acuerdo con sus características se les denominaba Concerti da Camara (de salón) o Concerti da Chiesa (de iglesia) o sea para ser ejecutados dentro o fuera del recinto sagrado . Coral : Forma vocal Se llama Coral a un tipo de himno que surge en la iglesia luterana alemana . El desarrollo del Coral está íntimamente ligado a Martín Lutero" (1483-1546) al traducir los himnos, con textos en latín de la iglesia católica romana a lengua vernácula con el propósito de que la congregación de feligreses pudiera participar en el canto comunitario del servicio religioso . Las melodías son generalmente sencillas, accesibles y muchas de ellas inspiradas tanto en las secuencias de la iglesia católica como en conocidas canciones populares y en el canto de los peregrinos que iban a visitar la tumba del apóstol Santiago en Santiago de Compostela . La primera colección de Corales o himnos luteranos vio la luz en Alemania en 1524, colección que en pocos años se transformó en 10) En este caso la expresión Concertino significa el grupo de instrumentos solistas (semejante a lo que más adelante, en el período Clásico Vienés, se llamará Concertante), en contraposición al resto de la orquesta que constituye el Concerto grosso o, el hdN o ripieno . 11) No hay que olvidar que Lutero fue un excelente músico .

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fuente de inspiración para composiciones polifónicas de grandes maestros . A partir del siglo XVII se le incorporó al Coral el acompañamiento del órgano, y alcanza su mayor grandeza en la obra de Bach quien, dos siglos después de Lutero, armonizó unos cuatrocientos de ellos a la vez que compuso unos treinta nuevos . El Coral Protestante o himno protestante conocido también como himno luterano, surge a inicios del siglo XVI con el fin de crear un repertorio de cantos eclesiásticos en lengua alemana al alcance de la comunidad . El coral luterano es a la iglesia protestante lo que el canto llano es a la iglesia católica . Armónicamente la coral es a cuatro partes o voces, pero se canta al unísono con acompañamiento de órgano u otros instrumentos, rompiendo radicalmente desde su origen con la polifonía que había alcanzado la iglesia católica, así como con el sistema modal, implantando las tonalidades tal como se conocen hoy día . En los primeros tiempos del cristianismo se llamaba himno a cualquier canto cuyo texto era una alabanza o adoración a Dios . Posteriormente sólo se llamó himno a aquellos cantos con textos escritos especialmente para la ocasión, ajenos a las Escrituras, lo que lo diferenció de los Salinos . La implantación de la himnología en la iglesia occidental se le atribuye a San Ambrosio, obispo de Milán en el año 397, ejemplo que fue seguido por San Benito y otros padres de la iglesia . Los himnos polifónicos datan del siglo XIII . Existe también lo que se llama Coral de órgano que consiste en una obra polifónica para órgano que sirve generalmente como introducción al canto congregacional en cuyo caso se denomina Preludio Coral . Sweelinck, el compositor y organista holandés, fue uno de los promotores del Preludio Coral que pasó a Alemania a través de sus discípulos . Otro tanto hicieron, Praetorius, Scheidt y Schein . Fantasía : Forma instrumental El término Fantasía ha tenido en la historia de la música diferentes significados, aunque siempre se ha asociado con obras de libre invención o libre construcción, de cara a aquellas que tienen una estructura espe-


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cífica . Originalmente se denominó Fantasía a una obra de textura polifónica de carácter improvisado y contrapuntístico, con diferentes secciones lentas o rápidas, alternadas : V.g. la Fantasía de los siglos XVI y XVII . Se denomina también Fantasía a una composición virtuosística construida con temas o melodías muy conocidas : v.g . Fantasía de la ópera Carmen de Bizet, que en este caso constituye una especie de paráfrasis de tipo virtuosístico que se origina en la segunda mitad del siglo XIX . Por último se llama Fantasía a ciertas obras de construcción libre, originales también del siglo decimonono, v.g. Fantasía en /'a menor de Schubert, Fantasía en do, de Schumann, o Fantasía en fa menor de Chopin . Las tres conllevan en el fondo una construcción muy definida, aunque muy disímiles entre sí, toda vez que la Fantasía no tiene una estructura concreta y definida . Inclusive la Fantasía de Schumann, dedicada a Franz Liszt, se asemeja más bien a una Sonata con tres movimientos . Fuga: Composición vocal e instrumental

Composición polifónica basada enteramente en el principio de la imitación, con un tema generalmente único llamado sujeto o ¡nativo que se presenta o se expone, primeramente en una voz y luego sucesivamente en todas las voces de la textura polifónica de la obra, respetando normas muy particulares y precisas . La expresión surge en el siglo XIV para indicar composiciones basadas en la imitación, específicamente en la imitación canónica. Posteriormente al recercare instrumental y otras formas similares se fue consolidando la escritura contrapuntística en la que fue apareciendo el perfil de la fuga . La fuga suele tener una exposición, un desarrollo, una o varias reexposiciones y un final en el que surge generalmente el llamado stretto . En la exposición de la misma, o sea al inicio de la obra , el tema se presenta en solitario en cualquiera de las voces, para luego ir apareciendo en todas y cada una de las voces del tejido polifónico, secundada por una respuesta llamada contrasujeto o cantramotivo, que puede ser tonal o real . Aunque fundamentalmente la fuga es una obra monotemática (existen fugas con más de un tema y se

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conocen como fugas dobles o triples) el sujeto puede variarse por aumentación, disminución, inversión, retrogradación y otras técnicas contrapuntísticas . La fuga cumple, más bien, con un procedimiento polifónico e imitativo y no con una estructura específica . En los antiguos tratados en latfin el sujeto de la fuga se conoció con el nombre de dux que significa "líder" y su respuesta o contrasujeto se llamó conies lo que significa "compañero" . Las raíces de la fuga surgen del ricercare, la canzona y la fantasía . Ejemplos de fugas existen a todo lo largo de la historia de la música toda vez que los grandes compositores le han dedicado su atención, desde la era vocal hasta la actualidad . Son célebres las fugas de Sheidt, Buxtehude, Pachelbel, J .C.F. Fischer, Hándel, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Franck, Reger, Hindemith (Ludus Tonalis), Shostakovich (24 Preludios y Fugas), etc . No obstante el maestro supremo de la composición fugada es J .S . Bach, tanto en sus obras vocales como instrumentales : Misa en si menor, Pasión según San Mateo, El Clavecín bien temperado (que consta de 48 Preludios y Fugas en todas las tonalidades), Toccatas con fuga para órgano, El Arte de la Fuga, La Ofrenda musical, etc. Se llama fughetta a una fuga breve

y de conformación más sencilla . Los ejemplos más fecundos de fughettas se encuentran en los Pequeños Preludios y fughettas para órgano de J.S . Bach. Himno

(ver Coral)

Intermezo : Composición libre, vocal o instrumental La expresión es de origen italiano (Intermezzo) y surge de las pequeñas composiciones musicales que se ejecutaban entre dos actos de tina obra teatral, a fines del siglo XVI . En castellano se llamaron Intermedios . Las primeras óperas bufas italianas fueron escritas en forma de intermedios, entre las cuales están las célebres Serva Padrona de Pergolesi 12 , El adivino del pueblo de J . J. 12) Que se introdujo entre acto y acto de la ópera seria, II Prigionicro superbe, también de Pergolese, con el resultado de que la obra que quedó para la posteridad fue la primera .


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Rousseau y La Italiana en Londres de Cimarosa . En el siglo romántico compositores como Heller y muy particularmente Brahms, escribieron una serie de obras líricas cortas, que se denominan Intermezos . El conocido Intermezo de la ópera Cavallería rusticana de Mascagni, que se ejecuta inclusive como pieza independiente en conciertos sinfónicos, no es otra cosa que un intermedio que se interpone entre la primera parte de la obra y el dramático final que se avecina . R . Strauss, inspirado en el vocablo, escribió su ópera cómica intitulada Intermezzo .

Lied : Microforma vocal Expresión alemana adoptada prácticamente en todos los idiomas que significa simplemente canción . Se dice lied o su plural Heder cuando se hace referencia a una canción artística o a un grupo de canciones . Se trata de una microforma del siglo XIX para una voz solista con acompañamiento de piano, sin una estructura propiamente dicha ; es estrófica o sea que su desarrollo musical depende en gran parte del poema, casi siempre rimado y estrofas con igual cantidad de sílabas en cada verso, simetría que la música sigue con mucho cuidado . La importante microforma se atribuye al compositor vienés Franz Schubert quien a los 16 años escribió su inspirado lied, Margarita en la Rueca (Gretchen am Spinnrade) seguido de varios ciclos (grupos de lied) igualmente iluminados . No obstante existen notables predecesores a Schubert en el género, entre ellos Zelter, Reichardt y el propio Beethoven . También importantes en el género son : Mendelssohn, Schumann, Liszt, Brahms, Wagner, Loewe, Hugo Wolf, Mahler, Ricardo Strauss, Reger y otros . Las conocidas Canciones sin palabras de Mendelssohn, originales para piano, son en realidad "canciones" sin letra dentro de las características propias del lied . Madrigal : Microforma polifónica vocal Se llamó Madrigal a dos tipos diferentes y no muy bien definidos de canción polifónica, una del siglo XIV y otra del siglo XVI, aunque ambas de origen italiano .

6 2 - JAIME INGRAM JAÉN Cuando decimos Madrigal nos referimos generalmente a la fórmula usada en el siglo XVI, que en el fondo representa el género profano más importante de la música italiana a la sazón . Inclusive se considera que gracias al Madrigal, Italia se convierte en el centro de la música europea por primera vez en su historia . El Madrigal se asemeja al Motete, sólo que lleva un texto de carácter profano y una lírica casi siempre referente al amor . Generalmente el Madrigal consta de dos o tres voces a capella aunque puede tener acompañamiento instrumental y una voz solista . En el siglo XVI el Madrigal se convierte en un verdadero símbolo de la sociedad renacentista y aristocrática . A finales del siglo XVI se produce otra variante del madrigal conocida como el "madrigal dialogado" cuyo gran representante fue Orazio Vecchi (1550-1605) con su obra Antiparnaso, de 1597, una auténtica comedia de máscaras . Entre los grandes cultivadores del Madrigal están, Willaert, Marenzio, Lassus, Monteverdi 13 , Morleyld, Gibbons, De Monte, De la Encina y Gesualdo 15 . Minueto : Forma instrumental Danza sa de origen popular, en ritmo de (que reemplazó a la gallarda del siglo XVI), introducidaen la corte de Luis XIV por el compositor Lully, y que se puso muy de moda dentro de los círculos aristocráticos europeos del siglo XVII, particularmente en Francia, Rusia, Italia y España . El Minueto es de estructura ternaria o sea que está formado por tres partes, siendo que la primera y la tercera son iguales entre si y se llaman minué ; la parte central, escrita en la dominante o en la relativa menor, se llama trío porque era interpretado sólo por tres instrumentos en vez de todo el conjunto instrumental como sucede con el minué propiamente dicho, 13) Con Monteverdi el madrigal alcanza su plena expresión . 14) Es interesante señalar que ya en 1603 existía en Inglaterra una importante colección de Madrigales, conocida como El Triunfo de Ariana, compuestos por los mayores compositores ingleses del momento . 15) Una de las figuras musicales más significativas de finales del Renacúniento con una vasta e importante producción de Madrigales, que cubren unos siete volúmenes .

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ligeramente más suave y lento, después del cual se repite el minué. En otras palabras el Minueto se compone de Minué, Trío y Minué . Durante el período clásico vienés, el Minueto se utilizó mucho en el tercer movimiento de las Sonatas y Sinfonías (en las de Haydn y Mozart particularmente ), hasta que Beethoven lo sustituyó por el Scherzo que es ligeramente más rápido . Bach también lo utilizó como una de las danzas optativas de la Suite, aunque en este caso se trataba de un Minueto de estructura binaria compuesta, o sea : A (que se repite) seguida de:B+A: (con signos de repetición) . Misa: Forma vocal y mixta Musicalmente hablando la misa católica romana es la estructura principal de toda la Edad Media, que adquiere forma definitiva en el siglo XI con la incorporación del credo o símbolo de los apóstoles . El término se origina en las palabras de despedida de la congregación al final de la ceremonia, i te missa est . Originalmente la ceremonia se conoció con el nombre de eucaristía, y consistía en una serie de cantos, plegarias, letanías, ofertorios, lecturas, etc ., que se hacían hasta llegar a la celebración de la comunión . A mediados del siglo VII, ya en posesión de una liturgia muy elaborada, la Iglesia decidió hacer una distinción entre aquellas partes cuyos textos o cantos eran apropiados sólo para una festividad determinada, que denominó propium o propio, y aquellas cuyos textos o cantos podían utilizarse en cualquier ocasión del calendario litúrgico, que se conocen como ordinarium u ordinario . Para efectos de nuestro estudio la misa contiene 11 secciones musicales : 5 del propio y 6 del ordinario incluyendo el ite missa est que no siempre fue incluido por los compositores . Los cantos del propio, que son los más antiguos de la tradición escrita, se dividen en cantos que utilizan la salmodia antifonal, cantos que utilizan la salmodia responsorial y cantos que usan la salmodia directa, y sirven para determinar el tipo de misa que se celebra . A su vez el ordinario, que consta de cinco partes fundamentales, invariables en toda misa, comprende : Kyrie, Gloria, Credo . Sanctus y Agnus Dei a las que habría

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que añadir el i te misaa est o despedida. De estas cinco partes el Credo o declaración de fe de la Iglesia, fue la última en incorporarse a la liturgia romana y sólo aparece en los albores del siglo XI por insistencia del emperador Enrique II, en el año 1014 . Escribieron misas conocidas : Machault16, Palestrina (entre las que se encuentra la dedicada al Papa Marcelo), Victoria, Bach (la más conocida es la grandiosa Misa en si menor), Haydn, Mozart (entre ellas la célebre Misa de la Coronación), Beethoven (Misa Solemne), Schubert y Bruckner, etc . En la Iglesia Protestante la misa se denomina Servicio . El Réquiem es una misa de difuntos (Missa pro difunctis) . El nombre surge de la primera palabra del in"qtRureoisg,anfcmdeisDon" "Concédeles, Señor, el descanso eterno" . Aunque la misa de réquiem siempre formó parte de la liturgia latina, sólo se fijó realmente en sus partes constitutivas hasta después del Concilio de Trento" . En el siglo XVI el Dies trae, uno de los más famosos himnos cristianos 18 y una de la cuatro secuencias conservadas por el Concilio de Trento, se transformó en parte oficial de la misa de réquiemm como símbolo del "juicio final" . El primer réquiem polifónico que se conoce es el de Ockeghem . Escribieron grandes réquiems : Morales, Palestrina, Victoria, Schütz, Mozart, Cherubini, Berlioz, Liszt (a cappella), Dvorak, Brahms (Réquiem Alemán), Verdi, Fauré, Britten (Réquiem de guerra), Stravinsky (Réquiem canticles), etc . Motete (Forma vocal) El motete es la forma más importante de la alta Edad Media y Renacimiento . Se trata de una composi16) Le toca a Guillermo de Machault ser el primero en haber escrito una versión polifónica del ordinarium y el primero también en escribir una misa con pleno sentido de unidad musical

17) Las disposiciones del Concilio de Trento de 1563, (que sistematiza, entre otras cosas, el uso de imágenes, música, representaciones teatrales y fiestas públicas), sentaron postulados en el arte del período barroco . 18) El tema Dios Irae ha sido utilizado por muchos compositores en diversas obras entre ellas : Sinfonía Fantástica de Berlioz, Sinfonía Dante y Totentanz de Liszt, Danza Macabra de Saint-Saëns, Rapsodia sobre un Tema de Paganini de Rachmaninoff, etc . La autoría del Dios Irae, letra y música, se le atribuye al músico Tomás de Celano, del siglo XIII .


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ción coral a cappella, con texto sagrado, generalmente en latín, para ser cantado en el oficio católico . Históricamente el motete se divide en tres tipos : el Medieval (1225-1450), el Renacentista (1460-1600) y el Barroco (1600-1750) . Escribieron célebres Motetes : Palestrina, Victoria y Lassus . Existen también motetes con acompañamiento instrumental, posteriores al Renacimiento, y el motete orquestal, en el que sobresale Michel de Lalande (1657-1726) uno de los músicos más importantes de Francia. Nocturno : Forma instrumental El nocturno es una estructura original del período romántico (siglo XIX), de carácter lírico, melancólico, contemplativo, iniciada por el compositor irlandés John Field y desarrollada y enriquecida por el compositor polaco Federico Chopin . Por regla general el nocturno es de forma ternaria (ABA) con la parte central (B) un poco más agitada . Chopin escribió 20 Nocturnos para piano; Liszt escribió 3, para canto y piano (entre ellos el célebre Sueño de Amor) que transcribió posteriormente para piano y para orquesta. Son conocidos también los Nocturnos de Debussy, para orquesta, arreglados para dos pianos por Ravel . Obertura : Forma instrumental Por obertura se entiende generalmente una composición para orquesta escrita como introducción a una ópera o cualquier otra obra dramática (ver ópera más adelante) . La expresión viene del vocablo francés ouverture, que significa apertura o inicio . En una ópera la obertura sirve como un adelanto, para el oyente, del contenido temático de la obra lírica que sigue a continuación, anunciando parte de las arias más importantes, parte de los números corales o de los interludios instrumentales, etc . Ejemplos de este tipo de obertura son, Don Juan o La Flauta Mágica, de Mozart ; las tres Leonoras y Fidelio de Beethoven ; la obertura Freischütz (El Cazador Furtivo) de Weber ; todas la oberturas de Meyerbeer así como oberturas de las primeras óperas de Wagner. A partir de El Oro del Rin, Wagner deja de usar temas de la ópera para regresar al Preludio,

6 6 - JAIME INGRAM JAÉN generalmente de corta duración que sirve de introducción a la misma ópera, costumbre que siguieron otros compositores de obras líricas, como Puccini . Existe también la obertura de forma musical independiente que surge en la Francia del siglo XVII, particularmente con Lully, y que constó originalmente de dos partes contrastantes : una sección lenta, solemne, en compás binario, seguida de una sección más rápida, generalmente en compás ternario o compuesto, que se conoce como obertura sa . Este tipo de obertura binaria, que luego se transformó en una estructura ternaria al retornar al movimiento lento después del rápido (Adagio-Allegro-Adagio), terminaba generalmente con una escritura de tipo fugal, se usó mucho en suites instrumentales y como introducción a las óperas . En el siglo XVIII la obertura sa fue poco a poco reemplazada por la llamada obertura italiana, que surge con la escuela napolitana cuya parte lenta se sitúa entre dos partes rápidas, haciéndose más popular y que en las primeras óperas italianas se llamó sinfonía y más adelante preludio, para indicar que se trataba de una sección instrumental sin canto . En el siglo XIX aparece una obertura dramática destinada a ser una pieza independiente de concierto (como sucedió con el Preludio), como por ejemplo La Consagración de la Casa, de Beethoven; El Corsario, de Berlioz ; El Sueño de una noche de Verano, o Las Hébridas, de Mendelssohn ; Obertura para un Festival Académico y la Obertura Trágica, de Brahms, etc ., momento en que la obertura se llega a confundir con el poema sinfónico, nueva estructura del siglo romántico que tomó el lugar de la obertura de concierto . Existen también oberturas más ligeras, aunque no por ello menos populares para el público, como El Poeta y el Aldeano y Caballería Bretón, de Franz von Suppé . Ópera o Drama con Música : Forma mixta Se llama ópera a un tipo de drama con música en el cual todos o casi todos los personajes cantan y en el que la música constituye el principal elemento .

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No obstante en la ópera entran en componentes tales como : poesía, prosa, grafía, vestuario, actuación, baile, etc ., y acompañamiento instrumental de gran

juego diversos libreto, escenoademás de canto orquesta . Los primeros ejemplos de ópera propiamente dicha aparecen en Florencia, Italia, entre los años 1590 y 1600, aunque los elementos precursores se internan en la Edad Media . Se considera al italiano Claudio Monteverdi el primer gran compositor de óperas y quien le dio forma definitiva al nuevo género . Componentes de la ópera

Los componentes principales de la ópera pueden resumirse en : libreto, partitura musical, cantantes (solistas y coro), orquesta, escenografía (telones, iluminación, efectos especiales, etc .) Tanto el coro como la orquesta tienen sus respectivos directores, aunque en la representación pública es el director de orquesta quien lleva la responsabilidad de todo el espectáculo .

Libreto : El texto en prosa o en verso que se canta en la ópera se denomina libreto . Este puede ser original o sencillamente una adaptación de otra obra, sea drama o comedia, como sucede también con el cine .

Partitura : Es la parte musical que sustenta el libreto . La partitura incluye todos los componentes de la parte musical : obertura, preludio, interludio, postludio, arias, recitativos, partes corales e instrumentales, etc .

Solistas : Los cantantes que representan los papeles o roles principales se denominan solistas . Estos pueden ser : sopranos, altos, tenores, barítonos y bajos . En una época, particularmente en el temprano clasicismo los compositores, Rossini, por ejemplo, escribía la melodía de un aria, dejando al solista la libertad de adornarla, con fiorituras, como bien le convenía a su gusto y a su capacidad de voz . No obstante, ante el abuso de los cantantes, los compositores, inclusive el propio Rossini que es considerado el rey de las fiorituras, decidieron escribir sus propios adornos, lo que no es óbice para que las divas y divos, a veces hagan lo que se les antoja .

6 8 - JAIME INGRAM JAÉN Coro : El coro de la ópera lo conforma generalmente todo el personal que está en escena, al margen de los solistas . Hay óperas como Aida de Verdi o Los Maestros Cantores de Wagner, que utilizan grandes grupos corales . Orquesta : La orquesta es, sin lugar a dudas, el elemento más activo en el drama con música . Con su intervención se inicia el espectáculo y sólo se interrumpe cuando cae el telón . El Director de la orquesta es el que tiene en sus manos toda la responsabilidad musical del espectáculo en el momento de la ejecución . Existen además el director de coro quien prepara con anterioridad los grupos corales y el director de escena que es el responsable de toda la escenificación. Obertura o Preludio : Es la parte instrumental de la ópera que sirve para iniciar el espectáculo . En la obertura generalmente se presentan sucintamente parte de los temas principales que se utilizarán después . Recitativo : Se denomina recitativo a un canto declamado o dialogado . El recitativo es más declamación que canto . Muy característico de las primeras óperas . Con el tiempo aparecieron varios tipos de recitativos, entre ellos el recitativo secco y el recitativo accompagnato . Por lo común se le utiliza en partes donde el texto debe ser dicho con gran claridad . Las óperas llamadas cómicas se caracterizan por los recitativos . El origen del recitativo se discute todavía, pero pareciera estar entre los compositores Peri, Caccini o Cavalieri . Arias : Las arias son las famosas melodías, llenas de poesía y gran sentido dramático, que el compositor escribe para ciertas partes relevantes del texto . Las arias a veces adquieren tanta fama que se cantan separadamente en recitales y conciertos . Cuando éstas son escritas para dos o tres o cuatro cantantes, o más, se denominan, dúo, trío, cuarteto o quinteto . Así, se habla, por ejemplo, del famoso Sexteto de Lucía de Lamermoor, de Donizetti . Existe también la llamada cavatina que es una breve canción o aria, sin desarrollo, llamada a veces cavaletta .


Tipos de ópera : De acuerdo con el carácter del texto, escenografía e importancia de la partitura, las óperas pueden catalogarse como : gran ópera, ópera cómica u ópera buffa (expresión italiana)", ópera de címlri drama lírico (denominación usada por algunas óperas a mediados del siglo XIX) y ópera popular . Cuando la ópera se representa sin escenografía y sin vestuario, o sea sin actuación, se denomina ópera en forma de concierto (corresponde más o menos a una obra de teatro, cuando se lee, sin montaje escénico) . Existen ciertas obras que por su tipo escénico es difícil definir si se trata de una Cantata, un Oratorio o una ópera propiamente dicha . Este es el caso, por ejemplo, de Carmina Burana del compositor alemán Carl Orff, mal llamada ópera, que no tiene trama en el sentido dramático, sino que está formada por una serie de himnos a manera de cuadros teatrales con 200 poemas profanos, algunos muy obscenos, dedicados a la vida, al placer, al amor y a la primavera, con texto en latín, antiguo alemán y antiguo francés . Otro tanto sucede con la bella obra, Juana de Arco en la Hoguera, del compositor suizo Arthur Honegger, con libreto del poeta francés Paul Claudel, obra que los propios autores denominaron, oratorio dramático ; o con Persefone, de Igor Stravinsky y del poeta André Gide, descrita por sus autores como melodrama . Por último es necesario añadir que la obra llamada La ópera de Tres Centavos, tan popular, es una cruel y atinada caricatura de la ópera tradicional. Sus autores, Kurt Weill y el poeta Bertolt Brecht, ambos muy vanguardistas en sus respectivas artes, alcanzaron un éxito muy justificado, con la obra desde su estreno en Berlín en 1928 . A finales del siglo XVIII se llamó semi ópera a un género inglés que no correspondía por entero al género . 19) El maestro de la ópera buffa es Giovanni Batista Pergolesi . Sus dos obras maestras son, la ópera La Serva Padrona y el Stabat Mater que escribió poco antes de su precoz muerte, de inal sutil, a los 26 años . No hay que olvidar que ya en 1766 el compositor alemán J .A . Hiller (17281804) había escrito su primer singspiel .

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Es preciso observar que la llamada ópera cómica, género sumamente antiguo y muy francés, es aquella en la que alternan el diálogo y la música y no necesariamente lo cómico y jocoso . La ópera llamada bufa, de raíces italianas, es jocosa y a veces grotesca . Dentro del género más popular, aunque también de origen común con la ópera, están la opereta y la zarzuela (ver Zarzuela) ésta última de origen y tradición específicamente española . La zarzuela y la opereta son consideradas, en general, géneros de menor calidad que la ópera, aunque hay algunas zarzuelas que están a la altura de cualquier ópera . Por último tenemos el Singspiele, una forma de comedia musical que se puso de moda a finales del siglo XVIII y se extendió durante todo el siglo romántico hasta la actualidad . Opereta: ver ópera Oratorio y Cantata : Formas mixtas Tanto el oratorio, la cantata y la ópera, son formas vocales congéneres de origen más o menos común . El oratorio es semejante a una ópera pero sin escenografía . Una especie de ópera en forma de concierto (ver Opera) . En él se sustituye la acción dramática visible por el relato de un narrador . El argumento del libreto es siempre de fondo religioso y casi siempre con pasajes tomados de las Sagradas Escrituras . Existen, desde el inicio del género, oratorios con texto en latín, para la cuaresma y oratorios en lengua vulgar. Originalmente los oratorios se diferenciaban poco de las óperas, pero a partir de 1637, aproximadamente, ambos géneros toman rumbos diferentes y hasta opuestos . La ópera se hizo cada vez más profana y realista, mientras que el oratorio fue más íntimo y más estático desde el punto de vista escénico, con temas exclusivamente religiosos y moralizantes . La forma se desarrolló mayormente en Alemania, mientras que la ópera se desarrolló particularmente en Italia desde su nacimiento . Fueron maestros del oratorio : Carisimi (escribió unos 17 oratorios latinos), Handel (El Mesías, Theodora, etc .), Bach (cualquiera de sus Pasiones y el Oratorio de Navidad), Haydn (La Creación, Las siete


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palabras de Cristo), Beethoven (Cristo en el Monte de los Olivos), Schubert (Lazarus), Mendelssohn (Paulus y Ellas) Berlioz (La Infancia de Cristo), Franck (Redención), Stravinsky (Edipo Rey), Honegger (El Rey David) y otros . Poema Sinfónico : Forma instrumental Composición sinfónica inspirada en una idea extra musical, como una obra literaria, un cuadro, un hecho histórico, etc ., generalmente en un sólo movimiento . Es una forma musical introducida por el compositor húngaro Franz Liszt e inmediatamente adoptada por Berlioz 2 , compositor francés, a mediados del siglo XIX . Liszt escribió varios poemas sinfónicos, tales como : Tasso (basado en un poema de Byron) y Mazzepa (inspirado en un poema de Victor Hugo) . Otros poemas sinfónicos conocidos son : Las Estepas del Asia Central de Borodin ; Africa de Saint-Saéns ; Finlandia de Sibelius, Las Fuentes de Roma, de Respighi, Romeo y Julieta de Tchaikovsky . También escribieron poemas sinfónicos : Smetana, Dvorak, Franck, Balakirev, Mussorgsky, Rimsky Korsakov, Scriabin, R . Strauss, Debussy, Ravel, Elgar, Rachmaninoff, Villa Lobos, Ives y muchos otros . Preludio : Forma instrumental El preludio, como el nombre lo indica, es una pieza de forma libre que antecede a otra, ya sea una fuga (Preludios y Fugas) una Toccata (Preludio y Toccata) o la primera danza de una Suite . Sirve también de introducción a una ópera, como en Tristán e Isolda, de Wagner . En el siglo XIX se inventó el preludio independiente, que no antecede a nada, como los 24 Preludios de Chopin o los Preludios de Rachmaninoff, Scriabin o Debussy . Todos de estructura libre . 20) La paternidad del Poema Sinfónico continúa incierta entre Liszt y Berlioz . Es preciso no olvidar que el propio Beethoven había escrito ya La Batalla de Weüinston as¡ cano la Sexta Sinfonía (Pastoral) o la Sonata en re menor, conocida como La Tempestad, inspirada en la obra de Shakespeare, adelantándose a características propias del dinamismo romántico y sembrando la inquietud sobre el concepto .

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Preludio Coral (ver Coral) Rapsodia : Forma instrumental En realidad la rapsodia no implica una estructura específica y sí un tipo de obra construida con temas diferentes, amontonados uno tras otro, libremente . En general es de carácter épico, heroico y nacionalista . Rapsodias conocidas son las de Liszt (Rapsodias Húngaras), Brahms y Gershwin (Rapsodia en blue, para piano y orquesta) . Es interesante observar que la Rapsodia en si menor para piano de Brahms responde claramente a la estructura Sonata-Allegro . En términos generales y siempre dentro de una gran libertad, las rapsodias están constituidas por dos secciones, una lenta y otra rápida . En Liszt, por ejemplo, en sus conocidas Rapsodias Húngaras, estas secciones se denominan lascan, que significa lento, melódico, y friska, vivo, rápido, que son aires típicos de la música gitana húngara . Rondó : Forma instrumental Es un tipo de composición en el que un tema o refrán se repite a intervalos determinados . Esta forma deriva de la poética puramente instrumental del siglo XVIII que se puede expresar en el esquema siguiente : A B A C A B A etc ., representando A el tema o refrán, que se repite, y B o C, las coplas que se intercalan entre un refrán y otro . Beethoven fue el gran maestro del Rondó y ejemplos de ellos los encontramos en profusión en sus Sonatas y Conciertos, como por ejemplo el último movimiento de la conocida Sonata para piano, llamada Patética (Sonata N° 8, en do menor, Op . 13) o en el último movimiento del Concierto para violín y orquesta . Sinfonía : ver Sonata Singspiele : ver ópera Sonata: Forma instrumental La expresión Sonata ha tenido muchos significados en el decorrer de la historia de la música . Aquí sólo nos referiremos a las principales, que son : la Sonata en un


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sólo movimiento, a la Sonata de iglesia (da chiesa), la Sonata de cámara, la Sonata trío y la Sonata Allegro (la del período clásico vienés) . Originalmente, Sonata podía ser cualquier obra instrumental que no fuera para teclado, así como Cantata era cualquier obra cantada y Toccata cualquier obra para instrumento de tecla . En el alto período barroco la Sonata fue una obra de estructura monotemática, binaria y bipartita, como por ejemplo las Sonatas de Domenico Scarlatti, construidas dentro del modelo estructural de las danzas de la Suite. Existió también, en el período barroco, la Sonata de Iglesia (da Chiesa), que se ejecutaba dentro de la iglesia (como las Sonatas para violín y clave de Hándel), la Sonata de cámara o de salón, destinada a ser ejecutada en un salón privado, que generalmente consistía en una serie de danzas, y la Sonata Trío, o Trío Sonata, escrita para tres instrumentos . Ejemplo de la Sonata de cámara, son las Sonatas para violín solo (sin acompañamiento) de Bach, también denominadas Partitas, o sus Sonatas para violonchelo solo, conocidas también como Suites. La estructura de Sonata del período clásico, denominada Sonata Allegro, es una de las formas instrumentales más importantes de la historia de la música . Consta en líneas generales, de tres o cuatro partes llamadas movimientos, que son independientes entre sí, tanto en el aspecto melódico como en el armónico y rítmico . Es preciso, sin embargo, para poder llamarse así que uno de esos movimientos, que por lo general es el primero, conste de tres secciones llamadas : Exposición, Desarrollo' y Recapitulación o Reexposición. En la primera se presentan los materiales fundamentales del movimiento particularmente los dos temas o sujetos principales (pueden haber más de dos temas) cuyas tonalida21) Según Schoenberg, en la creación musical todo es desarrollo. No obstante el concepto desarrollo en la estructura Sonata-Allegro se refiere al uso y variación de materiales muy específicos .

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des y carácter generalmente contrastan entre si, separados por lo que se denomina un puente que sirve además para modular o sea para cambiar de tonalidad . La segunda es la sección en la que el compositor desarrolla musicalmente uno de los temas o ambos, o un nuevo tema si así lo decide, usando todos los recursos y conocimientos armónicos, contrapuntísticos y de variación que tenga . Es precisamente en esta sección donde se pone a prueba la verdadera capacidad creadora del compositor. La tercera y última sección constituye un retorno a la Exposición inicial, con ciertas variantes que dependen si la obra está en modo mayor o en modo menor, seguida de una coda y/o de una codetta . Si la obra, con forma de Sonata Allegro, es para un instrumento solista o para dos instrumentos combinados, (violín y piano, clarinete y piano, flauta y piano, etc .) lleva el nombre de Sonata . Por ejemplo las 32 Sonatas para piano de Beethoven ; o las Sonatas para Violonchelo y piano de Brahms, o la Sonata para violín y piano de Cesar Franck . Si la obra es para tres o más instrumentos, entonces lleva el nombre de la cantidad de instrumentos combinados, como trío, cuarteto, quinteto, sexteto, etc . Por ejemplo los Tríos de Beethoven, los Cuartetos de Bela Bartok, el Quinteto de Mozart, el Sexteto de Saint Saéns, o el Octeto de Beethoven, etc. Cuando la Sonata es para orquesta pasa a denominarse Sinfonía, (Sinfonías de Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, Bruckner, Mahler o Tchaikovsky) y si además de ser para orquesta tiene un instrumento solista, se llama Concierto (Conciertos de Mendelssohn, Conciertos de Rachmaninoff o Conciertos de Prokofiev) . Salvo excepción, las denominaciones Sonata, Sinfonía, Cuarteto, o Concierto constituyen la misma estructura que es la de Sonata Allegro . La denominación nos está indicando, al mismo tiempo, para qué tipo de combinación ha sido escrita la Sonata . Las Sinfonías y los Cuartetos, por lo general, tienen cuatro movimientos (por ejemplo : cualquier Sinfonía de


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Beethoven, Brahms, Tchaikovsky o Sibelius), mientras que las Sonatas y los Conciertos, sean para cualquier instrumento solista, comúnmente tiene tres (los Conciertos de Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin, Saint Sai ns o Béla Bartok) . Hay excepciones a esta regla, como sucede, por ejemplo, con algunas Sonatas de Beethoven, así como con las Sonatas para piano de : Chopin, Weber, Brahms o Tchaikovsky, etc ., que tienen cuatro movimientos cada una . No obstante la Sonata en si menor de Liszt, como Sonata cíclica, está escrita en un solo movimiento . Por otro lado el Concierto N° 2 de Brahms para piano y orquesta o el de Busoni tienen, ambos, 4 movimientos . La Sonatina es una Sonata corta, de proporciones pequeñas, sin desarrollo y generalmente fácil de ejecutar . Excepción a esta definición es la Sonatina de Ravel que constituye una obra maestra de gran envergadura dentro de la literatura del piano . Otro tanto se podría decir de la Sonatina en sol menor del argentino Carlos Guastavino . Ejemplos de Sonatinas, cortas y fáciles, muy utilizadas en los cursos regulares de formación pianística en los Conservatorios, son las Sonatinas de Clementi, Kuhlau y Diabelli . Suite : Forma instrumental Es una de las más importantes estructuras instrumentales, particularmente en el período barroco . La Suite está constituida por una serie de danzas (estilizadas) independientes y contrastantes entre si, unidas solamente por un centro tonal común . La Suite barroca, consta de cuatro danzas fundamentales que son : Allemanda, Couranta, Sarabanda y Liga, danzas todas de forma binaria . Sin embargo la Suite puede tener además otras danzas denominadas danzas 7facultativas, como el Minué, la Bourre y la Gavota . Bach fue el mayor maestro de la Suite barroca ; entre su colección de suites, figuran las Suites sas, inglesas y las alemanas (llamadas también Partitas) . Después de Bach, la estructura se hace mucho más libre, alejándose un poco de la definición dada arriba . Así tenemos, la Suite Casca-

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nueces de Tchaikovsky, escrita para el Ballet del mismo nombre ; Suite la Arlesiana de Bizet, con partes extraídas de la ópera homónima ; Suite pour le piano de Debussy ; Suites para dos pianos de Rachmaninoff, etc . Te Deum : Forma vocal y mixta El Te Deunl es un canto o himno de acción de gracias que se ofrece en conmemoración de un evento o fecha especial . Es en el fondo una canción de alabanza a Dios por una gracia concedida, v . y gr. en ocasión a una entronización papal o real ; a la paz firmada después de una guerra ; a la firma de un Tratado importante ; para celebrar la victoria en una batalla, etc . Como ejemplos de Te Deum famoso tenemos : el de Hándel, en ocasión de la firma del Tratado de Utrecht entre Inglaterra y España ; el de Berlioz, en ocasión a la Exposición Universal de París de 1855 ; el de Walton para la coronación de Isabel II de Inglaterra, etc . También escribieron Te Deum : Lolly, Haydn, Bruckner, Dvorak, Verdi, Kodály, etc . Toccata : Forma instrumental Es una forma propia para instrumentos de tecla, original del siglo XVI, desarrollada desde el inicio del período barroco, de movimiento rápido, destinada a mostrar la habilidad virtuosística del ejecutante . La palabra viene del italiano toccare que significa simplemente tocar. Las toccatas más antiguas son las de Andrea Gabrieli, Claudio Merulo y Frescobaldi, para órgano, compositores italianos del siglo XVI . Bach escribió un número plural de toccatas, tanto para órgano como para clavecín y sirven siempre de introducción a una gran Fuga, de ahí el título : Toccata y Fuga o Toccata con Fuga . Del el siglo XIX en adelante la Toccata se transforma en una obra independiente (sin Fuga) y es casi sinónimo de perpetuen mobile (movimiento perpetuo), por ejemplo : las Toccatas para piano de Czerny, Schumann, Saint Saéns, Debussy, Ravel, Busoni, Prokofiev, Casella, Camargo Guarnieri, etc . Existen también Toccatas para orquesta, como la Toccata para instrumentos de percusión de Carlos Chávez o la Toccata de Godofredo Petrassi, etc .


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Variaciones : Forma instrumental La Variación o Tema con Variaciones es una de las formas instrumentales más antiguas que existe . Consiste en la modificación libre o arbitraria de una idea musical . La idea musical, o cédula generadora, se denomina tema y cada modificación de ese tema se llama variación . El tema puede ser original del autor o no . El arte de la Variación más antiguo que se conoce es el del célebre organista español Antonio de Cabezón, de la corte de Felipe II, en sus Tientos y diferencias para órgano, de donde pasó a Inglaterra cultivándose rápidamente entre los compositores de la corte isabelina, tales como, Byrd, Bull y Gibbons . Prácticamente todos los grandes compositores han escrito excelentes temas con variaciones, entre ellos : Bach, Händel, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Liszt, Brahms, Saint-Saéns, Tchaikovsky, Reger, Lutoslawski, etc . Beethoven es considerado como el gran maestro de las Variaciones . La acaglia y la Chacona son tipos de variaciones. Muy conocidas son las acaglias y Chaconas de Bach . Entre los compositores contemporáneos que han escrito una y otra tenemos a Krenek (Toccata y Chacona Op . 13); Piston (acaglia para piano) ; Copland (Chacona para piano) etc. Un espléndido ejemplo de acaglia es el último movimiento de la 4" Sinfonía de Brahms. Zarzuela: Forma mixta Llámase zarzuela al género musical teatral, semejante a la ópera cómica y opereta, que se cultiva en España . El nombre proviene del Palacio de la Zarzuela, construido por los reyes de España, en las propiedades reales de El Pardo, cerca de Madrid . Los espectáculos musicales montados en dicho palacio se denominaron primero Fiestas de la Zarzuela y después se conocieron simplemente como Zarzuela . La expresión ópera no se llegó a popularizar en España hasta finales del siglo XVII, aunque el género ya se conocía . En efecto en 1629 se presentó en la Corte de Felipe IV una ópera que se denominó "égloga pastoril" titulada La Selva sin Amor,

7 8 - JAIME INGRAM JAÉN con letra, ni más ni menos que de Lope de Vega . Desafortunadamente se desconoce el autor de la partitura musical, que permanece desaparecida hasta hoy . Es más, en 1648 se representó en el Palacio de la Zarzuela una zarzuela en dos actos con texto de Calderón de la Barca, denominada El Jardin de Falerina, que evidentemente era toda una ópera . En el siglo XVIII la zarzuela se vio reducida a un solo acto evolucionando hacia un espectáculo de tipo popular con el dramaturgo Ramón de la Cruz, para reaparecer a mediados del XIX con la llamada Zarzuela grande, como Gigantes y Cabezudos (1892), de Caballero o jugar con fuego de Asenjo Barbieri . Hacia finales del XIX se desarrolló el llamado género chico, como La Verbena de la Paloma 22 (1894), de Tomás Bretón o La Gran Vía (1896), de Chueca y Valverde . Así, en España toda obra escénico-musical cómica se denominó Zarzuela, nombre y género que continúa cultivándose hasta hoy. Entre los iniciadores de la zarzuela están Calderón de la Barca y el compositor Juan Hidalgo (1612-1685), músico de cámara de Felipe IV, autor de la ópera, Celos, aún del aire inatan 23 , con texto de Calderón de la Barca . En la actualidad la zarzuela se divide en zarzuelita o zarzuela corta, como La Verbena de la Paloma, y la zarzuela propiamente dicha o zarzuela grande, como La Dolores, ambas del salmantino Tomás Bretón, de carácter más dramático y serio que la anterior .

22) Originalmente presentada cano 'Sainete lírico en un acto . 23) La ópera fue escrita en el ano 1660 para los esponsales de la infanta María Teresa con Luis XIV de Francia . Se trata de la primera ópera escrita en España .

3 . EL ESTUDIO DE LA MÚSICA La instrucción musical, sea en un Conservatorio, en un Instituto o Escuela de Música o en el Departamento de Música de una Universidad, consta de una serie de disciplinas, algunas muy complejas y variadas, que exigen varios años de preparación . Naturalmente que una cosa es tomar cursos elementales de música en la Escuela Primaria o Secundaria del ciclo básico de Instrucción general y otra muy diferente es hacer la carrera de música en una institución especializada . El estudio académico de la música tiene, en líneas generales cuatro grandes vertientes, que aunque presentan puntos comunes en sus programas respectivos, conllevan especializaciones propias de cada uno . Esas vertientes son : el compositor, el maestro de música, el intérprete (sea instrumental o vocal), así como el director de orquesta y/o coro; y el que se dedica a la historia y a la ciencia musical propiamente dicha, conocida hoy día como musicología así como la musicología comparada, si lo que se pretende es profundizar en el complejo mundo del folclor . El compositor

Dentro del arte musical el compositor es obviamente la figura central . Es el creador de las obras que enriquecen el acervo universal de los diferentes géneros de la música . Su talento y capacidad creadora pueden enriquecerse a través de los años con su trabajo, esfuerzo y disciplina así como con diversos cursos, talleres, seminarios de composición o creatividad musical, que dictan diferentes maestros y especialistas en la materia . El maestro de música

El maestro de música, sea para la escuela primaria, secundaria o superior, debe contar fundamentalmente

80 - JAIME INGRAM JAÉN con un conocimiento general de los elementos de la música y medios musicales, de las diversas épocas y estilos en la historia de la música, de la formación y dirección de grupos corales y/o instrumentales así como del repertorio instrumental y/o vocal apropiado para la comunidad donde pretende enseñar. Naturalmente que a mayor nivel de enseñanza, mayor la cantidad de conocimientos que se necesitarán . Así un maestro de una escuela rural se enfrentará, ciertamente, con menos exigencias que el maestro de música de una gran metrópoli . El estudio de un maestro de música puede, en líneas generales, tomar unos 4 años de preparación . El intérprete vocal e instrumental

La carrera de intérprete, o sea, de aquel que se dedica al dominio de un instrumento o al cultivo y desarrollo de su propia voz, exige de antemano una disposición física idónea para el instrumento, o una voz apropiada y suficientemente eficiente y buen timbre, capaz de proyectarse debidamente desde un escenario . Esa disposición física, absolutamente indispensable para poder dedicarse al canto o al dominio de un instrumento, es lo que se denomina "talento". El talento, aunado a una férrea disciplina de trabajo, constituye el binomio indispensable para pretender llegar a ser un buen intérprete . Tanto el cantante como el instrumentista solista, sea en el Conservatorio o en un Instituto especializado, hacen los estudios generales propios del maestro de música, además del repertorio de su especialización que deberá conocer a fondo y memorizar en sus más mínimos detalles, incluyendo los respectivos estilos de cada período . La carrera del intérprete, por regla general, conlleva de siete a diez años de intensa y disciplinada preparación . En el caso del instrumentista el aprendizaje debe necesariamente iniciarse a temprana edad, entre los 6 y 10 años, particularmente si se trata del piano o del violín, en parte porque el dominio físico, mecánico y técnico del instrumento exige muchos años de trabajo arduo, paciente y disciplinado, amen de que el repertorio, inclusive el has¡-


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co, es inmensamente extenso . El cultivo de la voz, sin embargo, no debe iniciarse antes de los 14 o 16 años, dependiendo de la persona, aunque es extremadamente importante trabajar desde el inicio con un buen maestro . La formación del director es semejante a la del intérprete en cuanto a estudios académicos se refiere y como quiera que el resultado final de su trabajo es producido por aquellos instrumentistas y/o cantantes que él orienta y dirige, debe poseer conocimientos adecuados de las posibilidades sonoras y virtuosísticas de los instrumentos y las voces, que constituyen su medio de expresión, además del dominio de los estilos de las obras que interpreta y del arte de la dirección . El intérprete, sea vocal o instrumental, es factor indispensable, sine qua non, para la proyección y vivencia de las obras musicales . Una partitura conservada en los anaqueles de una biblioteca o archivo, es obra muerta si no es leída, estudiada y proyectada (léase interpretada) por un intérprete o grupo de intérpretes .

Por último, el estudio de la ciencia musical, estudio que se denomina Musicología, es quizás el más largo, toda vez que se extiende desde la antigüedad hasta hoy, e implica estudios adicionales y especiales de historia, organografía musical (o estudio de los instrumentos musicales tanto modernos como antiguos), notación musical antigua, notación neumática, dominio de los modos griegos y medievales, filología románica, conocimientos básicos de latín y griego además de varios otros idiomas, dominio de la estética musical desde la antigüedad hasta nuestros días, etc . dependiendo del período histórico en que se desea la especialización . Si se trata de la Musicología Comparada, que es otra especialización, habría entonces que profundizar, además, en el estudio de antropología social y de los llamados instrumentos y pueblos primitivos . Los estudios de Musicología no se suelen hacer en los Conservatorios, Institutos o Escuelas de Música normales y sí en los Centros de Investigaciones Científicas de las Universidades, particularmente el de Musicología Comparada .

8 2 - JAIME INGRAM JAÉN Programa de estudios e importancia de cada especialidad

No obstante todas las vertientes de los estudios mencionados exigen cursos básicos de teoría, solfeo, lectura, análisis, estructuras musicales, armonía, contrapunto, fuga, canto coral, dirección de coro y dirección de orquesta, entre otros, estudios que se pueden ampliar y profundizar dependiendo del nivel que se pretende alcanzar, sea con el conocimiento más profundo y detallado de la historia de la música, de los estilos musicales, estructuras de la música, instrumentación, dirección de coro y orquesta, armonía, contrapunto, ciencia acústica, composición, etc . Por otro lado está claro que los diversos tipos de profesionales son importantes, cada uno en su nivel y campo de acción, pero es preciso no perder de vista que los que mantienen a una ciudad en activa efervescencia musical son los cantantes y ejecutantes con los diferentes grupos de cámara y orquestas y no los maestros de música ni los musicólogos. De ahí la importancia fundamental de los Conservatorios, Institutos o Escuelas de música con clases instrumentales y vocales, donde se imparten además, las clases teóricas académicas absolutamente imprescindibles para todo profesional que se precie . El caso específico de Panamá

La instrucción musical en Panamá, como en la mayoría de los países de Latinoamérica, ha sido, hasta la última conflagración mundial, de tradición netamente sa . Inclusive la organización académica de los Conservatorios de Música de Centro como de Sur América, así como los organismos sinfónicos o filarmónicos, son propiedad del Estado o del Municipio, según los moldes más tradicionales de Francia . Inclusive los diplomas extendidos son adjudicados en conformidad con los principios ses . No obstante en la República de Panamá dicho principio, en base a la gran influencia del modelo estadounidense, fue modificándose poco a poco hasta convertirse en una deficiente y superficial amalgama de enseñanza que no alcanza a representar, ni mediocremente, a ninguno de los dos sistemas .

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Por otro lado en el caso específico de Panamá, es evidente que existe una gran cantidad de aficionados a la música, además de algunos buenos melómanos, pero, en compensación, desafortunadamente, se cuenta todavía con pocos profesionales realmente competentes en cualesquiera de los campos mencionados . El aficionado, el melómano y el profesional

El aficionado es aquel que asiste a los conciertos y cultiva la música, pero que puede perfectamente prescindir de ella . El melómano es algo más que un aficionado. Aprecia la música, se interesa por ella, asiste a los conciertos públicos, tiene por lo general, una importante colección de discos, y si cuenta además, con posibilidades económicas, viaja a grandes centros hegemónicos para asistir periódicamente a espectáculos musicales, recitales, conciertos, óperas y festivales . Hay que cuidarse, sin embargo, de no confundir al melómano con el verdadero profesional toda vez que entre los dos puede existir un abismo de conocimientos . El profesional es el que ha realizado estudios superiores en la materia, ha ejercido o ejerce como músico y, lo que es fundamental, mantiene un alto nivel en su oficio . Diferencias entre profesionales

Naturalmente que dentro de cada uno de los grupos mencionados hay niveles de conocimientos que señalan la diferencia entre un individuo y otro . Y así vemos que al lado de profesionales muy preparados existen otros de menor calidad, y muchos, inclusive, de conocimientos harto mediocres, menos exigentes consigo mismo, que han perdido todo interés en su profesión tal como puede suceder en cualquier carrera liberal . Lo verdaderamente importante en una sociedad emergente, con relación a nuestro tema, es crear y mantener el interés por la música la que debe cultivarse desde la más elemental escolaridad . Ya se ha dicho repetidas veces que de todas las artes, es la música la que más claramente revela los supuestos básicos de la cultura .

PARTE II

1 Música en la Antigüedad

2 Música en Europa

1 . MÚSICA EN LA ANTIGÜEDAD Génesis de la música

Es difícil decidir qué apareció primero, si la palabra hablada o la palabra cantada . Lo indiscutible con relación a la música desde la más remota antigüedad es la estrecha vinculación que guardó siempre con el cosmos, el espíritu humano y la religión, sea a través de la magia, la astrología, la naturaleza, el conjuro, el rito, la leyenda o la mitología . Por otro lado las aplicaciones del canto mágico primitivo hizo parte también del instrumental musical y de la danza en general . El ritmo antecedió al sonido y tomado en forma abstracta el ritmo domina y regula todo el universo en cuanto a movimiento se refiere .

Si en el orden cosmogónico y de acuerdo con las palabras del evangelista San Juan "el principio fue el Verbo', en música el principio parece haber sido el "número" . Tanto el número 5 como el 7 han sido básicos dentro del sistema musical occidental : la escala de cinco sonidos para el sistema pentatonal (cinco tonos enteros y ningún semitono) y la escala heptatónica o diatónica de siete sonidos, con sus tonos y semitonos (ver escala en parte l). Así como no existen culturas puras toda vez que cada una de ellas conlleva expresiones de alguna cultura anterior (con excepción quizás de China) así la música en occidente, pese al intenso sistema gestado durante la Edad Media conlleva elementos de culturas musicales anteriores que se internan y se pierden inclusive en el Asia Menor, Oriente medio y Extremo Oriente . De ahí la práctica general de tomar o con alguna de di-

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chas culturas, aunque sea muy sumariamente, cada vez que se hace una incursión en la música de la Civilización Occidental . Música en Civilizaciones Antiguas

Poco es lo que se sabe todavía sobre la música de las civilizaciones antiguas, y aún ese poco que continúa investigándose es tan complicado y ajeno a nuestro concepto musical que nos preguntamos si es que vale la pena en realidad pretender incursionar en dicho universo cuando sólo nos es dado hacerlo de manera muy superficial y esquemática . El solo pensar que el conocimiento musical de China antigua, a través de sus diferentes dinastías, se remonta a 4 .000 años antes de nuestra Era nos da una idea aproximada de la dimensión y complejidad que conlleva dicho conocimiento . Por otro lado para hacernos un juicio correcto sobre la música de las civilizaciones antiguas debemos forzosamente despojarnos de nuestros posibles prejuicios y dejar de juzgarla bajo las reglas de nuestros propios cánones estéticos . Otro tanto se puede decir de Egipto 24 o de India por no mencionar la antigua Mesopotamia bíblica, actual Irak, la más antigua, probablemente, de las civiliza24) Se desconoce hasta hoy cualquier notación musical del antiguo Egipto . Los cantos, que con frecuencia eran acompañados por instrumentos, aunque casi siempre dentro de un contexto religioso, se transmitieron oralmente, y muchos de dichos instrumentos tuvieron características utilitarias . Se conservan, sin embargo, textos de algunas de las ceremonias importantes, como los Cantos de Isis y Nefté, un ritual que tomaba cinco días . Se sabe que uno de los instrumentos más cotizados en el antiguo Egipto fue el arpa arqueada con caja armónica baja, conocida ya en el siglo XXVI a . de C . Más tarde se conoció también el arpa angular con caja armónica alta que llegó a tener entre 12 y 15 cuerdas tendidas a través de un marco ricamente tallado . Entre los instrumentos de viento se utilizó frecuentemente una flauta recta (sebo) y una especie de clarinete doble de caña, semejante al zununara árabe, dos tubos paralelos con lengüeta que sonaban al unísono . Existió también la trompeta recta (sneb) muy utilizada tanto en las procesiones como en los desfiles militares así como diversos instrumentos de percusión como los tambores de marco y los tambores cilíndricos . Se desconoce así mismo cualquier libro que trate sobre la teoría musical egipcia, aunque se presume que utilizaba la teoría pitagórica y que se conocían los intervalos de octava, quinta y cuarta .


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ciones conocidas, muy a pesar del avanzado nivel que alcanzaron seis mil años atrás . Téngase presente que, solamente, gracias a las recientes excavaciones realizadas en las tumbas reales de Ur es que se ha podido ampliar el conocimiento de los instrumentos mesopotámicos del tercer milenio antes de nuestra Era, aunque todavía se desconoce como se afinaba dicho instrumental, cual era su sonido y que clase de música era capaz de producir . El resto, al margen de las suposiciones de algunos especialistas, constituye todavía un impenetrable enigma . Siguen los babilónicos, los asirios y los caldeos con el rey Nabucodonosor (604-562 a . de C.) y sus sorprendentes conjuntos instrumentales mencionados en el Libro de Daniel del Antiguo Testamento . Todo parece indicar que el conocimiento musical mesopotámico, que pasó a Persia a través de la integración de Babilonia, haya sido el crisol de iluminación y enriquecimiento tanto para Egipto como para la India, Palestina y Grecia'- . Sabemos así mismo que la casta sacerdotal versada en la liturgia, trabajaba conjuntamente con los matemáticos y los astrólogos, y que tres mil años después, ya dentro del período caldeo, el interés hacia la astrología pasó a ocupar el primer lugar y que la teoría de la música empezó a relacionarse muy estrechamente con aquella ciencia y las matemáticas . Los astrólogos consideraban que si el universo (macrocosmos) y el hombre (microcosmos) estaban estrechamente vinculados, la música hecha por los hombres debería reflejar esa perfecta armonía para poner ambos mundos en consonancia .26 Mencionar esquemáticamente cada uno de los sistemas musicales de estas extraordinarias como lejanas civilizaciones es como tomar conocimiento de la existencia del polvo cósmico y pretender por ello que tenemos 25) En los alrededores del año 120 aparece la obra de Plutarco, De Música, particularmente preciosa para el conocimiento de la historia de la música griega . de la Música, en 4 volúmenes, obra dirigida por A . Robertson y D . Stevens, Vol. I, versión española, Ediciones Istmo, Madrid ,1968 .

26) Historia General

9 0 - JAIME INGRAM JAÉN así una mayor comprensión del universo, olvidando que desconocemos aún gran parte de lo que hay en las profundidades de los dos grandes océanos de nuestro propio planeta . Mesopotamia Son muy escasos los conocimientos que tenemos sobre la música en Mesopotamia 27 , región cuya existencia se extiende desde 6000 años a . C ., hasta los tiempos helenísticos, a sabiendas de que la misma jugó un papel esencial en la religión de los pueblos que habitaron el valle entre el Tigris y el Eufrates, ríos que bajan desde los montes de Armenia hasta el golfo pérsico, abarcando a los sumerios y acadios, en la baja Mesopotamia, seguidos por los elamitas, caldeos y babilonios . Dos grandes ciudades-estados hicieron historia en aquel entonces : Babilonia, construida sobre el Eufrates, orgullo de los caldeos, y Nínive, en la orilla izquierda del Tigris en la región norte de Asiria, frente a Mosul centro del Imperio del mismo nombre . Gracias a los ajuares de las tumbas reales de Un capital del Imperio Caldeo`, y Kish se sabe que para acompañar los cantos religiosos, que eran los mismos que se cantaban desde los sumerios, se usaron instrumentos tales como : grandes lirás laudes de mástil largo, arpas arqueadas, tambores de pie, tambores de marco, panderetas y cascabeles, apareciendo luego trompetas y otros modelos de tambores, como el tambor de cobre, conocido como lilisu, por ejemplo, que se usó primordialmente en grandes festividades y desfiles militares . Se 27) Vocablo que en griego significa región entre ríos, y que designa un vastísimo territorio de Medio Oriente, habitado por remotísimas e importanescivlzacionescuyaric hstoria prec nlos ibrosdelAntiguo Testamento .

28) Imperio en el que reinó el célebre Hamurabi, principal monarca de dicha etapa, que cobró sorprendente significado al descubrirse una hermosa estela de pórfido que contiene todo un código de leyes minuciosas, escritas por él, con 250 artículos, de donde se cree, inclusive, que surgieron los Diez Mandamientos de la Ley Mosaica . Hamurabi fue quien le dio prestigio a Babilonia durante el Primer Imperio, mientras Nabucodonosor la enriqueció durante el Segundo Imperio .


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sabe también que los músicos de los sumerios y babilonios se dividían en dos castas : los nar, que cantaban alabanzas a dioses y reyes cuyo director se conocía con el nombre de margallu, y los gala que cantaban lamentos . La representación iconográfica más antigua que se conoce de la música de aquella época es un fragmento de una vasija que data de principios del tercer milenio (o fines del cuarto) a . de C ., encontrado en un templo babilónico de Bismania, que representa una comitiva de músicos que tañen un arpa de cinco cuerdas y una lira de siete, cuya perfección de construcción revela un importante nivel musical` . Se desconoce así mismo cualquier detalle sobre la música popular o profana de la Mesopotamia bíblica, no obstante se sabe que los músicos, tanto religiosos como profanos, gozaban de tal prestigio que en las ceremonias y séquitos desfilaban inmediatamente detrás de los reyes, antecediendo protocolarmente a los demás funcionarios . China antigua Las consideraciones en torno a la música en China, se remontan a 45 siglos a . C . Los elementos y los conceptos formales de la música de China, del Asia meridional como oriental, así como sus normas tanto estéticas como teóricas son tan diferentes a las nuestras, que conocer su existencia no es más que un afán meramente cultural . Por otro lado no es de extrañar que un pueblo que se lleva la paternidad de haber inventado tanto el papel como la imprenta así como la pólvora y la brújula, amén de la técnica más avanzada del tratamiento de la seda y la astronomía, haya sabido de la existencia de los 12 sonidos casi tres mil años antes de la Era Cristiana . La Leyenda

Cuenta la leyenda musical china que 2600 años a . C ., el emperador Huang-Ti, deseoso de transformar los 29) Un documento musical babilónico, que data de 800 o 1 .000 años antes de C ., que se supone ser una melodía instrumental, se conserva en el Museo de Historia de Berlin. José Subirá, Historia de le Música, tomo 1, Salvat Editores, S.A ., tercera edición, Madrid 1958, Pág . 69, acápite 6 .

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92 elementos musicales en un arte formal y científico, ordenó a su maestro Ling-Luen que se hiciera cargo de buscar una relación matemática capaz de lograr dicha transformación . Este realiza un viaje a un mítico valle donde encontró y escogió doce tubos de bambú con diferentes dimensiones, relacionadas entre si y científicamente calculadas" . Los doce tubos al ser soplados produjeron doce sonidos diferentes llamados Lyú31, los que constituyeron desde entonces la base del arte musical de todos los pueblos orientales, alrededor de China, a semejanza de lo que sucederá posteriormente en occidente con la escala de doce sonidos, o escala cromática, con la diferencia fundamental de que los doce sonidos de los lyú no fueron creados para formar una escala al estilo europeo sino que se consideran independientes uno de otro sin guardar relación ninguna entre sí, ni siquiera con un sistema musical . Se trata de doce sonidos que surgen a partir del primero, por una serie de quintas justas colocadas en forma ascendente . Los seis lyú correspondientes a los números impares de la progresión representan el principio masculino y los seis correspondientes a los números pares el principio femenino . Tonalidad y tono Aunque en los tratados de música antigua China no pareciera existir un concepto de tonalidad, lo cierto es que los discursos musicales inician y terminan siempre con la misma nota, salvo aquellas piezas de melodía discontinua, con pausas intercaladas, en cuyo caso todas las notas se consideran aptas para finalizar sea la que fuere la nota con que se haya iniciado . El tono, en la teoría musical China, es un elemento sonoro que posee valor propio . Estos se consideran bajo dos aspectos : como independientes uno de otro y como 30) Según la tradición china, del bambú sólo brotó un sonido y "un ave fénix macho cantó seis notas diatónicas a partir de la emitida por el bambú, mientras otra ave fénix, hembra, cantó seis más, diatónicas también y distintas a las anteriores" 31) Con la invención de los Lyú fue descubierta la división de la octava en doce intervalos iguales.


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subordinados o relacionados entre sí . En el primer aspecto se denominan chen y en el segundo yn, y ambos expresan la música que se conoce por yn-yo . Cada tono tiene su denominación particular independiente de la que se le da al lyú que le corresponde . De los tonos deriva la serie llamada ou-yn, o serie de los cinco tonos, que consiste en la adopción de los cinco primeros lyú y forman con cada uno de ellos un diseño, que dentro de la mentalidad occidental constituiría una especie de escala pentáfona, o pentafónica, al colocarlos en orden riguroso de altura . De ahí que desde tiempo inmemorial la escala de cinco tonos, sin semitonos, haya sido la base principal de la melodía china . No obstante utilizando los dos lyú siguientes, obteniendo dos tonos más llamados pien, los chinos construyeron la escala heptáfona, o de siete sonidos, completando su sistema . Por ser homófona, la música china desconoce totalmente cualquier concepto de armonía tipo occidental y mientras los instrumentos de cuerda se limitaban a duplicar la línea melódica, sea a la octava o en intervalos de cuarta o quinta, además de hacer ornamentaciones, los percusivos, que eran muy variados, de diversos tamaños y materiales, servían de acompañamiento rítmico, tal como sucederá en la temprana Edad Media en Europa . Instrumentos

Los chinos inventaron gran número de instrumentos, que formaban a su vez ocho grupos de acuerdo con la materia utilizada en su confección : piedra, metal, seda, bambú, madera, cuero, calabaza y tierra . Las campanas chinas eran ovaladas, cuadradas, cilíndricas, etc ., y se destinaban a diferentes usos además de que se les atribuían poderes superiores muy especiales . Entre los instrumentos de viento habían flautas de Pan (pai-siao), flautas de bambú (sian o yo), flautas traveseras u horizontales (ti o cheu) y trompetas de diversos timbres . Entre los instrumentos de cuerda sobresale uno, entre los más antiguos, llamado kin, especie de laúd chino

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cuya caja sonora abovedada, representa el Cielo, mientras que la parte plana es la tierra y sus 13 trastes representan los doce meses del año más el peculiar año bisiesto . Otro de ellos era el che, semejante a una cítara que llegó a tener hasta cincuenta cuerdas ; el pi-pa, especie de guitarra de cuatro cuerdas ; el hou-kiu ó laúd tártaro semejante a la viola primitiva de cuatro cuerdas, etc . Con este variado instrumental se formaban grupos instrumentales que se usaban en ceremonias religiosas y cortesanas, actos militares, etc . Así, "cuando el emperador visitaba el templo le precedían catorce músicos" y durante la ceremonia podían sonar tambores, laúdes, cítaras, órganos, flautas, juegos de gong, castañuelas, piedras sonoras, campanas, etc . La tradición señala que el propio Confucio fue un diestro tañedor del laúd, así como todas las personas distinguidas de su época. Era mitológica

En la era mitológica china, la de los emperadores legendarios durante el tercer milenio a . de C ., cada uno de ellos, según se dice, tenía su "sistema musical", de los que no existe información alguna . De la dinastía Shang (1766-1122 a . de C .) se conservan dos clases de instrumentos musicales : la piedra sonora y la flauta globular. Durante la dinastía Chou (1050-255 a . de C.) la música china se circunscribió a tres manifestaciones importantes : a los festivales agrícolas, al ceremonial de la corte imperial y al ritual religioso . Conceptos

Para los chinos "los sonidos claros y distintos representan el Cielo mientras los sonidos amplios y fuertes representan la tierra" (. . .) la música es la armonía del Cielo y la Tierra (. ..) la música obtiene del Cielo su principio eficaz ; los ritos arrancan a la Tierra su virtud reguladora (.. .) los que comprendan con claridad lo que son el Cielo y la Tierra podrán practicar los ritos y la música de un modo conveniente . La música se desarrolla en el Cielo, mientras los ritos se hallan en la Tierra (. ..) lo uno


representa reposo, lo otro, agitación . Por todo esto, los varones santos solamente hablaban de los ritos y de la música". Según los chinos "las notas existen cuando se establecen diferencias entre los sonidos pero no cuando éstos se dan aisladamente . Los animales conocen los sonidos, pero no las notas . Los hombres ordinarios conocen las notas pero no la música . Solamente los hombres sabios conocen la música (.. .)" . De todas las manifestaciones artísticas de la antigua China, la música es la que mejor se vincula al pensamiento filosófico y religioso, toda vez que, según los chinos, "la virtud es el principio de la naturaleza humana, y la música es la flor de la virtud," y "quien se lleve de música hasta el punto que la regule el corazón, verá renacer el afecto, la justicia, la rectitud y la sinceridad" . India

La India posee el sistema musical más organizado de las antiguas civilizaciones orientales . Tuvieron una sílaba para cada grado de la escala de siete sonidos, semejante a lo que sucederá en Occidente a partir del siglo XI : Sa, Ri, Ga, Ma, Pa, Dha y Ni . El sistema era modal como todos los anteriores a nuestra era armónica . Instrumentos

El instrumento principal ha sido y es, la Viña además de la Tambura de cuatro cuerdas y sin trastes en el mango, aunque usaron también la cítara, la flauta de bambú (de diversos tipos) así como varios otros instrumentos de aire semejantes a los oboes, trompas y trompetas . Entre sus instrumentos de percusión están las cintas de cascabeles como los que usan las actuales bailarinas indias en los brazos y piernas, así como los tambores metálicos o de membrana, de diferentes dimensiones y formas. El más importante era el tambor llamado Tabla con gran variedad de timbres . No obstante el instrumento por antonomasia, tanto en la India antigua como en la India actual, es la voz humana, de ahí que hayan desarrollado todo un arte muy especial de canto, superior a cualquier otro de

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las antiguas civilizaciones y sólo comparable al arte del bel canto que surgirá en Europa en la segunda mitad del siglo XVII . Tipos de música y sonidos

En la India antigua además de la música religiosa se conoció también la música laica o profana . La música ocupó una posición muy elevada, la más alta entre las artes, con fuertes atribuciones religiosas y filosóficas . Se le daba una importancia capital al "sonido producido" sea por la voz humana o instrumentalmente, como al "sonido no producido" o pensado y sentido, al punto tal que no se concebía uno sin el otro . Se consideraba que el sonido más poderoso era el emitido por la voz humana o sea "la palabra entonada" que debía producirse con absoluta precisión, de ahí la convicción de que los sacerdotes o brahmanes eran los únicos que podían mantener el orden, el equilibrio y armonía del Universo, porque eran los únicos que sabían la interpretación rigurosa y cabal de los Vedas, los libros sagrados, cuya música prosódica no obedecía a un patrón métrico musical si no que dependía de la sintaxis del texto que se cantaba, semejante a lo que sucederá posteriormente con el canto litúrgico cristiano . Como los chinos, los indios elaboraron un sistema de notación musical con letras y signos para expresar sonidos y ritmo . El raga

La expresión más importante de la India, sea instrumental o vocal es el raga lo que constituye la música erudita desde la antigüedad, que consisten en organizaciones modales complejas con un ethos que implica aspectos filosóficos y psicológicos específicos, relacionados emotiva e intelectualmente . Grecia antigua En Grecia la música estuvo íntimamente relacionada con todos los mitos que configuraron en las creencias religiosas griegas y así observamos que inclusive los instrumentos estaban relacionados con los dioses del

ORIENTACIÓN MUSICAL - 9 7

Olimpo : la trompeta se relacionaba con la diosa Atenea, el aulos con Dionisio, la lira con Hermes 32 , etc. En la antigua Grecia la música estaba presente en la mayoría de los actos públicos y religiosos . Basta recordar que los músicos competían, a la par de los atletas, en los juegos píticos33 Escala, modos y géneros

La escala griega por excelencia es la dórica, constituida básicamente por el tetracordio (piedra básica de la música griega) la, sol, fa, ni¡, serie de cuatro notas conjuntas que abarcaba dos tonos y un semitono, solución de cuatro sonidos y tres intervalos que comprendían una cuarta perfecta . Conforme a la construcción de la escala, formada por dos tetracordios superpuestos (mi re do si, la sol fa mi), esta podía transformarse en una serie de modos, como el frigio, el lidio, el mixolidio y sus derivados : hipodórico, hipofrigio e hipolídio . Para los griegos existían tres géneros musicales : el diatónico, el cromático y el enarmónico en el cual usaban hasta cuartos de tonos . Cada uno de estos géneros correspondía a un estado del alma, lo que constituía la doctrina del ethos, de ahí que la música ocupara un lugar tan importante en la educación . Instrumentos

Los instrumentos en la antigua Grecia pueden dividirse en tres categorías : cuerdas, viento y percusión. Entre los instrumentos de cuerdas figuran la lira, la cítara y el arpa . Entre los instrumentos de viento el más importante fue el aulos . 32) Atenea hija de Zeus y de Metis, cuyos atributos eran la lanza, el casco y la égida, era una mujer alta, de rasgos serenos, más majestuosa que bella . Dioniso o Dionisio, era hijo de Zeus y Sémele, conocido también corro Baco, dios de la viña, del vino y del delirio místico . Hernies era hijo de Zeus y Maya . Se le atribuye la invención de la lira así como de la flauta o siringa conocida también corno flauta de Pan, dios de los pastores y rebaños . 33) Eran los juegos o certámenes que se celebraban en Delfos en honra de Apolo .

98 - JAIME INGRAM JAÉN Originalmente la lira, el instrumento nacional griego, tuvo una sola cuerda (monocordio) aumentando poco a poco a tres (tricordio) y luego a cuatro (tetracordio) cuando se le conoció como forinx . En el siglo VIII a .C ., con Terpando de Lesbos, uno de los personajes más completos de la música griega, la Lira tuvo ocho cuerdas (octocordio) con capacidad para reproducir la escala completa de un niodo34 para alcanzar después 15 cuerdas, bajo la influencia egipcia, que llegó a Grecia vía Creta y Asia Menor . Además de la lira, los griegos usaron particularmente el ya mencionado aulas, instrumento de viento semejante al oboe, así como la siringa o flauta de Pan, la trompa de Marte o Ares, y la Kithara (en griego) o Cíthara (en latín), el más importante instrumento de cuerda de la Antigüedad clásica" .

Conceptos

Cuando hablamos de la música entre los griegos nos referimos a un extenso como intenso ciclo evolutivo» . La música griega fue una expresión netamente melódica . No se conocieron los acompañamientos ni las

34) Los modos eran escalas de una octava de extensión, diferentes entre sí por el orden de sus intervalos o grados . Eran en total quince modos . El carácter o expresión del modo se denominaba "ethos", mientras "pathos" era el "sentimiento o pasión del mismo . 35) La cítara fue un instrumento más refinado, más sonoro y más complejo que la lira y su uso fue muy discutido . El mismo Platón quiso proscribirla de Atenas por considerarla símbolo de esplendor y lujo asiático . 36) En efecto, de acuerdo con el polígrafo español Adolfo Salazar, "en el segundo milenio a. J .C ., que corresponde cronológicamente con el Imperio nuevo en Egipto, y con el Imperio Asirio, aparecen ya algunos hechos significativos para la poesía griega y la música que le era solidaria. Este período corresponde estrictamente al apogeo de la cultura Siria, que continúa varios siglos después, mientras que Grecia comienza a tomar forma en lo que se considera corno un período arcaico, coincidiendo, éste, con el período de los Reyes bíblicos, mientras que aquél, en el segundo milenio a . J .C ., transcurre en la época de los jueces y los Patriarcas; es decir, que si los libros de Moisés con que se abre el Viejo Testamento fueron recopilados poco menos de mil años a . J.C ., ya varios siglos antes, hacia el ario 1400, Olen inventaba el metro hexámetro en que están escritos los poemas homéricos . Fue este personaje legendario, Olen, quien al parecer instituyó el culto musical a Apolo en Delfos y el autor más antiguo conocido (siquiera sea de nombre) de himnos apolíneos" . En Música en la Sociedad Europea, El Colegio de México, primera edición, Fondo de Cultura Económica, México, 1942, tomo I, Pag . 24 .


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superimposiciones armónicas muy a pesar de que el recitado de los poemas épicos por los bardos era siempre acompañado por algún instrumento musical, sea la lira, sea la cítara, y semejante a lo que sucedió con los Trovadores y Juglares siglos después, frecuentemente en Grecia las figuras de músico y poeta, que surgían generalmente de familias aristocráticas, se confundían en una misma persona . Más adelante aparecen en Atenas, además de los poemas épicos y una variadísima poesía lírica, nuevos estilos poético-musicales como el ditirambo y el drama . El primero se origina en el culto a Dionisio, con danzas y cantos acompañados por el aulas y coros de voces masculinas, mientras que el segundo, que comprende tragedias y comedias, constituían una combinación de poesía, canto y danza, lo que en el siglo XVI, una vez conocidas las obras de Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes'7 , servirán de base inspiradora, siglos después, para la creación del Drama con Música u ópera` . Ya en el siglo IV a . C ., Píndaro (519-445) músico y poeta, componía ditirambos contribuyendo con ello al desarrollo de la música clásica griega cuyo florecimiento tuvo lugar en el siglo V a . C . Notación

La notación musical griega fue alfabética, lo que todavía subsiste en los países anglosajones, en oposición a la notación silábica79 o sistema de solmisación40 usada tradicionalmente en los países latinos, pero es preciso señalar que tenían dos sistemas de notación musical, uno para la música vocal y otro para la música instrumental . Otro tanto hicieron los romanos . 37) Los tres primeros son los más sobresalientes tragedistas griegos mientras que el Último es el comediógrafo más importante . 38) Ver Camerata fiorenfina, página 197, Período Barroco . 39) Todo parece indicar que ha sido en la India donde se introdujo por vez primera el sistema silábico en la música . 40) Ver nombre de las notas en página 24 .

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Remanente de la música griega antigua

Sólo quince fragmentos de cantos es lo que ha quedado de la música griega antigua, grabados en piedra y en antiguos papiros41 . No obstante las leyendas que surgieron en Grecia con relación a la música son fantásticas y vastas . Desde Pitágoras, a quien se le atribuye los estudios teóricos de la ciencia acústica o filosofía numérica, la música (cuyo estudio formaba parte de la educación clásica), constituyó el fundamento de una disciplina destinada a elevar el nivel moral e intelectual del ciudadano, incluyendo a científicos, matemáticos y filósofos, pasando por Platón, Aristóteles y Aristóxeno, el teórico musical más importante de la antigua Grecia 42, con unas 450 obras a su haber, entre filosóficas, históricas y de teoría musical . Israel Contrario a otras civilizaciones teocráticas los antiguos hebreos no fueron particularmente inclinados a las creaciones artísticas . Su música, que no se escribía, es más bien la expresión triste del alma de un pueblo cuya vida cotidiana, nómada y sedentaria era regida por un destino eminentemente religioso . Las múltiples diásporas a que fueron sometidos han sellado, sin duda, el carácter y los sentimientos del pueblo hebreo y la poca creación musical que se conoce ha sido producida en el exilio o en el cautiverio . No obstante bajo el gobierno del rey Saúl 43 (10501013 a. de C .) la corte real de Israel tuvo su propia tradi41) Ver Gustave Reese, La Música en la Edad Antigua, en La Mdsica en la Edad Media, Alianza Editorial, Madrid 1988, Pags . 74 y 75 . 42) Aristóxeno de Tarento, (n . 350) uno de los mayores teóricos de la antigüedad, fue discípulo de Sócrates, Xenófilo y Aristóteles . Lo poco que se conserva de sus obras, Principios de lo Armónico, Elementos de lo Armónico y Elementos de la Rítmica, constituye parte de los tratados musicales griegos más antiguos que se conocen . Fue además el inventor de un nuevo sistema de escalas musicales y el primero en defender la teoría del "temperamento uniforme" . Su influencia se extendió hasta el final de la Edad Media . 43) Primer rey de Israel, ungido por el profeta Samuel por encargo de Jehová .


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ción musical a la usanza de los palacios orientales de la época. Más adelante, durante el reinado de Salomón, hijo y sucesor de David, se edificó el célebre Templo (950 a . de C .) y David 44, que además de ejecutante era compositor, se hizo cargo de organizar todo el repertorio musical del Templo, cuya característica central era el canto de los Salmos, antifonales algunos, acompañados, probablemente, por instrumentos de cuerdas . Los sacerdotes usaban trompetas de tonos agudos (hazozra) para emitir señales, así como el sonido penetrante del cuerno o trompa (shofar) instrumento asociado directamente al sacrificio . El Libro Segundo de las Crónicas nos da razón de algún momento de esplendor de la música hebrea, cuando señala que en la consagración del Templo de Salomón "ciento veinte sacerdotes tocaban las trompetas mientras doscientos cuarentiocho levitas cantaban y tañían sus instrumentos para producir un sonido que se oyese en alabanza y acción de gracias al Dios de Israel' . Con la entronización del rey asirio Nabucodonosor (587 a . de C .) terminó el Estado judío con la consecuente diáspora del pueblo hebreo . En ocasión del Segundo templo (541 a . de C .) tras el exilio babilónico, se retomó la música del primer Templo . Con el canto antifonal y responsorial que se utilizó en la ocasión, los levitas o un chantre, cantaban la primera mitad del versículo mientras la congregación respondía con la segunda, alternativa que constituyó después uno de los precedentes de la técnica musical cristiana eclesiástica . O sea que la gran época de la música del pueblo hebreo es la que se cultivó durante el primer templo de Salomón, actividad que quedó truncada con la destrucción del mismo y la dominación de Nabu.codnsr No obstante, las diferentes comunidades judías dispersas, supieron preservar sus cantos y ritos, inclusive aquellas del segundo templo, cuando la orquesta del mismo comprendía un mínimo de doce ejecutantes que tocaban nueve liras, dos arpas y un par de címbalos, 44) Segundo rey de los israelíes, sucesor de Saúl .

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además de otros instrumentos eventuales como el habil, especie de doble oboe de origen oriental . Se desconoce la relación de los coros tanto del segundo como del primer templo así como la existencia de cualquier teoría sobre la música judía de la antigüedad, ni existe siquiera prueba alguna de cómo sonaba realmente la música del antiguo Israel-" . Sin embargo a las comunidades en el exilio, particularmente aquellas que emigraron a Alejandría, se les atribuye un papel muy importante en la conservación de la tradición del acervo musical . Los Mandamientos de la Ley Mosaica prohibían y prohiben taxativamente la creación de imágenes, y a semejanza de otras razas semíticas los hebreos no desarrollaron, en la antigüedad, un arte pictórico significativo . Concepto La música tenía para los hebreos un origen divino y a semejanza de los egipcios y asirios, confiaban en su capacidad curativa . La esencia musical hebrea residía en el poder y en la simplicidad más que en el sentimiento y la dulzura . La íntima relación racial entre los árabes y hebreos ha llevado a más de una autoridad en música antigua a la conclusión de que la música hebrea antigua es semejante, en ciertos aspectos, a la árabe . En efecto "el timbre nasal de los árabes se asemeja mucho en calidad tímbrica a los cantos de oración que elevan los cantores, sacerdotes y levitas, de las sinagogas ortodoxas hebreas"16 . Instrumental hebreo La tradición nos dice que Jubal, el primer cantante entre los hebreos, cuya voz sabía modular en forma muy 45) Ver artículo sobre Israel en The New, Harvard Dictionary of Music, editado por Don Randel, Harvard University Press, Cambridge, Massachusetts, 1986 . Existe versión en castellano en Alianza Editorial S.A ., Madrid, 1997 . 46) Ver Marion Bauer and Ethel R . Peyser, en Music Through the Ages, tercera edición, G .P . Putnam's Sons, Nueva York, 1967, Pág . 67 en adelante.


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particular, dominaba la lira pequeña (kinnor) y la flauta . El primero, el instrumento de David, semejante a la kithara griega o a la cítara romana, se rasgueaba tal como se hace con la guitarra y se usaba para acompañar al cantante . Los hebreos conocieron el salterio, semejante al dulcimer asirio, así como el canon árabe y el santir de Persia, además de los platillos, pequeños y grandes, las campanas y tambores, aún los pequeños, conocidos como tabrets, timbrels y tofs, siendo éste último el más popular . La propia Biblia (Exodo 15 :20) dice que "Miriam, la profetisa, hermana de Aaron, tomó el tinibrel en sus manos, y todas las mujeres salieron tras ella danzando con timbrels" .

El único instrumento hebreo que ha llegado hasta nosotros es el shofar o cuerno de carnero, de Cincomil años de existencia, que se tocaba en momentos de peligro y/o arrepentimiento . El carnero era un animal de sacrificio y el shofar era considerado un instrumento sagrado pese a ser el menos musical de todos . Se conocía también la trompeta metálica, que se usaba para la guerra, ceremonias religiosas y festivales . Todo parece indicar que fue con ellas que se derribaron las murallas de Jericó, según señala el Antiguo Testamento . Más adelante fueron introducidas, inclusive, en los servicios del templo . Canto litúrgico hebreo

La música litúrgica fue incentivada por el propio rey David y los sacerdotes levitas, con una disciplina propia de una academia, tal como sucederá posteriormente en Roma con la Schola Cantorum por instrucciones del Pontífice Gregorio el Grande . A las mujeres no les era permitido cantar en el templo, prohibición que mantendrá posteriormente el canto cristiano . La liturgia de los hebreos comprendía danzas, acompañamiento instrumental y canto coral . Roma antigua De acuerdo con los escritos de Cicerón, Marco Fabio, Quintiliano, Séneca y otros, la música se cultivó intensamente por todo el mundo romano, que adoptó la teoría y la práctica griega . Las célebres pantomimas y

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mimos, particularmente en la época de los últimos emperadores, constituyeron espectáculos eminentemente musicales . Para los primeros se usaban temas mitológicos mientras que los segundos se basaban en temas cotidianos aunque ambos exigían el uso de un grupo pequeño de instrumentos . Al margen de las representaciones teatrales, donde abundaban los intérpretes, la música se limitó a acompañar festines, juegos, cortejos, desfiles y funerales . En algunos teatros romanos se efectuaban conciertos gratuitos para la clase baja o plebe toda vez que la clase alta en general no era particularmente afecta a las expresiones musicales . Entre los músicos de la época sobresalieron Menécrates, Polión y Mesómedes, así como Terpnos, de origen griego, gran ejecutante de la cítara y maestro de Nerón, quien a su vez hizo acuñar monedas haciéndose representar como diestro tañedor del instrumento . En el siglo VI, Boecio y Casiodoro escribieron obras teóricas que fueron las intermediarias entre la música de los pueblos antiguos y la nueva sociedad medieval . Instrumentos

Como es natural habían instrumentos que caracterizaban a los grupos militares, así, por ejemplo, la tuba, como trompeta recta, pertenecía a la infantería, mientras que en la caballería se usaba el lituus enroscado, con forma de J, así como la buccina o corno, cuya conformación exacta se desconoce . Lo anterior fue característico de la Roma representante de un inmenso y poderoso Imperio, no obstante a la Roma, centro del Cristianismo, le tocará constituirse en sede donde se centralizará, organizará y difundirá la nueva expresión musical occidental, ya íntimamente ligada al culto de la Nueva Fe .


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CUESTIONARIO N° 1 01. Origen de la música . 02 . ¿A cuántos siglos se remonta la música en Mesopotamia? 03 . ¿Desde cuándo conocen los chinos la existencia de 12 sonidos?

04. ¿Quién fue Ling-Luen?

05. ¿De dónde surgen los Lyú? 06 . Mencionar alguna característica de la música antigua China .

07. Mencionar algunos instrumentos conocidos en China . 08 . Mencionar algunos instrumentos sumeros . 09 . ¿Con qué se relaciona la música de Grecia antigua? 10. ¿Cuál fue su instrumentos de viento más importante? 11 . Mencionar tres instrumentos de cuerdas griegos

12 . ¿Cuál fue al bloque básico de la música griega? 13 . ¿Quién fue Píndaro? 14 . ¿Quién fue Pitágoras?

15 . ¿Con qué instrumentos se acompañaban los poemas épicos?

16 . ¿Cómo fue la notación musical griega? 17 . Mencionar el teórico musical más importante de Grecia .

18 . ¿Cuál ha sido la herencia de los hebreos en la música europea? 19 . Mencionar algunos instrumentos de los hebreos . 20 . ¿Por qué estudiamos la música de las antiguas civilizaciones?

MÚSICA EN EUROPA

No hay arte alguno que no haya sido usado en el culto .

Taine, Filosofía del Arte

MÚSICA EN EUROPA Estilos musicales

El arte de la música en Europa, a través de su historia, presenta estilos diversos que a su vez no son más que técnicas características de una época y expresión de una sociedad determinada . Estos estilos o períodos, en líneas generales, son : el románico, el gótico, el renacentista, el barroco, el rococó, el clásico vienés, el romántico, el impresionista y el expresionista . Cada uno de estos estilos, emanados uno del otro, concatenados entre sí como los eslabones de una enorme cadena, conllevan sus propios medios de expresión, sus propias leyes y disciplinas, su propio colorido y dinámica, conllevan en suma una técnica que le es propia e inherente y que de cierta forma establece la demanda y el gusto del momento, técnica que es organizada y sistematizada por los grandes teóricos y compositores, aunque no siempre bien explicada por la ciencia estética . Así como es impropio juzgar la moda de vestir de hoy en base a cánones o gustos de épocas pretéritas así tampoco es aceptable juzgar una obra musical usando como argumentos conceptos que pertenecen a técnicas y períodos ya desfasados históricamente. De hacerlo incurriríamos necesariamente en un grave error, de ahí que Taine señalara` que "para comprender una obra de arte, un artista o un grupo de artistas, es preciso representarse con exactitud el estado general del espíritu y de las costumbres del tiempo a que pertenecen" . Valga la ocasión para señalar, sin embargo, que la brecha que separa al hombre común de cualquiera de las manifesta47)

Taine Filosofía del arte..

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ciones del arte tiende a ampliarse cada vez más lo cual impone la creación de una metodología de instrucción sistemática y sostenida sobre la materia . Períodos musicales

Si nos basamos en la densidad o textura de las obras musicales, la historia de la música occidental puede dividirse en tres grandes períodos, a saber : monofónico, polifónico y homofónico . Cada uno de estos períodos se traslapan entre sí, sin que exista una separación concreta y formal entre uno y otro.


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El canto llano de la Iglesia romana es uno de los grandes tesoros de la civilización occidental .

Grout y Palisca48

PERÍODO MONOFÓNICO (año 300 a 800) Introducción

Las raíces del período monofónico occidental tienen su origen en los griegos y en los hebreos . Los primeros aportan fundamentalmente su complicado pero importante sistema teórico mientras los segundos legan su espléndido repertorio melódico así como la consuetudinaria y particular habilidad en la ejecución de los instrumentos musicales. Entre el ocaso del mundo antiguo y la implantación de la cultura occidental se interpone una fascinante época de formación conocida como Edad Media a la que debemos remitirnos para encontrar las fuentes de nuestra actual sociedad . La herencia de la cultura griega y la civilización romana se fue diluyendo con las constantes invasiones de las llamadas tribus bárbaras : ostrogodos, visigodos, vándalos, francos, hunos, celtas, sajones, vikingos, eslavos, etc ., grupos humanos que fueron transformándose de "gente primitiva", con relación a la civilización conocida del mundo romano, en identidades que constituyen hoy las diferentes naciones del Continente europeo. De ahí que la Edad Media, lejos de ser una era de tinieblas y oscurantismo, como se la consideró por muchos años, representa en realidad un intenso como complejo período de gestación del hombre occidental, o sea uno de los períodos históricos más ricos, interesantes y creativos en la historia de la humanidad. 48) Donald J . Grout y Claude V. Palisca, Historia de la Música Occidental, Alianza Música, Madrid, 2001, Vol. 1, Pág . 59.

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A Alejandro el Grande se debe el restablecimiento del vínculo espiritual entre el helenismo y el mundo antiguo . Contrario a lo que comúnmente pueda pensarse, en la Edad Media existieron etapas de grandes inquietudes espirituales, artísticas, políticas, económicas y morales, que giraron, como es natural, en torno a los principios de la austera doctrina cristiana que en esos momentos llevaba a cabo su histórica gesta . En efecto el ingreso del Cristianismo en la vida espiritual del hombre occidental trajo consigo, entre otras cosas, un sorprendente despertar de las artes y las letras, mientras el poderoso Imperio Romano, debido quizás a la falta de grandeza intrínseca y substancia espiritual, se deshacía poco a poco . Música y Cristianismo

En un principio la música en general no fue ni siquiera recibida con buena voluntad por parte de la autoridad eclesiástica que veía en ella un posible vínculo de perpetuación del paganismo . Para la Iglesia Católica la música tenía que contribuir exclusivamente a robustecer la fe del hombre y para ello era fundamental que estuviera por entero al servicio del texto sagrado . De ahí su poco interés por la teoría y la ciencia en general de la misma . Es preciso tener presente que la música durante todo este período no tenía el significado estético que tiene hoy. Era en realidad, usando una expresión contemporánea, un arte meramente funcional . Después de todo, los propios filósofos griegos no cultivaban la música por amor al arte ni por la belleza de su contenido sino más bien por sus valores éticos y formativos . Es más, el arte musical del medioevo constituyó un patrimonio tan íntimamente vinculado a la Iglesia y a su calendario litúrgico, que los conceptos "música" y "música litúrgica" resultan casi sinónimos en la historia de ese período.


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Con la rápida difusión del cristianismo y la progresiva organización de la Iglesia, particularmente a partir del siglo IV, cuando el Emperador Constantino concedió la libertad de culto a los cristianos, la jerarquía eclesiástica se propuso organizar y unificar todo aquello que se refería al ceremonial religioso, incluyendo el canto utilizado para el texto sagrado que pasó a denominarse genéricamente Cano Litúrgico, o canto primitivo cristiano . Salmodia e himnodia

Las dos modalidades fundamentales de dicho canto lo constituyeron la Salmodia, o canto de los salmos del rey David y la Himnodia, o sea los cantos de alabanza, devoción y agradecimiento a Dios . Los segundos se consideran, en general, superiores a los primeros . Existían también otros cantos como el Benedictus (canto a Zacarías) y el Magníficat (cantos a la Virgen), entre otros . Canto Litúrgico

El canto litúrgico, o canto monofónico eclesiástico, es una declamación cantada del texto sagrado cuya sintaxis depende exclusivamente del verso . No hay ritmo propiamente dicho en el canto litúrgico monofónico49 toda vez que éste depende de la letra del texto que se canta . Poco es lo que se sabe en forma concreta sobre el canto litúrgico primitivo del Cristianismo, salvo que emana casi total y exclusivamente de la sinagoga, en donde las lecciones de las Sagradas Escrituras se recitaban, los Salinos se declamaban melódicamente y los Himnos se cantaban . El propio San Pablo en la Epístola a los colosenses, exhorta a la grey cristiana a instruirse precisa-

mente con las tres formas vigentes del canto hebreo que eran los salmos, los himnos y los cánticos espirituales o de alegría, amén de que los primeros chantres cristianos fueron instituidos en las casas judías de devoción . 49) A . Robertson y D . Stevens en su Historia Universal de la Música, (Edic . Istmo, Madrid, 1972, Vol . 1, Pág. 239) señalan que el ritmo en el canto gregoriano es una cuestión todavía muy discutida que genera más acaloramiento que luz .

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Canto declamado Es de suponerse que el estilo tan propio del canto eclesiástico se origina por la necesidad que tiene todo aquel que habla o lee, particularmente en un recinto amplio como sucedió en el antiguo teatro griego, de entonar su texto sobre una sola nota para proyectar mejor la voz y hacer que el verso fuese más claro para el auditorio . De ahí que la salmodia, o canto de los salmos, se hiciera a través de la declamación entonada, cantada, o acentuada .

Salinos e himnos Por otro lado es importante tener presente que los primeros cristianos eran de origen judío, griego, egipcio, armenio, sirio, romano, y galo, entre otros, con muy pocos vínculos comunes fuera de las enseñanzas de la Nueva Fe, constituyéndose en un denso crisol de diferentes tradiciones y criterios sin una unidad real de culto . Es lógico pensar, por ende, que cada uno o cada grupo humano cantase los Salmos o los Himnos, sea en las catacumbas, sea en residencias privadas o en el bosque, dentro del estilo de su propia tradición, y que fue labor de los padres de la iglesia (la Patrística) darle a ese canto eclesiástico la unidad necesaria para infundirle solidez, fuerza y perennidad, al mismo tiempo que construía y ordenaba su complejo ceremonial para la formalización del calendario litúrgico . A su vez, los himnos o cánticos, eran expresiones o cantos de alabanza, devoción y acción de gracias cuyo origen se remonta a las escuelas catequistas de Alejandría, que, con San Clemente a la cabeza, cultivaron el acercamiento entre la cultura helénica y la cristiana . Cada sílaba del texto de los himnos se cantaba sobre una o dos notas de la melodía, mientras que en los cantos espirituales, o cantos de júbilo, se jugaba con las sílabas del texto, adornándolas o alargándolas con grupos de notas que se denominan


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melisma o fiorituras 50 . Originalmente los himnos fueron acompañados por palmoteos de manos y movimientos de danza, costumbre que se fue paulatinamente perdiendo . Primeros himnos latinos

El biblicismo, movimiento de la Iglesia de mediados del siglo III que velaba por la autenticidad de los textos sagrados, reacciona y reglamenta la himnología o himnodia 51 . Se le atribuyen al obispo Hilario de Poitiers, junto con San Agustín, la composición de los primeros himnos latinos de la iglesia occidental (c.360), tomando como modelos los himnos sirios y griegos de las primeras iglesias cristianas orientales . De Hilario sólo se han conservado tres piezas . Le tocó también a San Ambrosio introducir himnos a la Iglesia occidental durante la persecución de los arrianos52 de ahí que se le considere como el fundador de la himnodia en la iglesia romana . Hasta ese momento las iglesias orientales, siríaca, bizantina, armenia, copta y etíope, asignaban a los himnos una parte más preponderante en el servicio religioso, costumbre que San Ambrosio decidió adoptar en la iglesia occidental" Con el poeta latino, Prudencio (m . c .405) se cierra el ciclo de la himnodia latina de los primeros siglos cristianos de música . 50) Algunos tratadistas clasifican las melodías del canto litúrgico en tres tipos : las silábicas aquellas que se canta una nota por sílaba ; las neumáticas, aquellas de dos notas hasta cuatro o cinco por sílaba, y las melismáticas, que son aquellas con largas frases floridas que se cantan con una sola sílaba . 51) Para que sea himno debe tratarse de "una alabanza a Dios cantada por una congregación" . 52) Herejía de Arrio (280-336), sacerdote de la iglesia de Alejandría quien en el 312 comenzó a propagar su doctrina contraria a la divinidad de Jesucristo, condenada en el primer Concilio de Nicea (325) .

53) Los himnos cristianos bizantinos más antiguos que se conocen hasta hoy son los encontrados en el papiro de Oxirincos (O .xyrhynchos, Egipto, 1918) con notación alfabética griega, preservados en fragmentos que datan, aproximadamente, de finales del siglo III, entre ellos el llamado Hinmo a la Trinidad .

1 1 6 - JAIME INGRAM JAEN El Cristianismo elevará el arte sacro musical monofónico a grandes alturas, arte que estará al servicio exclusivo del ceremonial religioso . Existió también abundante arte musical monofónico popular o laico que lamentablemente no llegó a conservarse . Hasta mediados del siglo IV la lengua oficial de la Iglesia cristiana fue el griego y sólo a finales del siglo (382) aparece la traducción latina del Nuevo Testamento conocida como la Vulgata, solicitada por el Papa Dámaso I, realizada y compilada por San Jerónimo . Se desconoce, sin embargo, cómo eran los cantos romanos originales, tales como habían llegado de Jerusalén, Siracusa, Antioquia o Bizancio 5 ', sean en su forma actual o en sus producciones francoromanas de los siglos VIII y IX .

Graduale y Antiphonale romanun:

Los cantos de las dos formas principales del oficio divino, el propio y el ordinario (propiuin y ordinarium), se ordenaron, fundamentalmente, según el año eclesiástico, en dos libros : el Graduale Romanum y el Antiphonale

Romanum.

El canto era parte integrante de toda ceremonia religiosa o de carácter cívico, sin olvidar que constituía una de las materias del grupo matemático superior de las siete artes liberales del momento . En efecto, la música (armonía) junto con la aritmética, geometría y astronomía, era lo que se conocía, desde 1253, con el nombre de quadrivium o artes matemáticas .` La Iglesia Católica, muy interesada por un lado en el desarrollo del canto eclesiástico, por otro prohibió terminantemente la introducción del instrumental musical dentro de las iglesias, prohibición que mantuvo vigente casi hasta hoy . El propio Santo Tomás de Aquino, aún en el siglo XIII, se ma54) Cuando el emperador Constantino mudó la sede del Imperio Romano a Bizancio (conocida posteriormente como Constantinopla y Estambul) la ciudad se transformó en otro centro hegemónico de poder como Ronma, Antioquia, Alejandría y Jerusalén y, consecuentemente, en un significativo centro de poder religioso . 55) El grupo retórico o inferior, o artes verbales que se conoció como trivium y que apareció en los alrededores de 1475, comprendía gramáti- .ca,diátyreóca


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nifiesta contrario al uso de los instrumentos dentro del recinto sagrado alegando para ello varias razones, entre ellas que distraían la devoción de los feligreses . Sólo en el siglo IX se permitió la introducción del órgano en las iglesias . Esta es una de las tantas razones por las que el canto monofónico a ca pella, o sea el canto de tina sola línea melódica sin acompañamiento instrumental, fue la expresión musical por antonomasia de la Iglesia cristiana durante un período de mil años aproximadamente . San Ambrosio y San Gregorio

En el siglo IV, San Ambrosio (ca .340-397), obispo de Milán, fue el primer coordinador del canto eclesiástico. En efecto, al observar la gran confusión que había en la música sagrada de la cristiandad decidió fijar las cuatro escalas o modos que deberían usarse, a la vez que ordenó cuidadosamente el repertorio existente . Dos siglos después, según ha establecido la tradición, el Papa Gregorio Magno, (540-604) impuso una segunda reforma y llevó a cabo la clasificación definitiva del canto litúrgico"' . Aunque estos dos nombres son los que la historia presenta como los principales organizadores del canto litúrgico medieval, -de ahí las denominaciones canto ambrosiano o milanés y canto gregoriano o erxoimsatn57'- pdreslaig quesdicaron la misma tarea, con igual ahínco, entre ellos : San Clemente de Alejandría, San Basilio el Grande, San Silvestre, San Efren y San Gregorio Nacianceno . Monasterios y abadías El medio más eficaz que utilizó la iglesia para presentar y difundir su doctrina y sus valores de civilización fue el monasterio, institución creada en el siglo VI 56) No obstante es interesante observar lo que el historiador Josef Gelmi señala en su obra Papas, Retratos y semblanzas, Editorial Herder, Barcelona, 1986, Pág . 39, "Es ya insostenible la opinión de que Gregorio escribió también un tratado de música ni que compusiera himnos, como se afirmó más tarde . Lo que sí es posible es que hubiera fundado la Schola Cantonan romana" . 57) En los alrededores del 770, finales del siglo VIII, la expresión Canto gregoriano reemplaza el término Canto romano .

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por San Benito (480-547) de Nurcia, Italia, fundador de la Orden de los Benedictinos, conocido como "Patriarca del Monasticismo Occidental", por haber fundado las primeras órdenes monásticas en las que impuso el estudio de la música como obligación fundamental de su propia regla . San Benito creó así mismo el monasterio de Monte Casino en Italia, donde escribió, en el año 540, su célebre "regla monacal" adoptada rápidamente en toda Italia y el resto de Europa . La regla planificó las actividades diarias del monje entre el culto religioso, la meditación, el estudio y el trabajo manual, enseñando a orar y trabajar en comunidad . De las abadías de Canterbury58 , Soissons, Fulda, Metz, SanGall fundado cerca de 62759 , Monte Cassino, Solesmes, etc ., brotó, poco a poco, la teoría y estilo de interpretación del canto litúrgico . Neumas

Como quiera que las notas, tal como las conocemos hoy, no habían sido inventadas aún, el canto de la liturgia fue registrándose con unos signos llamados neamas que servían de guía para la orientación del cantante . De ahí surge una notación o escritura muy particular, que se conoce como notación neumática. La palabra griega, neuma, significa aire o aliento . Se usa para describir un grupo de notas que se cantan sobre una sola sílaba y en un solo "aliento" o sea en una sola respiración . El signo neumático indica también la elevación o el des58) La tradición de¡ canto eclesiástico en Inglaterra data de la época del papa Gregorio, cuando envió a su representante, un monje benedictino llamado Agustín, para convertir al rey Egoberto y a sus súbditos, en el año 597, quien llegó cantando el Deprecamur te, Domine . Agustín fue el primer arzobispo de Canterbury, abadía que se transformó rápidamente en el centro más conspicuo de Inglaterra para el estudio del canto gregoriano . 59) Cuando el poderoso Carlomagno, rey de los francos y emperador de occidente, invitó a un número plural de cantores romanos, especialistas en canto litúrgico, a trasladarse a su corte de Aquisgrán donde había fundado una escuela de canto, uno de los monjes del grupo se enfermó en la travesía de los Alpes y tuvo que permanecer en el monasterio de San Gall, Suiza, logrando transformarlo, según se dice, en uno de los centros más importantes para el estudio y difusión del canto eclesiástico .


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censo de la melodía . Las variaciones de altura de los sonidos eran fácilmente señaladas pero no así los intervalos entre las notas . En la praxis los cantantes aprendían las melodías de oídas, memorizándolas, y los neumas, que aparecieron por vez primera en el siglo VII, sólo servían de recordatorio, pero su lectura nunca fue muy exacta . Inclusive muchos de ellos no han podido descifrarse todavía . Primeros manuscritos con neumas

Los primeros manuscritos con neumas aparecen entre el siglo VII y IX, durante el período denominado paleo francés . Poco a poco se fue elaborando un sistema que pudiera indicar de manera más segura el intervalo entre nota y nota . Así fue apareciendo primero una línea horizontal llamada pauta que determinaba la nota fa (de ahí el origen de la clave de fa), luego otra línea que determinaba la nota do (clave de do), luego dos más formando el llamado tetragrama, el que aparece todavía en algunos manuales de canto llano de la iglesia . rrpal «ufiott mufn~~4.t v

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Existieron diferentes tipos de neumas dependiendo Existieron de las abadías o escuelas de donde surgían . Así, los neumas de la Escuela de San Gall, por ejemplo, tenían trazos suaves mientras que los del monasterio de Metz eran ligeramente ondulados, a su vez los de Benevento se caracterizaban por trazos fuertes y los de Aquitania presentaban diseños graciosos y más delicados, etc . Es interesante señalar que ya en el siglo VI se conoció en España una notación musical visigoda propia y que

1 2 0 - JAIME INGRAM JAÉN la lírica latina profana más antigua de Europa procede de la España de San Eugenio y de San Isidoro de Sevilla .

Primeros Tratados musicales Durante la tercera década del siglo VI aparece la obra De Institutione Musica del noble romano Boecio 00 (c .480-526), el tratado de música occidental más antiguo que se conoce, verdadera biblia musical de la Edad Media . Aunque gran parte de la obra se ha perdido, se conserva de ella la exposición sobre la notación griega en la que se señalan las influencias de Platón (348 a .C .), Aristóteles (322 a .C .) y Ptolomeo quién vivió entre 51 y 127 (S .II), considerado como el último sabio de la antigüedad, importante astrónomo, geógrafo, matemático y teórico de la música . Hacia finales del siglo II vivió Quintiliano autor de la obra De Musica . Sucede al tratado de Boecio, el Instituciones Divinarum et Humanaruin Reruin de Casiodoro" (c .485-575), notable hombre de Estado quien junto con Boecio suministró en sus escritos todo lo que puede inquirirse acerca de la ciencia musical en el siglo VI, particularmente en la corte de Teodorico ; tras la entrada de Belisario en Rávena se retiró y fundó dos monasterios . Siglos después aparecieron De Música (804) del inglés Alcuinoó2 , consejero de Carlomagno, obra desaparecida, y el De Música, del monje Aureliano de Reomi, a mediados del siglo IX, en la que se expone la teoría modal del canto eclesiástico . 60) Cuyo verdadero nombre era Anicio Manlio Torcuato Severino, célebre político, filósofo, musicógrafo, matemático y consejero privado de Teodorico el Grande, escribió cinco libros de música que constituyeron texto corriente y casi obligante para todo estudioso durante la Edad Media . Fue elegido cónsul en el año 522 . Sin embargo tras severo proceso por un delito imaginario de alta traición, fue destituido, encarcelado y ejecutado cerca de Milán por orden del propio Teodorico . Varias obras teatrales del siglo XVII fueron inspiradas en su trágica muerte . 61) Es sorprendente la división de la materia musical en tres partes, armónica, rítmica y métrica, que ya en ese entonces hace Casiodoro . 62) Es el monje inglés que ayudó a Carlomagno en su programa de reactivación de la educación en todo el imperio . Gracias a él se crea una serie de importantes centros musicales entre ellos el célebre monasterio de San Gall, en Suiza .


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En el año 650 el Concilio de Chilons prohibió formalmente el canto de las mujeres en la iglesia, además de que, como quiera que toda expresión musical dentro del recinto sagrado era privilegio exclusivo del clero, el canto de la comunidad fue igualmente atacado y rechazado. Canto Antifonal y Responsorial Durante la primitiva era monofónica surgen varios tipos de cantos, entre ellos el Canto Antifonah3, generalmente asociado a la Salmodia o canto de los Salmos° 4 , que consistía en cantar con coros (o schola), alternos, que se sientan uno frente al otro y en ambos lados del altar lo que se ponía en práctica en las ceremonias más solemnes . Esta costumbre, muy recomendada y defendida por San Basilio desde el siglo IV, se difundió rápidamente por todo el Medio Oriente, desde Egipto, Libia, Arabia, Fenicia y Siria, hasta Palestina y Mesopotamia . En el llamado Canto Responsorial, (o Salmodia Responsorial), aparece un solista, (o grupo de solistas) que alterna con un coro que canta el estribillo . Tropos y Secuencias En los alrededores de 850, período denominado Romanesco, se inicia el desarrollo del repertorio tradicional de la Iglesia con la aparición de los primeros TrYnos y Secuencias`, expresiones que, dentro de la música medieval, conllevan prácticamente el mismo significado . 63) San Agustín (m.430) atribuía a San Ambrosio (m .397) la introducción de] Canto antifonal en Occidente . 64) Al libro de los Sabeos del Antiguo Testamento, de David, rey de Israel (ca .1012-ca .972 a .C .), se le llama también Salterio . De ahí que las autoridades eclesiásticas urgieron al clero a aprender de memoria el salterio, lo que no debe confundirse con el instrumento del mismo nombre . 65) Algunos autores atribuyen la invención de las secuencias a Notker Balbulus, el tartamudo (c .840-912) y el tropo al monje sangalense Tuotilo (m .915). El primero, monje también del monasterio de San Gall (Suiza), es autor de Liber Hymnorum, colección de sus textos de secuencias, en el que narra como "en su juventud la idea de añadir textos a los largos melismas del canto llano, para ayudar a la memorización del mismo, se la dio un monje del noroeste de Francia que había abandonado su monasterio tras sufrir un ataque vikingo" . Adam de Saint Víctor (s . XII), compositor y poeta, enriqueció enormemente la secuencia litúrgica .

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Se llamó tropo a las adiciones o interpolaciones, de palabras o de sonidos, o de ambos, que se le hiciera a un canto litúrgico preexistente . Los textos del tropo se fueron ampliando y enriqueciendo de tal forma que se llegaron a emplear textos dialogados e inclusive dramatizados con pasajes de la vida de los santos y otros temas de las sagradas escrituras . La secuencia, que tiene raíces en el canto judío y en la iglesia bizantina, era una adición importante semejante al tropo, como expresión de alegría o júbilo que se le hacía al Alleluya 6 " . Su origen, fundamentalmente literario, aparece por vez primera en el curso del siglo IX aproximadamente al mismo tiempo que el tropo, aunque se desconoce el modo auténtico de su interpretación, porque no se sabe, por ejemplo, si la cantaba un solista o el coro, si se interpretaba antifonal, alternativa o conjuntamente . Desde el punto de vista técnico se da el nombre de secuencia a los modismos que prolongan o alargan la última sílaba del Alleluya . El uso de los tropos desapareció hacia finales del siglo XII mientras que la práctica de la secuencia se extendió hasta el siglo XIV cuando el Concilio de Trento (1545/1563) 67 decidió abolirlas para conservar sólo cuatro de ellas, más otra que se añadió en el siglo XVIII 68 Lo cierto es que, como bien señala Adolfo Salazaró 9 , "ambas prácticas constituyen invenciones notables de esos siglos iniciales del segundo milenio que muestran como estamos ya en presencia de todo un arte que, aun66) El propio San Agustín dice en su Salino XXII, que "el que esta alegre no emite palabra sino sonidos de alegría . La inabarcable amplitud de la alegría no cabe en los estrechos límites de las sílabas" . 67) El concilio se desarrolló durante los pontificados de Pablo HI, julio Ill y Pío 1V. 68) Las cuatro que conservaron son : Victiruae pnsclmli laudes (para Pascua), Vea¡ Sancte spirihr (Pentecostés), Leude Sien, atribuida a santo Tomás de Aquino (Corpus Christi) y el Dies irse, atribuido a Tomás de Celano (Semana Santa) . Luego, en 1727, se añadió el Stabat Mater (Estaba la Madre junto a la Cruz) atribuida a Jacobo de Todi, monje franciscano del siglo XIII . 69) Le Miísica en la Sociedad Europea,

México, 1942, Vol . 1, pág . 99 .

primera edición, El Colegio de México,


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que religioso y conventual, no es propiamente litúrgico si no más bien un arte religioso-profano o religioso-popular a veces irreverente y burlón" . Dramatización de los Tropos

Con la dramatización de los tropos surge una de las expresiones musicales más importantes de la época, que es el Drama Litúrgico o drama religioso medieval 70 , género escénico de cuño religioso-popular de los siglos X y XI, que se extiende hasta mediados del siglo XVI . A su vez el drama litúrgico, que era cantado casi siempre en latín, es uno de los géneros precursores de la ópera . Uno de los dramas más significativos de ese entonces es el llamado Juego de Daniel` representado hacia 1250 con acompañamiento de gran cantidad de cuerdas y que se refiere a la vida del profeta Daniel, así como la Historia de Adán y Eva (Jeu d'Adan et Eve) que exigía tres grupos instrumentales diferentes 72 : el órgano regal para el cielo, las violas, las cítaras, las flautas y las trompetas para la tierra, así como diversos instrumentos de percusión para el infierno . . . etc . Téngase presente que los instrumentos, inclusive el órgano, se consideraban parte integrante de la vida profana, de ahí que se encuentren en las diferentes manifestaciones de la vida privada, en el teatro, en las fiestas paganas y populares pero nunca en la Iglesia que prohibía el uso de ellos en sus ceremonias limitando su expresión musical, sean salmos, antífonas, himnos, aleluyas o cánticos en general, a la exclusiva intervención de las voces . Habrá que esperar todavía que 70) Como es en España el conocido Canto de la Sibila de cuño totalmente castellano, o el célebre tropo dramatizado ¿ uern uaerítis in Sepulcro? del siglo X en el que participan tres mujeres y un ángel, que se cantaba en la misa de Pascua de Resurrección antes del introito . Los dramas de Pascua de Resurrección y Navidad fueron los más representados por toda Europa . 71) La palabra juego debe interpretarse como representación o ejecución tal corno sucede con el francés y el inglés. 72) Ver La Orquesta, de L . Aubert y M . Landowski, Edit . Universitaria de Buenos Aires, Argentina, 1959, pag . 13 .

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el órgano vuelva de Bizancio, donde los emperadores, después de perfeccionarlo 73 , lo introdujeron en las grandes ceremonias de la corte, para que logre la aceptación de las autoridades eclesiásticas, lo que tendrá lugar sólo en el siglo IX . Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso

Es necesario no confundir el canto litúrgico con el canto religioso o música religiosa . En efecto, se denomina canto religioso o música religiosa a las obras musicales de carácter religioso pero que no pertenecen necesariamente a la liturgia, aunque se añadan algunas veces a las funciones litúrgicas para mayor solemnidad, mientras que por canto litúrgico se entiende las distintas melodías que integran la liturgia de culto . Canto Mozárabe, Galicano, Bizantino e Irlando Británico

Constituyen cantos litúrgicos pertenecientes al período monofónico, los siguientes : a) El Canto Mozárabe o Rito Hispánico, denominado erróneamente Canto Visigodo, el que se desarrolló en España durante la dominación musulmana o mozárabe particularmente en Aragón, Castilla y León, muy floreciente hasta el siglo XI (c . 1077) en que fue abolido para ceder su lugar a la liturgia romana con sus dos actividades fundamentales que son : los oficios 74 y la Misa . Se considera a Toledo, en España, la capital de la liturgia mozárabe adoptada oficialmente en el año 633 . Es interesante señalar que por concesión especial de Roma, en una de las capillas de la Catedral de Toledo 75 se permite utilizar el Canto Mozárabe en determinadas fechas del calendario litúrgico, para el cual se usan las melodías que aparecen en los libros impresos a finales del siglo XV, preparados bajo la égida del cardenal Jiménez de Cisneros . Entre los coor73) En el año 757 Constantino Coprónico VI, emperador de Bizancio, envió de regalo al rey Pepino el Breve de Francia, un órgano portátil . 74) El repertorio musical de los oficios (maitines, laudos y vísperas) se encuentra en el libro litúrgico denominado Antifonario . 75) Así como también en una capilla de Salamanca .

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dinadores del canto mozárabe figuran San Leandro (m .599), San Isidoro de Sevilla" (570-636) y San Ildefonso (m .667) . b) El Canto Galicano o canto de Francia, llamado también canto provenzal, que alcanza su mayor esplendor en el siglo VII . c) El Canto Bizantino, que es el canto litúrgico original de la Iglesia Cristiana del Imperio Bizantino o Imperio de Oriente, fundado por Constantino el Grande en el año 328 y destruido en 1453 con la caída de Constantinopla . Bizancio constituyó el emporio más rico de la cultura helénica y el centro más fecundo de los nuevos conceptos cristianos hasta el advenimiento de la dinastía carolingia" . Mientras en Italia y Francia el canto litúrgico permanecía en los monasterios, en el Imperio Bizantino resplandecía por doquier, junto con el órgano, inclusive en las ceremonias civiles . La liturgia musical bizantina sobrevivió al imperio y constituye hoy día el gran patrimonio de la Iglesia Cristiana griega junto con la de los servios, albaneses, búlgaros, rumanos, turcos y rusos . d) El Canto IrlandoBritánico, derivado del canto cristiano romano, es el que se utilizaba en la Catedral de Salisbury entre el siglo XIII y XVI . Dentro del Canto Litúrgico de la Iglesia, el más importante es el llamado Canto Gregoriano también conocido como Canto Llano que alcanzó su mayor esplendor entre los años 750 y 850 . Cerca el siglo IX, cuando el emperador Carlomagno decretó la obligatoriedad del culto católico en todo su imperio, el canto litúrgico contó con los elementos necesarios para su efectiva difusión . No obstante a través de los años, el pueblo, necesariamente ocupado en otros menesteres, fue alejándose de las con76) San Isidoro de Sevilla, oriundo de Cartagena (Murcia) ciudad de la cual fue obispo, hermano de San Leandro, San Fulgencio y Santa Florentina, escribió un importante tratado, su obra principal, Originum sive etyniologianin ; libri XX, en el que dedica todo un capítulo a la música . La importancia de San Isidoro es inmensa no solo por haber recogido la suma del saber de su tiempo, sino porque su obra Etimologías, en la que reunió el inventario de la herencia intelectual ronmana, constituyó la enciclopedia por antonomasia de la Europa mnedieval . 77) Referente o relativa a Carlomagno y sus descendientes .

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gregaciones, perdiendo poco a poco la práctica de los cánticos, limitándose a responder sólo con un Amen o un Alleluia, quedando el resto del canto en manos del sacerdote o salmista que presidía la ceremonia . Esta disyuntiva creó la necesidad, por parte de la iglesia, de formar coros especiales que se dedicaran a cantar el repertorio necesario para las ceremonias del calendario litúrgico, quedando los feligreses cada vez más marginados del mismo . Inclusive la constitución y forma de la sagrada Misa no fue una creación inmediata, sino que se extendió durante varios siglos hasta llegar a completarse íntegramente en el siglo X .


BREVES BIOGRAFÍAS San Ambrosio (340-397) Nació en las Galias . Padre de la iglesia latina, gobernador de Milán (370), consejero del Emperador Teodosio, fue consagrado obispo de Milán en el 374, año en que entregó todas sus posesiones a los pobres . Es uno de los primeros forjadores de la música eclesiástica de la Iglesia . Tuvo el valor de negarle la comunión al Emperador Teodosio por la matanza de miles de personas en Tesalónica . Excelente teólogo y moralista, San Ambrosio se hizo de un nombre en la historia de la música al introducir en Milán la salmodia antifonal, de raíces orientales . Compuso, además, himnos con aires populares para introducir la doctrina ortodoxa durante la lucha contra los Arrianos, himnos que eran a veces acompañados de la cítara . La práctica de enriquecer los himnos se hizo tan general en otras partes de Italia, que actualmente es imposible distinguir los himnos originales de Ambrosio de aquellos compuestos o enriquecidos por otros padres de la Iglesia . Aunque sólo existen cuatro himnos, mencionados por San Agustín (quien fue bautizado por San Ambrosio) en sus Confesiones, cuya autenticidad ambrosiana parece estar garantizada, los utilizados hasta hoy en el ceremonial milanés, aunque casi todos son de factura posterior, se le denomina indistintamente canto ambrosiano . El siglo IV, el de San Ambrosio, representa el momento en que todo el territorio romano estaba ya latinizado y el idioma de la Iglesia deja de ser el griego para adoptar el latín . San Gregorio Magno 78 o Gregorio I, el Grande (c . 540-604) . Fue el primer benedictino en ocupar el solio pontificio . Nació en Roma en el seno de una egregia y pu78) Aunque la tradición universal atribuye al Papa Gregorio la reorganización del canto litúrgico dicha tradición ha sido puesta en duda por varios autores, entre ellos el conocido musicólogo Willi Apel . No es posible soslayar que la biografía niás antigua que se conoce sobre Gregorio fue escrita por Juan el diácono, en el año 873 o sea 300 años después de la muerte del sumo pontífice . En todo caso la reorganización de Gregorio . desde el punto de vista musical, debe haber sido

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diente familia senatorial, en cuya genealogía figura el Papa Félix III. Siendo pretor y prefecto de Roma abandonó todo para dedicarse a la vida monacal, llegando rápidamente a diácono con lo que tuvo os inmediatos con la música sacra . Fue Nuncio Apostólico en Constantinopla, ciudad en que permaneció siete largos años y cuya avanzada cultura le ayudó en sus posteriores acercamientos a los pueblos del Norte de Europa . A su retorno a Roma donó todos sus bienes a la Iglesia . Sucesor de Pelagio II, y gracias al gran prestigio que adquirió ascendió al trono pontificio en el año 590, llegando a ser particularmente irado por sus coetáneos . Su sistema istrativo y la pompa en el ceremonial que tanto iró en Bizancio, se convirtió rápidamente en la base del absolutismo papal, ceremonial que sólo se humaniza con Juan XXIII en pleno siglo XX . Activo, inteligente, ecuánime, infatigable trabajador y polemista, como Pontífice supo tomar decisiones políticas y militares importantes, particularmente ante las amenazas de los longobardos, demostrando ser un hábil diplomático . Su prestigio en la Historia de la Música descansa fundamentalmente en la organización, tanto litúrgica como musical, del canto eclesiástico, obra que compiló bajo el tituló de Antiphonariuni cento . Aunque la Schola cantorum (Escuela de Canto), en la que se impartía toda la teoría y estilo del canto litúrgico, además de gramática, retórica y teología, haya sido creada bajo el reinado pontifical de Silvestre I, quien la organizó en forma definitiva fue Gregorio, centralizándola en dos grandes sedes catedralicias : San Juan de Letrán y San Pedro, en Roma . Entre su obra dejó un importante comentario sobre el libro bíblico de Job. Se cree que un códice manuscrito de cantos sagrados que se conserva en el monasterio de Saint-Gall, Suiza, es una fiel copia del Antifonario original de Gregorio que desapareció durante la invasión de los bárbaros . muy precaria debido a la pobre notación musical de la época . La tradición, indudablemente, fue más vocal (oral) que escrita . No obstante se sabe con toda seguridad que el papa Gregorio sí se preocupe con la sistematización del Canto Litúrgico y formalizó, con gran interés, la Sckola Cantorun,, especie de academia de canto dedicada a salvaguardar la teoría, el estilo y la tradición del canto cristiano .

ORIENTACIÓN MUSICAL- 1 2 9

CUESTIONARIO N'2 01 . Mencionar los tres grandes períodos de la Música . 02 . ¿Cuáles son las raíces del canto monofónico? 03 . ¿

ué significado tuvo la música en la Edad Media?

04 . Definir lo que es el Canto Litúrgico . 05 . ¿

ué significa Canto Monofónico?

06 . ¿

uién fue San Ambrosio?

07 . ¿

ué es el Canto Gregoriano o romano?

08 . Mencionar cuatro diferentes tipos de Canto Monofónico 09 . ¿

ué es Canto Mozárabe?

10 . ¿Cuál es la diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso 11 . ¿

uién fue San Isidoro de Sevilla?

12 . ¿ ué innovaciones musicales surgen a mediados de] siglo IX? 13 . ¿Cuáles fueron las dos modalidades del Canto Cristiano? 14 . ¿ ué son los Tropos? 15 . ¿A qué se denomina Secuencia? 16 . ¿ ué es Canto o Salmodia antifonal? 17 . ¿

ué es Canto Responsorial?

18 . Explique que fue exactamente lo que hizo el Papa Gregorio . 19 . Mencione tres padres de la Iglesia del Canto Monofónico . 20 . ¿

ué son los Himnos?

21 . Mencione cuatro importantes abadías del período . 22 . ¿Cómo se llama la anotación o escritura del canto litúrgico?

130 - JAIME INGRAM JAÉN 23.

Mencionar dos tratados antiguos de música .

24. ¿ ué son los melismas o fiorituras? 25 ¿En qué siglo aparecen las nota cuadradas?

26. ¿En qué tratado aparecen las primeras referencias polifónicas? 27. ¿ ué es la Schola Cantorum? 28 . ¿Cuáles son las dos grandes sedes de la Schola

Cantorum?

29 . ¿Dónde se practica todavía el Canto Mozárabe? 30 . ¿Cuál es la primera expresión musical de la iglesia?

La polifonía es para la música lo que el gótico es para la arquitectura .

PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)

Durante el último período Carolingio 71 y la temprana Edad Media, aparecen las primeras noticias sobre un primitivo canto polifónico, la aportación más importante del hombre occidental al arte de la música . Después de nueve siglos de canto monofónico, el Occidente encuentra su expresión musical más original con la polifonía, polimelodía o canto a varias voces, cuyos primeros ejemplos, sean profanos como religiosos, se manifiestan hacia finales del siglo IX y mediados del siguiente" . El concepto polifónico consiste en la manifestación simultánea de más de una línea melódica con igual o casi igual importancia . Temprana polifonía

Las primeras expresiones de este nuevo arte, aunque muy sencillas en su inicio pero particularmente complejas para su notación y realización toda vez que planteaban arduos problemas en la coordinación de las voces, por la carencia todavía de un sistema exacto de escritura y métrica, aparecen casi al mismo tiempo en las Islas Británicas81 y Flandes, región que comprendía la provincia de Artois en el norte de Francia, las provincias de Hainaut y Bravante en Bélgica, hasta las costas del Mar del Norte. 79) Carlomagno se consagra emperador de Occidente en el año 800 cuando los fundamentos teóricos e ideológicos de la música eclesiástica (litúrgica) de la iglesia cristiana son todavía precarios . 80) Mientras tanto ya en el año 987 había tenido lugar la caída de la dinastía carolingia y el inicio de la era de los Capetos con la ascención de Hugo Capeto al trono de Francia . 81) Se afirma que los celtas cataban a varias voces ya en el siglo X costumbre que probablemente adquirieron de los normandos . Otro tanto se dice inclusive de los griegos en sus expresiones populares . Lo cierto es que el gran desarrollo musical alcanzado en la región de Gales y en el norte de Inglaterra, ya en el siglo X, hace suponer que esos pueblos fueron unos de los primeros en cultivar el arte polifónico. Inclusive en diversas regiones de Africa hay ejemplos de polifonía primitiva .

1 32 - JAIME INGRAM JAÉN Es interesante observar que el nuevo arte vocal inicia su aparición a partir del momento en que el canto monofónico alcanzó su mayor esplendor . En los alrededores del 870, Juan Escoto (Scotus) de Erígena, filósofo y teólogo de origen irlandés, maestro de la corte de Carlos el Calvo de Francia, había publicado su obra De Divisiones Naturae (Acerca de las divisiones de la Naturaleza) en la que menciona por vez primera la existencia de una suerte de polifonía vocal que denomina Organurn, de la que no da, desafortunadamente, ningún ejemplo . A esta época, finales del siglo IX o albores del X aproximadamente, pertenece también el tratado aparentemente anónimo, del siglo IX, denominado Musica Enchiriadis o Manual de nnísica" 2 , (según el historiador Roland de Candéa 3 , el nombre correcto es Enchirias de Musica) en el que se describen dos maneras de "cantar juntos", y muestra los primeros ejemplos escritos del principio polifónico conocido como organum o diafonía, entre ellos el célebre dístico : Rex Caeli Domine . No obstante, de acuerdo con las últimas investigaciones todo parece indicar que cl principio de la polifonía había sido, desde muchos años antes, una práctica popular, o sea que "la polifonía no es una peculiaridad exclusiva de la música occidental"x 4 . El tema todavía es motivo de discusión entre los especialistas . El propio Aristóteles observaba que los hombres y mujeres cantaban a la octava "creyendo cantar al unísono" . 82) Atribuido, según unos al monje Huebaldo (c .840-930) autor de Hanuonica Instihrtione y según otros a Hoger de Werden (m.905) o a Otger de Sans Pons (m .940) . Tratados como Musica Enchiriadis eran destinados a estudiantes que aspiraban a tornar órdenes religiosas y no al público en general . El tipo de notación musical utilizado en dicho tratado, así como en tratados afines de la época, se denomina notación dascimm, que pese a ser una de las más antiguas de Europa era bastante precisa en su indicación . 83) Historia Universal de la Música, Edición Aguilar, Madrid 1981, Vol . 1, Pág . 199 . 84) Ver, La Música n,cdieval, de John Caldwell, Alianza Editorial, Madrid 1984, Pág . 107.


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Organum y discantas Existen varios tipos de organum, a saber : el puro, el simple, el compuesto, el libre, el melismático, etc ., aunque es poco lo que se sabe sobre las fechas exactas en que fueron apareciendo . Se llama organtun purum o duplum (puro o doble) a aquel en el que la voz inferior sostiene notas largas mientras la voz principal entona el cantus firinus (canto firme) . Cuando la voz inferior, que es la segunda voz, conocida también como voz organal, canta paralelamente a la melodía gregoriana o cantus firmas que lleva la voz principal, a la distancia de una cuarta o quinta inferior, se conoce como discantus o diafonia . Por otro lado si la voz organal se mueve con cierta libertad a partir del unísono, alcanzando intervalos de segunda, terceras y cuartas, en movimiento paralelo y contrario con la voz principal, el organmu se denomina libre, en cuyo caso el duplum (o sea la voz organal) puede, inclusive, moverse por encima de la tesitura del cantus firinus .

El gymel y Organa de Winchester En Inglaterra con el gymel, las voces progresan por terceras, género que se origina en el falsobordón, nacido, parece ser, en la propia isla en el siglo XIII alcanzando su mayor apogeo en el siglo XV.

En dos excepcionales manuscritos, de Oxford y Cambridge, conocidos como "organa de Winchester", se conservan unas 174 composiciones, que datan entre el 996 y 1050, que anteceden en casi un siglo a las creaciones de la escuela de San Marcial de Limoges (Francia), constituyendo el arsenal más antiguo polifónico que se conoce hasta hoy, al margen de los ejemplos que aparecen en el mencionado Musica Enchiriadis y los señalados por Guido de Arezzo en su Micrologus, obra que dedicó a su protector el obispo Teobaldo y en el que expuso una división más sencilla de] monocordio que la expuesta hasta ese momento por Boecio . Guido de Arezzo (Toscana), Guido Aretino o Guido Monaco (995-1050) monje benedictino del mo-

1 3 4 -JAIME INGRAM JAÉN nasterio de Pompona, autor del mencionado Micrologus de disciplina Artis Musicae (1030) es responsable, entre

muchas otras novedades musicalesR 5 , del nombre de las notas y del perfeccionamiento del pentagrama . Tanto en el Micrologus de Arezzo, como en el anónimo Dialogas de música, se definen por vez primera los modos eclesiásticos utilizados en ese entonces para la clasificación de los diferentes cantos gregorianosN' .

Primera mujer compositora

En pleno siglo XII surge la sorprendente mística, poeta, escritora y compositora alemana Hildegard von Bingen (1098-1179), hija de padres nobles, famosa por sus poderes proféticos y revelaciones, figura femenina única en la historia medieval, educada en un convento de benedictinas por la abadesa Julia von Spanheim, a la que sucedió en 1136 como directora (magistra) del convento . "De escasa salud física se hallaba dotada en cambio de una formidable personalidad"' . Cuatrocientos años antes que la gran Teresa de Ávila, se dedicó a fundar nuevos monasterios de su orden . Fue consejera de papas, emperadores y príncipes, dejando numerosos escritos teológicos y científicos . Entre sus composiciones se encuentran 35 antifonías, 7 secuencias (para las que componía tanto el verso como la música), 19 responsorios y un Kyrie, así como el drama musical sacro (no litúrgico), Ordi vurtutun (Las virtudes) . En el ámbito de la música religiosa de la baja Edad Media, Hildegard von 85) Entre ellas las aportadas a la "pedagogía musical' cono por ejemplo su método para la educación del oído o para la improvisación así copio su famosa "mano guidoniana" usada hasta el siglo XVIII como auxiliar pedagógico, aunque el pretendido inventor no la menciona en ninguna de sus obras. 86) Los modos eclesiásticos son ocho en total y se dividen en dos clases : los nodos auténticos, que tienen una extensión melódica, o ámbito, de una octava por encima de la nota final, que es la tónica del canto litúrgico, y que tienen nombres de origen griego, como dórico, frigio, lidio y nixolidio ; y los ,,,odas plagalcs que tienen el ámbito de una quinta por encima y una cuarta por debajo de la nota final ó tónica y que usan el prefijo hypo antes del nombre griego : hipodórico, hipofrigio, hipolidio e

hiponixolidio.

87) Ver, Éxtasis sin 2000, Pág . 74 .

fe

de Javier Álvarez, Editorial Trotta S .A ., Madrid,


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Binden es, además de una mujer excepcionalmente dotada, la figura musical más relevante de su siglo . Escuelas Polifónicas

El nuevo arte de la polifonía se extendió poco a poco a través del Continente, hasta llegar a cultivarse con gran propiedad y maestría en diferentes regiones, ciudades, o centros que eran abadías, monasterios e iglesias, que en la historia de la música se conocen como escuelas polifónicas. De ahí que estas escuelas lleven el nombre de una región determinada como Borgoña en Francia o Castilla en España, o el de una ciudad como Roma, París o Viena, o sencillamente el nombre de un monasterio, abadía o catedral como San Gall, San Marcial, Monte Casino o Nuestra Señora de París, dependiendo de la importancia que alcanza el arte polifónico en cada uno de ellos . Los compositores de la época se asocian, ya sea por la forma de expresarse ya sea por la técnica que les caracteriza, con un centro o región de origen, y así decimos, Palestrina de la escuela romana, Morales de la escuela castellana o Lassus de la escuela flamenca, toda vez que cada escuela es y representa la impronta de una técnica específica . Divisiones de la Polifanta

De acuerdo con las innovaciones que aparecen en el correr de los años el arte polifónico puede dividirse en cuatro etapas, a saber : Ars Antiqua, Ars Nova o Gótico, Renacimiento y Período Barroco .


ARS ANTI UA Se llama Ars Antiqua o arte antiguo, a la música comprendida entre el siglo XII y el XIII . El centro o Escuela principal de esta primera etapa de la polifonía fue la catedral de Nuestra Señora (Notre Dame) de París . En ese momento Francia era el país rector de Occidente, donde el feudalismo había alcanzado su mayor desarrollo" . Otros centros importantes continentales fueron, la catedral de Chartres y la abadía de San Marcial, fundada en el año 848, en Limoges . Los compositores más representativos del centro parisino fueron : Leoninus o Léonin (c .1130-1190) y Perotinus o Pérotin (c .1150-1220) . El primero fue Caput Scholar de la Iglesia de la Virgen María de París y el segundo primer organista de la Catedral de Nuestra Señora, ambos en París, Francia . Perotinus, sucesor de Leoninus, es el mayor representante de la escuela de Notre Dame, de su época . Fue autor de organa triples y cuádruples" muy apreciados por sus contemporáneos, así como de conductus, y cláusulas de una y varias voces 70 . Su influencia fue grande no sólo en Francia sino en Inglaterra aunque nada se sabe de sus discípulos salvo el nombre de uno de ellos, el inglés 88) Época de la construcción de la Catedral de Nuestra Señora de París, finalizada en 1235 y la creación de la Universidad por Robert de Sorben (1202-1274) . 89) Por argana se debe entender composiciones de Orgarnu' y no música para órgano . Su principio fue señalado por el monje teórico inglés John Cotton en los alrededores del 1100, en su tratado De Musica cur' Tonario al referirse al organuru vagans . Una versión contemporánea del tratado de Cotton fue publicada por el American Institute of Musicology en 1950. 90) El conductos es una composición polifónica en la que la voz principal usa un tema libre, no litúrgico, sea popular o de invención propia . Existen también conductas monofónicos . La cláusula, también una composición polifónica casi siempre en estilo discanto, introduce libremente cortos melismas en la voz principal . A finales del siglo XIII la cláusula fue reernplazada por el motete

1 3 8 - JAIME INGRAM JAÉN llamado Roberto de Sabilón 91 , organista y teórico, que ocupó la dirección de la capilla de Nuestra Señora en los alrededores de 1250 y que tuvo como sucesor al teórico y compositor Pierre de la Croix, (Petrus de Cuce) original de Amiens, uno de los creadores de la notación proporcional, autor de un oficio litúrgico de 1298 compuesto por encargo de Felipe el hermoso para la fiesta de San Luis, y uno de los representantes de la transición del estilo polifónico entre el siglo XIII y XIV . Primera composición a tres voces La primera composición a tres voces de la que se tiene conocimiento, Benedicamus domino, aparece en el Codex Calixtinus (hacia 1140) de Santiago de Compostela del Magister Albertus Parisiensis, muerto en París en la segunda mitad del siglo XII y quien fuera Chantre en la Catedral de Nuestra Señora . El manuscrito Calixtinus, cuya copia es de los inicios del siglo XII, depositario de unas veinte obras a dos y tres voces, es testimonio fehaciente de la existencia de una polifonía precoz en España . Estructura más importante La estructura más importante y audaz del momento es el motete, generalmente conocido como motete de París o motete del siglo XIII para diferenciarlo del motete renacentista, cuya colección más significativa es la del Codex de Montpellier (Código de Montpellier) . De la misma época (c .1250) es el Manuscrito de Bamberg, de la Biblioteca Estatal, en el que se encuentran los primeros ejemplos de música polifónica puramente instrumental . Otras formas relevantes, además del conductus y la clausula, fueron el rondel o rondó (rondellus, rondeaux) y el canon . Teóricos musicales Importante teórico y compositor del siglo XIII fue Franco de ColoniaJ 2 , conocido también como Franco 91) Se le supone autor del tratado De musica libellus. 92) Se desconocen detalles de su vida aunque su actividad corno teórico parece haber sido entre 1250 y 1280 . Su célebre tratado, corto tantos otros, ha sido republicado en '1974 por el American institute of Musicology .

ORIENTACIÓN MUSICAL . -

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Teutónicus, autor del tratado Compendium discantus, en el que se refiere a la obra de Perotín, así como de Ars Cantus mensurabilis (El Arte del Canto medido), escrito hacia 1260, donde aparece la primera referencia que se conoce sobre la notación mensuralista, de cara a la notación modal, además de una explicación sobre el uso de las consonancias y disonancias . Es digno de mención también el teórico y astrónomo inglés Walter Odington, monje del convento de Eversham, autor del tratado De speculations musicae (Especulación sobre la música), escrito durante la transición entre el Ars Antiqua y el Ars Nova . Otros teóricos de la época fueron : Juan de Garlandia (c.1190-c .1255) profesor de la Universidad de Tolosa, quien trabajó tanto en Inglaterra como en Francia (1217) ; Jerónimo de Moravia autor del Tratado de la música medida con el que contribuyó a establecer una notación proporcional o medida . La ciudad de París era desde ese entonces centro particularmente activo en teorización y práctica musical . No obstante ciertos autores, entre ellos algunos ses, afirman que el enriquecimiento de la música sa de ese período se debe, en parte, a la presencia en París de un número plural de ingleses con muy avanzados conocimientos musicales lo que pareciera significar que los británicos poseían ya una técnica musical superior a la conocida en el Continente en ese entonces . A este período pertenece la célebre como interesante composición inglesa Sumer is icumen in (El verano ha llegado), atribuido a John de Fornsete, monje de la abadía de Reading, cuya técnica se adelanta mucho a los conocimientos polifónicos conocidos hasta ese momento 93 . 93) Se trata de una canción de primavera con un insólito sentido poético de la naturaleza, de texto en inglés y otro, optativo, en latín, para cuatro voces, que es emotivo de interminables polémicas hasta hoy . Inclusive se ha dicho que no pertenece al siglo XIII sino al XV en base a su adelanto contrapuntístico . No obstante José Subirá en su mencionada Historia de la Música, tomo I, Pág . 303) señala que recientes investigaciones históricas han impuesto una rectificación toda vez que la obra data del siglo XIV, según el examen analítico realizado por Manfred Bukofzer, publicado por la Universidad de California .

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140 Instrumentos más característicos : Los instrumentos más característicos del momento son : el órgano, instrumento que se remonta a la época greco-romana probablemente al siglo III a .C ., inventado, según Herón94, por Ktesibios o Ctesibio de Alejandría bajo el reinado de Ptolomeo VII ; el arpa, cuyo origen se pierde en las civilizaciones mediterraneas, para extenderse por todo el mundo civilizado y cuyo ejemplar más antiguo que se conserva (data de ca . 2600 a .C .) era ya un instrumento sofisticado y elegante ; la lira, instrumento de cuerda de la antigua Grecia ; el salterio, con cuerdas pulsadas o cítara, y con cuerdas percutidas o tympanon conocido también como dulcema o dulcemelos ; el laúd, el cordófono más representativo de los árabes ; la vihuela, la guitarra, la viola (que da origen a los instrumentos de arco con cuerdas) ; la flauta (travesera y recta) ; el chalumeau, antecesor del clarinete que constituyó una familia de por lo menos cuatro instrumentos de diferentes tamaños ; el olifante, trompeta elaborada con colmillos de elefante bellamente tallados, que se consideró símbolo de autoridad ; la corneta, el caramillo, el sacabuche o trombón medieval, la bombarda (el tenor de la familia de la chirimía, instrumento de viento con doble lengüeta), la dulzaina de madera o de metal (una chirimía de España), la cornamusa o gaita, un instrumento popular en Europa, norte de Africa, Oriente Medio e India y que hoy se asocia casi exclusivamente a Irlanda ; las trompas o bocinas (como las del héroe de La Canción de Rolando), la trompeta (recta y/o curva), el cencerro, cascabeles, campanas, tambores de diferentes tamaños como atabales (tambor cilíndrico o bombo del tipo que se usa en España) o nakeras (especie de timbal oriental que llegó a Europa en el siglo XIII), pequeños timpani que se llevaban colgados en la cintura y a cada lado del caballo) timbales, el tamborin, el pandero, la pandereta, etc . además del organistrutn conocido en España como viola con rueda . 94) Heron de Alejandría, matemático griego del siglo I de nuestra era . En su obra Pneuurntika describe el órgano hidráulico inventado por Ktesibios de Alejandría, fundador de la mecánica . Lo que se desconoce es si Heron participó del invento o sólo se limitó a describirlo .


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No obstante los instrumentos continuaban vedados por la autoridad eclesiástica de entrar al recinto sagrado en parte porque se vinculaban a lo popular o pagano pero también porque con su sonido "opacaban la palabra divina", prohibición que subsiste aún en la Iglesia Oriental . El conocimiento sobre el instrumental medieval se basa fundamentalmente en las pinturas, esculturas, relieves, frescos, miniaturas de códices y referencias literarias de la época, por cierto no siempre muy precisas . La Misa

Es en el siglo XII cuando la Misa, ceremonia por antonomasia de la Iglesia Católica, que surge como una conmemoración ritual de la última Cena y que tanto ha inspirado a los compositores, adquiere su forma definitiva tanto en el llamado propium95 como en el ordinarium . Desde el punto de vista musical los cantos del propio (graduales, aleluyas, tractos, ofertorios, etc .) son los que históricamente más se desarrollaron` . (Ver Misa en Estructuras musicales, Parte I) Aparición de las notas

En los siglos X y XI, con el desarrollo de la polifonía o canto a varias voces, surgió la necesidad impostergable de crear una notación que fijara el valor de las notas con mayor exactitud toda vez que la práctica del canto polifónico se hacía sumamente precario y complejo . Se introdujo entonces un sistema semejante al actual con cuatro formas de notas, que eran, una nota rectangular con plica que se llamó doble longa; una nota cuadrada, que era la mitad de la rectangular, también

95) En el Propúun, que quiere decir "propio para el momento o estación" los textos cambian de una Misa a otra . Así por ejemplo, el Introito, que hace parte del propio, tiene un texto distinto en Navidad que en Pascua Florida . Otros textos también del propium son el Gradual, el Aleluya, el Ofertorio y la Comunión . Mientras el el grupo más imporOrdinarium, tanequizáspr toeudi,cmprneaqulsrtdea misa cuyos textos son siempre iguales, a saber . Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, a los que habría que añadir el ite missa est . 96) Ver Historia de la Música Occidental, de Donald J . Grout y Claude V . Palisca, Vol 1, Pág . 76, Alianza Música, Madrid 2001 .

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con plica, conocida como longa ; otra nota cuadrada, esta vez sin plica, llamada breve, y una pequeñita, en forma de rombo que se llamó semibreve . Cada una de estas notas valía, teóricamente, la mitad o un tercio de la precedente, dependiendo del tiempo perfecto o imperfecto, o sea el tiempo ternario o binario, que se usara . Más adelante, ya entrado el siglo XIV, surgieron nuevas figuras : máxima, longa, breve, semibreve, mínima, semínima, fusa y semifusa, convirtiéndose el sistema en algo más semejante al que se usa en la actualidad . Las indicaciones de tiempo que se usaban consistían en un círculo para el tiempo perfecto o ternario y un semicírculo para el imperfecto o binario . El semicírculo se usa todavía, sólo que se ha convertido en una especie de C, probablemente por una alteración involuntaria de los copistas . Las barras o líneas divisorias fueron apareciendo en los siglos XV y XVI . Toda y cualquier recopilación estaba en mano de los llamados escribas que eran también monjes . Las Cantigas de Santa María

Al mismo siglo de las primeras notas medidas corresponden las famosas Cantigas de Santa María del Rey Alfonso X, el Sabio composiciones poético-musicales, sacras y profanas, en lengua galaico portuguesa, en homenaje a la Virgen . Se trata de una colección de un poco más de cuatrocientas obras que datan de la segunda mitad del siglo XIII (hacia 1250 y 1280), y que según el musicólogo español, Higinio Anglés9 7, constituyen los únicos manuscritos de ese siglo con música monódica, copiados en perfecta notación mensural. 97) Monseñor Higinio Anglés (1888-1969) estudió teología y filosofía en Tarragona y realizó estudios musicales en Barcelona (donde fue discípulo inclusive de Felipe Pedrell) así corto en Friburgo y Gotinga (Alemania) . A partir de 1917 dirigió el Departamento de Música de la Biblioteca Central de Barcelona ; perteneció a la Academia Real de Bellas Artes de San Fernando de Madrid ; dirigió el Instituto Español de Musicología desde su creación (1943) ; presidió el Pontificio Instituto de Música Sacra de Roma, y ha llevado a cabo importantísimas y muy serias investigaciones musicales .


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Alfonso X, el sabio, nacido en la ciudad imperial de Toledo en 1221, hijo de Fernando III, sucedió a su padre en el trono de Castilla y León en 1252 . A pesar de haber sido un soberano entregado a la cultura en general, además de poeta y compositor, supo mantener los dominios de su padre e inclusive ampliarlos con los reinos musulmanes . Fue el creador de la cátedra de música de la Universidad de Salamanca en 1254 y en su corte eran recibidos con particular interés músicos, poetas, escritores y filósofos. Su obra, Grande e General Historia, es un magnífico compendio de la cultura de su época . Las Cantigas de Santa María", que no son creación totalmente suya y sí una recopilación de composiciones de diferentes países (como hiciera el papa Gregorio Magno en su momento con el Canto Litúrgico), es uno de los monumentos musicales de la Edad Media europea . El rey Alfonso X murió en Sevilla en el año 1284 . Ya para entonces existían en España centros musicales de significativo esplendor entre ellos el Monasterio de las Huelgas fundado por Alfonso VIII de Castilla entre los años 1180 y 1187, regentado por las religiosas de la Orden de Cister, de ahí que la mayor riqueza del Ars antigua española se encuentre en el llamado Código de las Huelgas .

El Lauda

En esa misma época aparece en Italia lo que se conoció como Lauda, o sea cantos laudatorios a la Virgen", que constituyeron "cantos preferidos de los peregrinos flagelantes en su penitencia por alcanzar la purificación y el perdón de sus pecados" . Algunas laudas fueron dialogadas y de su montaje escénico surgieron algunos de los primeros intentos del teatro religioso en Italia . 98) Según Higinio Anglés las Cantigas constituyen los únicos manuscritos del siglo XIII con música monódica copiada en perfecta notación mensural . 99) En el laudario de Cortona (s . XIII), recientemente encontrado, se conservan unos 130 cantos de diversos compositores .

1 4 4 - JAIME INGRAM JAÉN Los Trovadores El arte profano o secular de la Edad Media está representado, casi en su totalidad, por aquel que hace el trovador, cuyo canto y melodías populares eran generalmente acompañados de danzas sin perder de vista que la lírica trobadoresca era el producto de una sociedad culta y aristocrática . Se trata de un personaje típicamente francés, del sur, y su arte se expresó exclusivamente en lengua Provenzal . El trovador fue poeta y músico a la vez y su oficio fue considerado de gran categoría, de ahí que de la nobleza provenzal (inclusive señoras) lo ejercieran, entre ellos, el propio Ricardo I de Inglaterra (1157-1199), conocido más bien como Ricardo Corazón de León, que era, dicho sea de paso, de origen parcialmente provenzal . El arte trovadoresco consistió en melodías cantadas a solo, acompañadas al unísono, por la viola, el arpa, la guitarra, la vihuela o el laúd . Los trovadores fueron los zapadores de la canción vernacular o sea los primeros en cantar melodías utilizando la lengua de la región en vez del latín que era la lengua erudita . Nace con los trovadores el concepto de música tal como se entiende hoy, como "confesión de expresión sentimental" . Su canto elogiaba prioritariamente el amor, el heroísmo, la justicia, la bondad y la fe . Con la aparición de las llamadas "lenguas nacionales" comienzan a surgir fecundos contrastes en las canciones de las diferentes regiones . Por otro lado en el uso de los modos litúrgicos se le va dando preferencia, cada vez más, a dos de ellos hasta prevalecer por encima del resto el modo mayor y el modo menor .

La palabra Troubadour, de origen provenzal, proviene del verbo trobar, hallar o trovar, lo mismo que su sinónimo del norte de Francia, trouvere o trovero . El Trovador a pesar de ser poeta y compositor no necesariamente era buen tañedor o cantante . De ahí que a veces se hiciera acompañar por un juglar o ministril, como se decía en España (jongleur para los ses y minístrel para los ingleses), especie de titiritero, prestidigitador,


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bailarín, marginado social a veces, cuyo oficio se consideraba de inferior jerarquía aunque para el pueblo llano constituía, indudablemente, el personaje central . Un hábil100 e ingenioso juglar podía eventualmente elevarse al rango de trovador . En el siglo XI los juglares llegaron a organizar cofradías que con el tiempo se constituyeron en gremios que impartían enseñanza musical . En España hubo relevantes ministriles populares, músicos instrumentistas, que tuvieron una importancia capital en la península desde el siglo XIII, y que tenían como misión ejecutar música profana de "cámara" (en grupo) para alegrar a los comensales en las fiestas cortesanas, cívicas y familiares . El propio Alfonso X, el sabio, figura cimera de la cultura medieval europea debe considerarse como el mayor representante del arte trovadoresco de la península amén de que sitúa a España junto a Francia en el desarrollo de la incipiente polifonía del siglo XIII . La influencia de los trovadores llegó inclusive a Italia aunque es poco lo que se sabe al respecto . Trovadores conocidos

Entre los trovadores que adquirieron gran renombre están Guillermo Séptimo, Conde de Poitiers y Noveno Duque de Aquitania (1071-1127) Bernard de Ventadour (ca . 1130-1195) famoso por sus cantos a Leonor de Aquitania, posteriormente esposa de Enrique II de Inglaterra ; Raimbaut de Vaqueiras (m . 1207) ; Floquet de Marseille (ca .1155-1231) ; Raimon de 100) Entre las reglas que regían a los juglares hay una que lo explica en forma cabal : "sepas bien inventar y rimar y en apuestas y concursos dar buenos consejos. Toca con garbo el tambor y los platillos y la rústica lira . Has de saber echar manzanitas al aire y cazarlas al vuelo con cuchillos ; imitar el canto de las aves, hacer juegos de manos con los naipes y saltar a través de cuatro aros ; debes saber tocar la cítola y la mandolina, el monocordio y la guitarra ; has de saber encordar la rotta de 17 cuerdas, tratar bien el arpa y acompañar con el violín para hacer más agradable el canto . Debes saber componer y arreglar nueve instrumentos : vielle, zampoña, flauta, arpa, lira, violo, decacordio, salterio y rotta . Si aprendes a tocarlos bien estarás en condiciones de satisfacer a todas las exigencias. Toca también el organillo y haz sonar los cascabeles" . Johannes J . Wolf, Historia de la Música, Edit . Labor, S .A ., Madrid, 1934, pág . 45 .

1 4 6 -JAIME INGRAM JAÉN Miraval (m .ca . 1220) ; Aimeric de Peguillan (1205-1275) y Guiraut Riquier (m . 1294) considerado como el último de los trovadores . Troveros y Cantores de Minase

A mediados del siglo XII la acción de los trovadores se extendió al centro y norte de Francia con los Troveros, y parte de Alemania con los Minnesingers o Cantores de Minne . La ciudad de Arrás en particular, en ese entonces capital de Artois, llegó a alcanzar un especial desarrollo en la música profana . En ella Jean de Brete¡ y Adam de la Halle, fueron troveros muy renombrados . En efecto Adam de la Halle (ca . 1240-1287) el más célebre de todos los troveros, conocido también como "el jorobado de Arras", hijo de um empleado de la concejalía del mismo nombre, estudió en la abadía de Vauxcelles y luego en París donde se hizo clérigo . Entre su obra se encuentran piezas polifónicas como 14 rondós, ¿in rondó virelai, una balada, 7 motetes profanos como también un número plural de canciones monofónicas. Es autor de una célebre pastoral intitulada El Juego de Robin y Marion, obra considerada por muchos como precursora de la ópera cómica . Llevó una vida agitada viajando intensamente, inclusive por regiones distantes como Siria, Palestina y Egipto . En 1282 fue a Nápoles, en compañía de Roberto de Artois que acudía a apoyar a Carlos de Anjou después de la masacre de las Vísperas Sicilianas (Verdi escribió una ópera con ese tema) ciudad donde falleció en 1287 . Otros troveros conocidos fueron : Grace Brulé (m .1220), Chatelain de Coucy (m . 1203) ; Conon de Béthune (ca . 1160-1219), Gautier d'Espinal (m .1240) ; Thibaut IV, Conde de Campagne y luego Rey de Navarra (1201-1253), así como Gilbert de Berneville (m . 1300) . Semejante a los trovadores, los Minnesingers, en Alemania, fueron en su mayoría de rango caballeresco . Su canto era dirigido a una sociedad aristocrática y cultivada . El arte del Cantor de Minne o cantor del amor (la palabra alemana Minne engloba las dos acciones de


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recuerdo y de amor) es erudito y de técnica refinada . Semejante al trovador provenzal o al trovero, el Minnesingers es a la vez poeta y compositor. Precisamente un personaje histórico utilizado por Wagner en su melodrama Tannhd es el cantor de Minne, Wolfram von Eschenbach, quien le da la trama para Parsifal 101 . La personalidad dominante de los Minnesingers o Minnesang fue Walther von der Vogelweide de la escuela del Valle del Danubio, hacia finales del siglo XII y comienzos del siguiente, quien triunfara en uno de los célebres certámenes realizados en el Castillo de Watburg, en la corte de Hermann de Turingia, el 7 de julio de 1207, recibiendo un feudo como premio . Repertorio trovadoresco

De origen trovadoresco se conservan alrededor de 2.600 canciones aunque las melodías transcritas apenas llegan a 300, mientras que de los troveros se conservan casi 4 .000 poemas y cerca de 1 .000 melodías . Desaparición de los trovadores

Lejos de lo que suele pensarse el oficio de trovador se limitó al lapso comprendido entre finales del siglo XI y la segunda mitad del siglo XIII, y fueron tres los factores decisivos de su desaparición : a) la expansión de la lengua sa (lengua d'oeil) toda vez que el trovador cantaba en provenzal o en lengua d'oc ; b) La decadencia de la caballería formada casi en su totalidad por nobles o descendientes de nobles y c) la destrucción de la secta de los Albigenses, casi toda constituida por nobles del sur de Francia . El libro de Buen Amor

A esta época pertenece el Libro de Buen Amor, uno de los pilares de la literatura castellana, en el que aparece una de las relaciones más completas del instrumental de la Edad Media . Su autor es el español, Arcipreste de Hita, cuyo nombre real es Juan Ruiz, clérigo andariego medio juglar y medio escritor "que bailaba, tañía, improvisaba música y componía irables estrofas" . ue 101)

Es interesante señalar que la historia de Parsifal está basada en fuentes sas .

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duda cabe de que tanto Alfonso X el Sabio como Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, constituyen dos grandes ejes, tanto literario como musical, de dos siglos que forman en su conjunto el momento de máximo esplendor histórico de la ciudad de Hita , provincia de Guadalajara, centro de gran poderío militar durante la Reconquista y en donde convivían o luchaban entre sí, mozárabes, castellanos, moros y judíos . 102

Canciones de goliardo

Otro de los pocos documentos laicos de la época conservados hasta hoy son, los doscientos y tantos poemas profanos latinos (los hay así mismo con texto en inglés, francés y alemán) conocidos también como canciones de goliardo 703 , conservados en un manuscrito de los siglos XII y XIII encontrado en el siglo decimonono en el claustro benedictino de Beuren (Burana), Alta Baviera . El manuscrito reune una selección de cantos del repertorio europeo, recogidos y escritos muchos de ellos en un latin decadente con argumentos procaces, por estudiantes callejeros y clérigos mendicantes que migraban de una escuela a otra antes de la creación de las grandes universidades . Se trata de cantos enaltecedores del vino, las mujeres y el amor libre, de carácter satírico en general y en su mayoría vulgares y obscenos' . No obstante muchos de ellos no se han podido descifrar todavía debido a su compleja notación neumática. Algunos de dichos cantos fueron los usados por el compositor alemán Carl Orff en su célebre Carolina Burana, para solistas, coros y orquesta . 1 U0

102) 103) 104) 105)

Desde 1961 se celebran en Hita los famosos Festivales Medievales, con música popular y cortesana . Aunque el origen del nombre es incierto aún, algunos se lo atribuyen al obispo Golias, mítico patrono de estudiantes, mientras otros se lo atribuyen al gigante bíblico Goliat . Los manuscritos reposan actualmente en la Biblioteca Estatal de Baviera, Munich . La conducta relajada de los goliardos y sus expresiones procaces contra la Iglesia da como resultado que se les negaran finalmente "los privilegios del clero" . Su influencia decae en los alrededores de 1225 en la medida en que crecía la importancia de las grandes universidades medievales .


Los Maestros Cantores Después de la decadencia de los trovadores y los cantores de Minne, la clase popular, trabajadores, pequeños comerciantes y artesanos, imitaron su arte y lo continuaron, añadiéndole nuevas complejidades, sujetándolo a ciertas reglas académicas y agrupándose en sólidas corporaciones profesionales . A estos grupos se le denominó Meistersingers o Maestros Cantores . Este movimiento tuvo su origen en Maguncia y por mucho tiempo se consideró erróneamente a Heinrich ven Meissen (conocido por el apodo de frauenlob lo que significa "panegirista de las damas") como el fundador, en dicha ciudad, de la primera escuela o corporación de Maestros Cantores en el año 1311 . Las escuelas de Maestros Cantores proliferaron en Alemania y alcanzaron su apogeo en la ciudad de Nuremberg con el barbero cirujano, Hanz Folz (m . 1515), el tejedor, Lienhard Munenbeek (m . 1510) y el célebre zapatero Hans Sachs 70 ` ( 1494-1576) prolífero poeta, dramaturgo y compositor de finales de ese período, ferviente partidario de Lutero a quien dedicó su poema Die

Wittenbergisch Nachtigall .

El motete isorítmico La forma más importante en el siglo XIV fue el llamado motete isorítmico, que surge del motete del siglo XIII . Se trata de una composición polifónica de tres y cuatro partes basada en un cantus firmus del tenor que en vez de presentar secuencias modales cortas, como el motete de París, usa secuencias más largas por causa del modelo rítmico que se repite, lo que se denominan talen . Si el modelo que se repite es melódico, se denomina color . La mayoría de los motetes de Guillermo de Machaut son isorítmicos . (106)

Este personaje histórico, usado por Wagner en su melodrama Los dice haber escrito 4 .275 canciones, 1 .700 fábulas y cuentos, 208 obras dramáticas, etc . Su obra completa ha sido recogida en veintiséis volúmenes editados por A . Ven Keller y E . Gotéese, Turingia (1870-1908) . Algunas de sus farsas se representan todavía, ocasionalmente, en ciertas ciudades de Alemania . Maestros Cantores de Nuremberg,

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BREVES BIOGRAFÍAS Leoninus o Léonin (c .1130-1190) Compositor francés de finales del siglo XII, maestro de capilla de la iglesia de la Beata Maria Virgen de Paris, perteneciente a la Escuela de Notre Dame (Nuestra Señora) de la que es el primer gran exponente . Se desconocen mayores detalles de su vida salvo una mención que data aproximadamente de 1275, en un tratado anónimo en el que se le califica de inagister y de organista, término, este último, que debe entenderse como escritor de organa y no como ejecutante del órgano . Su obra, que se sitúa en los alrededores de 1180, recopilada en el libro titulado Magnus liber organi de gradual¡ el antiplíonario pro servitio divino multiplicando (Gran Libro de organum), constituye la base de las futuras creaciones de Pérotin, su sucesor. Perotinus o Pérotin 007 (c .1150-1220) Compositor francés . El más célebre maestro de la Escuela de Notre Dame (Nuestra Señora) de París en los alrededores de 1200 y sin duda el mayor compositor francés anterior a Guillaume de Machault . En un tratado de aproximadamente 1275 se le califica de discantor optimas lo que significa excelente compositor de discantus o discanto . Estuvo muy activo en la iglesia parisina entre finales del siglo XII y alrededores de 1230, sobresaliendo particularmente en la producción de organas litúrgicas . Fue continuador de la obra de Léonin, muchas de las cuales enriqueció, ampliando el uso de las voces hasta cuatro líneas melódicas, sobreponiendo a la vox principalis, que entonaba una melodía litúrgica escogida del repertorio gregoriano, hasta tres partes melismáticas de libre creación . Amplió, inclusive, las proporciones del organuin, introduciendo nuevas pautas rítmicas . Pérotin es la primera gran personalidad de la polifonía europea . Se le atribuyen con certeza 9 obras de dos a cuatro voces 10", entre las que es particularmente célebre su organa a cuatro voces Viderunt oinnes e Sederunt príncipes. Su nombre, rápidamente olvidado, volvió a cobrar relevancia en la segunda mitad del siglo XIX con las investigaciones históricas y musicológicas del francés Charles Edmond Henri de Caussemaker, quien publicó sus textos en 1864 por vez primera . 107) Pérotin es un diminutivo de Petrus 108) ue reposan en el Antifonario Médicis, de la Biblioteca de Florencia, Italia .

ORIENTACIÓN MUSICAL - 205

BREVES BIOGRAFÍAS Claudio Monteverdi (1567-1634) Genial compositor italiano del temprano período Barroco . Nació en Cremona, considerado el primer gran compositor de óperas y sin duda el más importante de su época, además de gran maestro del Madrigal . A los 15 años siendo alumno del veronés Marcantonio Ingegneri publicó su Primo Libro di Canzonette a tre voci (Primer libro de canciones a tres voces) . Fue violinista de renombre en la corte de los Gonzaga desde el año 1590 además de cantante y compositor . Fue Director de la Corte del Duque de Mantua y Maestro de Capilla de la Iglesia de San Marcos en Venecia, ciudad donde falleció . Estuvo en Hungría y en Flandes . Su obra era constantemente solicitada tanto en Venecia, como en Mantua, Parma, Piasencia y Boloña . A pesar de haber sido casado (su esposa Claudia Cattaneo fue cantante) hacia el fin de su vida se ordenó sacerdote (1632) . En 1643 decidió visitar su ciudad natal viaje que nunca se consumó toda vez que enfermó en el camino viéndose obligado a retornar a Venecia, donde murió . La istración veneciana le confirió un funeral propio de un príncipe tal era la iración y veneración que se le tenía . Monteverdi es una de las figuras más fascinantes e imponentes de la música . Fue innovador en muchas cosas, sobre todo en materia armónica y en el arte de la instrumentación, pese a que gran parte de su obra se ha perdido . Son extraordinarias sus óperas : Orfeo (1606) ; Bailo delle Ingrate (1608) ; Lamento d'Arianna (1608) ; 11 matrimonio d'lceste con Adineto (1617) ; La vittoria d'Amore (1619) ; Andrómeda (1619) ; II Combattimento di Tancredi e Clorinda (1624) ; Adone (1639) ; Il ritorno d'Ulisse in Patria (1641) ; L'Incoronazzioni di Poppea (1642) . Escribió gran cantidad de música religiosa así como 8 libros de Madrigales a cappella (escritos entre 1587 y 1638) que constituyen una obra maestra en el género profano .

2 0 6 - JAIME INGRAM JAÉN Heinrich Schütz (1585-1672) Importante compositor alemán, del temprano período Barroco, nacido en Sajonia . Desde niño fue cantante de coro en la capilla de música de la corte de Cassel . Fue alumno de Giovanni Gabrieli y Claudio Monte;veordgianstVclCoredasly Maestro de Capilla del Elector de Sajonia en Dresde, cargo que desempeñó hasta su muerte . Schütz fue colmado de honores por príncipes y venerado por sus colegas . Es, junto con Dietrich Buxtehude (1637-1707) el compositor más importante de la Alemania del siglo XVII . En su obra, esencialmente vocal y sacra, se funden irablemente los estilos italiano y alemán . Es el zapador, en Alemania, del Oratorio, la Pasión1 82 , la Opera y la Cantata religiosa . Su obra comprende : tres Pasiones (según los evangelistas, San Mateo, San Juan y San Lucas) ; los Oratorios : Historia de la Resurrección e Histo-

ria de la Natividad ; Salmos de David, Motetes, Doce Cantos Espirituales, Las Siete últimas Palabras de Cristo, Exequiem, Arias, etc . Schütz compuso en 1627 la ópera, Dafné, la primera obra de ese género en idioma alemán, cuya partitura se ha perdido . Henry Purcell(1659-1695) Considerado el mayor compositor inglés de todos los tiempos junto a William Byrd, muy a pesar de haber vivido solo 36 años, o sea sólo un año más que Mozart . Creció dentro de un ambiente de músicos profesionales . Fue miembro conspicuo del coro de la Capilla Real desde muy joven . En 1679, con 20 años de edad sucedió a su maestro John Blow (1649-1708) como organista en la Abadía de Westminster, posición que conservó hasta su muerte . La mayoría de sus obras son de carácter eclesiástico (Antifonías) y el espíritu del Himno lo mantuvo durante toda su vida, aún en sus obras dramáticas . Aun182) El primero en escribir una Pasión con texto en alemán fue Johan Walther, Pasión según San Mateo, escrita en 1530, la que fue acogida con gran entusiasmo en Alemania .


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que él mismo señala que sus creaciones dejan trans-

pareclstioan,elcosidraunmpto de personalidad netamente inglesa . En 1677 escribió una magistral Elegía a Mathew Locke, compositor que tuvo gran influencia en su obra . En 1683 aparecen sus 12 Sonatas para violín y bajo así como las 12 Sonatas en trío . Para esa época su reputación como el mayor compositor inglés estaba sólidamente establecida . Dos años después compuso su obra religiosa más conocida, el Te Deum y Jubilate para voces, cuerdas, trompeta y órgano en ocasión de la festividad de Santa Cecilia, patrona de la música, así como 15 Himnos, 25 Odas, Cantatas seculares, Canciones, Duettos vocales con bajo continuo, etc ., además de alrededor de doce Fantasías para cuerdas, una Chacona, Sonatas de trío, etc . Escribió también música incidental y óperas, tales como Dioclesiano, (la que fue anunciada como "obra al estilo de una ópera"), La Reina de la Feria, La Tempestad, El Rey Arturo y otras . Pero su gran obra dramática, considerada hasta hoy como la más importante ópera inglesa, es Dido y Eneas (en la que aparece la célebre canción Lamento de Dido) . Para tecla dejó un grupo de piezas cortas tipo danzas, muy apreciadas en Inglaterra . Tanto su padre como su tío fueron Caballeros de la Capilla Real y su hermano menor, Daniel, gozó de cierto nombre como compositor . De su maestro John Blow heredó además de la técnica y el magisterio, la fantasía italiana para su obra vocal, así como la expresión sa para su obra instrumental, elementos con los que consolidó su recia y particular personalidad . Antonio Vivaldi (c.1685-1741) Prolífero gran compositor'"' y violinista italiano, discípulo de su padre, músico de la catedral de San Marcos y de G . Legrenzi, ordenado sacerdote en 1703 . Se le conoció con el nombre de "el Padre Rojo" según unos autores por tener cabello rojizo y según otros por pertenecer a una congregación que viste hábito rojo . Durante muchos años fue director del Conservatorio de 183) La versión castellana de la biografía de Vivaldi, por Michael Talbot se encuentra en Alianza Editorial, S .A ., Madrid, 1990 .

2 08 - JAIME INGRAM JAÉN la Pietá, para huérfanas, en la ciudad de Venecia en el que formó una excelente orquesta . Emprendió varios viajes por Italia dirigiendo inclusive un grupo de ópera, después de obtener por parte del Vaticano la dispensa necesaria para renunciar al ejercicio de su ministerio al descubrirse que sufría de ataques epilépticos . Fuera de un corto viaje que realizó a Viena, según se cree, invitado por el emperador austriaco Carlos VI, y otro a Praga y Amsterdam donde fue invitado a participar de la celebración del centenario de la fundación de un teatro (1737) no viajó al extranjero, salvo en un extraño y misterioso viaje que hizo a Viena (1741) donde murió en obscuras circunstancias, víctima de una "inflamación interna" . Vivaldi fue enterrado, "sin ceremonia alguna" en el cementerio del llamado "Hospital de los pobres", ya desaparecido . En realidad es poco lo que se conoce de su vida, como suele suceder con los músicos que han sido religiosos . Escribió más de 500 Conciertos (tipo Concerti Grossi de la época barroca)``, entre ellos, Las Cuatro Estaciones, L'Estro Armonico Op . 3 (1712), La Stravaganza Op . 4 (1712/13), El cimento dell'armonia e dell'invenzione Op . 8 (1725), La Cetra Op . 9 (1728) etc ., para violín; 23 Sinfonías, 75 Sonatas o Trios, 46 óperas, 40 Cantatas, oratorios y algunas obras para órgano . En el catálogo de su obra se registran 252 Conciertos para violín (o violines), 6 Conciertos para viola de amor, 27 para violonchelo, 2 para mandolina, 16 para flauta y flautín, 15

para oboe, 39 para fagot, 1 . para trompa, 2 para corno, 26 para combinación de cuerdas y 5 .1 para otras combinaciones . Su obra fue publicada en vida por editores italianos y holandeses . Bach fue su gran irador al punto de transcribir y copiar algunas de sus obras, nota a nota, lo que en la época era señal de deslumbramiento y respeto . Juan Sebastián Bach (1685-1750) Gran compositor barroco, clavecinista y organista alemán . Sólo fue ampliamente conocido y irado como creador casi cien años después de su muerte cuando, por accidente, el compositor Félix Mendelssohn en1 8 4 ) La mayor cantidad de la obra de Vivaldi se conserva en la Biblioteca Universitaria Nacional de Turín .


centro, en una biblioteca, el manuscrito de su Pasión Según San Mateo, una de las obras primas de todo el arte

musical . Mientras Hóndel triunfaba aparapatosamente tanto en Alemania como en Inglaterra, Bach era conocido sólo por contados círculos musicales de Alemania . Nació en la ciudad de Eisenach a la sombra del Castillo de Warburg donde estuvo prisionero Martín Lutero . Al morir su padre vivió en Ohrdruff y estudió el clave y el órgano con su hermano Juan Cristóbal quien lo introdujo en la obra de Froberger . Fue un músico organizado y sistematizado en su preparación . Se sabe, por ejemplo que copió a mano todo el Fiori musicali de Frecobaldi, así como estudió la obra de los compositores italianos : Legrenzi, Albinoni, Corelli, Vivaldi, Marcello1 85 y Bonporti, y los compositores ses, d'Anglebert, Couperin y Marchand186 . Fue un hombre de recia personalidad y carácter, un pater familiae ejemplar, trabajador infatigable, exigente consigo mismo, consciente de su trayectoria y sus metas de las que nunca se apartó ni siquiera en sus momentos de mayor desasosiego . Fue ante todo y sobretodo un autodidacta aunque conocía la producción musical de su época mejor que cualquiera . Ocupó en vida varias posiciones de relieve como organista en diferentes ciudades de Alemania, hasta llegar a Kantor (Director de Música) en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, posición que conservó hasta su muerte . Bach compartía la predilección por el simbolismo así como la interpretación de ideas extra musicales 187 . Con sus dos esposas, su prima María Bárbara (1707) y Ana Magdalena Wilke (1721) 1 H 8 , tuvo más de 20 hijos, la mayoría magníficos músicos . Su obra, imponente y vastísima, com185) Benedetto Marcello (1686-1739) Escribió un pequeño libro que causó resquemor en su momento, Teatro alta randa, con el que estigmatiza en forma maliciosa las vanidades y debilidades del mundo de la ópera y los empresarios . Escribió, además de Concerti gross!, una bella ópera llamada Armide . 186) Music though the Ages de Marion Bauer y Ethel R . Peyser, Putnam´s Sons, Nueva York, 1967 . 187) Ver, The Interpretation of Bach's Keyboard Works, Erwin Bodky, Harvard University Press, 1960 . 188) El conocido libro La pequeña crónica de Arm Magdalena Bach ¡tic escrito por la inglesa Esther Meynell por los años 1930, época del nazismo alemán, transformándose de imediato en un best seller.

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prende cerca de 300 Cantatas de Iglesia (Cantatas luteranas), Pasiones (particularmente la Pasión según San Juan de 1724 y la Pasión según San Marcos de 1729, con textos de Brokle y Pikander, respectivamente, en las que une con asombrosa maestría la esencia dramática con la severidad litúrgica), Oratorios (el de Navidad, de 1734 por ejemplo), el Magnificat, la grandiosa Misa en sí menor (1733-38) para la liturgia católica, además de otras misas menores, unos 400 Corales, etc ; famosísimas obras para clave y órgano, entre ellas : 6 Trios Sonatas para órgano, así como numerosos Pre-

ludios y Fugas, Toccatas y Fugas, Fantasías, acaglia y Fuga, el Orgelbüchlein, varios cuadernos de 6, 18, 25 y 28 Preludios Corales y Variaciones Corales; 48 Preludios y Fugas llamados El Clave bien Temperado189 (2 volúmenes de 24 preludios y

fugas cada uno en todos los tonos, mayores y menores de la escala cromática), Fantasía Cromática y Fuga, 6 Suites Inglesas, 6 Suites sas y 6 Suites Alemanas o Partitas,

acaglia, 15 Invenciones a dos voces, 15 Invenciones o Sinfonías a tres voces, las monumentales Variaciones Goldberg, el Concierto Italiano, las Toccatas con Fuga, etc. Obras para orquesta : 6 Conciertos de Brandenburgo190 (Concerti grossi), 4 Suites para Orquesta, La Ofrenda Musical (dedicada a Federico el Grande, de Prusia), el Arte de La Fuga, 2 Conciertos para clave, 3 para dos claves y orquesta, 2 para tres claves y 1 189) El Clave bien temperado (Das wohltemperirte Klavier) de J .S . Bach es una colección de 48 preludios y fugas, en todas las tonalidades, mayores y menores, de la escala cromática, agrupados en dos volúmenes, escritos en un período de 22 años y reunidos en pares, el primer volumen en 1722 y el segundo de 1738 a 1742 . Se desconoce si la obra es para clavecín o para clavicordio, o para ambos instrumentos . La idea de Bach, tal como la describió A . Werclaneister en 1691, fue comprobar la eficacia, tanto teórica como práctica, de la afinación temperada de los instrumentos de tecla . El compositor alemán Johann Ferdinand Fischer (1665-1746) realizó en 1744 una experiencia semejante con 20 Preludios y fisgas, en 19 tonalidades diferentes, para órgano, en su obra titulada Ariadne Musica. 190) En los orales queda de manifiesto su iración por Vivaldi, escritos cuando era Kapellmeister en la corte de Kóthen donde tenía que dedicarse más a la creación de música instrumental (1721), con la particularidad de que emplea en ellos diversas formaciones que incluyen instrumentos de viento como grupos solistas o concertino . En el quinto, por ejemplo, los solistas son la flauta el violín y el clave, en donde aparece la primera gran cadencia para un instrumento de teclado .

ORIENTACIÓN MUSICAL .- 2 1 1 para cuatro claves y orquesta; 3 Conciertos para violín y orquesta, un Concierto para dos violines, 3 Sonatas y 3 Partitas para violín solo, una Sonata para dos violines y bajo continuo, 6 Sonatas para flauta y clave, 6 Sonatas para clave y viola, 6 Sonatas para violín solo, 6 Sonatas o Suites para violonchelo solo, numerosas canciones o Arias, música de

cámara, etc . Pese a su magistral y gigantesca producción, tanto en el género vocal como instrumental, a diferencia de Hándel, nunca fue tentado por el campo de la ópera . J . S . Bach, más conocido como "el gran Bach", es sin lugar a dudas el mayor compositor del período Barroco aunque en vida no fue ni comprendido ni apreciado en su enorme capacidad de creación, salvo por contadísimas personas, como Telemann y Reinken . En su obra se conjuga una extraordinaria simbiosis entre la escritura contrapuntística anterior con la naciente e innovadora escritura armónica, constituyendo el punto final de una larga evolución y el inicio de una nueva era . Con su muerte se da por terminado el gran período barroco a la vez que queda demostrado y sentado el nuevo concepto tonal . Sus primeros iradores y biógrafos fueron, el musicólogo Johann Nikolaus Forkel191 (1769-1818) y el musicógrafo, Johann Friedrich Rochlitz (1769-1842) con quienes estamos todos comprometidos en gratitud . La primera publicación completa de su obra fue realizada por la Bach Gesellschaft (Sociedad Bach) de Leipzig creada en 1850 . El primer volumen apareció en 1851 y en 1900 la labor fue terminada con el volumen XLVI, más un volumen suplementario publicado en Leipzig en 1932 . George Frederic Händel (1685-1759) Gran compositor alemán nacido en Halle 19 . Estuvo desde 1710 al servicio de la corte inglesa hasta adoptar la nacionalidad en 1726 . Viajó por Italia en 1706, viaje decisivo para su formación, donde conoció tanto a Ale191) Johann Nikolaus Forkel, Juan Sebastián Bach, versióncatl publicada en Breviarios del Fondo de Cultura Económica, México 1949, con una introducción y notas de Adolfo Salazar. 192) La biografía de Christopher Hogwood, Haendel, ha sido publicada en castellano por Alianza Editorial, Madrid, 1988 .

2 1 2 - JAIME INGRAM JAÉN jandro como a Domenico Scarlatti con quien entabló amistad y viajó por el sur de Italia . Fue el mayor organista y compositor de su época, sólo igualado por J .S .Bach . Es interesante señalar que para el siglo XVIII Hándel era considerado un artista libre e independiente, atributo que casi un siglo después se le adjudicará a Beethoven . Compuso 46 óperas, entre ellas : Reinaldo, Berenice, Julio César, Orlando, etc . Treintidos oratorios : Saúl, Israel en Egipto, el Mesías, escrito en 24 días (con el famoso e imponente Aleluya), Sansón, Judas Macabeo, Salomón, Susana, Teodora, etc . Escribió además, Salinos, Motetes, Te Deums, Himnos, Odas, Canciones, etc . Entre sus composiciones para orquesta figura la conocida, Música Acuática 193 , escrita para una fiesta ofrecida por el rey de Inglaterra sobre el río Támesis, así como 22 Conciertos para orquesta (Concerti Grossi) . Escribió también música para órgano y para clave : 12 Conciertos para órgano, así como varias Sonatas; 17 Suites para clave, Variaciones (entre ellas, El Herrero Armonioso), 6 Fugas, 15 Sonatas para violín, oboe y viola de gamba (con acompañamiento en bajo cifrado), 6 Tríos, Sonatas para 2 oboes y bajo continuo, 15 Sonatas para dos violines, 6 Conciertos para oboe, Oberturas al estilo italiano y francés, etc . En 1750 viaja por últi-

ma vez a Alemania en el que resultó herido en un accidente de carruaje entre La Haya y Haarlem . Al año siguiente pierde la visión del ojo izquierdo y en agosto de 1752 sufrió un ataque de parálisis que le afectó la cabeza y peligró con perder la vista pero es operado, con bastante éxito, por el cirujano de la Princesa de Gales, Dr . William Brombields . En 1753, frisando los 68 años de edad, Hándel perdió gran parte de la visión quedando casi totalmente ciego poco después . Hándel falleció en Londres el 14 de abril de 1759 (tres años después del nacimiento de Mozart) y fue enterrado en la Abadía de Westminster con honores ante la presencia de 3 .000 personas . El 15 de julio de 1762 se descubre en la Abadía el monumento de Roubiliac en su memoria . 193) El nombre, Water Musie, se refiere a tres suites orquestales (en fa, re y sol) con diferentes movimientos, algunos de los cuales fueron interpretados en la recepción real sobre el Támesis el 17 de julio de 1717 .


Domenico Scarlatti (1685-1757) Compositor italiano 194 , uno de los mayores clavecinistas de su siglo, hijo del prolífero napolitano, compositor de óperas, Alejandro Scarlatti quien dirigió sus estudios . En 1701 fue organista y compositor de la Capilla real de Nápoles . A los 20 años se trasladó a Venecia donde conoció a Gasparini, Vivaldi y a Hándel en una Mascarada 195 , con quien mantuvo, en 1709, en el Palacio del Cardenal Ottoboni, en Roma, una amistosa y célebre contienda musical, semejante a la que tendrá Mozart más adelante con Clementi . En 1715 fue maestro de capilla de la Cappella Giulia y cinco años después entró al servicio de la corte portuguesa como maestro de los infantes, hijos del Rey de Portugal, pasando luego, tras los esponsales de la infanta Bárbara de Braganza, en 1729, con el heredero al trono español, Fernando VI, a la corte de España en Madrid, trabajando muchos años en el monasterio de San Jerónimo del Escorial, donde hizo amistad con el Padre, compositor y clavecinista, catalán Antonio Soler. Junto con Farinelli, fue el músico preferido de la corte española, a la sazón, en Madrid, ciudad donde falleció el 23 de julio de 1757 . Escribió alrededor de 600 Sonatas`, o Ejercicios para clave como el mismo las denominaba, en un solo movimiento, ejecutadas hoy día al piano por todos los grandes virtuosos . Aunque compuso también música para otros géneros, como oratorios, cantatas, música religiosa, óperas, etc., su prestigio se circunscribió a la espléndida obra para tecla, tal como sucederá más adelante con Chopin .

194)

La versión castellana de la excelente cono exhaustiva biografía de Dornenico Scarlatti por el clavecinista Ralph Kirkpatrick, lanzada originalmente por la Editorial de la Universidad de Princeton (1953), está publicada en Alianza Editorial, S .A ., Madrid, 1985 . 195) John Mainwaring, Memoirs of the Life of the late George Frederic Händel . Londres, 1967, Pág. 51-52 196) Sonatas barrocas, monotemáticas y bipartitas . Ver Sonata, en Formas o Estructuras musicales, en la primera parte de Orientación Musical .

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CUESTIONARIO N'4 Período Barroco 01. Explicar el origen de la palabra Barroco. 02 . ¿Dónde se ubica el período barroco musical? 03 . Mencione algunas innovaciones del período Barroco 04. Mencione tres zapadores de la Opera . 05. ¿Dónde se inventa la Opera y en qué época? 06 . ¿Como se denominó el grupo que inventó la ópera? 07. ¿Quién fue Jean Philippe Rameau? 08. ¿Quien fue el primer genio de la ópera? 09 . ¿Quien fue Juan Bautista Lully? 10 . Mencione algunas estructuras instrumentales barrocas . 11 . Mencione tres estructuras vocales barrocas . 12 . ¿Qué es una Suite? 13 . ¿Qué es una Cantata? 14 . ¿Quiénes constituyen las tres grandes SS? 15 . ¿Quién fue Antonio Vivaldi? 16 . ¿Quién escribió los Conciertos de Brandenburgo? 17. Mencione las tres Pasiones escritas por J . S. Bach 18 . ¿Quién es el autor de El Mesías? 19 . ¿Qué compositor barroco escribió más de 600 Sonatas? 20 . Quién fue Arcangelo Corelli? 21 . ¿Quien escribió la ópera Orfeo? 22 . ¿Quién escribió la primera ópera alemana? 23 . ¿Quien fue Buxteheude? 24 . ¿Quien escribió 48 Preludios y Fugas? 25 . ¿Quién fue el autor de Música Acuática? 26 . ¿Cómo se titula la ópera más importante de Purcell? 27. Mencione el nombre de dos Concerti Grossi de Vivaldi 28 . ¿Quién es Jacques Chambon de Chambonnieres? 29 . ¿En qué género se distinguió Alejandro Scarlatti? 30 . Mencione tres grandes organistas del siglo XVI?

"La Música es una revelación más alta que cualquier filosofía" . Beethoven

PERIODO HOMOFÓNICO (1750 en delante)

Cuando decimos período homofónico nos referimos a una época en que la obra musical es dominada por una línea melódica que prevalece y se valoriza por encima de todo lo demás . Una melodía sustentada o mantenida por un acompañamiento instrumental, simple o elaborado . El homofónico es un concepto nuevo, opuesto al polifónico anterior . No implica esto que la polifonía, como arte de composición, esté ausente en las obras de este período . El período homofónico, último en la evolución de los tres grandes conceptos de expresión musical, se inicia en la segunda mitad del siglo XVIII para extenderse hasta nuestros días . Es dentro de este nuevo concepto que se desarrollan, el período Clásico Vienés y todo el dinamismo romántico del siglo XIX, así como el impresionismo y parte del expresionismo actual . EL CLASICISMO MUSICAL o Clasicismo vienés Por clásico se entiende algo de primera calidad tanto en arte como en ciencia . Se llaman clásicas comúnmente a las altas culturas, particularmente la helénica en la era de Pericles .

2 1 6 - JAIME INGRAM JAÉN En música, lo clásico puede tener diferentes significados que señalamos a continuación : a)

Antítesis de lo romántico . Período anterior al romántico y posterior al período barroco, que tuvo su centro en Viena .

b)

Todo aquel que ha superado lo efímero para pasar a la inmortalidad : Machaut, Victoria, Bach, Beethoven, Chopin, Debussy, Stravinsky, etc . compositores que se reconocen como "clásicos de la música" .

El significado que nos concierne en este momento es el primero . Al decir período clásico nos referimos específicamente al período clásico vienés que se ubica históricamente entre los años 1770 y 1830 aproximadamente, o sea en el último tercio del siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX . Los compositores de este período se denominan compositores clásicos y sus obras, también del período clásico, sin que esto signifique que estos compositores y sus obras sean más clásicos o más inmortales que los de cualquier otro período de la historia .

Síntesis histórica El siglo XVIII corresponde a lo que en filosofía se denominó el Iluminismo Europeo 197 . También se le conoce como el Siglo de las Luces, la Ilustración o el Enciclopedismo198, que en el fondo no son más que diferentes denominaciones para aludir a un fenómeno único, cuyas consecuencias políticas propiciaron la creación de los Estados Modernos . 197) Paradójicamente los iluministas o enciclopedistas demostraron haber sido los menos "iluminados" para juzgar a los grandes maestros polifonistas de su época al considerar sus obras como "un gran galimatías exento de cualquier interés" . Basta recordar sus opiniones sobre la obra de Rameau : "música llena de disonancias y de inútiles artificios" . De sus óperas se dijo que eran "incoherentes, ruidosas, desprovistas de concordancia entre música y palabras" . Enrico Fubini, La Estética musical desde la Antigüedad hasta cl siglo XX. Edic . española, Alianza Editorial, Madrid, 1997 . Capítulo IX .

198) Los primeros volúmenes de la 1751 .

Encyclopédie

fueron publicados en


En efecto, las concepciones antiguas, ya sean políticas, económicas o sociales, así como los prejuicios de castas y todos los sistemas científicos, especialmente la Física y la Química, además de la Astronomía y las Ciencias Naturales en general, fueron objeto de una revisión a la luz de una crítica objetiva . Francia constituyó el centro indiscutible del Siglo de las Luces . Es el siglo de Catalina la Grande de Rusia, de Federico el Grande de Prusia, de María Teresa de Austria, de la Guerra de los siete años (1756-1763), la Carta de Derechos Humanos de Filadelfia, la Revolución sa y de Napoleón Bonaparte . El XVIII es también el siglo en que se inaugura el uso sistemático de la máquina, sentando las bases de la llamada revolución industrial, con la que a su vez se originarán nuevas complejidades en el campo económico . Se intensifican así mismo los descubrimientos geográficos y se completan las colonizaciones . Personajes como Voltaire, Diderot, Rousseau'`, d'Alambert, Buffon, Montesquieu, Tugot, Quesnay, Marivaux, Euler, Hume, Winckelmann, el sociólogo Adam Smith, Franklin y muchos otros, representan el pensamiento más relevante del momento . Entre los artistas de la plástica más conspicuos del período están Goya, David, Reynolds, Gainsborough y Copley.

Características del Período Clásico Vienés El clásico vienés es un período de gran estabilidad, claridad, balance y objetividad, en oposición a todo lo que implica inquietud, experimentación, ostentación y subjetivismo . Es el predominio de la razón sobre la fantasía . Es la expresión de lo perfecto en una absoluta unidad y homogeneidad de elementos técnicos . Es el total acatamiento de las reglas y sobriedad en el uso de la forma . Y es precisamente esta expresión en forma erudita lo que hace que las obras de esta época constituyan un patrimonio de minorías . 199) Rousseau, que bien puede considerarse el primer motor de la Revolución sa, en su obra Lettre sur la musique francaise, denigró, inclusive, la música de Francia .

2 1 8 - JAIME INGRAM JAÉN Oímos en la música del período clásico una gran organización temática, frescor y gracia en el mensaje general, así como un nuevo concepto tímbrico en cada instrumento en particular. Tanto la melodía como el tejido armónico se hace diáfano y más diatónico . En general el discurso es elegante, fluido, aunque impersonal y objetivo . Los elementos dinámicos son utilizados en toda su escala de matices por primera vez, lo que es original de la Escuela de Mannheim . La obra gira alrededor de un centro tonal bien establecido . Para ese entonces la ciencia de la armonía ha sentado cátedra completa . Los ideales clasicistas se gestan paralelamente en la obra de muchos compositores nacidos en diferentes regiones de Europa, grupos de maestros menos conocidos, iconoclastas que arremetieron contra el solemne y recio concepto barroco que había conocido su cumbre de expresión, particularmente en la obra de Vivaldi, Bach y Händel, entre otros, para iniciar un nuevo concepto sonoro de carácter homofónico . Ha de ser Viena, capital de Austria, la elegante ciudad de los Hapsburgos convertida para ese entonces en uno de los núcleos musicales más importantes de Europa donde tendrá lugar el asiento del clasicismo musical, expresado generosamente en la obra de Gluck, Haydn, Mozart y parte de la de Beethoven quien en realidad ocupa una posición muy propia y original en la historia de la música sirviendo de puente entre el clasicismo y el movimiento romántico del siglo decimonono . Son Gluck, Haydn, Mozart y Beethoven, los mayores maestros del período . Los llamados compositores clásicos prefieren trabajar con una sola línea melódica en vez de tratar con el intrincado tejido polifónico de varias melodías como en el período barroco, inmediatamente anterior, sin que por ello hayan dejado de escribir grandes y extraordinarias obras polifónicas, solo que la melodía con acompañamiento adquiere prioridad sobre el contrapunto y la fuga . Que duda cabe, por otro lado, de que en las últimas obras tanto de Bach como de Händel o D . Scarlatti, se puede entrever ya elementos que serán característicos del Clasicismo .


Estructuras del clasicismo El Clasicismo musical trae consigo la forma o estructura instrumental más rica y equilibrada de la historia de la música : la Sonata Allegro y sus congéneres : la Sinfonía, el Concierto, el Trío, el Cuarteto, o cualquier otra combinación instrumental, así como la Serenata también conocida como Divertimento200 , la Casación, la Bagatela, el Tema con Variaciones, el Minueto, el Vals, la Marcha, el Rondó, la Fantasía, la Fuga, etc . (Ver Estructuras Musicales) .

Operistas italianos de mediados del siglo XVIII Aunque continúan vigentes las grandes estructuras mixtas ya conocidas anteriormente como, la Misa, el oratorio y el Réquiem, los compositores italianos se distinguirán particularmente por sus obras líricas . Entre ellos : Niccolo Jommelli (1714-1774), el más célebre compositor napolitano, junto con Pergolesi, desde Alejandro Scarlatti hasta Cimarosa, autor de exitosas óperas, muy aplaudidas tanto en Italia como en Viena y Stuttgart ; el veneciano Baldassare Galuppi (1706-1785) compositor de casi un centenar de óperas de preferencia en el género bufo y el que llevó la ópera italiana por primera vez a Rusia, invitado en 1766 por Catalina II ; Tommaso Traetta (1727-1779), de la escuela napolitana, discípulo de Porpora y Durante, autor, entre otras, de dos Ifigenias anteriores a las de Gluck . Domenico Cimarosa (17491801), discípulo de Sacchini y Piccini, autor de unas ochenta óperas entre las cuales El matrimonio secreto, la ópera cómica más aplaudida entes de las de Rossini, (en Nápoles alcanzó ciento diez representaciones consecutivas) . Fue compositor de la corte de Catalina de Rusia durante tres años, sucediendo a Salieri, después, en 200) Tanto la serenata como la cassación o el divertimento, eran términos aparentemente intercambiables . Constituyen la contraparte de las suites en el período barroco, con cuatro y hasta diez movimientos, la mayoría de los cuales consistían en danzas tales como minuetos o gavotas, etc ., para pequeñas orquestas de diversas combinaciones instrumentales para ser ejecutadas en reuniones sociales, .pcluHema-yñdons,rijbó conertsdméico,et unas 65 obras de este género y Mozart unas 30 .

2 2 0 - JAIME INGRAM JAÉN Viena como Maestro de Capilla de la Corte Imperial . Giovanni Paisiello (1740-1816), probablemente el más celebre compositor italiano de su época, fue maestro de Capilla de Catalina II en San Petersburgo donde estrenó sus dos obras maestras, El Barbero de Sevilla"" y La Serva Padrona (La criada como Ama) . Estuvo al servicio también del Emperador José II en Viena y, años más tarde, por invitación del emperador Bonaparte vivió como un gran señor en París rodeado de honores y espléndidamente retribuido, cayendo luego en desgracia . Paisiello representa la transición de la ópera del siglo XVIII al siglo XIX . Antonio Salieri (1750-1825) amigo de Gluck, contemporáneo y rival de Mozart así como maestro de Beethoven (quien le dedicó sus tres primeras Sonatas para violín y piano, Op . 2), autor de una cuarentena de óperas, fue director de la Capilla Imperial así como director de la Opera Italiana, en Viena . Otros operistas italianos muy apreciados en aquel entonces fueron : P. Anfossi (17271809), T. Giordano (1744-1798) y N . Zingarelli (17521837) entre cuyos discípulos se encuentra Mercadante . La ópera en Francia

En Francia la ópera ligera se conocía como ópera cómica que surge como un género más bien de entretenimiento popular típico de las ferias pueblerinas (vaudeville) en el que se pone de moda el diálogo hablado en lugar del recitativo, género que floreció aceleradamente durante la Revolución sa y en la era napoleónica alcanzando mayor significado y popularidad en pleno siglo XIX . Entre los primeros maestros del nuevo género sobresalieron, Philidor (1726-1795), Monsigny (1729-1817) y Grétry (1741-1813) . El primero, prolífero compositor fue autor, entre otras cosas, de un Réquiem en homenaje a Rameau, y un invencible maestro de ajedrez 202 muy aplaudido en 201) Esta obra tan popular en su momento fue olvidada con la llegada de la ópera homónima de Rossini . 202) Francois Danican Philidor maestro francés , considerado el mejor jugador de ajedrez del siglo XVIII y campeón oficioso del mundo de 1745 a 1795 . Escribió diversas obras sobre "el juego rey" entre las cuales se destaca Análisis del juego de ajedrez . Divulgó, así mismo, la defensa que lleva su nombre .


Londres ciudad donde murió en 1795 . El segundo, uno de los primeros maestros de la ópera cómica, fue de los bienes del Duque de Orleáns y sucesor de Grétry en la Academia . Su obra maestra fue El desertor que data de 1769 . El tercero, belga de nacimiento, fue uno de los más significativos compositores de óperas de finales del siglo XVIII, llegando a producir un poco más de 50 de ellas, introduciendo nuevas ideas adoptadas y enriquecidas, casi un siglo después, por el propio Wagner . Entre sus obras más aplaudidas figuran, Los dos avaros (1770), Zamira y Azor (1771), El amante celoso(1778), Ricardo Corazón de León y La Caravana del Cairo, ambas de 1784 .

No obstante el género lírico alcanza su mayor esplendor en manos de Gluck y Mozart . Ambos atingen niveles excepcionales (ver sendas biografías más adelante), seguidos en importancia de la dorada trilogía italiana del bel canto, Rossini, Donizetti y Bellini . El piano

Es a partir de este período cuando el piano, que originalmente se conoció como forte piano 203 , inventado en 1710 en Italia por Bartolomeo Cristofori, inicia su exitosa carrera como instrumento solista, conquistando omnímodamente, en la segunda mitad del siglo XIX, los escenarios de Europa así como el interés de los compositores y el gusto del público en general, a tal extremo que durante el siglo XIX prácticamente todos los compositores son a la vez excelentes pianistas . Los compositores barrocos no tocaron el piano . Es sabido, sin embargo, que Bach llegó a experimentar (1747) en la corte de Federico de Prusia los primeros Hammerklavier (claves con martillos o martinetes) construidos por Silberman y que a pesar del mecanismo todavía muy primitivo, fueron elogiados por el gran maestro 203) Originalmente el "nuevo instrumento de teclas con martillos" se conoció como forte piano, por la capacidad que tenía de sonar fuerte o suave, lo que no podía hacerse con el Clavecín . Más adelante, con el desarrollo del mecanismo y la caja sonora el piano se denominó piano forte, en el siglo XIX, para hoy conocerse simplemente como piano .

2 2 2 - JAIME INGRAM JAÉN particularmente por la posibilidad del "toque ligado y el sonido mantenido" que no tenía el clavecín 204 y con el que no estaba satisfecho ; J .C . Bach, Haydn y Mozart, lo usaron y lo recomendaron, y Beethoven lo adoptó definitivamente como su instrumento preferido . Los compositores del período vienés forman legión 205 , toda vez que los elementos musicales que caracterizan dicho período comienzan a aparecer en la obra de los hijos del gran Bach, entre ellos, particularmente Carlos Felipe Emanuel Bach (1714-1788) o el Bach de Berlín, Director de música en la corte de Federico II de Prusia, zapador de la estructura Sonata Allegro, y Juan Christian (1735-1782) o el Bach milanés (se le conoce también como el Bach londinense, por haber vivido en ambas ciudades) el primer músico de renombre que haya dado un recital público con un piano, formado en Italia por el célebre padre Martini 206 .

La Escuela de Mannheim

De gran importancia en la gesta de los ideales clasicistas son los compositores que conformaron la prestigiosa Escuela de Mannheim, muy apoyada financieramente por el príncipe Carlos Teodoro, que gobernó de 1742 a 1748 y quien supo rodearse de una pequeña Versalles2 07 . Dichos compositores fueron : Johan Stamitz (1717-1757), excelente violinista quien fuera el 204) Se sabe inclusive que Bach estuvo trabajando en el mejoramiento del instrumento, conjuntamente con su amigo el fabricante de Leipzig, Z . Hildebrand, y que llegó a construir un .lcmHOauätúynrdvoieégb-spdíalecir célebre fabricante de pianos londinense Burkhardt Tschudi 205) Ver más adelante, al final de la obra, Lista de compositores en orden 206)

histórico .

Giovanni Battista Martini (1706-1784) franciscano, gran maestro del contrapunto, original de Bolonia, discípulo de violín y violonchelo de su propio padre . Maestro de capilla de la iglesia de los franciscanos de Bolonia, historiador, compositor, erudito, teórico notable y eminente pedagogo, convirtió a Bolonia en un centro internacional de irradiación del estilo italiano donde acudían los compositores en busca de consejo y orientación . 207) Se calcula que el príncipe Teodoro invirtió unos 35 .000 .000 (Treinticinco millones!) de florines en actividades musicales.


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Director de la célebre Orquesta de Mannheim, considerada en su momento la mejor de Europa, y creador de la posición del Concertino en la orquesta ; Karl Stamitz (1746-1801), el primer compositor en escribir un Concierto para Clarinete y Orquesta ; Franz Xavier Richter (1709-1789), Ernst Eichner (1740-1777) e Ignaz Holzbauer (1761-1783), entre los más destacados . Otros compositores precursores de la Sonata Ligados directa o indirectamente con el grupo de Mannheim, son diglnos de mención : Francois-Joseph Gossec (1734-1829) sinfonista belga muy conceptuado en París donde sucedió al propio Rameau como director de la orquesta de La Poupliniére y donde publicó sus primeras sinfonías, llegando a ser uno de los compositores más populares del período revolucionario con sus óperas cómicas, marchas y cantatas ; Luigi Bocherini (1734-1805) compositor y prestigioso violonchelista italiano uno de los zapadores del Cuarteto de Cuerdas quién vivió muchos años en España donde se le consideró "el más español de los compositores italianos" ; Giovanni Battista Sammartini (1701-1755) también italiano, maestro de Gluck, representante eminente de la escuela sinfónica milanesa, y el bohemio Karl Ditter von Dittersdorf (1739-1799) importante por su decidida influencia en la creación de la Sinfonía Clásica, destacándose también con algunas de sus óperas . Otros compositores conocidos en el entorno cosmopolita de Mannheim fueron, el austriaco, I . Holzbauer cuyas obras fueron muy apreciadas por Mozart y el checo Antón Filtz alumno de Stamitz y su primer violonchelista en la orquesta de Mannheim, autor de más de 40 Sinfonías, Conciertos para violonchelo y flauta, música de cámara, etc ., muerto prematuramente a los 30 años de edad . Dentro de este período surgen también : el clavecinista y compositor austriaco Georg Cristoph Wagenseil (1715-1777) quien no sólo rompe la estructura de la ópera napolitana y prepara la reforma de Gluck sino que es uno de los forjadores de la sinfonía clásica junto con otros compositores ; Jorge Benda (1722-1795),

2 24 - JAIME INGRAM JAÉN el más célebre de la numerosa familia Benda, violinista, clavecinista, compositor y director de orquesta, así como Federico Guillermo Rust (1739-1796), compositor, violinista y clavecinista, discípulo, entre otros, de Carlos Felipe Emanuel Bach .

Otros virtuosos del violín

Otros virtuosos del violín fueron : el francés Rodolfo Kreutzer (1767-1821) a quien Beethoven dedicó su espléndida Sonata "Kreutzer" ; Ludwig Louis Spohr (1784-1859) 20 8 aplaudido desde los 14 años, en Alemania, Rusia, Austria, Francia e Inglaterra, director de los Festivales de la ópera de Viena, amigo de Mendelssohn, Beethoven, Rossini y Wagner, autor de unas 200 obras, entre las cuales 50 son para violín, así como su discípulo Ferdinand Davis (1810-1873) uno de los grandes ejecutantes del violín del siglo XIX, junto al austriaco Franz Clement (1780-1842) para quien Beethoven escribió su extraordinario Concierto para violín y orquesta .

No obstante el mas célebre violinista es el legendario Nicolo Paganini (1782-1840) uno de los genios del violín de todos los tiempos, original de Génova, cuya extraordinaria aportación técnica ha sido decisiva para el desarrollo virtuosístico del instrumento . Su obra constituye piedra angular de la literatura para violín y fuente de inspiración para otros compositores, entre ellos Schumann, Liszt, Brahms, Rachmaninoff y Lutoslawski, quienes escribieron importantes variaciones sobre el tema del último Capricho en la menor . El propio Liszt, henchido de iración ante el virtuosismo alcanzado por Paganini, transcribió para piano seis 208) Luis Spohr fue compositor prolífico, autor de 15

Conciertos para

violín y orquesta, 34 Cuartetos de cuerdas, Quinteto de vientos con piano Op. 52, un Octeto, un Noneto, 9 Sinfonías, Oratorios, un Requiem, etc .

e inclusive óperas entre ellas Fausto (la primera inspirada en el drama de Goethe) y Jesonda (1823) considerada su obra maestra . Sus conciertos para violín fueron un fuerte ascendiente para los de Mendelssohn y Brahms . Spohr dejó una autobiografía en 2 volúmenes que constituye un interesantísimo testimonio sobre su época (existe un resumen de la misma publicado en 1962 por Henry Pleasans, Norman), así como ti n Método de violín .


de los caprichos dando origen a lo que se conoce como 6 Grandes Estudios de Paganini 209 . Su obra comprende aproximadamente : 24 Caprichos Op .1 (Capricci) para violín solo, 6 Sonatas Op . 3 para violín y guitarra, 60 Variaciones Op . 14 sobre el tema Baracubá para violín y guitarra, 3 Cuartetos Op .5 para violín, viola, guitarra y violonchelo,

música de cámara, 5 Conciertos para violín y orquesta, Variaciones para violín y orquesta sobre diferentes temas, etc .

Digno de mención es también el prodigioso virtuoso catalán de la guitarra Fernando Sor (17781839) instruido en el monasterio de la Escolanía Montserrat y en la Academia militar de Barcelona, autor de una importante literatura para guitarra, entre la que se distinguen las dos Grandes Sonatas Op . 22 y 25, la serie de Estudios Op . 29, 31, 35, 44, y 60, diversos Temas con Variaciones y célebres Duetos para dos guitarras . Sor escribió, además, dos óperas, varios Ballets entre ellos Hércules y Onfalia escrito para la entronización del Zar Nicolás I, obras vocales, dos Sinfonías, un Concierto para violín, etc ., así como un conocido Método para guitarra traducido a varios idiomas . Seguidores de Gluck

Entre los compositores seguidores de las reformas en la ópera de Gluck están : Antonio Sacchini (17301786) reconocido particularmente en París, Londres y Alemania ; Luigi Cherubini (1760-1842) 210 prolífero compositor florentino como Lully, que llegó a alcanzar posiciones muy importantes en Francia inclusive la de Director del Conservatorio Nacional de París (apenas fundado en 1795) . Se le consideró un compositor muy cosmopolita "poseedor de gran conocimiento y profunda erudición" . Sus óperas gozaron de una gran acogida tanto en Viena como en Alemania (Ver lista de 209) Los transcritos al piano por Liszt son los caprichos en sol menor, mi bemol, sol sostenido menor (la Campla), mi mayor y dos versiones del capricho en la menor (la Chasse) . 210) Autor de varias óperas, Misas y música religiosa en general entre la que sobresale su Requiem en do menor . Escribió así mismo un conocido Tratado de Armonía .

22 6 - JAIME INGRAM JAÉN Compositores y sus óperas más significativas al final) . Fue inclusive profesor de composición en París de varios maestros ses de óperas, como Auber 21 y Halévy, entre otros ; Etienne-Nicolas Mehul (1763-1817) rival de Gossec y autor de unas 30 óperas entre las que sobresale Joseph (1807), así como Gaspare Spontini (1774-1851), muy aplaudido por su ópera La Vestale, con la que se hizo acreedor del premio instituido por Napoleón Bonaparte para la mejor obra lírica, con un jurado formado por Mehul, Gossec y Grétry . Spontini fue director del Teatro Italiano de París donde presento, entre otras obras, las primeras audiciones en Francia de Don Juan y Cosi fan tutte de Mozart . Es el momento de referirnos al talentoso compositor español Vicente Martín y Soler (1754-1806) original de Valencia y organista en Alicante, que adquiere nombre en Madrid con la presentación de su ópera I due avari (Los dos avaros) en 1766 . Viaja a Italia donde se le conocerá como Martini lo Spagnolo después del inmenso éxito de su ballet representado en la Scala de Milán en 1778, transformándose en un serio rival de Cimarosa y Paisiello . Se lanzó rápidamente en Italia y en Viena como compositor de óperas, entre ellas, Una cosa rara, ossia Belleza ed Onesta, con libreto de Lorenzo da Ponte 212 , uno de cuyos temas utilizó Mozart en el final de su Don Juan, haciéndole, inclusive, decir a su personaje "Hurra! Esto es Cosa rara" . En 1788 Catalina II de Rusia lo nombró director de la ópera en San Petersburgo y más adelante Pablo I le hizo consejero privado . Otras de sus óperas son : Ifigenia in Aulide (1779), Ipermestra (1780), Astartea y la reina de Golconda (1781), La Dona festeggiata (1783), La Isla del amor (1784), El Barbero de buen corazón (1787), El Árbol de Diana (1787), etc . Martín y Soler escribió también, canciones 211)

Con su ópera La Muda de Portici (La Muette de Portici) Auber abrió el período de la grand opera en la historia del drama lírico francés . 212) El éxito de Llna cosa rara, en el Teatro Imperial de Viena, aplaudida por Salieri, fue tan extraordinario que eclipsó en su momento la presentación de Las Bodas de Fígaro de Mozart . De Una cosa rara surge, inclusive, el tema de un vals vienes muy conocido intitulado El sitio de Belgrado .


populares, cantatas y música religiosa en general . En 1801

perdió su importante posición para morir, casi en la indigencia, en San Petersburgo el 30 de enero de 1806 .

El nuevo arte de la orquestación La simplificación contra puntística que se experimentó a partir de la obra de los hijos de Bach, o sea durante la incipiente etapa del clasicismo vienés, provocó una alteración en los principios del arte de la orquestación . Así vemos que la orquesta de Mannheim, que ya en 1756 se consideraba la mas prestigiosa de Europa, estaba formada por 20 violines, 4 violas, 4 violonchelos y 2 contrabajos con una sección de instrumentos de viento que llegó a incluir hasta 4 cornos, además de 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes y 2 trompetas, culminando con los timbales y el órgano . Mozart quedó muy impresionado con dicha orquesta cuando visitó la ciudad en 1777 en compañía de su padre . No obstante, el brillante período musical de Mannheim terminó cuando la corte fue trasladada a Munich en 1778 . A su vez Mozart le asignó a los instrumentos de viento-madera una preponderancia desconocida hasta entonces, incorporando a la familia de los vientos-madera, el clarinete y el fagot, siguiendo el modelo de Mannheim, innovación que Beethoven enriqueció con el flautín y algunos instrumentos de viento-metal, introduciendo posteriormente los trombones y ampliando el ámbito de los timbales . No obstante Gluck ya había incluido trombones213 , arpa, clarinetes y diversos instrumentos de percusión, en varias partituras de sus óperas . Es interesante observar, por otro lado, que aunque Beethoven piensa para la orquesta, como generalmente se dice, y se orienta desde sus primeras obras hacia la música instrumental, y no hacia la escritura vocal con la que enfrentaba ciertas dificultades, su enriquecimiento sonoro en la orquesta no sólo se debe a un aumento en el número de los ejecutantes e instrumentos, sino 213) Mozart también había usado trombones y el glockenspiel en Don Jalan como en La Flauta Mágica, respectivamente y Rameau había usado el clarinete desde 1751 .

2 2 8 - JAIME INGRAM JAÉN también a la forma en que utilizó los instrumentos y los grupos instrumentales . En efecto, Beethoven amplía la tesitura del cuarteto de cuerdas : violines, violas, violonchelos y contrabajos . Así, por ejemplo, a los violines los hace extender su sonoridad hasta el la bemol agudo, mientras a los contrabajos los hace descender hasta el do grave, exigiendo además un mayor dominio del instrumento por parte del ejecutante, mientras el grupo de los violonchelos los divide en dos partes, cosa rara a la sazón, y a las violas igualmente las divide en tres o cuatro partes, lo que se conoce como divici . Por otro lado, introduce el trombón como instrumento de planta, que hasta el momento sólo se usaba en el teatro o en la iglesia . Observamos así que en su Quinta Sinfonía utiliza hasta tres trombones (alto, tenor y bajo), y contrario a la costumbre de la época, pone en vigencia el grupo percusivo, platillos-bombotriángulo, adelantándose a la instrumentación teatral de Wagner . La observación es válida si constatamos que aunque la orquesta de Beethoven es impresionantemente más sonora que la de sus grandes antecesores, Haydn y Mozart, aún así el componente de sus instrumentos sólo alcanza treinta ejecutantes cuando presenta la primera audición de la Tercera Sinfonía, obra que aún hoy constituye un hito sonoro dentro del grupo de sus sinfonías . Sorprende sobremanera comparar el número de instrumentos que Beethoven utiliza en la Heroica con los que usa en la Sinfonía Coral . La primera exige : 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 3 cornos, 2 trompetas, timbales y el cuarteto de cuerdas, mientras la Novena Sinfonía exige : 3 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 cornos, 2 trompetas, 3 trombones, timbales, triángulo, platillos, bombo y el cuarteto de cuerdas . La diferencia consiste en 10 instrumentos, entre ellos los poderosos trombones y una sonora percusión, además de los divici mencionados anteriormente . No hay duda de que la orquesta en manos de Beethoven alcanza su Edad de Oro abriendo el camino para el posterior desarrollo del sinfonismo germánico del siglo XIX, al punto tal que ningún compositor del siglo decimonono escapó por completo de su poderosa influencia .


A sólo tres años de la desaparición de Beethoven, escribe Berlioz su Sinfonía Fantástica en la que hace gala de una imponente instrumentación que además del cuarteto de cuerdas tradicional y dobles atriles de los instrumentos de viento-madera, presenta 4 cornos, 2 cornetas, 2 trompetas, 3 trombones, 2 tubas, 2 fagotes extras, campanas, bombo, 4 timbales, flautín, clarinete en mi bemol, corno inglés y arpa, amén de la variedad de toque que le impone a ciertos instrumentos, como las esponjas para los percutidores de los tambores, y lo que es más raro aún los divisi en los contrabajos y en los timbales .

Primeros pedagogos del piano Hacia finales del período clásico aparecen los primeros pedagogos significativos del piano : El italiano Muzio Clementi (1752-1832) quien además de haber sido un brillante y reconocido ejecutante fue fabricante de pianos en Londres y compositor prolífero . Entre su obra se destacan 100 Estudios para piano cuya colección se conoce como Gradus ad Parnassum2J4 . Dejó además un número plural de graciosas Sonatinas e interesantes Sonatas para piano, iradas por el propio Beethoven, inclusive dos Sonatas para dos pianos, así como varios Conciertos con orquesta y Sinfonías que han resurgido últimamente gracias a los melómanos de las grabaciones . Clementi fue uno de los innovadores de la literatura del piano y el primer compositor importante que pensó en términos propios del nuevo instrumento incorporando octavas y dobles notas, tanto terceras como sextas, razón por la que se le reconoce como "el padre del piano forte" . Jan Ladislav Dussek 215 (17611812) compositor checo es una de las primeras figuras pianísticas de su época a quien se le atribuye la posición del piano en el escenario con el lado derecho del ejecutante hacia el público ; John B . Cramer (1771-1858) original de Manheim, autor, entre otras cosas, de una colección de 80 excelentes Estudios para piano, muy recomendados por 214) Nombre que ya había utilizado J . J . Fux (1660-1741) para su célebre tratado de Contrapunto de 1725 . 215) Otros compositores de Bohemia fueron : Tomasek y particularmente su discípulo Vorisek, cuya Sonata Op . 20 y su Sinfonía en re estuvieron muy de moda en la Viena de la primera mitad del siglo XIX .

2 3 0 - JAIME INGRAM JAÉN Beethoven, que siguen constituyendo, hasta hoy, un material didáctico de primera línea para la enseñanza del piano e introducción a los Estudios de Chopin; Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) brillante pianista, alumno de Mozart y Clementi, Maestro de Capilla del príncipe Esterházy al suceder a Haydn en el cargo, compositor de Estudios, Sonatas y 6 Conciertos para piano y orquesta muy apreciados en su época, que anticipan el lirismo del propio Chopin . Entre la obra de Hummel se encuentra también una bella como delicada composición para dos pianos intitulada Introducción y Rondo así como una brillante Sinfonía Concertante para piano, violín y orquesta, un Concierto para fagot, otro para mandolina, uno para trompeta, unas Variaciones para oboe y orquesta, además de un variado y rico repertorio de música de cámara . Su prestigio como compositor fue tan grande que llegó a ser considerado, en un momento dado, rival de Beethoven quien por su parte lo estimó mucho; el irlandés John Field (1782-1837) conocido no sólo por su virtuosidad pianística ponderada por Liszt, sino por haber sido el inventor del Nocturno . Son estos compositores y pianistas los que prepararon el camino a los grandes virtuosos del período romántico con una obra didáctica que continuará y enriquecerá el discípulo de Beethoven, el vienés, Karl Czerny, (1791-1857), maestro de Liszt, autor de más de mil Estudios para piano que siguen siendo, particularmente los Ops . 299 y 740, una base sólida para el desarrollo muscular del joven estudiante de piano . Czerny escribió así mismo un número plural de Sonatas y Conciertos para piano inclusive uno para cuatro manos y orquesta, de menor importancia . Otro pedagogo y pianista virtuoso de prestigio, fue el checo Ignaz Moscheles (1794-1870) alumno de Albrechtsberger y de Salieri, a quien Beethoven confió la reducción para piano de su ópera Fidelio, profesor de piano en el Conservatorio de Leipzig . Es autor del otrora célebre Método de los Métodos para la enseñanza del piano así como de 7 Conciertos, 24 Estudios, Sonatas, Variaciones y una serie de obras para dos pianos que ejecutó junto con Mendelssohn .


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BREVES BIOGRAFÍAS Christoph, Willibald von Gluck (1714-1787) Original del Palatinado (Bohemia), compositor y figura gigantesca dentro del ámbito de la ópera de finales del Barroco e inicios del clasicismo vienés . Nació cuando Händel mediaba 29 años de edad y alcanzó su plenitud al mismo tiempo que Haydn . Es una figura que aunque nace en pleno desarrollo del período barroco se adelanta de tal forma a su época que pertenece en gran parte al espíritu clasicista . Poco se sabe de sus estudios musicales además de que estudió violín, órgano y clavecín, en "una escuela católica" . En Viena hizo parte de los músicos al servicio del duque de Lobkowitz gran amante de la música . Protegido del Príncipe Me1zi viajó a Italia donde tomó clases con Sammartini y en 1741 debuta con su ópera Artaserse, con texto de Metastasio, en el Teatro Regio Ducal de Milán . A partir de ese momento su producción operística levanta vuelo y en apenas cinco años produce siete óperas, dentro del estilo italiano para diferentes teatros de diversas ciudades importantes de Italia, entre ellas Venecia, Milán y Turín . En 1745 es invitado a Londres donde debuta al año siguiente con dos óperas que no fueron exitosas, criticadas por el propio Händel quien le ayudó en las producciones. En 1748 su ópera Semiramide riconosciuta, con texto también de Metastasio, es elegida para la gran reapertura del Bargtheater de Viena y constituyó todo un éxito . De ahí en adelante, transformado en una importante personalidad musical, sigue una carrera triunfante, hasta instalarse en forma definitiva en Viena donde fue Consejero Musical y Maestro de Capilla de la Corte así como compositor titular (1754) del Teatro Imperial . Bajo la influencia de la ópera sa, particularmente de Rameau y de las nuevas ideas liberales de Voltaire y Diderot, incursionando inclusive en la novedosa ópera cómica, Gluck, conjuntamente con Durazzo y el poeta Calzabigi, reforma totalmente su estilo operístico deshaciéndose de cualquier influencia italiana instaurando un modelo profundamente moderno de tragedia lírica junto con el "drama coreográfico" concepción innovadora surgida de la estética sa de la época, que encuentra su más alta realización en Semiramis que servirá

2 3 2 - JAIME INGRAM JAÉN de pauta al propio Wagner después . En 1761 crea al primer ballet pantomímico de la historia de la danza con el tema de Don Juan . Surge inmediatamente su gran trilogía : Orfeo y Eurídice (1762), Alceste (1767) verdadero manifiesto de la reforma de la ópera lanzado por Gluck 126, y París y Elena (1770), óperas que no tuvieron éxito, debido, ciertamente, a sus innovaciones y a su novedoso estilo . Luego en París escribió Ifigenia en Aulide, apoyado por la reina María Antonieta 217 e Ifigenia en Tauride (ambas inspiradas en Eurípides) así como Armida (según Tasso), las que, junto con Orfeo y Euridice, de 1775, constituyeron verdaderos triunfos, pese a la envidia opositora que se suscitó por parte de los partidarios del estilo italiano y que desembocó en una ridícula querella con el compositor Nicolás Piccini y sus iradores que se conoce como "la guerra de los bufones" . Después de la terrible como ridícula contienda, Gluck regresó a Viena, ya rico y irado, donde muere de un ataque al corazón ocho años después . Entre sus innúmeras aportaciones está el haber sido uno de los primeros en introducir el arpa y los trombones en la orquesta y el primer compositor cuya obertura constituye un avance, aunque breve, del melodrama lírico que sigue a continuación . Franz Joseph Haydn (1732-1809) Importante y prolífero compositor original de Rohrau, baja Austria . Su padre fue carretero y agricultor. Al margen de ser miembro del coro de San Esteban, en Viena, fue en gran medida un autodidacta . Hombre sencillo, muy trabajador, protegido de Metastasio, Nico216) En el que se afirma perentoriamente que todo debe estar en función del drama . 217) María Antonieta, hija de María Teresa de Austria y esposa de Luis XVI, protectora de la música, estrenaba óperas "con interludios de ballet" durante sus fiestas en el Pequeño Triaron . En la memorable recepción ofrecida en honor de Gustavo III, rey de Suecia, María Antonieta, sentada ante el clavicordio cantó arias de la ópera Dido de Nicolás Piccini . 218) El calificativo surge por causa de un grupo de italianos, músicos ambulantes que actuaban en ese entonces en París presentando óperas bufas con inmenso éxito . En Francia la ópera bufa se conoce como ópera cómica .


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lás Pórpora, von Dittersdorf y del conde Mozin, permaneció al servicio de los príncipes Pablo y Nicolás Esterházy durante 30 años como Vicemaestro de capilla primero y luego como Director musical . En el palacio de los Esterházy habían dos teatros así como dos amplias salas de música lujosamente decoradas . En el ocaso de su vida se estableció independientemente en Viena . Fue casado con Maria Anna Keller, persona sencilla y problemática con la que no fue nada feliz . En vida adquirió gran reputación en toda Europa . Sus dos exitosas visitas a Londres fueron muy favorablemente comentadas particularmente por sus 12 últimas grandes sinfonías conocidas como Sinfonías Londinenses o Salomónicas 219 , éxitos que se tradujeron en dinero además de los honores que le tributaron en Palacio y el título de doctor honoris causa que le confirió la Universidad de Oxford . Haydn es el mayor compositor de oratorios del período clásico 220 , entre los cuales están: El Retorno de Tobías (1774), La Creación (1798)' 21 , Las Estaciones 222 (1801.) y Las Siete Palabras de Cristo 223 . Su vasta obra comprende, 104 Sinfonías, varios Conciertos para cla219) El nombre surge por el violinista y compositor alemán, Johann Peter Salomon (1745-1815) quien después de una exitosa carrera como virtuoso se transforma en empresario de espectáculos musicales en Londres, y tras enterarse que el príncipe Esterhazy había fallecido se precipitó a ofrecer al compositor un enjundioso contrato a cambio de una serie de conciertos en Londres para los que Haydn compuso sus famosas últimas 12 Sinfonías, conocidas como Sinfonías Salomónicas o Londinenses . Fue Salomon quien sugirió a Haydn la composición del Oratorio La Creación y quien le encargó, así mismo, los últimos cuartetos para cuerdas . Los grandes éxitos del compositor, en la ocasión, no tienen precedente en Londres desde Handel . Después de él solo Mendelssohn volverá a cosechar tales triunfos . 220) Si bien sus oratorios no podían presentarse en las iglesias católicas debido a que el compositor pertenecía a una logia francmasónica (así como Mozart) al igual que su libretista el barón Gottfried van Swieten, diplomático de la corte prusiana y director de la Biblioteca Real de Viena . 221) Inspirado en el Génesis y un poco en El Paraíso Perdido de Milton, cuya traducción libre al alemán fue realizada por el ya mencionado barón van Swieten . 222) Se trata realmente de un oratorio secular con muy poco contenido religioso. 223) Obra escrita a solicitud de una comunidad religiosa de Cádiz, España .

2 3 4 - JAIME INGRAM JAÉN ve, para violín y para violonchelo ; 125 Tríos, 84 Cuartetos, más de 24 Operas con textos en italiano y alemán, 52 Sonatas para piano, Temas con Variaciones, Cantatas, 14 Misas (entre las que sobresale la llamada Misa Imperial o Misa de Lord Nelson escrita en 1798 cuando el almirante estaba en la Batalla del Nilo), 13 Ofertorios, además de motetes y otras obras religiosas como Salve Reginas y Ave Reginas . Fue considerado el mayor compositor de Europa cuando Beethoven era todavía joven y Mozart, ya fallecido, era poco conocido aún . Murió en la ciudad de Viena donde recibió cristiana sepultura, con grandes honores, inclusive de parte de Napoleón Bonaparte, que en esos momentos invadía Austria . Armónicamente hablando la obra instrumental de Haydn es bastante más osada que la del propio Mozart, de ahí que se le considere el inmediato antecesor de Beethoven . Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Genial compositor austriaco, nacido en Salzburgo . Fue un extraordinario niño prodigio que realizó giras de conciertos desde la edad de 6 años, acompañado por su padre` y su hermana Nanerl . La vida de Mozart está colmada de honores y de hechos prodigiosos hasta que alcanzó sus 17 años de edad . Fue irado y aplaudido por los públicos más exigentes de Europa . A la temprana edad de 7 años termina su primera ópera llamada Bastien y Bastiana . En Londres fue objeto de detallada observación por parte de la Academia Científica Inglesa por los fenómenos musicales que era capaz de producir y que rebasaban toda posibilidad de análisis y comprensión . A los 12 es aceptado como miembro honorario de la severa Academia Musical de Boloña, Italia, regentada en ese entonces por el padre Martini 22 ' de la orden franciscana, etc . Mozart es considerado uno de los gran224) Leopoldo Mozart (1719-1787), padre y mentor del célebre compositor, fue reputado violinista y bachiller en filosofía . Su Método para violín, reeditado muchas veces, estuvo en vigencia hasta finales del siglo pasado . Su hija Nanerl fue también excelente ejecutante . 225) En el pequeño museo del Conservatorio de Música de Boloña se conservan los ejercicios de prueba que Mozart tuvo que realizar para ser aceptado en la prestigiosa Academia .


des genios de la humanidad, pese a su personalidad inquieta, controversial, caprichosa y egocéntrica . Dominó con igual perfección todos los géneros de la composición musical . Su obra comprende : Operas : La Clemencia

de Tito, Idomeneo, El Empresario, Las Bodas de Fígaro, Don Juan 226 , La Flauta Mágica, etc . ; 31 Conciertos para piano y

orquesta, incluyendo un concierto para dos pianos y orquesta así como otro para tres pianos y orquesta ; 20 Sonatas para piano, Fantasías, Valses, 33 Sonatas para violín, 5 Conciertos para violín, Sonatas para violonchelo, Sonatas y conciertos para clarinete, Sonatas para flauta, etc ., 41 Sin-

fonías, Serenatas, Divertimentos, 24 Cuartetos de cuerdas, 6 Quintetos de cuerdas, gran cantidad de otras combinaciones de Música de Cámara ; 17 Misas entre ellas la célebre Misa de la Coronación; un prestigioso Réquiem en re me-

nor comenzado pocas semanas antes de su fallecimiento y terminado por su alumno Süssmayr; 4 Letanías, 2 Vísperas, Motetes, Canciones con acompañamiento de piano ; una extraordinaria Sonata para 2 pianos, etc . Por ironía de] destino, Mozart murió pobre y triste a los 35 años de edad . Sus restos reposan en el cementerio de San Marcos de Viena, Austria, en una fosa común, de acuerdo con la práctica de la época al no poder sufragar el costo de una sepultura independiente, y como quiera que no se colocó lápida alguna en el momento del funeral, no 226) Inspirado en el drama de Tirso de Molina y escrito por el gran libretista, Lorenzo da Ponte (1749-1838), cuyo nombre original es Ermnanuele Conegliano, nacido en Ceneda cerca de Venecia, hombre versátil, arrogante, intrigante, poeta de la corte de José II de Viena, librero, empresario y sobre todo aventurero . Fue ordenado sacerdote en 1773, profesor de letras y retórica en el seminario de Trévise y expulsado en 1776 por defender las ideas de Rousseau . Fue desterrado de Venecia en 1779 durante 15 años . En 1783 obtuvo el cargo de "poeta del Teatro Italiano" en Viena, época en que escribió diversos libretos para Salieri, Martín y Soler y Mozart, entre otros . A la muerte de José II fue desterrado de Viena . En Praga hizo amistad con el célebre Giacomo Casanova, pasando luego a Londres, vía Dresde, donde fue nombrado poeta del King's Tlrcater . En 1805 viajó a Nueva York donde renovó sus actividades de empresario, promovió la construcción de la Opera Italiana de la ciudad y fue profesor de Literatura y lengua italiana en la Universidad de Colombia de 1826 a 1837. En 1929 la Universidad neoyorquina creó la "Cátedra Lorenzo da Ponte" . Da Ponte dejó escrita sus interesantes Memorias, en 4 volúmenes .

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ha sido posible localizar su cuerpo. Las posibles causas de su muerte han sido ampliamente tratadas por diferentes biógrafos, especialistas y médicos pero aún no se ha logrado llegar a una decisión definitiva y son todavía materia de mucha especulación . Por otro lado aumenta cada vez más el interés por el llamado "efecto Mozart"27 referente al beneficio de su música en el desarrollo del intelecto humano e inclusive en el tratamiento terapéutico de ciertas enfermedades . Mozart es un compositor más conceptuado desde el punto de vista vocal que instrumental . No fue un reformador y se contentó con hacer uso de las formas y estilos establecidos en su época semejante a Bach . Sus óperas son las únicas del siglo XVIII que permanecen en el repertorio actual de todos los grandes teatros del mundo y su obra sigue ocupando los primeros lugares en los escenarios de diferentes continentes . Ludwig van Beethoven (1770-1827) Colosal compositor alemán`, nacido en Bonn . Personaje puente entre el Clasicismo y el Romanticismo, Beethoven vivió desde los 22 años en Viena, ciudad donde murió y que constituyó su segunda patria . Pese a la partícula noble del apellido, van, apenas hacía dos generaciones que los Beethoven pertenecían a la categoría de los dedicados al servicio de uno de los tantos príncipes germánicos y recibían un salario de la capilla musical del arzobispo príncipe elector de Colonia, residente 227) Ver El efecto Mozart, de Don Campbell, Ediciones Urano S .A ., Barcelona 1998 . 228) La versión inglesa, completa, de la biografía escrita en 1840 por su amigo personal Antón Félix Schindler Beethoven as I knew him, se puede adquirir en W .W. Norton & Company Inc ., Nueva York . La versión castellana de la célebre biografía escrita por Romain Rolland, en seis volúmenes, está publicada por la Librería Hachette S .A ., Colección Numen, de Buenos Aires, 1954 . La de Héctor Berlioz, versión castellana, se encuentra en la Colección Austral de Espasa Calpe, S .A, Madrid, 1979 (cuarta edición) . Una muy novedosa y agradable, en la que se hace una interesante como minuciosa investigación sobre la "Amada Inmortal', es la de Maynard Solomon, (originalmente de Schirmer Books, Nueva York) publicada por Javier Vergara Editor S.A ., Buenos Aires, 1987 . Sobre Beethoven y su obra se han escrito más de 25 .000 libros,


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en Bonn . La situación de la familia era bastante inferior al decoroso nivel social de un Leopoldo Mozart quien además era un músico de altura . Los Beethoven fueron agricultores y artesanos en su origen, oriundos de Lovaina de donde pasaron a Bélgica y luego a Bonn . Desde joven Beethoven fue considerado niño prodigio, reconocido especialmente por su particular talento en el arte de la improvisación . Contrario a Mozart, fue un hombre de una recia conciencia política . En efecto, en 1796 musicó un poema de Friedelberg en honor de un cuerpo voluntario vienés que había enfrentado a las tropas napoleónicas en la batalla de Arcole, y al año siguiente escribió un himno que iniciaba con la frase "somos un gran pueblo alemán"; es harto sabido que cuando Napoleón Bonaparte se hace emperador, Beethoven tachó disgustado el título de su Tercera Sinfonía que se denominaba Sinfonía Bonaparte y escribió en vez "en memoria de quien fue un gran hombre" ; en 1814 compuso una Cantata para la inauguración del Congreso de Viena que intituló Oda a la Naturaleza; ese mismo año cuando las tropas aliadas entraron en París, escribió su obra coral Germania y al año siguiente, en ocasión a la segunda toma de París, escribió el coro final para el Ehrenpforte de Tretschke . De personalidad severa y exigente en 1824, aceptado ya como uno de los grandes compositores del momento, quedó totalmente sordo (el mal se había manifestado desde 1801) . Además de ser uno de los grandes revolucionarios en la historia de la música se le considera como el mayor Sinfonista y el mayor maestro en el arte del Tema con Variaciones . Como eterno enamorado platónico tuvieron especial significado en su vida las siguientes figuras y personalidades femeninas : Magdalena Willmann, Giullietta Guicciardi, Josefina von Brunswick, Teresa von Bruswick, María von Erdódy, Teresa Malfatti, Betina Brentano y Amalia Sebald, entre las que se encuentra la misteriosa "amada inmortal' . Beethoven lleva la estructura Sonata a su mayor desarrollo. Sus 32 Sonatas para piano constituyen el monumento más extraordinario de toda la literatura pianística, comparable sólo a los 48 Preludios y Fugas de Bach y a los 24 Estudios de Chopin . Muy a pesar de su

2 3 8 -JAIME INGRAM JAÉN genial capacidad creativa corregía sus obras en forma extenuante y así vemos que un aria de Fidelio la tuvo que escribir 18 veces y solo de la misma ópera se conservan más de 300 páginas de bocetos diferentes . Otro tanto sucedió, por ejemplo, con su célebre tema de la felicidad, del final de la Novena Sinfonía . La totalidad de su obra, dividida en tres períodos cronológicos o estilos, por el pianista y musicólogo ruso Wilhelm von Lenz (1809-1883) 229 y no por el propio compositor, comprende fundamentalmente : 9 Sinfonías (entre ellas las conocidas, Heroica, N° 3, Pastoral, N° 6 y Coral, N ° 9), 17 Cuartetos de Cuerdas, Cuarteto con piano, Quintetos, una Gran Fuga para cuerdas, 5 Conciertos para piano (además de un concierto de juventud), 17 Cadencias, un Concierto para violín, un Triple concierto para piano, violín y violonchelo, 32 Sonatas para piano (entre ellas las conocidas como : Pa-

tética, Claro de Luna, Pastoral, la Tempestad, Aurora o Waldstein, Apionata, los Adioses y la Hammerklavier ), Rondos, 27 Bagatelas, Danzas alemanas, 20 minuetos, sonatinas, 15 valses, para Elisa, Fuga, Oberturas para gran orquesta (Leonora n° 1 o Fidelio, Leonera n ° 2 y n° 3 ; Coriolano, Egmont, El Rey Esteban, Las Ruinas de Atenas, La Consagración de la Casa, etc .) Ballet (Las Criaturas de Prometeo), la Opera Fidelio, Misas (entre ellas la grandiosa Misa Solemne, nunca ejecutada en su totalidad en vida del compositor), Cantatas, Fantasía Coral para piano coro y orquesta, 10 Sonatas para violín y piano, 5 Sonatas y 3 Tenias con variaciones, para violonchelo, otras Sonatas para varios instrumentos (flauta, clarinete, etc .) Tríos, Oratorios (Cristo en el Monte de los Olivos), 22 Temas con Variaciones para piano, Canciones (alrededor de 200 arreglos de cantos populares, 86 Lieder, Adelaida, 25 Cantos Italianos, etc .) . El funeral de Beethoven, presenciado por unas 25,000 personas de todas las clases sociales, constituyó todo un acontecimiento que conmovió a la ciudad de Viena por entero . Beethoven, transformado en leyenda aún antes de morir, representa un punto de convergencia único dentro de la historia de la música entre el cla-

229) Wilhelm von Lenz, Beethoven et ses trois styles, en dos volúmenes, San Petersburgo, 1852 .

ORIENTACIÓN MUSICAL. - 2 3 9

sicismo y el dinamismo romántico . Bien se puede decir que es epílogo del clasicismo y prólogo del romanticismo decimonónico . Dejó sin terminar varias obras, entre ellas una décima sinfonía y el oratorio Saul y David . Sigue siendo el compositor más ejecutado en el mundo . En el "Archivo Beethoven", en la ciudad de Bonn, reposan más de 100 .000 tomas de microfilmes, un fichero índice con más de 80 .000 fichas, una biblioteca sobre su obra y persona con más de 3 .000 títulos, una hemeroteca que abarca unos 9 .000 números, y lo que es más valioso aún, 30 .000 fotocopias de manuscritos, copias en limpio, borradores, transcripciones, cartas y otros documentos que se conservan en cajas metálicas protegidas contra incendio mediante forros de amianto . Los diferentes pianos que fueron propiedad del compositor se conservan en el Museo de Instrumentos musicales de Viena, en el Museo Nacional de Budapest y en el Museo Nacional de Nuremberg, entre otros .

2 40 - JAIME INGRAM JAÉN CUESTIONARIO N'5 01 . 02 . 03 . 04 . 05 . 06 . 07 . 08 . 09 . 10 .

¿Qué significa música homofónica?

20 . 21 . 22 . 23 . 24 . 25 . 26 . 27 . 28 . 29 .

¿Quién escribió la Sinfonía Coral? ¿Quién escribió la Sinfonía Júpiter? ¿Quién es el autor de La Flauta Mágica? . Mencione un Oratorio de Beethoven . ¿Quién escribió la Sinfonía Heroica? ¿Cuántos Cuartetos escribió Beethoven? ¿De qué nacionalidad es Mozart? ¿Cuántas Sonatas para piano escribió Beethoven? ¿Quién escribió el Concierto Emperador? ¿Quién escribió un célebre Requiem?

¿Dónde se ubica el Período Clásico Vienés? Mencione algunas características del Período Clásico . ¿Cuál es la gran estructura del Período Clásico? ¿Mencione una célebre ópera de Paisiello ¿Quiénes fueron Rossini, Bellini y Donizetti ? ¿Qué compositor escribió 104 Sinfonías? ¿Qué compositor escribió la ópera Don Juan? ¿Quién fue Lorenzo da Ponte ? ¿Qué posición ocupa Beethoven en la historia de la música? 11 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Beethoven? 12 . ¿Quién es el autor de la Opera Fidelio? 13 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Mozart? 14 . Mencione tres compositores de la Escuela de Mannheim? 15 . ¿Quién fue Bocherini? 16 . ¿Quién fue Muzio Clementi? 17 . Mencione tres ópera de Gluck? 18 . ¿Quién escribió Las Siete palabras de Cristo? 19 . Mencione a tres grandes violinistas del período?

30 . ¿Quién escribió un Triple Concierto para piano, violín y chelo?

"La música es la alas romántica de las artes" . E.T.A . Hoffmann "Ha sido la música, entre todas las artes, la más fecunda durante el período romántico". Marion Bauer "El dolor agudiza la inteligencia y fortifica el atina . El goce, por el contrario, hace a las personas egoístas y frívolas"« Schubert

EL DINAMISMO ROMÁNTICO Antecedentes históricos

La revolución sa marca la última etapa en el proceso de humanización en la concepción del mundo al poner en práctica, hasta sus consecuencias más extremas, los principios renacentistas del individualismo y de la democracia23o, sellando el destino de lo que aún quedaba de la sociedad medieval . Es el fin del absolutismo monárquico y el nacimiento del liberalismo burgués . Es el ocaso del Estado Nacional y el inicio del Estado Industrializado . Europa había sido desangrada casi ininterrumpidamente en la segunda mitad del siglo XVIII, desde la guerra de los siete años que inicia en 1756, con una pérdida mayor de quinientas mil vidas, seguida de la Revolución sa y las guerras napoleónicas que sólo llegan a su término en 1815 culminando con el Congreso de Viena y la Santa Alianza . Si bien es cierto que los filósofos plantean con su dialéctica los grandes problemas de las superestructuras político-económicas, estas ideas sólo adquieren fuerza

230) Erwin Leuchter,

La Historia de la Música, como reflejo de la evolución

cultural, Ricordi Americana, Buenos Aires, 1946, 4' . Edición .

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militante cuando han llegado a los grupos sociales inferiores a través de la palabra más asequible de los pensadores . En efecto, la propia dinámica de la revolución sa está planteada ya en toda su extensión en la obra de algunos filósofos renacentistas, entre ellos el español Francisco Suárez (1548-1617) quien toma posición vanguardista en la cuestión del origen del poder, negando la teoría del derecho divino de los reyes y apoyando con sorprendente anticipación la tesis de la soberanía popular. Si el derrumbe de la aristocracia, con todo lo que ella representa, tiene lugar en el año histórico de 1789 es porque desde hacía centurias el ciudadano común no se conformaba con su estado de mansedumbre, a la vez que llega a convencerse de que todo ser humano nace con iguales derechos, sin fueros ni privilegios y que sólo el trabajo y el valor personal, y no necesariamente su nivel y ascendencia social, le otorgan el derecho a escalar y mejorar su condición de vida . Las ideas claras que al respecto, Lafayette lleva a Norteamérica son las que sirven de impulso inicial para que poco después en todos los rincones del mundo occidental se pusiera en práctica lo que ya ampliamente se comentaba : los principios de igualdad, libertad y fraternidad . Con el planteamiento de los Derechos de Filadelfia (Bill of Rights), basada en el espíritu Jeffersoniano y con la declaración de los Derechos Humanos propugnados por la Asamblea sa, una vez tomada la Bastilla, se inició el acercamiento de las castas sociales, representadas de un lado por la aristocracia y del otro por el pueblo, en virtud de lo cual surgió un nuevo grupo social que se denominó burguesía, de burgo que significa manumitido o siervo emancipado . Los modos de vida de la burguesía, sus costumbres y sus preferencias, sus sentimientos y criterios, su actitud ante lo espiritual y humano, ante lo social y particular, su manera de expresarse, en fin, su total sistema de vida es lo que hemos de llamar Romanticismo . El Dinamismo Romántico, en suma, es la expresión genuina, con toda la gama de matices, de la sociedad burguesa


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del siglo XIX, una especie de proclamación de los derechos de la burguesía, porque el verdadero objeto del arte es la expresión de la vida misma .

Dentro del panorama histórico internacional son temas significativos del siglo, la heroica gesta de Simón Bolívar y las consecuentes independencias de España de los países hispanoamericanos en el primer cuarto del siglo XIX ; la Guerra de Crimea (1854-1856), la cruenta Guerra Civil estadounidense (1861-1865) y la guerra Franco-Prusiana de 1870 . Los filósofos más significativos del momento son : Schopenhauer, Nietzsche y Hegel .

Si el proscenio de la actividad artística del renacimiento fue el monasterio, y el palacio el del barroco, en el clasicismo lo será el salón aristocrático y en el romanticismo el salón burgués como irable conquista del espíritu humano . La palabra romántico, expresión todavía muy controversial y harto difícil de definir, deriva del romanesco, de romance, en el sentido de procurar o abogar por algo irreal, por algo que no existe . La semilla del movimiento, en arte, se encuentra inclusive desde el siglo XVII' en Inglaterra', semilla que crece robustamente en la obra de autores como Tiech y Novalis232 , para producir sus frutos más significativos en la Alemania del siglo XIX . Y auque haya sido Paris la capital internacional del arte romántico, sería del todo imposible separar los conceptos de Romanticismo y música germánica . Si Florencia fue la capital del renacimiento musical, Alemania el centro del Barroco y Viena el corazón del clasicismo musical, le tocará a París ser el epicentro o punto de convergencia del movimiento romántico : poetas, literatos, pintores, filósofos, escultores, músicos e 231) En Inglaterra lo romántico pasaba por lo pintoresco, mientras que en Francia se confundía romántico por novelesco y en Alemania el sustantivo die Romantik se refería, desde finales del siglo XVIII, a una tendencia opuesta al clasicismo .

232) Novalis fue el gran lírico del temprano romanticismo, poeta, novelista y pensador genial que ejerció gran influencia en el inundo del arte decimonónico . Su verdadero nombre es Friedrich Leopold Hardenberg (1772-1801) .

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intelectuales en general del mundo civilizado convergen en los salones burgueses parisinos . Se ha dicho ya, con suficiente razón, que si bien es cierto que el estilo galantea` del siglo XVIII surgió primeramente en París, Mannheim y Nápoles, una fuente importante del espíritu romántico musical lo fue también la Venecia de finales del siglo XVII y principios del XVIII, si observamos la fuerte dosis de emotividad y subjetividad que contienen ya algunas de las obras de Monteverdi, Albinoni, Marcello y Vivaldi . Y pese a que el romanticismo se plantea, en parte, como una reacción contra la Ilustración, desde sus comienzos acusa una fuerte tendencia religiosa que se manifiesta en forma de un catolicismo renovado . Beethoven, último gran baluarte del clasicismo, el ultimo gran músico del siglo XVIII, se había formado en el ambiente efervescente todavía del llamado Sturm und Drang, "Tormenta y pasión", título de un drama de F .M. von Kinger (1777) que se utilizó como consigna de un movimiento intelectual inspirado en las ideas de Rousseau que surge a finales del siglo de las luces contra la sociedad aristocrática y el racionalismo propugnando la liberación del individuo . Características del Romanticismo

En oposición a lo clásico, en el romanticismo se le da énfasis a lo subjetivo, a lo emocional, negligenciando lo formal y estructural . Es el predominio de la imaginación, la fantasía y el sentimiento sobre la razón . Es la valorización de lo particular y lo nacional, por encima de lo universal . Es la expresión tanto de lo perfecto como de lo defectuoso, o sea la unificación de elementos antitéticos a la vez que la violación sistemática de las reglas y normas tradicionales . Es la negación de lo convencional . Es el tratamiento eminentemente libre de la 233) El estilo galante, más que una tendencia estética claramente definida, representó un gusto musical general, preponderante durante el período que señala el paso del barroco al clasicismo, que ganó el favor del público, particularmente de la recién surgida burguesía setecentista europea, con una literatura sencilla, ligera pero ingeniosa y a veces virtuosista, aunque alejada del enjambre contrapuntistico .


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forma y la inspiración en lo vernacular con el propósito de hacer la obra de arte más accesible a todos . Es la exageración de la lírica, la variedad de la técnica y la exuberancia en la expresión . Es en el fondo la apoteosis de "la civilización liberal", resultado inmediato de la gran revolución social . En la música de los compositores llamados románticos predomina la emoción personal e individualista y contraria a la producción del clasicismo que se hace distante para el público en razón de su formalismo, llega más fácilmente al auditorio porque intenta expresar emociones conocidas y experimentadas por el oyente . Jamás el compositor había sido más libre, rechazando en la medida de su inspiración, el formalismo de una sociedad acabada, sin pretender cambiar las reglas fundamentales del sistema tonal y sin poner en duda su legitimidad . Por otro lado la nobleza y la jerarquía eclesiástica habían perdido ya su poderosa y decisiva influencia sobre la creación artística. El compositor ya no escribirá para una sociedad limitada y homogénea, como la de Haydn y Mozart, sino para un público híbrido y heterogéneo que pasará a llamarse "el gran público" . A su vez la música dejará de ser una manifestación meramente social para comenzar a asumir una compleja función estética y cultural . Entre las aportaciones artísticas-musicales del período romántico está la creación de la musicología, la crítica musical como intermediaria entre el creador y el público, los conciertos y recitales abiertos a la ciudadanía en general con precio y boleto de entrada . Las salas de concierto, al igual que los museos, constituyen cosa novísima para la sociedad ochocentista que no había tenido antes la oportunidad de tomar conocimiento de la obra de arte hasta entonces monopolizada, y gracias a ellos conservada, por la jerarquía eclesiástica y por la aristocracia en general . Dentro de este nuevo concepto social dificultoso y confuso, le tocará a Beethoven señalar el nuevo rumbo a seguir, pese a que junto con Weber y Schubert pertenece en esencia al período anterior . En efecto, estos

2 4 6 - JAIME INGRAM JAÉN compositores han desaparecido antes de la fecha acordada universalmente como la frontera que separa el dinamismo romántico del clasicismo vienés, y que se ha de caracterizar por las sublevaciones liberales y nacionalistas, simbolizado artísticamente por la producción de Hernani de Victor Hugo y la Sinfonía Fantástica de Berlioz, en el año 1832 . En el campo operístico las dos grandes figuras de mayor influencia del siglo XIX fueron Weber y Rossini, y aunque el primero era 16 años mayor que el segundo el éxito del segundo se adelantó al éxito del primero . Ciertamente que el desarrollo de las carreras artísticas de ambos compositores fue totalmente diferente y así, mientras la ópera popular y romántica de Weber, en idioma alemán, llevó al drama lírico de Wagner, el William Tell (Guillerino Tell) de Rossini sirvió de modelo para la ópera espectacular que se desarrolló en París durante el Segundo Imperio con Meyerbeer y otros .

Diferentes generaciones de compositores

Desde el punto de vista histórico los compositores más representativos e importantes del período romántico pueden dividirse en tres generaciones, a saber :

Primera generación : Ludwig van Beethoven (17701827), Nicolo Paganini (1782-1840), Louis Spohr (17841859), Carl Maria von Weber (1786-1826), Gioachino Rossini (1792-1868), Franz Schubert (1797-1828) y Gaetano Donizetti (1797-1848) . Segunda generación : Vicenzo Bellini (1801-1835), Héctor Berlioz (1803-1869), Félix Mendelssohn (18091847), Roberto Schumann (1810-1849), Federico Chopin (1810-1849), Franz Liszt (1811-1886), Ricardo Wagner (1813-1883), Giuseppe Verdi (1813-1901), Charles Gounod (1818-1893), Cesar Fanck (1822-90) y Anton Bruckner (1824-1896) . Tercera generación : Johannes Brahms (1833-1897), Camille Saint-Saéns (1835-1921), los llamados compositores nacionalistas (ver Escuelas Nacionalistas más adelante), Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893), Jules Massenet (1842-1912), Gabriel Fauré (1845-1924), Hugo


Wolf (1860-1903), Gustav Mahler (1860-1911), Ricardo Strauss (1864-1949), Alexander Scriabin (1872-1915) y Max Reger (1873-1916) 294 . (Ver breves biografías de los principales más adelante)

Estructuras vocales e instrumentales Las grandes formas del pasado continúan vigentes aunque algunas como la Suite y la Cantata tienden a desaparecer mientras otras, como el Oratorio y la Misa, continúan enriqueciéndose, a la vez que aparecen algunas nuevas como el Poema Sinfónico"-' lanzados por Liszt y Berlioz. Dos conciertos para violín y orquesta se ponen a la altura del de Beethoven, en el siglo XIX : el Concierto en mi menor de Mendelssohn y el Op . 77 de Brahms . Adquiere énfasis especial, por otro lado, la forma pequeña o microforma, tanto vocal como instrumental, con el preludio, la bagatela, el nocturno, el estudio, el intermezo, las romanzas sin palabras, la rapsodia, la consolación, el momento musical, el capricho, el 234) Podrían añadirse muchos otros compositores pero nos hemos limitado a los más importantes . 235) Semejante a lo que se denomina música programática o música descriptiva, o sea música que pretende expresar o representar ideas, imágenes, estados de ánimo, acontecimientos históricos, o cualquier hecho no musical en general, muy de moda particularmente en el siglo XIX . No obstante, anteriormente al siglo decimonono existieron obras musicales que pretendieron expresar un programa descriptivo específico, como por ejemplo las canciones del sacerdote Clement Janequin (1485-1558), capellán del duque Francisco de Guisa, entre ellas, La Guerra, El Canto de los Pájaros, La Caza, etc ., que en el fondo no es otra cosa que música de programa o programática . Otros ejemplos más conocidos son, Las Estaciones de Vivaldi (aunque se desconoce que el compositor haya seguido un texto concreto) o las 6 Sonatas Bíblicas (o de programa) para tecla, del compositor y gran jurisconsulto alemán, Johann Kulmau (1660-1722) . Otro ejemplo clásico de música programática, o pintura sonora, como también se le denominó, es La Victoria de Wellington de Beethoven (ver Poema Sinfónico en Formas o Estructuras de la Música) . Inclusive desde los griegos se menciona con iración una pieza conocida como Nono pítico, del atleta Sakadas considerada por muchos como la primera "música de programa" de la historia . 236) La expresión fue inventada por el editor de Schubert al publicar sus Seis Piezas Op . 94 .

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impromtu y otras, como formas instrumentales ; el l1i3e7d o canción artística, como la más representativa y exquisita microforma vocal, reunidos algunos de ellos en forma de ciclos, particularmente con Schubert, Schumann, Brahms, Fauré, Hugo Wolf 238, Duparc, Tchaikovsky, Mahler y Ricardo Strauss, con textos de grandes poetas alemanes, ses y rusos (Ver biografías más adelante) . La ópera en Italia

A su vez el Drama Lírico u ópera continúa desarrollándose intensa y agresivamente, sobretodo en Italia, hasta alcanzar el gran éxito en las obras de Gioachino Rossini239(1792-1868), el mayor genio cómico de su época, con una serie de obras ingeniosas como La Italiana en Argelía (1813), La Cenicienta (1817), Semirántide (1823) y otras, pero muy particularmente por su obra maestra El Barbero de Sevilla, que data de 1816, escrita en trece días y revisada años después . Rossini destaca también en el manejo de la instrumentación y la dinámica de la orquesta . 237) Que duda cabe que la nueva y excelsa microforma vocal se debe, en gran parte, a la excelente poesía romántica alemana que surge en el siglo XIX Le siguen en importancia creativa del género, Francia y Rusia . 238) Hugo Wolf (1860-1903) compositor autriaco inmortalizado por sus canciones o lieder. Escribía con rapidez, haciendo gala de una gran variedad de estados de ánimo y de intensidad emocional llegando inclusive hasta el humor irónico . Escribió también alguna música instrumental : Piezas Pata piano, Cuarteto rana cuerdas en re urenor ; el poema sinfónico Panthesilea, la ópera El Corregidor, etc . 239) Rossini, hijo de un trompetero de Pésaro que demostró talento musical desde su niñez . A los 14 años tocaba con gran destreza la viola así como el corno y el clavecín . Su producción operística fue asombrosa; en término de 20 años escribió 39 óperas . Bien se ha dicho que Rossini es "el maestro que de lo trivial hizo obras maestras" . Su fama fue tan enorme que en 1823, con apenas 31 años de edad, se registran 23 óperas suyas en escena al mismo tiempo en diferentes ciudades de Europa . Escribió también un conocido Stabat Mater (1842), una Pequeña Misa Solerme (1864) y unas piezas para piano que denominó Pecados de mi vejez . Rossini murió en 1868, en París, donde fue altamente apreciado . Fue sepultado en el cementerio Pene Lactmise . No obstante, el Gobierno Italiano solicitó que su cuerpo fuese trasladado a la Iglesia de la Santa Cruz en Florencia donde permanece hasta hoy . En la instrumentación de Ros sini llaman particularmente la atención sus originales crescendos . Una lista completa de su obra aparece en el Apéndice B de la citada biografía de Osbome .


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Discípulo del compositor alemán Johann Simon Mayr (1763-1845) autor de unas setenta óperas aproximadamente, Gaetano Donizetti (1797-1848) oriundo de Bérgamo se estrena como operista en 1818, hasta llegar a producir la sorprendente cantidad de 67 óperas en las que incorporó la acción dramática seria dando inicio a un impactante realismo teatral con obras como Anna Bolena (1830) que lo lanzó por toda Europa, a la que siguieron muchas otras como Elixir de amor (1832), Lucia de Lammermoor (1835), La Hija del Regimiento (1840) La favorita (1840) etc ., y su alegre ópera bufa Don Pasquale estrenada en Viena en 1843 . Por último, Vicenzo Bellini (1801-1835) miembro de una familia con tradición musical y de la nobleza siciliana, educado en el Conservatorio de Nápoles, alcanzó su primer gran éxito con El Pirata lanzada en La Scala de Milán en 1827 . El más sublime y poético de los tres, autor de apenas 9 óperas, entre las que sobresalen La Sonámbula (1831), Norina (1831) su obra cumbre, y Los Puritanos (1835) escrita para el Teatro de los Italianos en París . Se le considera el gran maestro de la melodía .

La ópera en Francia En Francia, donde el género había quedado casi exclusivamente en manos de compositores italianos surge nuevamente con las obras de : Auber (1782-1871) uno de los zapadores de la ópera cómica, alumno de Cherubini, autor de unas 40 óperas en total, varias con libretos del célebre Eugene Scribe . Su mayor éxito lo alcanzó con La muda de Porticci de 1828, aunque Fra Diavolo (1830) no le va en zaga en popularidad hasta hoy. Fue director del Conservatorio de París desde 1842 hasta su muerte y Maestro de Capilla de Napoleón III . Giacomo Meyerbeer (1791-1864) cuyo nombre original es Jacobo Libermann, de origen alemán, de formación musical italiana con Muzio Clementi, aunque estudió también con Zelter (maestro de Mendelssohn) y el abate Vogler, después de lo cual se fue a Italia a enriquecer sus conocimientos por recomendación de Salieri, donde alcanzó su primer éxito con Romilda e Constanza en Padua en 1817 lle-

2 5 0 -JAIME INGRAM JAÉN gando a ser uno de los compositores más populares de Italia en pocos años . Después de permanecer algún tiempo en Berlín y Venecia se estableció definitivamente en París en 1826, donde descartó su identidad musical italiana para transformarse en un compositor netamente francés en estilo, alcanzando en el término de 25 años un ingreso superior a los cuatro millones de francos con las presentaciones de sus grandes dramas Roberto el Diab102 10 (1831), Los Hugonotes (1836), El Profeta (1849) y particularmente su obra maestra, La Africana . Meyerbeer se transformó no solo en el más conocido compositor de óperas de su época sino en el mayor exponente de la ópera en el estilo s . Aunque su obra se caracterizó por su acción, fuerza dramática, virtuosidad orquestal, pomposidad, grandes escenas de ballet, etc ., ha perdido actualidad para caer casi en el olvido absoluto . Le siguen : Herold (1791-1833) del Conservatorio de París y ganador en 1812 del Premio de Roma, muy aplaudido en su momento con la ópera Zampa (1831) ; Halévy (1799-1862) ganador también del Premio de Roma en 1819, quien alcanzó inmenso éxito con su ópera La Judía . Fue profesor de armonía, contrapunto y fuga en el Conservatorio de París, formando compositores como Gounod y Bizet, entre otros ; Adam (1803-1856) autor de casi 50 óperas, hoy día totalmente olvidadas, cuyos éxitos le llevaron a merecer la legión de honor, la mayor condecoración del Gobierno francés así como la membresía del prestigioso Instituto de Francia . El poco apreciado en su tierra Héctor Berlioz (1803-1869), el de la célebre Sinfonía Fantástica, autor de las óperas Benvenuto Cellini, La Condenación de Fausto, Los Troyanos en Cartago, Beatriz y Benedicto, etc ., es considerado por algunos autores como el mayor operista de Francia . Le sigue Charles Gounod (1818-1893) particularmente con sus tres grandes dramas líricos : Fausto, Mireille y Romeo y Julieta acogidas siempre con inmenso éxito . Fausto constituye, desde hace años, la obra emblemática del Palacio Gamier, Teatro de la ópera de París . A continuación el compositor y excelente pianista, Camille 240) Con esta ópera Meyerbeer logra crear la grand opera que Auber había iniciado con La Muda de Portini.


Saint-Saëns (1835-1921), autor de la conocida Sansón y Dalila, seguido muy de cerca por George Bizet (18381875)241 ganador del Prix de Rome tras obtener los Primeros Premios de piano, órgano y fuga, respectivamente en el Conservatorio, con su obra maestra Carteen (1875), eslabón significativo del verismo, la más importante ópera sa del siglo XIX junto con Fausto de Gounod . Verdi y Wagner Dos colosos dominaron ampliamente el firmamento de la ópera romántica, ellos son, Giuseppe Verdi (18131901) y Ricardo Wagner (1813-1883) . El primero italiano, el segundo alemán, nacen el mismo año y los dos se dedican casi que exclusivamente al drama lírico. Mientras Verdi se caracterizó por una personalidad generosa, simpática y desprendida, Wagner fue a través de toda su vida un personaje egocéntrico, egoísta y prepotente . No obstante ambos poseían el "fuego sagrado" de la creación y trabajaron intermitentemente logrando producir una impresionante obra . Tanto Verdi como Wagner fueron recompensados con el éxito y el reconocimiento universal 242 . ( Ver las biografías de cada uno más adelante) . Otros operistas significativos Otros significativos compositores de óperas son : von Weber 243 , aclamado como el primer compositor genuinamente romántico, precursor directo de Wagner, 241) Bizet además de la ópera Carmen, escribió Los Pescadores de Perlas (1863) así como una bella Sinfonía en do . 242) Es interesante señalar que en ocasión del centenario de la muerte de Verdi, el 27 de enero de 2000, el director de la Staatsoper, loan Holender, al presentar en rueda de prensa el denso programa que el teatro lírico de Viena había preparado en homenaje a Verdi declaró : "es sin dudo el compositor de ópera rnás importa te de todos los tiempos" . La programación incluyó la representación de 12 grandes óperas del compositor italiano . 243) La obra de Weber, muy vasta, comprende entre muchas otras : Dos Sinfonías, Dos Conciertos para piano y orquesta, un destacado Ko nzerstuche para piano y orquesta (que rompió con la forma tradicional del concierto), 4 Sonatas para piano, 6 Escocesas, Concierto para clarinete y orquesta, Quinteto con clarinete y cuarteto de cuerdos, composiciones para diferentes instrumentos, 58 Heder y otros, 12 Cánones, Cantatas, Misas, Pinas, con Variaciones, piezas para cuatro manos, etc .

2 5 2 - JAIME INGRAM JAEN creador de la ópera nacional alemana, con Abu Asan, La

Preciosa, Der Freischütz (El Cazador Furtivo), Euryanthe y Oberón ; el ruso Mussorgsky, con su impresionante Boris Godunov; el francés Massenet, autor de aplaudidos dramas líricos como Manon, Werther y Thais ; los italianos Leoncavallo, con Los Payasos y Mascagni, con la popular Cavallería rusticana, y sobretodo, Giacomo Puccini, autor de poderosos dramas líricos como Manon Lescaut, La Bohéme, Tosca, Madama Buterfly y Turandot, revelán-

dose como verdadero y digno sucesor de Verdi (ver biografía más adelante) .

Claude Debussy y Ricardo Strauss autores de imponentes como importantes dramas líricos abren las puertas a las novedades más avanzadas que trae consigo el siglo XX (ver biografías respectivas al final del capítulo) . El primero, francés, con su magnífica ópera Pelleas y Melisanda y el segundo alemán con sus impresionantes dramas Salomé y Electra, entre otros, así como su deliciosa comedia El Caballero de la Rosa . Los compositores ingleses

Es interesante constatar que Inglaterra, tan vanguardista y productiva musicalmente en épocas anteriores 24 ", semejante a España en ese sentido, no muestra compositor alguno de relevancia durante el clasicismo vienés ni en el siglo romántico, al margen del mencionado irlandés John Field (1782-1837) aplaudido pianista creador del Nocturno, William Sterndale Bennet (18161875) tan apreciado por Schumann y del ingenioso Arthur Sullivan (1842-1900) compositor de operetas escritas en colaboración con el humorista Sir William S . Gilbert, cuyos parlamentos rápidos, inspirados en los clásicos diálogos hablados o recitativos, especie de trabalenguas, constituyen uno de sus mayores atractivos . No obstante dos compositores ingleses, de la segunda mitad del siglo XIX, Edward Elgar (1857-1954), 244) Nos referimos a los compositores de la época isabelina y no a Hándel, que es tan inglés cono españoles han sido Bocherini o Domenico Scarlatti, muy a pesar de los éxitos alcanzados en Londres .


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autodidacta, mayormente conocido por las Variaciones sobre un terna original "Enigma" (1899) y el Oratorio El sueño de Geronte (1900), así como Frederick Delius (1862-1934), con una extensa obra orquestal, además de un conocido Concierto para piano y un Réquiem, han alcanzado nombre fuera de Inglaterra . En Ralph Vaughan Williams (1872-1958), dotado de una sólida preparación cultural, discípulo de Max Bruch en Berlín aunque muy inspirado en melodías populares inglesas, encontramos a una interesante figura, autor de una rica obra con 9 Sinfonías, Suites, varios Conciertos con solistas y orquesta (Concierto para violín, Concierto para oboe, Concierto para tuba, etc.) colección de Canciones, Fantasías para orquesta (entre ellas la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis y la Fantasía "greensleeves" para media flauta, arpa y orquesta), diversas obras corales, una Misa en sol menor, un Magnificat, un Tedeum, la Cantata "Dona Nobis Pacein" de 1936, música para órgano, música de cámara, etc . Gustav Holst (18741934) discípulo de Charles Stanford, (uno de los zapadores junto don Hubert Parry de la nueva música inglesa) en Londres, conocido casi exclusivamente por la suite orquestal Los Planetas escrita en 1916 ; Cyril Scott (1879-1870), nacido en el último cuarto del siglo XIX, autor entre otras obras de canciones, conciertos, sonatas, obras orquestales, una cantata y una ópera El alquimista . Fue discípulo de Ivan Knorr y muy dado a la teosofía y al ocultismo, con un idioma "comático, exótico, místico e impresionista" que le valió el título de "el Debussy inglés" . Intermediario entre Vaughan Williams y Walton, egresado del Royal Academy of Music, ganador en 1931 de la Medalla de Oro de la Royal Philarmonic Society (Real Sociedad Filarmónica de Londres) es el compositor Arnold Bax 245 (1883-1953) autor de una obra que aunque romántica e inspirada en elementos populares célticos se expresa con un idioma contemporáneo . Entre 245) Bax dejó su autobiografía intitulada en Londres en 1943 .

Farewell ray Youth,

publicada

2 5 4 - JAIME INGRAM JAÉN su obra, Variaciones Sinfónicas (Concierto para piano y orquesta), Sonata para viola y piano, Mater ora Filium, Sonata para viola y arpa, Sinfonía N ° 1, Noche de mayo en Ucrania (para piano), 4 Sonatas para piano, 3 Sonatas para violín y piano, 2 Sonatas para violonchelo y piano, 3 Cuartetos de cuerdas, varios Quintetos, Concierto para la mano izquierda, Concierto para violín, 7 Sinfonías, varios poemas para orquesta además de varios ballets, obras vocales y composiciones para diferentes filmes, etc ., probablemente la más popular sea el poema para orquesta Tintagel . En 1.941 después de haberle concedido el título nobiliario de Sir la corona inglesa le nombró Master of the King's Music . El último compositor significativo inglés nacido en el siglo XIX es Arthur Bliss (1891-1975) egresado de la Universidad de Cambridge y del Royal College of Music donde fue alumno de Wood, Stanford y Vaugham-Williams, dejando una obra apreciable entre la cual son más conocidas : Sinfonía de los colores (1922), Héroes de la mañana (1930), Música para cuerdas Op . 54 (1935), Concierto para piano y orquesta (1938), Meditaciones sobre un tema de John Blow (1955), Concierto para violín y orquesta (1955), Concierto para violonchelo y orquesta (1970) etc . Escribió también varios Ballets, entre ellos Checlanate (1937), Miracle in the Gorbals (1944) y Adanl Zero (1946), música para el cine y dos óperas . Nacidos en el siglo XX sobresalen : Sir William Walton (1902-1983) con un lírico y conocido Concierto para violín y orquesta dedicado al brillante virtuoso Jascha Heifetz, además de varias Sinfonías, Oberturas, Variaciones sobre un terna de Hindemith, etc ; Constant Lambert (19051951), quien fuera director, de 1928 a 1947, del Ballet Sadler Wells de Londres ; Michael Tippet (1905-1998) con un idioma más contemporáneo que el anterior, autor de varios Conciertos con solistas, Sinfonías etc ., así como de varias Sonatas para piano, A Child of Our Time (1941), dos óperas : El matrimonio de verano (The Midsummer Marriage, de 1952) y The King Priani de 1962 . El compositor contemporáneo más prestigioso y prolifero de Inglaterra, es Benjamín Britten (1913-1976),


quien estudió composición con Frank Bridge y luego con John Ireland en el Royal College of Music, excelente pianista, a quien la corona británica honró con el título nobiliario, "Lord de Aldeburgh" . Su obra abarca exitosamente todos los géneros : varias óperas, entre ellas una bella como ingeniosa ópera para niños intitulada Hagamos una ópera (ver lista de óperas al final del libro), y muy particularmente su ópera en 3 actos Peter Grimes de 1945 y música religiosa con el gigantesco Réquiem de Guerra para soprano, tenor, barítono, gran orquesta, una orquesta de cámara, coro mixto, coro de voces blancas y órgano ; obras sinfónicas (muy conocidas son sus

Variaciones y Fuga sobre un terna de Purcell, Op . 34) ; Conciertos (entre los que está la Burlesca para piano y orquesta), Tema con Variaciones, para la mano izquierda Op . 21, la Cello Symphony, etc ; Ciclo de canciones, composiciones para diferentes instrumentos; música de cámara (entre ella 4 Cuartetos para cuerdas) ; Balada Escocesa para dos pianos y orquesta, Sonata para violonchelo y piano, 3 suites para violonchelo solo, Suite para violín y piano, Suite para arpa, la espléndida Guía para la enseñanza de los instrumentos de la orquesta (The Young Person's Guide to the Orchestra), etc .

Para el quinto centenario de la Universidad de Basilea compuso su Cantata Académica. Los postrománticos

A los compositores nacidos entre 1850 y 1875 se les suele clasificar como postrománticos . Son aquellos cuyas obras pese a ser ajenas a los postulados de los compositores llamados nacionalistas (ver más adelante) no participan, tampoco, de las innovaciones musicales que caracteriza al movimiento impresionista francés . Se trata en el fondo de un complejo período de transición representado en todo su esplendor en la obra de Gustav Mahler y Ricardo Strauss . Estos dos maestros de la orquesta lograron mantenerse alejados de la expresión romántica tradicional, constituyendo un núcleo típicamente germánico, semejante a lo que sucederá también con el colosal pianista italiano Ferrucio Busoni (1866-1924) y con el alemán Max Reger (1873-1916), tan inspirados a su vez en las técnicas contrapuntísticas barrocas .

25 6 - JAIME INGRAM JAÉN Desarrollo de la orquesta y la música sinfónica Después del espléndido sinfonismo de la Escuela de Mannheim así como el de Haydn, Mozart y particularmente Beethoven, la orquesta toma nuevo impulso en las obras de Héctor Berlioz, el más conspicuo sinfonista y operista francés de la primera mitad del siglo XIX246 además de enriquecer tan significativamente el arte de la instrumentación ; Schubert, con 8 Sinfonías y 8 Oberturas ; Schumann con 4 Sinfonías, 4 Oberturas de concierto y un extraordinario Concierto en la menor para piano y orquesta ; Mendelssohn, con 5 Sinfonías, Oberturas de concierto, un célebre Concierto para violín y orques-

ta, 2 Conciertos para piano y orquesta y 2 Conciertos para dos pianos y orquesta ; Liszt con 13 Poemas Sinfónicos, además de la Sinfonía Fausto y 2 Conciertos para piano ; Bruckner, con 11 Sinfonías (dos incompletas) ; Brahms, con 4 Sinfonías, 2 Oberturas sinfónicas, Variaciones Sinfónicas, 2 Serenatas, un Concierto para violín, un Doble Concierto para violín y violonchelo, 2 Conciertos para piano y orquesta, etc . ; Mahler con 10 Sinfonías (una incompleta) y Canción de la Tierra (ciclo de canciones con orquesta, tenor y alto) entre otras obras con orquesta ; Tchaikovsky con 7 Sinfonías (incluyendo Manfredo), 6 Suites orquestales, 11 Poemas Sinfónicos, Oberturas, 3 Conciertos para piano y orquesta (entre los cuales el primero en si bemol menor es probablemente la obra más popular que existe para piano y orquesta), un Concierto para violín, y las Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta ; Ricardo Strauss con Las Aventuras de Till, Así Habló Zaratustra, Don Quijo-

te, Vida de Héroe, Sinfonía Doméstica, Sinfonía Alpina, Burlesca para piano y orquesta, Concierto para violín y orquesta, etc ., además de las obras para orquesta de Saint Saëns 242 : 3 Sinfonías, varios Poemas sinfónicos (entre ellos 246) Fue Berlioz, también, al mugen de las 4 Sinfonías programáticas que escribió, el inventor de la "idea fija", cono signo dramático y estructural, reino los que enlazan los diferentes movimientos de su Sinfonía Fantástica, sugiriendo la forma cíclica desarrollada posteriormente por Liszt, Wagner y Franck . 247) Considerado el más universal de los compositores de su generación .


La Danza Macabra), 5 Conciertos para piano, 3 Conciertos para violín y orquesta, así como La Habanera e Introducción y rondo caprichoso, 2 Conciertos para violonchelo, etc ; César Franck : Sinfonía en re menor, varios poemas sinfónicos, las Variaciones Sinfónicas para piano y orquesta, etc ; Chausson : Sinfonía en si bemol, Poema para violín y orquesta, varios Poemas sinfónicos, etc ; D'Indy : la Trilogía Sinfónica basada en el Wallenstein de Schiller, el poema dramático El Canto de la Campana, la Sinfonía sobre un canto montañés francés, la Segunda Sinfonía en ni¡ bemol 2 n, Istar, etc ; Bizet : Sinfonía en do, y la música incidental La Arlesiana ; Rimsky Korsakov : 3 Sinfonías, varios Poemas sinfónicos y oberturas, el Concierto para piano, el Capricho español, la suite Scheherazade, etc; Borodin : 3 Sinfonías, las escenas sinfónicas En las estepas del Asia Central, etc ; Balakirev : Oberturas, Poemas sinfónicos, Concierto para piano y orquesta, etc ; Dvorak : 9 Sinfonías, Poemas sinfónicos, Oberturas, el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para piano y orquesta ; Grieg, con varias Suites y el popular Concierto en la menor para piano y orquesta ; Smetana, con su trilogía de Poemas, la Sinfonía Triunfal así como los 6 Poemas Sinfónicos entre los que se encuentran Mi Patria y El Moldova; el finlandés Sibelius, con 7 Sinfonías, las Escenas históricas, Finlandia, otros poemas sinfónicos como La hija de Pohjolas, Las Oceánicas, etc ., y el popular Concierto para violín y orquesta . El Oratorio y la música religiosa El gran maestro del Oratorio del siglo romántico es Mendelssohn, quien, dentro de la más estricta tradición de Hándel, Haydn y Beethoven 2", escribió la Sinfonía Cantata (Canción de Gracias), San Pablo, Noches de Valpuria y su más importante oratorio, Elías, que tanto éxito le produjo en Londres . Le siguen los pasos : Spohr con El Juicio Final; Berlioz con La Condenación de Fausto y La Infancia de Cristo ; Schumann con El Paraíso y la Peri catalogado como el mejor oratorio seglar del romanti248) Considerada la mayor obra sinfónica sa después de la Fantástica de Berlioz. 249) Quien con, Cristo en el Monte de los Olivos, escribió el primer gran oratorio del siglo XIX .

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cismo . El propio autor consideraba que era su obra mejor lograda; Liszt, con Santa Isabel y Cristo; Elgar con El sueño de Gerónte, etc. Entre las obras de fondo religioso del siglo XIX se encuentran, entre otras : las 7 Misas y los 2 Stebat Maters de Schubert; el Te Deuni y el Requiem de Berlioz; la Misa en re menor de Cherubini ; la Misa Húngara de la Coronación de Liszt ; la Misa en do menor de Schumann; el Réquiem Alemán de Brahms; el Te Deun; anglicano (1832), los Salinos, Lauda Sion y los Motetes para voces femeninas y órgano, de Mendelssohn; el Tantum Ergo, Pater Noster, el Requiem y Quattro pezzi sacri, de Verdi ; el Te Deunl y las Misas, de Bruckner ; el Réquiem de Fauré ; las Beatitudes de Franck, etc . Instrumentos dominantes

El piano reclama al violín la supremacía en los escenarios para transformarse en un instrumento dominante tanto para el compositor (prácticamente todos los compositores del período románticos fueron excelentes ejecutantes del piano) como para la burguesía en general y la literatura para ambos instrumentos alcanza niveles trascendentes de virtuosismo particularmente en las obras de Paganini y Liszt, respectivamente, amén de los conciertos con orquesta, sonatas, música de cámara y demás obras de los grandes compositores del período .

Escuelas Nacionales

Dentro de la dinámica del siglo XIX apareció, a mediados de la centuria, el llamado movimiento nacionalista que no fue otra cosa que el resultado lógico de los sentimientos político-nacionales que se hizo presente en el continente europeo y que se extendió a todo lo largo y ancho de nuestra América . Dicho movimiento se caracterizó por el énfasis muy particular que ciertos compositores dieron a los elementos étnicos de sus países respectivos, acudiendo al patrimonio popular e incorporándolo en sus obras, pretendiendo con ello minimizar toda y cualquier influencia foránea y escribir con características originales e identificables desde el punto de vista regional . Se trata

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de un concepto radicalmente opuesto a lo que hasta ese entonces se había considerado, precisamente, como una de las prerrogativas más genuinas del arte de la música, el mensaje o carácter universal de la obra de un compositor, que le permitía una comunicación igualmente clara con cualquier público, sea de donde fuere . La diferencia sutil entre el compositor nacionalista y el no nacionalista, aunque de carácter nacional, es que el primero planea intencionalmente expresarse a través de sus elementos telúricos, mientras que el segundo no puede evitar hacerlo porque dichos elementos hacen parte de su personal identidad cultural . El nacionalismo fue el arma que esgrimieron algunos compositores para hacerle frente a la aplastante influencia de sus colegas germánicos, específicamente Beethoven, Wagner, Bruckner y Brahms . Es preciso observar que los movimientos nacionalistas 250 en música tomaron cuerpo sólo en aquellos países que hasta el momento no habían logrado construir un acervo musical propio en virtud de lo cual vuelven sus ojos a los valores vernaculares para encontrar en su propia tierra los elementos necesarios para alcanzar una expresión musical con sabor original, particularmente en el drama lírico . Estos países, que constituyen principalmente el perímetro continental europeo, fueron : Rusia, con Mili Balakiref (1837-1910), Alejandro Borodin (1833-1887), Cesar Cui (1835-1918), Modesto Mussorgsky (1839-1881) y RimskyKorsakov (1844-1908), quienes conformaron el llamado "grupo de los cinco" 25' o °la comuna", talentos excepcionales y aficionados, muy inspirados en el mensaje musical 250) Sobre el controversial terna es recomendable la densa obra de Rudolf Rocker, Nacionalismo y Cultura, Ediciones Imán, Buenos Aires, 1942, así cono el ensayo de Alejo Carpentier, América Latino en la confluencia de coordenadas históricas y su repercusión en la inúsica, publicado en América Latina en su música, Relatora Isabel Aretz,

UNESCO, Siglo Veintiuno Editores, México 1977 . 251) Balakirev originalmente estudiante de matemáticas decide dedicarse a la música después de conocer a Glinka y Dargominsky ; Borodin auxiliar de química egresado de la Academia de Medicina de la Universidad de Berlín ; Cui, militar de carrera que llega a general ; Mussorgsky, descendiente de una antigua familia rusa fue miembro de la Guardia Imperial e ingeniero de aguas y bosques ; Korsakov de familia aristocrática hizo la Escuela de Marina en San Petersburgo hasta llegar a alférez de navío . Todos llegan a ser compositores reconocidos .

260 - JAIME INGRAM JAEN nnacional ruso de Mijail Glinka252 (1804-1857) y Alejandro Dargominski (1813-1869) ; España, con Isaac Albéniz (1860-1909) y Enrique Granados 53 (1867-1916) ; Bohemia, actualmente República Checa, con Bedrich Smetana` (1824-1884), creador de la Escuela Nacional de música, y su ilustre sucesor Antonin Dvorak (1841-1904) junto con Leos Janácek (1854-1928) autor de un número plural de óperas :

Jenufa, La Zorra Astuta, El Caso Makropulos, Desde la casa de los muertos, etc ., así como obras corales, piezas para piano, piezas para órgano, obras para orquesta (Taras Bulba, Sinfonietta, etc .) y Bohuslav Martinu (1890-1959) discípulo de Suk y Roussel, autor de óperas (Juliette, El Matrimonio, La Pasión griega (inspirada en Kazantsakis) etc ., ballets, el oratorio La Profecía de Isaías, 6 Sinfonías, 7 Cuartetos para cuerdas, obras para piano : 4 Conciertos con orquesta, 4 Concertinos (entre ellos uno para la mano izquierda), un Concierto para dos pianos y orquesta, etc . ; Noruega, con Eduardo Grieg (1843-1907) 255 ; Finlandia, con Jean 252) Glinka es considerado el padre de la música rusa . Su ópera La Vida por el Zar marcó el comienzo de la música clásica rusa liberada de la influencia italiana y alemana . Otro tanto se puede decir del brillante pianista y compositor Dargominski con su obra maestra Russalka . El mentor de "los cinco" fue Balakirev el único músico profesional del grupo ya que todos fueron, corno quedó dicho, talentosos y valiosos autodidactas . No obstante entre las óperas rusas destacan Boris Godunov (1874) de Mussorgski y Príncipe Igor (1890) de Borodin, conocida como Ivan Susanin durante el período socialista. 253) El mentor de ambos y padre del nacionalismo español fue Felipe Pedrea (1841-1922) autor, entre otras obras, de la trilogía sinfónica Los Pirineos (1891), del ensayo Por nuestra música y varios trabajos lexicográficos como el Diccionario técnico de la música, Cancionero musical popular español (4 Veis .), etc . 254) Smetana, compositor checo y excelente pianista dejó una obra fértil e interesante, entre ellas, la ópera, La novia vendida, varios poemas sinfónicos como, Mi país, mejor conocido con el nombre alemán, Die Moldau (El Moldavia), así como un bello Cuarteto de Cuerdas . Tuvo una vida trágica ya que fue sordo como Beethoven y terminó demente como Schumann y Hugo Wolf. 255) He aquí un compositor que, con una obra poco difundida, supo crear un estilo musical genuinamente noruego . Estudió en el Conservatorio de Leipzig y luego en Copenhagen bajo la dirección de Niels Gade . Sus obras más significativas sea : las dos suites Peer Gynt, el Concierto para piano y orquesta en ta menor, 3 Sonatas para violín y piano, sus Heder, las Danzas norueguesas y una Marcha fúnebre escrita en Roma en homenaje a su discípulo, Richard Nordraak, joven y talentoso compositor, desaparecido prematuramente, que fue ejemplo y modelo para él .


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Sibelius (1865-1957) e Inglaterra, con Edward Elgar (1857-1934) . Todos estos compositores buscaron deliberadamente en el folklore de sus países de origen los materiales temáticos, melódicos, rítmicos y armónicos que utilizaron en sus obras . Es interesante constatar que contrario a lo que había sucedido hasta entonces en Rusia y otros países eslavos, cuyo patrimonio popular era poco conocido en el resto de Europa, la música popular de España, donde las danzas y ritmos son tan exuberantes y agresivos, era ampliamente conocida y sirvió de pauta inspiradora a muchos compositores de otras latitudes . Y así vemos que, Glinka escribe en 1845 Recuerdos de una noche de verano en Madrid, y tres años después el Capriccio brillante sobre el tenla de una jota Aragonesa ; el compositor francés Eduardo Lalo (1823-1892) se hace célebre con su Sinfonía española (1875) que rápidamente queda incorporada en el repertorio de todo virtuoso del violín ; el propio Bizet se inspira en un personaje español, y hace uso de una serie de ritmos ibéricos en su ópera Carmen ; Chabrier adquiere fácil nombre internacional con su poema sinfónico España emulando el éxito del Capricho Español (1887) del compositor ruso Rimsky Korsakov y como si lo anterior no fuera suficiente, Debussy escribe su bella obra orquestal Iberia (la segunda pieza del cuaderno de Innágenes), así como Lindaraja para dos pianos, y Ravel escribe la ópera en un acto La Hora Española, Pieza en forma de Habanera y Rapsodia española para orquesta, además de su célebre Bolero . Últimos nacionalistas

Dicen la última palabra en las tendencias nacionalistas de Europa pero con idiomas propios del siglo XX : Bela Bartok (1881-1945) y Zoltan Kodály (1882-1967) en Hungría, así como George Enesco (1881-1955) en Rumania, Vaughan William (1872-1958), en Inglaterra, Manuel de Falla (1876-1946) en España y Aram Kachaturian (1903-1978) en Armenia . Lejos de congraciarse con un folclorismo romántico y banal, como generalmente sucede con algunos compo-

2 62 -- JAIME INGRAM JAÉN sitores ingenuos, incapaces de crear algo original e interesante, sea por falta de una preparación académica, sea por la ausencia de verdadero talento creativo, Bartok llevó a cabo un trabajo inédito, profundo y depurado, inspirado en el estudio de la música popular magiar, en el que se impone una poderosa fuerza creadora . La personalidad de Bartok se trasluce desde sus primeras composiciones para piano hasta sus grandes obras escénicas como El Castillo de Barba Azul (1911) o El Mandarin Milagroso (1919), pasando por su difícil Sonata para dos pianos y percusión (1937) o en su formidable segunda versión de 1940 para dos pianos y orquesta, o simplemente sus Cuartetos para cuerdas, transformándose en una de las grandes creaciones de la primera mitad del siglo XX . Junto a su contemporáneo y amigo, el compositor Zoltan Kodály, recopiló cerca de 13 .000 canciones y danzas húngaras, rumanas, búlgaras, eslovacas, árabes y turcas, trabajo que se podría comparar con el que realizaron, Héctor Villa Lobos (1887-1959) en Brasil, George Gershwin (1898-1937) en Estados Unidos y Carlos Chavez (1899-1978) en México"' . Compositor muy particular (rechazado radicalmente por los denominados "puristas" y "exquisitos" de la música), eminente pianista y director de orquesta quién goza de envidiable popularidad y demanda en todos los centros musicales del mundo, es el ruso Sergio Rachmaninoff (1873-1943), que sin ser un modernista en el sentido cabal de la expresión es un romántico sentimental en pleno siglo XX . Concluyó sus estudios con altos honores en el Conservatorio de Moscú en 1892, en la clase de piano de Siloti, contrapunto y fuga con Taneiev y composición con Arensky . Su ópera en un acto, Aleko, le hizo acreedor de la "medalla de oro", producida con gran éxito en el Teatro Bolshoi en 1893 . Fue director de orquesta de la ópera de Marmontov y director del Bolshoi de 1904 a 1906 . Viajo por todo el mundo como gran pianista . Su obra para piano, difícil, efectiva 256) El compositor checoslovaco Leos Janácek (1854-1928) tan original y audaz, había realizado un trabajo semejante con el folclor moravo treinta años antes .


y irablemente bien escrita, es honrada por todos los grandes ejecutantes así como sus Sinfonías y Conciertos para piano por todos los directores de orquesta sin distingos de nacionalidad . Su obra comprende, entre otras cosas : 3 Sinfonías ; los poemas sinfónicos, La Isla de

los Muertos y La Roca ; 3 Danzas Sinfónicas ; 4 Conciertos para piano y orquesta ; Rapsodia sobre un Tema de Paganini, para piano y orquesta, etc . Música de cámara : 2 Suites para dos pianos ; Romanza y Danza Húngara para violín y piano ; Sonata para Violonchelo y piano, etc . Para piano : 6 Momentos musicales Op . 16 ; Variaciones sobre un tema de Chopin, Op . 22; 2 Sonatas, Ops . 28 y 36 ; 2 Ciclos de Preludios (1903 y 1910) ; 3 Ciclos de Etudes-Tableau, Op . 33 y 39 ; Variaciones sobre un tema de Corelli, Op . 42 ; Piezas para 4 manos, una serie de Transcripciones, etc . Para voces : Serie de Canciones ; 6 Coros; Liturgia de San Juan Crisóstomo ; Misa de tarde; Primavera cantata para barítono, coro y orquesta ; Las Campanas (basado en un poema de Poe) cantata para solistas, coro y orquesta ; Cantos populares rusos, etc ., tres óperas : Aleko (basada en Pushkin), El Caballero avaro (basada también en Pushkin) y sca da Rimini . En

Rusia se ha creado un Concurso Internacional de piano Sergio Rachmaninoff, pese a que su música, al ser tildada de "burguesa" durante el régimen socialista fue totalmente prohibida de ejecutarse durante muchos años .

Valga la ocasión para señalar que es verdaderamente sorprendente que dos rusos, con raíces culturales de igual procedencia, influenciados prácticamente por los mismos maestros, entre ellos Glinka, Rimsky Korsakov y Mussorgsky, con una impecable y muy semejante preparación académica, casi coetáneos y contemporáneos entre si (con apenas 9 años de diferencia), como son Rachmaninoff e Igor Stravinsky, hayan resultado tan radicalmente distantes en sus respectivos idiomas y conceptos creativos . En nuestro continente, particularmente en Iberoamérica, salvo honrosas excepciones, el acervo musical está terminando su etapa nacionalista, lo que en Europa fue superado casi una centuria atrás . El mayor baluarte

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de la Escuela Nacionalista en América, es el ya mencionado brasileño Heitor Villa Lobos 257 (1887-1959) . (Ver biografía más adelante) El Impresionismo :

La expresión "impresionismo" nació de una ocurrencia crítica del periodista francés Louis Leroy, con la finalidad explícita de ridiculizar un cuadro de Manet, que representaba un amanecer, que el pintor le había puesto por título Irnpresión . Surge de ahí uno de los movimientos más importantes y originales de la historia del arte y sin duda el más importante de Francia en los últimos cien años . El movimiento, que tuvo lugar en París a finales del siglo XIX, no era otra cosa que una reacción natural contra los principios de la pintura clásica, romántica y realista, una rebeldía contra la academia, contra el arte oficial de los salones, a la vez que una atracción irresistible por el aire libre, la luz, el sol y sobretodo por un nuevo concepto y estilo pictórico que terminó por conocerse como Inlpresionisrrto . Aunque el origen del movimiento es el arte pictórico, sus enfoques y novísimos postulados estéticos no se hicieron esperar en la música y así el derroche de colores se transformó en el multitonalismo armónico rompiendo drásticamente con los principios tradicionales de la ciencia de la armonía mientras que la liberación de peso, densidad y solidez de los cuerpos se tradujo en una polirítmia serena y ligera, a la vez que la mera sugerencia de los objetos a través de manchas multicolores se muestran musicalmente en combinaciones sonoras brumosas y opacas dando lugar a imágenes delicadamente borrosas con melodías estáticas y armonías difuminantes cual formas etéreas en constante evolución y cambio . Los mayores baluartes del impresionismo musical son los ses, Claude Debussy (1862-1918) y 257) Para información biográfica ver Música en América poco inás adelante.


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Maurice Ravel (1875-1937) 151 , consumados e inspirados maestros, particularmente en el arte de la instrumentación y orquestación . Aunque ambos constituyen dos grandes figuras del impresionismo y de la creación musical de comienzos del siglo XX, Debussy y Ravel son, en el fondo, dos compositores con diferencias muy marcadas y precisas . En efecto, "lo que en Debussy son contornos etéreos, en Ravel es línea precisa, cincelada, casi clásica ; lo que en Debussy es surco en el agua, ondulación, niebla, es en Ravel transparencia, desnudez, piedra labrada ; y si Debussy es un poeta, Ravel es un epigramista, un mago, o, como decía Stravinsky, "un relojero suizo" . Por otro lado, "si Debussy es el gran revolucionario de la forma y la armonía, Ravel es el orquestador más formidable del siglo"' . (Ver ambos, en Breves Biografías, más adelante) . Es interesante observar que los compositores ses resistieron la influencia musical del sinfonismo germánico con las ideas de] movimiento impresionista, genuinamente francés, sin tener que recurrir a elementos vernaculares de última hora, como los llamados compositores nacionalistas . Otros compositores impresionistas

Hacen parte también del espíritu impresionista : el francés Paul Dukas (1865-1935) tan conocido por su poema sinfónico El aprendiz a Brujo y su ópera Ariana y Barba Azul ; los españoles Isaac Albéniz (1860-1909), par258) Musicalmente hablando las obras de estos compositores responden a progresiones armónicas muy coloristas, rodeadas de una particular penumbra sonora, que no es otra cosa que el resultado del uso de ciertos acordes, intervalos de quintas o cuartas paralelas y consecutivas, enriquecidas por melodías estáticas, sin momentos culminantes, rodeadas de una combinación de sonidos muy particulares y originales . Aunque Debussy rechazó siempre el término, su obra se transformó de inmediato en el impresionismo musical por antonomasia . En su música, los matices (nuances) reemplazan las exposiciones explícitas y la sugerencia toma el lugar de cualquier declaración clara y tajante . 259) Luis Ignacio Helguera, La Música Contcniporánea, Tercer Milenio, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, primera edición, México, 1997 .

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españoles Isaac Albéniz (1860-1909), particularmente interesante por la Suite Iberia para piano, la obra para piano más importante creada en España ; Enrique Granados (1867-1916) con la ópera Goyescas y sus Piezas para piano ; Manuel de Falla 2o0 (1876-1946) con los ballets El Amor Brujo y El Sombrero de Tres Picos así como la extensa Fantasía Bética para piano y Noche en los Jardines de España para piano y orquesta ; por último Federico Mompou (1893-1987) con sus delicadas miniaturas para piano y la Suite canipostelana para guitarra; el inglés Frederick Delius (1862-1934) de raíces alemanas, autor de una vasta obra, entre la que se destacan sus Poemas sinfónicos ; el ruso Alexander Scriabin (1872-1915) con su famoso "acorde místico", personalidad interesante y a veces desconcertante, por las armonías y los conceptos avanzados de su obra que la hacen pertenecer por entero al siglo XX, pese a haber fallecido en 1915 261 . Basta constatar la diferencia radical que hay entre sus 12 Estudios Op . 8 y los 8 Estudios Op . 42, o Op . 49, Op. 56 y los tres Op . 65, así como el adelanto armónico que demuestra en cada una de sus Sonatas para piano y sus poemas sinfónicos ; y el italiano Ottorino Respighi (1889-1936), conocido más bien por sus poemas sinfónicos, Los Pinos de Roma, Las Fuentes de Rana y Los Pájaros, obra, esta última, inspirada en una pintura de Botticelli. Que duda cabe de que el emblemático compositor iberoamericano, Heitor Villalobos, se expresa también dentro de un idioma con fuerte sabor impresionista sazonado con la rítmica y el colorido exótico de la húmeda y misteriosa selva tropical . Barba Azul; los

El grupo de los seis Inmediatamente después de la primera conflagración mundial la nueva creación musical, y artística en general, esgrime su tradicional pujanza en París . Dentro de esa espléndida efervescencia de nuevos talentos, se consolidó, en la propia capital sa, una reacción 260) De Falla es muy conocido también por sus óperas La Vida Breve, El Retablo de Maese Pedro (para títeres), el Concierta para clavícembalo y orquesta de cámara y las Siete Canciones populares españolas . 261) Algo semejante se puede decir de Erik Satie que nace en 1866, seis años antes que Scriabin, aunque le sobrevive diez años .


contra los postulados impresionistas, preconizada por lo que se llamó el "grupo de los seis", constituido por : Germaine Tailleferre (1892-1983), Luis Durey (18881979), George Auric (1899-1983), Arthur Honegger (1892-1955), Francis Poulenc (1899-1963) y Darius Milhaud (1892-1974) . Este grupo de compositores respondió, en un principio, a los originales conceptos enunciados por el iconoclasta Erik Satie 262 (1866-1925), personalidad bohemia e irreverente, típica de la belle epoque, figura señera de la escuela sa moderna de composición, alrededor de la cual se reunieron los llamados "nueva juventud", origen del "grupo de los seis" creado en 1920 . De este grupo los mas significativos han sido : Honegger, Poulenc y Milhaud . Arthur Honegger 263 , es autor de una obra sobria, poderosa, bien construida, entre ella, el salmo dramático en forma de oratorio con recitativo, El Rey David (1921) ; Pacific 231 inspirada en una locomotora de factura estadounidense (1923), el Movimiento Sinfónico (1924), el Concertino para piano y orquesta (1924) ; los oratorios Judith (1925) Juana de Arco en la hoguera (1935) La danza de los muertos (1938), etc ., el drama lírico Antígona con texto de lean Cocteau ; 5 Sinfonías, con rico colorido orquestal, entre ellas la impresionante Sinfonía Litúrgica (1946) ; Edipo Rey, música incidental para la obra homónima de Sófocles (1952) y su última obra, Una Cantata de Navidad (1953) para barítono, voces blancas, coro mixto, órgano y orquesta . Durante la última guerra mundial Honegger fue profesor de composición en la Escuela Normal de Música de París . El parisino, Francis Poulenc, radicalmente opuesto a Honegger en estilo, y que con ciertas obras bien po262) Satie, pianista del cabaret El Gato Negro (Chat No¡¡, ) en París, entronizó la estética del rrrusic-hall . Fue alumno tanto de d'Indy cono de Roussel . 263) Es interesante su pequeño libro, Yo soy compositor, versión castellana publicada en Ricordi Americana, Buenos Aires, 1952, en el que comenta sus experiencias como compositor.

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dría encuadrarse dentro de una quasi música de salón neo clásica, con armonías politonales, graciosas y agradables, a veces triviales, como sus piezas para piano, Mouvements perpetuels (1918) o el Presto, dedicado a su amigo y gran pianista Vladimir Horowitz . Más interesantes son, sus Canciones, la Misa en sol (1937), Cuatro Motetes (1939), la Gran Sonata para dos pianos en cuatro movimientos (1953) ; el Stabat Mater (1951) sus óperas, El Diálogo de los Carmelitas (1956) con texto de Bernanos y La voz humana (1958), la Sonata para flauta y piano (1957), el Gloria (1960) etc . Otras obras conocidas son : Concierto para dos pianos y orquesta (1932), el Concierto para órgano y orquesta (1938), la Sonata para oboe y piano, etc . Poulenc gozó del don ex-

cepcional de la melodía que siempre sobresale sin dificultad tanto en su obra vocal como instrumental . El más celebrado y flexible del grupo, haciendo uso de ritmos latinoamericanos de Cuba y Brasil como del jazz estadounidense, ha sido Darius Milhaud . Provenzal de nacimiento, discípulo de Gedalge, d'Indy, Dukas y Widor, autor de una extensa obra, que siempre le surgió con excepcional facilidad, abarca todos los géneros musicales en diferentes estilos, incursionando, inclusive, por las más diversas innovaciones del siglo XX : 15 Sinfonías, la Suite Proteo (1918), 24 Conciertos para diferentes instrumentos solistas con orquesta ; más de 150 Canciones, 18 Cuartetos para cuerdas, los ballets : El Toro sobre el Tejado (1919) con texto de Jean Cocteau, La Creación del Mundo (1923) de ambiente negro africano y jazz264 como idioma musical, adelantándose un año a Rapsodia en blue de Gershwin; sus óperas y mini-óperas, Agamenón, Las Coéforas, Europa, Ariadna, Thesus, Las desdichas de Orfeo, Medea, Maximiliano, Bolívar, David (en cinco actos), El Pobre Marinero, etc ., y la más ambiciosa de todas con texto de Paul Claudel, Cristóbal Colón de 1928 . Son también muy conocidas sus Suite provenzal (1936) y Suite sa (1944), la Obertura Filarmónica 264)

Milhaud quedó impactado con las sesiones de jazz que escuchó en Londres, en 1920, y en Harlem en 1922 donde escuchó el auténtico jazz de Nueva Orleans, to que constituyó una "verdadera revelación", para 61, según sus propias palabras .


(una de las varias obras encomendadas por la Filarmónica de Nueva York para la inauguración del Lincoln Center for the Performing Arts), Asesinato de un Gran Jefe de Estado (obra encomendada por la Sinfónica de Oakland en memoria del asesinado presidente John F. Kennedy) para orquesta ; la suite Scaramouche (1937) para dos pianos así como su obra para piano solo, Saudades do Brasil (1921) . A Milhaud le interesó particularmente la obra para gran orquesta tanto como las composiciones de carácter religioso, entre las que figuran, Servicio Sagrado para el Sábado (1947) y lo que es más irable aún, Pacem in Terris, de 1963, sobre la Encíclica del Papa Juan XXIII, a pesar de su ascendencia judía . Ha sido también un excelente maestro de composición en el Conservatorio Superior de Música de París, pese a sufrir de una violenta artritis que le obligó a permanecer durante varios años en una silla de ruedas lo cual no fue óbice para dirigir sus obras con grandes orquestas tanto de Europa como de Estados Unidos en su calidad de director invitado . Nuevos estilos

Es propio, dentro del decorrer de la historia del arte en general, que tan pronto un concepto y estilo creado alcanza su pleno desarrollo, aparezca otro, innovador y opuesto, que eventualmente ocupará su lugar, con la única diferencia de que en los últimos años estos cambios se producen con mayor rapidez, como en todos los aspectos de la ciencia y la tecnología . Así vemos que el concepto impresionista, con todos sus postulados innovadores es reemplazado por el concepto expresionista en poco menos de medio siglo . Aún así es evidente que cada nuevo estilo conlleva permanentemente micro elementos de estilos anteriores enriqueciéndose intermitentemente unos a otros aunque pasan desapercibidos para los oídos no iniciados .

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BREVES BIOGRAFÍAS Franz Schubert (1797-1828) Compositor austriaco . 261 Nació y murió en Viena, ciudad en la que pasó la mayor parte de su vida . En su corta como simple existencia (fue siempre pobre) tuvo pocos reconocimientos sin haber ocupado nunca una posición oficial importante, semejante a lo que le sucedió a Mozart. Pese haber sido un alma sencilla y tímida su obra es sorprendentemente madura desde temprana edad . Escribió un poco más de 600 canciones artísticas o lieder (entre ellas : el Ave María y la célebre Serenata) con letra de grandes poetas como Goethe, Heine, Klopstock, Novalis, Ossian, Petrarca, Schiller, Shakespeare y Walter Scott, entre otros . La mayoría de dichas canciones están agrupadas en ciclos entre los que son particularmente conocidos, La Bella Molinera y La jornada de Invierno ; el ciclo intitulado Schwanengesang o Canto del cisne no es original del autor ; responde a la decisión de su editor vienes, Haslinger, de reunir arbitrariamente en una sola publicación todas las canciones inéditas encontradas después de la muerte del compositor . Schubert es considerado el mayor compositor de este género, aunque escribió también obras para diferentes instrumentos y géneros. Entre sus composiciones para piano sobresalen las 21 Sonatas, las Danzas (unas 300), los 6 Momentos musicales, las Escocesas, los 4 Impromtus Op . 90 266 y los 4 Improintus Op . 142, 47 Marchas, Fantasías entre ellas la Fantasía Wanderer (El Caminante), 10 Polonesas, Temas con variaciones, etc ., así como su rica obra para piano a 4 manos, entre la que sobresale la lírica Fantasía en fa menor. Su Música de cámara es abundante : 2 Tríos con cuerdas y 4 Tríos con piano, 15 Cuartetos de cuerdas, Quintetos (entre ellos los conocidos, La Trucha y La Doncella y la

265) La biografía de Sclwbert por George Marek puede encontrarse en Javier Vergara Editor S .A ., México, 1986 . 266) Se considera que fue el compositor checo (Bohemia) J . Vorzischek (1791-1825) quien introdujo el Irupronflu, como sinónimo de pieza lírica, en la literatura musical, con sus Inrpromhrs Op . 7.

ORIENTACIÓN MUSICAL - 2.71

un Octeto, etc. Para orquesta dejó Oberturas, 10 entre ellas la conocida como Inconclusa, (Incluyendo la llamada Sinfonía Gastein cuya partitura permanece perdida)267 y diversas Marchas militares . Escribió también, 6 Misas y diferentes obras de carácter religioso, entre ellas dos Oratorios (Canto 'Triunfal de Miriam y Lázaro que quedó sin terminar. Entre sus obras escénicas (15 Singspiele) está la ópera Rosamunda268 Schubert, murió a la temprana edad de 3laños, y es junto a Mozart y Mendelssohn uno de los compositores más prolíferos de la historia . Muerte), Sinfonías

Luis Héctor Berlioz (1803-1869) Compositor francés", hijo de un médico de Grenoble quien lo orientó en su instrucción y cultura general . Dominó la guitarra y desde muy joven empezó a componer para pequeños grupos de cámara . Fue a París en 1821 para hacer estudios de medicina los que interrumpió para dedicarse de lleno a la música que dio como resultado una ruptura con su familia . Alumno de Lesueur, Reicha y Cherubini, progresó con sorprendente rapidez al punto de escribir, en poco tiempo, su Misa de San Roque . Estudió asiduamente, según sus propias palabras, las partituras de Weber y Beethoven . En 1830 se apasionó por la actriz inglesa Harriet Smithson que gozaba de gran cartel en París ; ese mismo año compone la Sinfonía Fantástica que estrenará en diciembre de ese año. Acto seguido parte a Italia con el Prix de Rome 267) En 1825 Schubert escribió la Sinfonía Gastein (escrita en la ciudad de Gastein, Tirol) que sería la octava, ordinal que ocupa en estos momentos la llamada Inacabada o Inconclusa . Se cree que el Gran Dúo, Op . 140 para piano es un arreglo de la Gastein . 268) El musicólogo Alfred Einstein, en su libro sobre Schubert, cuenta que la partitura de su ópera más bella, Cloudine ven Villa Belln fue usada, en 1848 por unos sirvientes, para encender un fuego y sólo se salvó uno de sus tres actos . 269) Ver Berlioz de Hugh Macdonald, en Javier Vergara Editor S .A ., Buenos Aires, 1989 . Es recomendable el ejemplar en gran formato dedicado a Héctor Berlioz lanzado por la revista de arte Argentina ARS, 1968, N° 106, en el que participaron, con diversos artículos, distinguidas personalidades del arte y de la música .

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(Premio de Roma) que se había adjudicado por su obra

Sardanápalo . Regresó a París en 1832, con los manuscritos de La Captive, Lelio (que haría parte de la nueva versión de su Sinfonía Fantástica) y las oberturas El Rey Lear, Rob Roy y El Corsario . Ese mismo año contrae

matrimonio con la Smithson con quien no será nada feliz . De 1834 a 1840 realiza una rica producción que comprende, entre otras obras : Haroldo en Italia (1834) para viola y orquesta 27°, Gran Misa de Muertos (1837), la gran ópera Benvenuto Cellini, la Sinfonía Fúnebre y Triunfal, Op . 15; la sinfonía con coros Romeo y Julieta Op . 17 (1839), algunas Cantatas y Canciones, el Tedeum Op . 22 obra monumental para tenor, tres coros, orquesta, banda de metales y órgano ; así como la leyenda dramática La Condenación de Fausto, Op . 24 (1846), etc . En 1837 hace crítica musical para la Revue el Gazette Musicale, demostrando gran capacidad en el oficio ; Saint Saéns lo consideró el "primer crítico musical de su época" . En 1844 publica su célebre Tratado de Instrumentación y Orquestación moderna, al que añadió luego como suplemento, El Director de Orquesta . En 1847 hizo un viaje a Rusia donde fue muy bien recibido . En 1852 fue nombrado bibliotecario del Conservatorio de París, lo que le brindó la oportunidad de estudiar las partituras de los grandes maestros lo que constituyó la fuente principal de su instrucción musical, según declara en sus Meniorias 271 . En 1855 contrajo nuevas nupcias con la cantante Martín Recio, quien le dio un hijo que murió en un naufragio . Al morir su esposa, y poco después su hijo (1865), su vida se transformó en una agonía de soledad y abandono . Dos años después hizo un segundo viaje a Rusia donde lo esperaba "el grupo de los Cinco" . Berlioz murió en París en 1869 . Otras obras importantes son, el oratorio La Infancia de Cristo, Op . 25 (1854); El 270) Obra encomendada, ni más ni menos que por Paganini, quién esperaba, en realidad, un Concierto para violín, por la que pagó la sorprendente supra de 20.000 francos oro . 271) Existe una excelente versión castellana en Editorial Schapire, Buenos Aires, Argentina, 1945 .


Carnaval Romano ; la gigantesca ópera, en dos partes, Los Troyanos` y Los Troyanos en Cartago, que le tomó tres largos años, y por último la ópera cómica Beatriz y Benedicto, inspirada en la obra de Shakespeare, Much Ado about Nothing (Mucho ruido y pocas nueces), cuya

primera audición, bajo su dirección, tuvo lugar en el año 62 . Viajó reiteradas veces por Alemania, Rusia, e Inglaterra donde fue aclamado triunfalmente, en contraste con Francia donde el público le fue indiferente y hostil por muchos años . Su aportación a la música sinfónica ha sido significativa : fue el creador de la idee fixe (idea fija) como elemento dramático y estructural; enriqueció el arte de la instrumentación y fue el artífice de la formulación del poema sinfónico . La Sinfonía Fantástica escrita a sólo tres años de la desaparición de Beethoven, trajo consigo muchos elementos que se constituirán en un patrimonio del arte sinfónico del siglo XIX . Félix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) Compositor alemán", excelente pianista, organista y director de orquesta . Fue un hombre de gran talante y personalidad, miembro de una familia acaudalada y de intelectuales, residentes en Berlín . Fue hijo de un culto y próspero banquero . Su abuelo Moisés Mendelssohn, filósofo prestigioso, es autor de una clásica traducción al alemán del Pentateuco en la que aparece la más antigua descripción autorizada de los instrumentos musicales judíos . Fue director del Conservatorio de Leipzig en 272) Inspirada en Le Eneldo de Virgilio y cuya primera presentación integral sólo se realizó en Alemania en 1890 . Es interesante tener presente que la Revolución sa creó una reacción negativa de cara al género operístico, que recordaba a los revolucionarios el "antiguo régimen", dando lugar a la creación de himnos cívicos con los cuales colaboraron Méhul, Gossec, Leseur, Catel y otros . En 1792 Rouget de l'Isle, militar de formación y músico aficionado, hallándose en Estrasburgo escribió el "Canto para el Ejército de! Rin, en 1792, marcha vigorosa y enaltecedora, conocida como La Marsellese, actual himno de la República de Francia . De Lisle escribió después varias marchas y canciones como La Revolución del 9 Ther,uidor. 273) En la Editorial Schapire S .R.L ., colección Los Grandes Músicos, se encuentra la versión castellana de la obra de Stephen S . Stratton, Mendelssolin, su vida y su obra, Buenos Aires, 1960 .

2 74 - JAIME INGRAM JAÉN 1843, excelente aficionado al dibujo y niño prodigio, tanto en la composición como en la ejecución del piano . A la edad de 17 años compuso su célebre obertura Sueño de una Noche de Verano, inspirada en la obra homónima de Shakespeare 274 . Viajó mucho, particularmente a Inglaterra, país que constituyó su segunda patria y en donde fue ampliamente aplaudido . Su obra para piano es vasta : 48 Canciones sin Palabras, 2 Conciertos, y varias otras obras con orquesta, 6 Preludios y Fugas, Andante y Rondo Caprichoso, Temas con Variaciones (entre ellos las magníficas Variaciones Serias), Sonatas, Scherzos, Piezas Infantiles . 3 Caprichos, 7 Piezas Características, etc ., 2 Conciertos para dos pianos y orquesta, etc ; Para orquesta escribió 5 Sinfonías, algunas con títulos como Primavera, La Escocesa, La Italiana275 , La Reformación, además de las 15 Sinfonías para cuerdas, que datan de su juventud, Oberturas (entre ellas la ya mencionada Sueño de una Noche de Verano, así como Las Hébridas o La Cueva de Fingal), un conocidísimo Concierto para violín en mi menor ; abundante como excelente música de cámara entre Tríos, Cuartetos, Quintetos, Sexteto con piano, Octeto, etc . Para órgano escribió importantes Sonatas y Conciertos, infundiéndole una nueva presencia al "instrumento rey" un tanto olvidado desde el período barroco . Entre sus oratorios son conocidos, San Pablo (1834) y Elías (1846) . Escribió así mismo, Salmos, Música escénica o Incidental para Antígona, Edipo en Colona, Athalie ; La Primera noche de Walpurgis, obra maestra con texto de Goethe, etc ., y más de 70 Canciones (Lieder), con textos de diferentes poetas

alemanes . Mendelssohn fue gran amigo de Goethe, Chopin, Liszt, Auber, Rossini y Meyerbeer . Fue director de la prestigiosa Orquesta de Gewandhaus de Leipzig (creada en 1781), con la que presentó, en 1829, en primera audición pública, la Pasión Según San Mateo de Bach, así como la primera audición de la Sinfonía en do de 274) Mendelssohn amplió la obra más adelante añadiéndole, entre otras partes, la célebre Marcha nupcial que ha servido de fondo musical a millones de parejas en su ceremonia matrimonial . 275) De las sinfonías de Mendelssohn la Escocesa y la Italiana son las que gozan de mayor popularidad .


Schubert . En 1837 contrajo matrimonio con Cécile Jeanrenaud, de ascendencia hugonote, bella y elegante mujer que le dio varios hijos . En 1843 inauguró y dirigió el Conservatorio de Leipzig . La muerte de su hermana Fanny, en 1847, le afectó profundamente y falleció pocos meses después . Roberto Schumann (1810-1856) Compositor alemán276 . En 1832 fue obligado a abandonar la carrera de pianista por haber sufrido parálisis en el tercer dedo (y no en el cuarto como siempre se repite) de la mano derecha . Hizo estudios de filosofía y leyes . Después de mucha oposición por parte de su futuro suegro, el profesor de piano Friedrich Wieck (17851873) contrajo matrimonio con su hija la gran pianista Clara Wieck 27 en 1840, constituyendo un matrimonio amoroso, fértil e inmensamente feliz . En 1854 tuvo que ser hospitalizado en un sanatorio de enfermos mentales en donde murió . Su obra para piano es una de las más conceptuadas de todo el repertorio, entre las que se conocen mucho : Variaciones Op . 1, Papillons Op . 2, Estudios

sobre un tema de Paganini, Op . 3, Variaciones sobre un tema de Clara Schumann, Op . 5, Las Danzas de David, Op . 6, Tocata Op . 7, Allegro en si menor Op . 8, Carnaval Op . 9, Estudios sobre Caprichos de Paganini, Op . 10, Sonata en fa sostenido Op . 11, 8 Piezas de Fantasía Op . 12, Estudios Sinfónicos Op . 13, Escenas Infantiles Op . 15, Kreisleriana Op . 16, Fantasía en do Op . 17, Arabesca Op . 18, Hojas de Album Op . 19, Humoresque Op . 20, Noveletas Op . 21, Sonata en sol menor Op . 22, Visiones Nocturnas Op . 23, Carnaval de Viena Op . 26, Escenas del Bosque Op . 82, Andante con Variaciones para dos pianos, Album para la juventud, etc. Para Orquesta : 4 Sinfonías (Primavera, Renana, Manfredo), Concierto para piano en la menor Op . 54, Concierto para vio276) La versión castellana de la biografía de Schumann, por Ronald Taylor, ha sido editada por Javier Vergara Editor S.A ., Buenos Aires, 1987 . 277) Además de gran pianista Clara fue una apreciable compositora . Son conocidas sus Canciones, el Concierto para piano y orquesta Op . 7, los 3 Preludios y Fugas Op . 16, el Trío Op . 17 y las Variaciones sobre un tras de Schumauu Oµ20 .

2 76 - JAIME INGRAM JAÉN lín y orquesta (ejecutado por primera vez en 1937), Concierto para violonchelo y orquesta, etc . Música incidental para el Manfredo de Byron y Fausto de Goethe, etc . Música de cámara : 3 Tríos, 3 Cuartetos de cuerdas, Cuarteto con piano, Quinteto con piano, etc . Unas 138 canciones, género en el que

se le considera sucesor de Schubert con muy importantes ciclos, tales como : Amores del Poeta y Vida y Alcor de Mujer . Música escénica : La cantata, El Paraíso y la Peri, El Peregrinaje y la Rosa, así como la ópera Genoveva en la que, semejante a Wagner, empleó intensamente el leitmotiv . Schumann fue también excelente crítico musical y ensayista de calidad para los que usó diferentes seudónimos, como Florestan, Eusebio y Maestro Raro . Escribió un interesante opúsculo intitulado Consejos Musicales para la juven-t8a2us7dícomnleiódpzascort pian que denominó Piezas para la Juventud . La obra para piano de Schumann es, sin lugar a dudas, una de las más cotizadas dentro de la mejor literatura pianística . Frederic Francois Chopin (1810-1849) Compositor polaco279 y gran pianista, aunque según él mismo confesaba, contrario a Liszt, el escenario prácticamente lo petrificaba . Hizo sus estudios en Varsovia y a partir de 1831 residió permanentemente en París . Su vida estuvo muy ligada a la excéntrica novelista sa George Sand280 (cuyo nombre real es Aurore Dudevant) relación que duró casi 11 años y que lo marcó profundamente . Fue un excelente músico, muy severo desde el punto de vista creación e interpretación, así como bastante retraído socialmente hablando, aunque como hombre fino y de buen gusto fue siempre irado y acogido con entusiasmo en los salones más ciegan278) Sehumann, Consejo a los jóvenes estudiantes de nnisica, Ricordi Americana, Buenos Aires, 1957 . 279) La versión castellana de la conocida biografía de Chopin por el musicólogo francés Bernard Gavoty se encuentra en Javier Vergara Editor S .A ., Buenos Aires, 1987. 280) Ver Gorge Sand, Historia de mi Vida, Compañía General Fabril Editora, Buenos Aires, 1960 . El relato de George Sand sobre su viaje a Mallorca con Chopin, iln Invierno en Mallorca, escrito en 1855, está traducido al castellano y publicado en Ediciones La Cartuja, Palma de Mallorca, España, 1975 .


tes de París . Su obra, casi exclusivamente para piano, comprende : Berceuse, Preludios, 21 Nocturnos, 12 Estudios

Op . 10 y 12 Estudios Op . 25, 3 Estudios independientes, 3 Sonatas (en la segunda de las cuales está la conocida Marcha Fúnebre, como tercer movimiento), 19 Valses, 3 Escocesas, 15 Polonesas, 4 Scherzos, 51 Mazurkas, 4 Baladas, Barcarola, 4 lmpromtus, 2 Conciertos para piano y orquesta, las variaciones La ci darem la mano, para piano y orquesta; varios Rondós

(uno en Do Mayor para 2 pianos) . Menos conocidas son la Sonata para violonchelo y piano, el Trio para violín, violonchelo y piano así como sus Canciones polacas arregladas por Liszt para piano solo . Mientras Schumann utilizó títulos extra musicales para sus obras de piano (carnaval, escenas infanti-

les, escenas del bosque, papillon, carnaval de Viena, kreisleriana, etc), Chopin usaba términos que describen el tipo de composición, como, polonesa, rondó, scherzo, mazurka, preludio, estudio, nocturno, balada, impromtu, etc. Murió de tuberculo-

sis pulmonar en París a la temprana edad de 39 años . Su funeral constituyó un multitudinario acontecimiento artístico y social, celebrado en la Iglesia de la Madelaine de París. Según su deseo su corazón fue trasladado a Polonia y reposa en la iglesia de la Santa Cruz de Varsovia . Semejante a Bellini fue un extraordinario creador de bellas melodías . Por otro lado su novedosa técnica pianística así como sus originales efectos sonoros, influenciaron poderosamente, junto con la obra de Liszt, toda la literatura del piano de la segunda mitad del siglo XIX y parte del siguiente . Su obra pianística es probablemente, dentro del repertorio del piano, la más ejecutada en las salas de conciertos . Franz Liszt (1811-1886) Compositor húngaro` excepcional pianista y personalidad . Su padre, intendente de los dominios del príncipe Esterhazy, excelente melómano, le inició en el piano . Extraordinario niño prodigio, alumno de Czerny y personaje muy considerado desde joven en los mayores centros artísticos e intelectuales de Europa . Desde 281) La biografía de Franz Liszt de Atan Walker, en tres volúmenes, publicada por la Cornel University Press, Ithaca, Nueva York, está entre lo más completo que se ha escrito hasta hoy sobre el compositor y su obra .

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sus 15 años se le consideró el mayor pianista del siglo . Con una inmensa capacidad de trabajo, después de una vida plena de triunfos, homenajes y apasionadas aventuras amorosas, en 1865 tomó hábitos menores y se alejó de la vida social y artística . Ayudó generosamente, en la medida de sus posibilidades, a muchos compositores, entre ellos, Schubert, Saint-Saéns, Wagner, Grieg, Delius, y Berlioz. Siendo director musical de la corte, entre 1848 y 1858, hizo de la ciudad de Weimar un centro artístico significativo, centro que continuó visitando anualmente, aún después de su retiro como virtuoso, para atender las clases de perfeccionamiento pianístico de los numerosos alumnos que le llegaban de todos los países, inclusive de América . En 1861 se instaló en la ciudad de Roma . En 1871 el Gobierno Húngaro lo honró con el título de Consejero real. En 1873 se celebró en Budapest el cincuentenario de su excepcional carrera artística y dos años después fue nombrado presidente de la Academia de Música Húngara creada aquel mismo año . En julio de 1886 se trasladó a Bayreuth para asistir a una de las representaciones de las óperas de Wagner"' donde, después de un enfriamiento que coge en el tren en que viajaba, contrajo una enfermedad mortal y muere ocho días después . Fue enterrado en el cementerio de Bayreuth . Liszt es, junto con Berlioz, el creador del Poema Sinfónico (Los Preludios, Orfeo, Hamlet, Sinfonía Dante, Fausto, etc .) su obra para piano, muy prolífera, comprende, entre otras cosas : la Sonata

en si menor, 12 Estudios Trascendentales, 6 Grandes Estudios de Concierto, 6 Grandes Estudios de Paganini, Fantasía quasi Sonata, Armonías Poéticas y Religiosas, Años de Peregrinaje, 20 Rapsodias Húngaras, 6 Consolaciones, 12 Cuadernos de Ejercicios técnicos, 3 Nocturnos (originales para voz y piano, entre los cuales es particularmente conocido el llamado Sueño de Amor), 3 Valses de Mefisto, 3 Sonetos de Petrarca, Gran cantidad de Transcripciones y paráfrasis, de obras de otros com-

positores, tanto de arias operísticas como de canciones ; el Concierto Patético y Fantasías para 2 pianos, etc ., Misas, 282) Ricardo Wagner fue casado con Cósima, hija de Liszt, quien fue a su vez casada en primeras nupcias con el pianista Hans von Bulow, también célebre director de orquesta . Cósima dejó un interesante diario publicado por vez primera hace apenas 20 años .


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Oratorios (Santa Isabel y Cristo, una de sus grandes obras corales) ; más de 70 Canciones (con texto en francés, alemán, italiano, húngaro e inglés), dos Conciertos para piano y orquesta, Danza de la muerte para piano y orquesta, etc. Aunque tuvo una vida sentimental agitada, solo dos mujeres tuvieron particular importancia para él : la escritora sa "Daniel Stern" cuyo nombre real es Marie d'Agoult, condesa de Flavigny, quien le dio tres hijos (Daniel (18391859), Blandine (1833-1863) y Cósima (1837-1930), y la princesa Carolyna Sayn Wittgenstein, cuyo nombre de soltera es Carolyna Ivanovska, con quien no pudo desposarse por impedimento explícito del Vaticano . La obra pianística de Liszt hace gala de un virtuosismo nunca alcanzado hasta entonces, y su cromatismoz" 3 armónico influenció a muchos compositores entre ellos al propio Wagnerz" y al ruso Scriabin . Richard Wagner (1813-1883) Compositor alemán" dedicado casi exclusivamente al drama musical (ópera), género en el cual no tuvo paralelo en su país. El mismo, además de la partitura musical, escribió sus libretos y creó su propia escenografía . Fue autor de diversos ensayos sobre música y temas políticos, además 283) No obstante el cromatismo no es exactamente un descubrimiento de los compositores del siglo XIX . Se sabe que en la música de la antigua Grecia el cromatismo constituyó un elemento importante, aunque después fue poco utilizado en las composiciones de la Edad Media, probablemente por el desconocimiento, a la sazón, de un sistema exacto de afinación instrumental . De ahí que las notas no diatónicas (a excepción del si bemol) en la Edad Media pertenecían a lo que se denominó música ticta, en contraposición a la llamada músico recta, Ejemplos de cromatismo muy anterior al siglo romántico, son algunos madrigales de los italianos Constanzo Festa (c.1480-1545), Luca Marenzio (1553-1599), y muy particularmente el príncipe de Venosa Carlo Gesualdo (ca .1561-1613) e inclusive el gran Monteverdi . Otro tanto se puede decir de la espléndida Fantasía Cromática y Fuga de Bach . No sin cierta razón se ha dicho que durante la Edad Media existió un arte cromático secreto. 284) Es interesante saber que el poema sinfónico Los Preludios, de Liszt, constituyó un modelo de instrumentación para el propio Wagner desde la primera vez que vio la partitura . 285) La versión española de la enjundiosa biografía de Martin GregorDellin, de Wagner, se encuentra publicada en dos volúmenes, en Alianza Editorial, S .A ., Madrid, 1983 . La de Ronald Taylor, autor así mismo de las biografías de Schumann y Liszt, se puede encontrar en Javier Vergara Editor S .A ., Buenos Aires, 1987 .

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de director de orquesta . Su mecenas y protector, el excéntrico monarca, Luis 11 de Baviera, construyó un Teatro en su honor, exclusivamente para la representación de sus dramas musicales, en el que se llevan a cabo hasta hoy los célebres Festivales de Bayreuth (Alemania) . Sus óperas más conocidas`, son: Rienzi, El Buque Fantasma, Tannahü, Lohengrin, Tristán e Isolda (probablemente el drama más intenso de Wagner, inspirado en una vieja leyenda celta, un poema de amor, sufrimiento y muerte que anuncia la descomposición del sistema tonal clásico), El Anillo del Nibelungo, tetralogía inspirada en leyendas nórdicas, que comprende : El Oro del Rin, La Valkiria, Sigfrido y El Ocaso de los Dioses . Otras de sus óperas, son, Los Maestros Cantores y Parsifal . De personalidad compleja y muy controversial, fue el creador de lo que se denomina leitmotiv o tes generador (reminiscencia temática, melódica, armónica o rítmica, con la que se sugiere al oyente algo que no se ve, sea personaje, lugar o idea) así como la llamada melodía infinita, que pareciera no tener cadencia final . La riqueza plástica y el denso tejido armónico que caracteriza el estilo orquestal de Wagner, marcó un hito profundo e importante en la historia de la música . Pocos compositores han influenciado a las generaciones siguientes en forma tan decisiva como Wagner . De 1849 a 1852 escribió una serie de ensayos y artículos, entre ellos : Arte y Revolución (1849), La obra de Arte del futuro (1850), y el más importante de todos Opera y Drama (1851.), así como la diatriba El Judaísmo en la Música . Existen además otros artículos 287 286)

Wagner dudó mucho sobre los ternas que utilizaría en sus drama s, si históricos o mitológicos . Esbozó algo sobre Federico I, e inclusive sobre Jesús de Na-inreth . A la postre se decidió por la leyenda . 287) En nuestro idioma se han publicado varias colecciones, entre ellas : Escritos y Confesiones, con un ensayo introductorio de Ernst Bloch, Editorial Labor, S .A., Barcelona, 1975 ; Novelas y Pensamientos (Músicos, Filósofos y Poetas), F . Sempere y Comp ., Editores traducción de Blasco Ibáñez, Valencia (sin fecha) ; Correspondencia de WagnerLiszt, Colección Austral Espasa Calpe, Argentina, 1947 ; Epistolario a Matilde Wesendonk, Colección Austral, Esposo Calpe, S .A ., Buenos Aires, 1947 . Es interesante el ensayo de Thonras Mann, intitulado Richard Wagner y la Música, publicado en Plaza & Janes Editores, S .A . Barcelona, 1986 . Existe así mismo una bella edición castellana de las memorias del compositor, intitulada Mi Vida, ricamente ilustrada, en Ediciones de Nuevo Arte Thor, Barcelona, 1977.


cortos sobre Palestrina, Bach, Haydn, Mozart, Gluck, Weber, Berlioz, etc . Giuseppe sco Verdi (1813-1901) Célebre compositor italiano288 de óperas, género en el que fue sorprendentemente prolífero y tan importante como Wagner . Sus obras se llevan a escena en todos los teatros de ópera del mundo, siempre con renovados éxitos . Entre sus óperas tenemos : Nabucco, Macbeth,

Rigoletto, El Trovador, La Traviata, Sinión Bocanegra, Baile de Máscara, La Fuerza del Destino, Don Carlos, Luisa Miller, Aida, Otelo, Falstaff etc . Las dos últimas las escribió des-

pués de haber cumplido 70 años de edad . Escribió también un conocido Réquiem, en memoria del poeta Manzoni ; un Te Deum, un Stabat Mater, Laudi alía Vergine Maria, etc . así como algunas obras instrumentales poco ejecutadas . Como representante típico de la cultura italiana del siglo XIX Verdi fue un importante personaje histórico 2 '9 que vivió apasionadamente los acontecimientos políticos de su época; llegó inclusive a ser elegido diputado, posición que ocupó entre 1860 y 1865 . Fue un artista muy querido, irado y honrado por sus contemporáneos y colegas . Murió en Milán a la edad de 88 años colmado de gloria . Recordando las palabras de Lang, podríamos decir que con Verdi, última gran figura de la ópera italiana, casi se extingue el rico y noble linaje operístico que arrancó con Monteverdi y se extendió con Puccini 290 . César Auguste Franck (1822-1890) Compositor de origen belga 297 y célebre organista . Fue niño prodigio y alumno particular de Anton 288) Ver biografía de Verdi, por George Martin publicada en Javier Vergara Editor, Buenos Aires, 1984 . 289) Su propio nombre, Verdi, los realistas italianos lo utilizaron políticamente, en su lucha contra los austriacos, con un significado muy particular : Victor Emanuel Rey De Italia, cuyas primeras letras de cada palabra constituyen su apellido, a manera de acróstico. 290) La Música en la Civilización Occidental, de Henry Lang, EUDEBA, Buenos Aires, 1963, Pág . 731 . 291) Existe traducción castellana de la breve biografía de Cesar Franck por lean Clausse, publicada en Espasa-Calpe, S .A . Madrid, 1980 .

2 8 2 - JAIME INGRAM JAÉN Reicha . En 1838 obtuvo el Primer Premio de Piano del Conservatorio Nacional de Música de París, en las clases de Zimmermann ; en 1839 el Segundo Premio de Contrapunto ; en 1840 el Primer Premio de Fuga y en 1841 el Segundo Premio de órgano . A partir de 1843 fijó residencia definitiva en París . En 1872 sucedió a su maestro Benoit en la cátedra de órgano del Conservatorio de París . Entre sus alumnos, quienes le apodaban el Pater Seraphicus, sobresalen : Vincent d'lndy, Lekeu, Chausson, Bordes, Duparc 292 y Pierné . Su obra comprende, entre otras, una conocida Sonata para violín y piano, la Sinfonía en re menor, los oratorios : Ruth, La Torre de Babel y Las Beatitudes ; los Poemas Sinfónicos : El Cazador Maldito, Psyché, y Les Djins . Composiciones para piano : 64 Piezas cortas, Preludio Aria y Final, Preludio Coral y

fuga, Preludio, Fuga y Variación, Variaciones Sinfónicas

para piano y orquesta ; excelente música de cámara ; importantes obras para órgano; música sagrada ; canciones, etc . Franck, aseguró, junto con Saint-Saéns, el surgimiento en Francia de la música sinfónica y de cámara, en un período en que lo que predominaba era el teatro cantado (ópera) . Su ejemplar vida de artista, sencilla y modesta a la vez, pero exigente y muy profesional, así como la bondad que le caracterizaba y su reconocida dedicación a los discípulos en las clases del Conservatorio, le infundió a la música sa un nuevo talante de seriedad y profundidad, preparando en cierto modo las futuras conquistas de Debussy . Anton Bruckner (1824-1896) Compositor austriaco conocido fundamentalmente por sus sinfonías y obras de carácter religioso . Descendiente de una vieja familia de campesinos (en Viena se le consideró como "un campesino del Danubio") fue organista desde los 10 años de edad hasta que fue invitado a ocupar la importante posición oficial de organista 292)

Henri Duparc (1848-1933) escribió 13 memorables canciones de concepciones wagnerianas, con textos de diferentes poetas ses, entre las que se distinguen particularmente, Son pi! ; Chanson Triste, L'Divitation au voyage, Extase, La Vague et la Clodie, Phydilé y La Vie mutérieinre .


de la Catedral de Linz . Al considerar que su formación técnica era insuficiente decidió entregarse al estudio en forma agresiva y formal, hasta recibir, en 1861, a los 37 años de edad, en Viena, el título de "maestro de música". El exceso de trabajo y las decepciones sentimentales resquebrajaron fuertemente su salud al extremo de llevarlo al borde de la desesperación . Fue profesor de órgano, armonía, contrapunto y fuga en el Conservatorio de Viena, al mismo tiempo que continuaba componiendo en forma intermitente. Su prestigio como organista se fue consolidando al punto de recibir invitaciones para presentarse en el exterior y dar conciertos inclusive en la Catedral de Notre Dame en París, donde estuvieron presentes Saint-Saéns, Auber y Gounod, todos eminentes organistas y compositores . Su reconocimiento como compositor fue lento, aunque alcanzó súbita notoriedad cuando en 1884 se presentó en Leipzig su Séptima Sinfonía . Hoy se le considera el mayor sinfonista austriaco junto a Mahier . Su obra comprende, 9 Sinfonías, 5 Misas, (entre ellas una conocida Misa Solemne) Te Deum, Música de Cámara, Canciones, Motetes, Requiem en re menor, etc. En 1875 recibió el título de doctor honoris causa de la Universidad de Viena y tres años más tarde pasó a ser miembro definitivo de la Capilla Imperial . No fue feliz en sus relaciones sentimentales y murió soltero . Respetando su última voluntad Bruckner fue enterrado bajo el órgano de la iglesia de San Florián, en Viena . Bedrich Smetana (1824-1884) Compositor checo, hijo de un cervecero, violinista aficionado . Fue un espléndido pianista conocido muy particularmente por las interpretaciones de Chopin así como por sus arreglos y transcripciones . Hizo estudios de composición con Joseph Proksch en Praga . En 1849 (año en que muere Chopin) funda en Praga una escuela privada de música con el apoyo de Liszt y Clara Schumann . En 1853 escribió una Sinfonía triunfal y un Trío con piano . En 1856 viajó a Suecia donde fue director de la Orquesta de la Sociedad Filarmónica de Gótemburgo y profesor particular de música . Allí escribió su trilogía de poemas sinfónicos, Ricardo III (inspira-

2 8 4 - JAIME INGRAM JAEN do en la obra homónima de Shakespeare), El Campo de Wallenstein y Hakon Jarl, terminados en 1861 . Regresando a su país de origen, al año siguiente, participa en la fundación del primer teatro bohemio de Praga que seis años después será el Teatro Nacional . Fue director de coro de la Asociación Coral Hlahol de Praga y director de una Escuela de Música durante dos años . En 1866, siendo director del nuevo teatro y dentro de una efervescencia patriótica, presentó la primera de sus ocho óperas nacionales, Los brandeburgueses de Bohemia y dos años después su gran ópera patriótica Dalibor, ambas con inmenso éxito . En esa época también subió a escena la primera versión de su opereta, La novia vendida, que pasó desapercibida lo que le instó a escribir una nueva versión que es la que se conoce hoy y que le despertó a Dvorak su vocación por la música . En 1874 le apareció el síntoma de la sordera, semejante a lo que le sucedió a Beethoven, retirándose a la ciudad de Jabkonia, alejado de sus compromisos como Director, donde su estado se agrava rápidamente hasta llegar a la sordera completa . Aún así compone el ciclo de poemas sinfónicos Má Vlast (Mi patria) que son seis en total, así como algunas obras corales e instrumentales . Le surgió, de pronto, unos síntomas de desarreglos mentales al punto de tener que ser internado poco tiempo después en un hospital psiquiátrico (1884), como Schumann y Wolf, donde fallece dos meses más tarde, dejando 8 óperas, Poemas sinfónicos, música de cántara, obras corales, canciones y un número plural de piezas para piano . Johannes Brahms (1833-1897) Importante compositor alemán 293 nacido en Hamburgo . Vivió en Viena desde 1862, ciudad donde murió . Fue amigo muy querido de la familia Schumann, Roberto y Clara . Su obra, que cubrió todos los géneros excepto la ópera, una de las más importantes entre los compositores románticos, comprende : 4 Sinfonías, Oberturas 293) En nuestro idioma existen múltiples biografías, entre ellas : Brahms, por Yves y Ada Rémy, Espasa-Calpe, Madrid, 1984 ; Brahms, un maestro en la música, de Madeleine Goss y Robert Haven Schauffler, Colección Austral, Espasa-Calpe, Buenos Aires, 1947 .


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(Festival Académico, Trágica, etc .) 2 Conciertos para piano, Concierto para violín, Doble Concierto para violín y violonchelo, Rapsodia para alto y orquesta, Variaciones sobre un Tema de Haydn, Réquiem Alemán, etc ; Música de cámara : 3 Sonatas para violín y piano, 2 Sonatas para violonchelo y piano, 2 Sonatas para clarinete y piano, etc . Tríos, Cuartetos para cuerdas y con piano, Quintetos, etc . Entre la obra para piano aparecen: 3 Sonatas, Intermezos, Caprichos, 2 Rapsodias, Variaciones sobre un tema de Schumann, Variaciones sobre un Tema de Haydn para 2 pianos, Variaciones y Fuga sobre un Tema de Handel, Variaciones sobre un Tema de Paganini (dos cuadernos) etc . Escribió también muchas obras para grupos corales así como varios ciclos de Canciones, género en el que se coloca a la altura de Schubert y Schumann . En 1877 declinó la invitación que le extendió la Universidad de Cambridge para recibir personalmente el grado de doctor en música, pero aceptó en cambio el doctorado honoris causa de la Universidad de Breslau . En 1886 fue condecorado con la Orden del Mérito del Caballero Prusiano y elegido Miembro de la Academia de las Artes de Berlín . En 1889 el Emperador Francisco José de Austria le otorgó la Orden de Leopoldo . Al margen de su profunda amistad y iración por Clara Schumann, no se conoce mujer alguna ligada a la vida de Brahms . Charles Camille Saint-Saéns (1835-1921) Prolífero compositor francés y brillante pianista . Fue un niño prodigio de precocidad mozartiana . Estudió piano con C . Stamaty y P. Maleden, y composición con Halevy Es el primer compositor francés en escribir importantes conciertos para piano y orquesta, los que fueron, inclusive, modelo del género en Francia durante muchos años . Fue así mismo excelente organista . A los 36 años era el factótum absoluto de la música en Francia y considerado además como una de las personalidades sas más relevantes del momento . Inclusive el gobierno francés lo escogió, en representación de Francia, para los actos de inauguración del Canal Interoceánico de Panamá, lo que no se llevó a cabo por el estallido de la primera guerra mundial . Su obra cubre todos

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INGRAM JAÉN

los géneros, inclusive el drama con música, con su ópera Sansón y Dalila . Su obra sinfónica comprende : 5 Sinfonías, 4 Poemas Sinfónicos (entre los que se encuentra la popular Danza Macabra), 5 Conciertos para piano y orquesta; El Carnaval de los Animales (para dos pianos y orquesta) Introducción y Rondo para violín y orquesta ; 3 Conciertos

para violín y orquesta ; Habanera para violín y orquesta ; 2 Conciertos para Violonchelo, etc . 119 Canciones . Entre sus obras para piano descuellan sus Estudios, inclusive 6 Estudios Op . 135 para la mano izquierda; varias obras para dos pianos entre ellas unas Variaciones sobre un tema de Beethoven, 36 obras de música de cámara entre las cuales: Sonatas para violín y piano, Sonatas para violonchelo y piano, Tríos, Cuartetos, Quintetos, un Sexteto y un Septeto .

Obras corales de carácter religioso ; obras para órgano, etc . Entre sus muchos discípulos basta con nombrar a Fauré, Ravel y Poulenc . En 1871 fundó La Sociedad Nacional de Música dándole un impulso significativo a la renovación musical sa . Desde 1895, a petición de la Editorial Durand, se dedicó a la revisión y publicación de la obra completa de Rameau . Saint-Saéns murió colmado de honores, gozando de gran prestigio internacional, dejando inclusive algunas grabaciones al piano .

Peterllych Tchaikovsky(1840-1893) Compositor ruso 294 de personalidad muy particular. Hijo de un ingeniero de minas hizo estudios de Derecho en San Petersburgo durante siete años . Después de haber ejercido las funciones de secretario en el Ministerio de justicia decidió dedicarse a la música e ingresó al Conservatorio, estudiando composición con N .I. Zaremba, orquestación con A . Rubinstein, culminando sus estudios con la escritura de una cantata sobre la Oda a la alegría de Schiller . De 1866 a 1877 fue profesor de teoría de la música en Moscú ; Teneiev figuró entre sus alumnos . En 1877 contrajo matrimonio con una antigua alumna del Conservatorio, Antonina Ivanovna Miliukova que termi294) Ver versión castellana de Tchaíkovski por Herbert Weinstock, con traducción y prólogo de Jesus Bal y Gay, en Biografías Gandesa, México, 1960 .


en un total desastre . Fue protegido por la acaudalada viuda Nadezda Filartovna ven Meck, gracias a la cual pudo dedicarse tranquilamente a la composición . Hizo una exitosa gira por Estados Unidos en 1891 . Fue el director del concierto sinfónico inaugural del célebre Carnegie Hall de Nueva York . Poco antes de morir, la Universidad de Cambridge le concedió el doctorado honoris causa de música . Murió víctima del cólera . Hoy día se sabe que Tchaikovsky cometió suicidio bebiendo agua contaminada al enterarse, a través de un amigo del Ministerio de justicia, que un juicio escandaloso en el que aparecía directamente implicado estaba a punto de explotar. Entre su extensa obra se cuentan : 7 Sinfonías ; 3 Conciertos para piano (el primero, en si bemol menor Op . 23, es uno de los más populares que existen en la literatura del piano) ; Concierto para Violín Op . 35; Variaciones no

sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta Op .33 ; Capricho Italiano Op . 45, Oberturas, Poemas Sinfónicos : Romeo y Julieta , sca da Rimini Op . 32, La Tempestad Op . 18, Mozartiana, Hamlet Op . 67, Mazeppa, etc ; 7 Operas (las más bellas y conocidas son Eugene Onegin, 1879 y El As de Espadas,1890) ; para Ballet, género en el cual fue particularmente dotado, escribió : El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente del Bosque y Cascanueces Op . 71 . Escri-

bió además música de cámara, más de 100 obras para piano, entre ellas la extensa Sonata, en sol, Op . 37, Las Estaciones Op . 37b (12 piezas), Piezas Op . 10, 19, 40, 51 etc . 104 canciones, etc . Dejó un Manual para el estudio práctico de la armonía . Tchaikovsky fue un músico de gran formación académica, en contraposición a los diletantes que constituyeron el "grupo de los cinco", a excepción de Balakirev, el único músico profesional del grupo . Es el mayor sinfonista ruso y uno de los grandes de la segunda mitad del siglo XIX . Su instrumentación de Cuadros de una Exposición de Moussorsky marcó época hasta que llegó la imponente instrumentación de Ravel . Antonin Dvorak (1841-1904) Compositor checo . Hizo sus estudios musicales como organista, en Praga y fue violinista de la orquesta del Teatro Nacional de esa ciudad, época en que escribió

2 8 8 - JAIME INGRAM JAÉN sus dos primeras sinfonías . Siendo organista de la iglesia de San Adalberto en Praga se dedicó totalmente a la composición . Brahms lo introdujo al editor Simrock en Berlín, quien se interesó por sus obras, publicando en 1878 las Danzas Eslavas para piano a 4 manos, así como los Cantos moravos, que le dieron prestigio, inclusive en Inglaterra . Su oratorio Stabat Mater le abre las puertas del editor inglés Novello, quien lo invitó a visitar Londres . De ahí en adelante es invitado a diferentes países para dirigir sus obras . En 1890 recibió el doctorado honoris causa de la Universidad de Cambridge y dos años después fue invitado por el Conservatorio Nacional de Nueva York como profesor y director, funciones que ejerció durante tres años, ocasión en que escribió su conocida Sinfonía Nuevo Mundo . Su obra comprende, entre otras cosas : 9 Sinfonías, 5 Poemas Sinfónicos (La Ondina,

El Hada de mediodía, La Rueda de oro, La Paloma y El Canto heroico) ; 3 Oberturas (En la Naturaleza, Carnaval y Otelo), Leyendas ; Tres Rapsodias Eslavas ; Concierto para piano y orquesta (1876) ; Concierto para violín ; un célebre y conocido Concierto para violonchelo (1895) ; varios Cuartetos de Cuerdas, un conocido Quinteto con piano (1887), un famoso Trío con piano (1891), un Cuarteto con piano (1893), varias óperas : Dimitri (1881), El Jacobino (1888), El Diablo y Catalina (1899), la famosa Rusalka (1900) y Armide (1902) . Escribió también un Cuarteto en fa mayor, Cantos Bíblicos, la Cantata, La Novia del Espectro (1884), el oratorio Santa Ludnúla (1885), un Réquiem (1890), etc . Dvorak, es junto con Smetana, el compo-

sitor más significativo de la República Checa, un gran sinfonista así como una de las figuras más representativas del movimiento nacionalista europeo . Gabriel Fauré (1845-1924)

Compositor francés, alumno de piano de Saint Saéns en la Escuela Niedermeyer, donde obtuvo el primer premio de piano (1860) y el primer premio de composición (1865) ; fue organista de la Iglesia de la Magdalena de París (1877), profesor de composición (1896), director del Conservatorio (1905), miembro del Instituto de Francia, Académico de Bellas Artes (1909) y uno de los armonistas más revolucionarios de la segun-


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da mitad del siglo XIX . Su lenguaje musical es la antítesis del romanticismo alemán . Su Misa de Réquiem, que llama la atención por la ausencia del Dies trae, escrito para honrar la muerte de su padre en 1888, marcó la renovación de la música religiosa en Francia y sigue siendo con sus otras obras maestras (dos Sonatas para violín y piano, dos Sonatas para violonchelo y piano, Tríos, 2 Cuartetos para cuerdas, Cuartetos con piano,

etc .) el creador de la música de cámara sa . Aunque escribió además una apreciable obra para piano, (5 Impromtus, 13 Barcarolas, 13 Nocturnos, 9 Quintetos,

Preludios, 8 Piezas breves, Temas con Variaciones, Dolly para cuatro manos, etc .) inclusive una Fantasía para piano y orquesta, la ópera Penélope (con la que se inauguró el

Teatro de los Campos Elíseos de París el 9 de mayo de 1913), los poemas sinfónicos, Prometeo, Calígula, Shylock, la música incidental Peleas y Melisanda, etc ., fueron sus ciclos de canciones (lieder) los que le dieron mayor prestigio universal . Sus dúos vocales y obra coral en general es vasta y muy apreciada . A pesar de ser 30 años mayor que Ravel y 10 años mayor que Debussy hizo parte, igual que ellos, del movimiento de renovación que sucedió al Romanticismo . Fue un gran pedagogo, y junto con Vincent d'Indy (1851-1931), después de la muerte de Cesar Franck, los dos mayores profesores de composición de Francia, en el primer tercio del siglo XX . Entre sus discípulos se distinguen Ravel, y Nadia Boulanger . En 1920 renunció a la dirección del Conservatorio, donde estuvo 15 años . En 1922 se le ofreció un homenaje público en el anfiteatro Richelieu de la Sorbona con la presencia de todo el mundo musical de París . Dos años después falleció a los ochenta años de edad, gozando de la iración y aprecio universal. El Estado francés le tributó exequias de autoridad nacional . Edward Elgar (1857-1934) Compositor inglés . Su padre fue propietario de un importante comercio de música, además de haber sido violinista y organista, instrumentos que enseñó a su hijo . Elgar, quien en el fondo fue un autodidacta, en 1885 sucedió a su padre como organista en la iglesia de

2 9 0 - JAIME INGRAM JAEN San Jorge . A partir de 1924 ocupó el puesto de Master of the King's Music (Maestro de la música del Rey) . En la instrumentación siguió las pautas de Berlioz y R . Strauss . Su obra más significativa, Las Variaciones Enigma, para orquesta (1899) llamó la atención de músicos como Ricardo Strauss, así como su oratorio El sueño de Geróncio (1901), inspirado en el poema religioso del cardenal Newman, que en su primera audición en Birmingham el 3 de octubre de 1900 el dramaturgo George Bernard Shaw a la sazón uno de los críticos musicales más prestigiosos de Europa, lo declaró una obra maestra, marcando un hito en su vida . Posteriormente escribió dos oratorios más, Los Apóstoles (1903) que demanda un número plural de solistas, y El reino (1906) . Su obra más conocida es, probablemente, el Concierto para violonchelo y orquesta (1919) . Escribió además una Sonata para violín, un Cuarteto de Cuerdas, un Quinteto con piano (1918), varias Oberturas y Suites (The Wand of Youth, Severn Suite y Nursey Suite), 2 Sinfonías (1908 y 1911), Introducción y Allegro para cuerdas (1905), Serenata para cuerdas (1905), un Concierto para violín y orquesta (1910), que constituyó un éxito inmediato y un número plural de obras vocales, el Estudio Sinfónico Falstaff y sus marchas, Tierra de Esperanza y Gloria y Pompa y Circunstancia . La Oda para la Coronación, obra encomendada para la ascensión al trono del rey Eduardo fue inmediatamente aplaudida . Durante la primera guerra mundial Elgar escribió, Carillon, Polonia y por último, la más célebre de todas, la oda Para los caídos (For the fallen) . Después de 1920, a raíz del fallecimiento de su esposa, escribió varias transcripciones de obras de Bach y Hándel . Elgar murió el 23 de febrero de 1934, después de una larga y penosa enfermedad . Sus exequias se realizaron en la Catedral de Worcester. Giaconro Puccini (1858-1924) Célebre operista italiano, alumno, entre otros, de Bazzini y Ponchielli en el Conservatorio de Milán, En 1884 concursó para el premio Sonzogno con su ópera Le Villi, que, pese a no haber ganado, constituyó todo un éxito al presentarse en el Teatro Verme de Milán, al pun-


to tal que La Scala la incluyó en su programación del año siguiente y la célebre Casa Ricordi publicó de inmediato la partitura, comisionándole inclusive una nueva ópera, Edgar, que no fue bien sucedida . En 1893 presenta, en el Teatro Turín, Manon Lescaut su primera ópera importante, seguida por La Bohemia (1896) de nueva concepción verista, con personajes de clase media, que lo lanza de inmediato en el panorama internacional como uno de los mayores operistas del momento ; continúa con Tosca (1900) que alcanza un éxito asombroso y le da mayor renombre internacional . En 1903 sufre un accidente automovilístico que lo retiene durante ocho meses en una silla de ruedas, lo que no te impidió componer Madame Butterfly (1904), que en su primera presentación, en La Scala, constituyó un fracaso, para transformarse en menos de un año en una de sus más exitosas óperas del repertorio . En 1907, escribe La Fanciulla del West (La chica del Oeste) para la Opera Metropolitana de Nueva York, que subió a escena en diciembre de 1910, alcanzando uno de los mayores éxitos de la gran sala neoyorquina a la sazón . Acto seguido Puccini escribe su trilogía de 1918 (I1 Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi) y por último la célebre Turandot, obra que no pudo terminar debido a un cáncer de garganta que se operó en Bruselas, seguido de un mortal ataque al corazón ; la obra la completó Franco Alfano . Puccini, además de ser un espléndido instrumentador, y el mayor operista italiano después de Verdi, supo perfilar ejemplares personajes femeninos que se transformaron en símbolos de variados sentimientos : Manon, Mimí, Tosca,

Madame Buterfly, la Chica del Oeste, Turandó y Liú . Isaac Albéniz (1860-1909)

Significativo compositor español 295 , junto con Granados, Turina y Manuel de Falla . Fue niño prodigio del piano, impresionando al propio Marmontel, pero no 295) La Fundación Isaac Albéniz de Madrid ha lanzado (1990) una recopilación de diversos ensayo sobre el compositor español intitulada Albéniz y su Tiempo con la colaboración de varios autores, edición que corrió al cuidado del crítico Enrique Franco .


292 pudo entrar al Conservatorio de París por ser demasiado joven (!) . En Madrid estudió con Mendizábal . Se escapó de casa y llevó una vida de aventurero durante varios años, viajando, inclusive, por Argentina, Uruguay, Cuba, Brasil, Puerto Rico y Estados Unidos . Estuvo también en Londres y Liverpool . En Leipzig estudia con Jadassohn29G y Reinecke . Gana en Madrid una beca para estudiar en el Conservatorio de Bruselas donde obtiene el Primer Premio . Perfeccionó su técnica pianística con Liszt . En 1883, en Barcelona, fue discípulo del célebre Felipe Pedrel (1841-1922) cuyos consejos le llevaron a recoger en forma elevada e inteligente el canto popular de diferentes regiones españolas . En París, siendo profesor de piano de la Schola Cantora in alternó con Debussy, Chausson, Fauré, Dukas y d'Indy . En 1903 fijó residencia en Niza para dedicarse seriamente a la composición . Con una obra desigual, Albéniz alcanza el pináculo de su creación en la bella Suite Iberia, que comprende 4 cuadernos, obra de extraordinaria complejidad pianística y gran originalidad armónica y sin duda la más importante aportación a la literatura pianística de España . Otras de sus obras para piano son : Suite Española, Cantos de España, Cantos Nacionales, La Vega, Sonata N° 5, Navarra, Azulejos, Serenata española, 12 Piezas Características, etc . Para orquesta : Rapsodia Cubana (1887), Rapsodia Española con piano solista, Concierto para piano y orquesta, así como Catalonia, obra de gran fuerza y calidad . Para canto escribió 6 Baladas, Ripias de Bequer, 6 Canciones, 4 Melodías, etc . Entre sus óperas y zarzuelas : El Mago Opal, Henry Clífford, Merlin y San Antonio de la Florida, aunque la más conocida es Pepita Jiménez, Albéniz murió en Cambo-les-Bains, en los Pirineos ses . El gobierno francés le concedió la Gran Cruz de la Legión de Honor . 296) Salomón Jadassohn (1831-1902) autor de un célebre Tratado de Armonla así como un Tratado de Contrapunto, muy utilizados en los Conservatorios tanto de Europa corto América . Existe versión en inglés en C . Schirmer, Inc, Nueva York .


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Gustav Mahler (1860-1911) Compositor y director de orquesta austriaco 297 . En 1875 termina brillantemente sus estudios musicales en el Conservatorio de Viena continuándolos en la Universidad de esa misma ciudad . Bruckner fue su protector y amigo. Ascendió rápidamente a los puestos más importantes como director de orquesta tanto en Cassel, como en Praga, Leipzig, Budapest y Hamburgo, hasta alcanzar la Dirección Artística de la Opera Imperial de Viena (1897) que logró elevar a un excepcional esplendor con representaciones modelo de obras de Gluck, Mozart y Wagner . No obstante se vio obligado a renunciar a su cargo, agotado por las incesantes intrigas de sus adversarios envidiosos y racistas . Mahler fue un profesional serio y exigente aunque muy presumido de sus dotes artísticas lo que le hacía aparecer como un egocéntrico insufrible . Viajó a Estados Unidos como director de orquesta presentando por primera vez las sinfonías de Bruckner y en donde fue, inclusive, director de la Opera Metropolitana de Nueva York 298 . En 1902 contrajo matrimonio con la joven y talentosa Alma Schindler 299 , con quien tuvo dos hijas . En sus composiciones, Mahler, deja transparecer un sentido de lamento, de fatalidad, de victoria, de transfiguración y de liberación, elemen297) Ver, Gustavo Mahler o el corazón abrumado, de Arnoldo Liberman, en Altalena, Madrid, primera edición 1982 . La biografía de Mahler escrita por el gran director y amigo del compositor, Bruno Walter se encuentra, en versión española, en Alianza Editorial, primera edición, Madrid, 1983 . 298) Sus amigos, 'la pandilla de Mahler" como los llamaban sus detractores, entre los que estaban, Hugo ven Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, Jakob Wassermann, Stefan Zweig, Arnnold Schönberg, Carl Moll, y Segismund Freud, todos celebridades del momento, le dieron un homenaje de despedida . Existe en Paris una biblioteca musical única en el mundo con el nombre de Gustav Mahler, con unos 20 .000 libros sobre música en diferentes idiomas, 2 .500 documentos diversos, unas 6 .000 publicaciones, 8 .000 partituras, 40 .000 discos, manuscritos de compositores, cartas, programas, carteles, fotografías, etc. 299) Alma fue casada con Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel . Fue así mismo musa inspiradora del pintor Kokoschka . Existe una versión castellana de su autobiografía titulada Mi vida, publicada en Tusquets Editores, S .A., Barcelona 1984 .

2 94 - JAIME INGRAM JAI N tos muy propios de su raza . Su obra comprende 10 Sinfonías (la última quedó inconclusa) algunas con voz so-

lista (4°) y otras con solistas y coro (2 ° , 3 °) mientras la 8° incluye tres sopranos, dos contraltos, tenor barítono, bajo, coro de niños, doble coro mixto y gran orquesta, también llamada Sinfonía de los mil ; Canción de la tierra (para tenor, contralto, orquesta y órgano) ; Canciones para los niños muertos (Kindertotenlieder) ; El cuerno maravilloso de los niños (Des Knaben Wunderhorn) que comprende 12 canciones ; Cantos de Juventud (Lider und Gesünge), La Canción del lamento (Das klagende Lied) ; Canciones de un compañero errante (Lieder cines fahrenden Gesellen) etc . Entre sus óperas están : El duque Ernesto de Suabia y Los Argonautas . Le unió una gran amistad con Arnold Schünberg quien le dedicó su Tratado de Armonía 300 . En febrero de 1911 Mahler contrajo, en Estados

Unidos, una inflamación cardiaca que le obligó a ingresar luego en un sanatorio de París . En mayo, Alma se lo llevó a Viena y a pesar de la amargura, fruto de las múltiples decepciones que había sufrido, no pudo resistirse al deseo de "volver a casa" para morir, lo que tuvo lugar el 18 de mayo de 1911 . Al día siguiente una gran multitud, en total silencio, siguió el coche fúnebre hasta su último destino . En 1938 el director Wilhelm Mengelberg anunció haber encontrado los manuscritos de cuatro sinfonías juveniles de Mahler . Claude Debussy (1862-1918)

Notable compositor francés, crítico musical y original innovador de la técnica y sonoridad del piano y de la música en general . Es el representante más genuino del movimiento impresionista musical. En 1884 obtuvo al codiciado Premio de Roma con su cantata L'Enfant Prodigue (El hijo pródigo), lo que le permitió permanecer en "la ciudad eterna" durante dos años . En 1888 escribió su primera obra importante La Deinoiselle Elue (La señorita elegida) sobre un poemario de Dante Gabriel Rossetti, 300) La dedicatoria reza : "Este libro esta consagrado a la memoria de Gustav Mahler" . Existe versión en español, en Real Musical, Editores, Madrid, España, 1974 .


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ya habiendo escrito una serie de canciones con textos de Verlaine, Baudelaire, Mallarmé y otros, inspirado probablemente en la cantante Vasnier, cuyo salón frecuentó . Pese a la vida modesta que llevó, con grandes dificultades económicas, unido a una desconocida modista parisina, nunca dejó de producir . iró la obra de Wagner, particularmente el Tristan aunque detestó la tetralogía que consideró una "máquina de trucos" . Después de dos años de intenso trabajo da por terminada su ópera Pelléas el Mélisande (Peleas y Melisanda), con texto de Maeterlinck premio Nóbel de literatura de 1911, que en su presentación en 1902 en la ópera Cómica de París, suscitó una diversidad de opiniones encontradas . En 1903 escribió su único Cuarteto, obra maestra en su género, e inmediatamente después, inspirado en una égloga de Mallarmé, lanzó su maravillosa obra sinfónica L'Aprés-midi d'un Faune (La siesta de un Fauno) una de sus obras cumbres y obra maestra del siglo XX . Obras : Peleas y Melisanda (ópera) ; para orquesta : La Siesta de un Fauno, El Mar (poema sinfónico en tres partes), Iberia, 3

Nocturnos, El Rey Lear, Danza Sagrada, Danza Profana, Fantasía para piano y Orquesta, etc . ; para piano : 2 Arabescas, 24 Preludios (en dos libros), 12 Estudios, Suite Bergamasca (con 4 piezas entre las cuales el célebre Claro de Luna), El Rincón de los Niños, Suite Pour le Piano (que comprende : Preludio, Zarabanda y Tocata), 6 Epígrafes Antiguos, Estampas, La isla alegre, Imágenes (dos cuadernos), Homenaje a Hayan ; Lindaraja y la suite En Blanco y Negro

(para dos pianos) ; varias piezas para 4 manos, etc . ; Música de Cámara : Cuarteto de cuerdas, Sonata para Violín y Piano, Sonata para violonchelo y piano . Escribió también Música incidental para el Rey Lear, El Martirio de San Sebastián, Juegos (Jeux) etc ., así como importante serie de canciones : Cinco poemas de Baudelaire, Mandoline, Fiestas Galantes, Tres Melodías, Prosas Líricas, etc. Debussy repre-

senta una de las cumbres creadoras de la historia de la música . En su obra, particularmente significativa para los compositores del siglo XX, no se encuentra necesariamente la descripción si no la impresión . Fue un trabajador infatigable pese a las innumeras dificultades que tuvo durante su vida . En 1879 viajó por Francia,

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INGRAM JAÉN

Suiza, Italia, Austria y Rusia al servicio de la protectora de Tchaikovsky, Madame von Meck. En 1888 y 1892 en Bayreuth, escuchó Tristán e Isolda, Los Maestros Cantores, y Parsifal, de Wagner, obras que le causaron profunda impresión, sin llegar a alterar por ello su poderosa personalidad creadora . En 1909 se le declaró un cáncer, enfermedad que supo soportar hasta el fin con gran estoicismo . Dejó una serie de artículos que han sido recogidos en una antología con una introducción y anotaciones de Francois Lesure, publicados con el título de Monsieur Croche el autres écris 301 en la edición completa de su obra editada por Gallimard, París, en 1971 . Ricardo Strauss (1864-1949) Compositor alemán", gran maestro de la orquesta que alcanzó celebridad en diversos géneros musicales, particularmente con su obra sinfónica (Poemas Sinfónicos) y en el campo de la ópera . Su padre, Franz Strauss fue renombrado cornista . Sucedió a Hans von Billow, su protector, en la dirección de la Orquesta Filarmónica de Berlín. En 1905 presentó su primera gran ópera, Salomé, con libreto de Hugo von Hofmannsthal, basado en la obra homónima de Oscar Wilde, alcanzando nombre internacional. Asumió durante varios años la dirección de la Opera de Viena . En 1924, ya reconocido como uno de los mayores compositores vivos, abandonó sus diversas obligaciones para dedicarse exclusivamente a la composición . Strauss murió en 1949, en su Villa de Garmisch, víctima de una repentina y grave enfermedad . Su vasta obra consiste, fundamentalmente, en : (para orquesta) Sinfonía en fa menor Op . 12 ; De Italia, Op . 16 ; Don Juan, Op . 20 ; Macbeth, Op . 23 ; Muerte y Transfiguración, Op . 24; Las alegres travesuras de Till Eulenspiegels, Op . 28 ; Así hablaba Zaratustra o Zoroastro, Op. 30 (inspirado en la obra homónima de Nietzsche) ; Don Quijote Op .

301) Existe traducción al castellano en Alianza Editorial, Madrid, 1987, con el título de El Señor Corchea y otros escritos, en versión de Angel Medina Alvarez. 302) La versión castellana de la biografía de Ricardo Strauss, escrita por George R . Marek, está publicada en Javier Vergara Editor S .A ., México, 1986 .


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35 (Variaciones Fantásticas para violonchelo y orquesta inspiradas en personajes de Cervantes) ; Una vida de hé-

roe, Op . 40; Sinfonía Doméstica, Op . 53 ; Preludio Festivo,

(para gran orquesta y órgano, escrito para la inauguración de la Konzerthaus, gran sala de conciertos de Viena) ; Sinfonía Alpina, Op . 64; Parergon sobre la Sinfonía Doméstica, Op . 73 para piano, mano izquierda sola, y orquesta ; Variaciones para piano Op . 74 (para la mano izquierda sola) ; Burlesca en re menor, para piano y orquesta (1885); Himno Olímpico (escrito para la inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín en 1935) ; Música Festiva, Op . 84 (para la celebración de los 2600 años de la creación del Imperio del Japón) ; Divertimento para pequeña Op . 61

orquesta; Dos Conciertos para corno y orquesta; Concierto para oboe y orquesta; Concertino para clarinete y fagot; etc .

Música vocal : Strauss escribió unas 150 canciones aproximadamente, entre las que descuellan los 4 últimos lieder (1948) . Un número plural de óperas, entre la cuales están, Salomé, Op . 54 ; Elektra, Op . 58 (obra en la que anticipa la atonalidad y en la que pone en ejecución su mayor aparato orquestal) ; El Caballero de la rosa, Op . 59; Adriana en Naxos, Op . 60; La mujer sin sombra, Op . 65 . etc . Otras obras : Sonata Op . 15 para piano; Sonata para violín y piano, Op . 18; Concierto para violín y orquesta (1881) ; Cuarteto para cuerdas ; Sonatina para 16 instrumentos de cuerdas solistas, etc . Con su obra Strauss llevó el sistema

tonal tradicional a los límites más extremos de sus posibilidades con el uso audaz de las disonancias y de la politonalidad . Su obra representa la última expresión del dinamismo romántico . Jean Sibelius (1865-1957) Compositor finlandés . Inició estudios de Derecho en la Universidad de Helsinki, al mismo tiempo que sus estudios de música en el Instituto de Música, conocida actualmente como Academia Sibelius, para, después de dos años, dedicarse a la música, lo que hizo con un severo sentido de organización y seriedad, particularmente después de su amistad con Busoni . Continuó estudios en Berlín y Viena, donde estudió con A . Becker, Robert Fuchs y Goldmark . Fue profesor en el Instituto

2 9 8 - JAIME INGRAM JAÉN de Música de Helsinki y en la Escuela de la Orquesta de la Sociedad Filarmónica, además de ser segundo violín en el Cuarteto del Instituto . Durante dos años fue director asistente de la Filarmónica de Helsinki, lo que le permitió viajar por diferentes países . El Senado finlandés le concedió una pensión anual que le permitió dedicarse por entero a la composición, ocasión en que abandonó Helsinki para radicarse en su Villa Ainola en Járvenpá, a poca distancia de Helsinki, Villa que con el correr de los años se transformó en un sitio de peregrinaje para sus iradores, particularmente durante el dominio ruso . De ahí que sus obras sinfónicas, Kullervo (Sinfonía para solista coro y orquesta, 1891) y Finlandia (1899) tuviesen tan particular significado desde el momento de su creación ya que con ellas el compositor reafirmaba su identidad cultural finlandesa, ameritándose la iración de sus conciudadanos, no sólo como compositor sino como hombre . A finales del siglo XIX Sibelius estuvo ocupado leyendo el poema épico de la mitología finlandesa, Kalevala, del que surgieron una serie de poemas, como Canto de Primavera (1894), Lemminkäinen (1895) El Cisne de Tuonela, etc . A partir de 1905 Sibelius es invitado para

dirigir sus obras en diferentes países, y en 1914 viaja a EE .UU ., donde fue honrado con el doctorado honoris causa de la Universidad de Yale . Colmado de reconocimiento internacional Sibelius fallece en su Villa donde residió durante toda su vida adulta . Su obra incluye : 7

Sinfonías, Una Saga, (1892), Karelia (1893), Escenas históricas I y II, los poemas sinfónicos Finlandia, La hija de Pohjola, Cabalgata Nocturna y Salida del Sol, La Dríada, El Bardo, Las Oceánidas, etc ., y muchos años después Tapiola

(obra encomendada por la Sociedad Filarmónica de Nueva York en 1926), un aplaudido Concierto para violín (1903), unos 100 lieder, obras para coro mixto y otras combinaciones ; para el teatro escribió, El Rey Christian II (1898), La Muerte, con el conocido Vals Triste (1903), Pelleas y Melisande (1905), El Festín de Baltasar (1906), Scaramouche (1913), Jedermann (1916), La Tempestad (1926), etc .


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Alexander Scriabin (1872-1915)

Compositor y pianista ruso"' . Egresado del Conservatorio de Moscú en las clases de Safonov, Taneiev y Arenski . En su carrera como pianista, tanto en Europa como en Estados Unidos, se limitó a ejecutar sus propias obras . El mecenas de las ediciones rusas, Belaief, lo tomó bajo su protección y publicó toda su obra . De 1898 a 1903 fue profesor del Conservatorio . Vivió en Suiza y luego en Bélgica, donde frecuentó círculos filosóficos y teosóficos influenciados por Nietzsche y Madame Blavatsky, llegó a crear un mundo sonoro muy particular utilizando un acorde de su propia invención formado por cuartas y quintas superpuestas que denominó "acorde místico" . Retornó a Rusia en 1910, para dedicarse poco a poco a una "mística extática y contemplativa" que se refleja en gran parte de su obra : Poema del Extasis ; Prometeo o Poema del fuego, para orquesta, piano concertante, coro, órgano y coreografía de luces a colores304, etc . Sus primeras obras, aproximadamente hasta el Op. 29, muestran una fuerte influencia de Chopin, aunque sin perder en ningún momento su fuerte originalidad . He aquí otro compositor que no tuvo necesidad de hacer uso de elementos telúricos de su país sin dejar por ello de proyectar un temperamento eminentemente ruso y original . Su rica obra comprende, para piano : 10 Sonatas ; 19 Poemas ; 26 Estudios ; 90 Preludios (Ops : 11, 16, 22, 67 y 74) ; 21 Mazurkas, Preludio y Nocturno (para la mano izquierda sola), Fantasía Op . 28, el vanguardista y difícil poema para piano, Vers la flamme Op . 72, etc . Exis303) Existe actualmente en Rusia un concurso internacional de piano con su nombre y en Nueva York se ha conformado la Scriabin Society of America que realiza una intensa actividad de divulgación de su vida y obra 304) Scriabin pensaba, semejante a Berlioz y Rimsky Korsakov, que a cada tonalidad correspondía un color, así por ejemplo a la tonalidad de do, el color rojo ; a sol el naranja ; a re el amarillo ; a la el verde ; a rni el azul pálido; al fa sostenido el azul intenso ; a re bemol el violeta ; a la bemol el púrpura; a in¡ bemol el color acero ; a si bemol, ídem, y a fa el rojo obscuro . Esta teoría ha planteado muchas controversias, aunque se remonta al siglo II con el famoso alejandrino, astrónomo, filósofo y teórico de la música, Claudio Ptolorneo .

3 0 0 - JAIME INGRAM JAÉN te también una Fantasía en fa menor, póstuma, para dos pianos . Para orquesta : 5 Sinfonías, (la primera es con coros) ; Poemas : Poema divino (o tercera Sinfonía); Poema del éxtasis (o cuarta Sinfonía), Poema del fuego (o quinta Sinfonía) ; el Concierto para piano y orquesta, etc . No hay duda de que Scriabin es el gran eslabón, decisivo, entre el romanticismo decimonono y la explosión expresionista rusa del siglo XX . Maurice Ravel (1875-1937) Brillante compositor francés que junto con Debussy, constituye el mayor representante del movimiento impresionista . Gran maestro de la orquesta para la cual escribió : Rapsodia Española, La Valse, Suite Dafne y

Cloe, Una Barca sobre el Océano, Le Tombeau de Couperin, Bolero, etc . . Obra para Piano : "2 Conciertos, uno en sol

con influencia de elementos de jazz y otro en re menor para la mano izquierda sola, escrito para el pianista austriaco Paul von Wingenstein, quien perdió la mano derecha por el estallido de una bomba en el campo de batalla de la Primera Guerra Mundial (En esa misma ocasión Prokofiev le escribió su 5° Concierto, también para la mano izquierda sola) ; Sonatina, la impresionante Gaspard de la Nuit (que comprende : Ondine, Le Gibet y Scarbo), Mirroirs (con 5 piezas : Noctuelles, Pájaros tristes,

Una Barca sobre el Océano, Alborada del Gracioso y El Valle de las campanas), Pavana para una infanta difunta, Juegos de agua, Valses nobles y sentimentales, Para la Tumba de Couperin (6 piezas, entre las que se encuentra la célebre Toccata), etc. Escribió además : Sonata para violín y piano, Tzigane, Trío para violín, violonchelo y piano, Cuarteto de Cuerdas, así como abundante obra para canto, entre ellas : Historias Naturales, Cinco Melodías Populares, Dos melodías hebreas, 3 Poemas, Don Quijote a Dulcinea, etc . En 1928, la Universidad de Oxford le confirió el doctorado Honoris Causa . Los últimos años de Ravel, que fue un verdadero dandy en elegancia, fueron

crueles al manifestársele, en 1933, los síntomas de un tumor cerebral que le hizo perder gradualmente la memoria y la coordinación de sus movimientos, deterioro del que tenía plena consciencia hasta su muerte, que tuvo lugar cuatro años después .


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CUESTIONARIO N'6 01 . ¿A qué siglo pertenece el Período Romántico? 02. Mencionar algunas características de] período . 03. Nombrar una estructura característica del romanticismo . 04 . ¿Quién fue Paganini? 05 . ¿Qué es Lied? 06 . Mencione tres ciclos de canciones del siglo XIX . 07 . Nombrar tres microformas románticas . 08 . Mencione tres obras de Cesar Franck ? 09 . ¿Qué compositor del siglo XIX escribió más de 600 canciones? 10 . ¿Quién escribió una tetralogía operística? 11 . ¿Qué compositor escribió Canciones sin Palabras? 12. ¿Quién escribió Sueño de una Noche de Verano? 13. ¿Cuántas Sinfonías escribió Schubert? 14. ¿Quién escribió el Carnaval Op . 9? 15. ¿Quién escribió 20 conocidos Nocturnos? 16. ¿Quién escribió las Rapsodias Húngaras? 17. Nombre cinco compositores de ópera de] siglo XIX . 18. ¿Quién es el autor de Tristán e Isolda? 19. ¿Quién escribió la Sinfonía Fantástica? 20 . Nombre cinco óperas de Verdi . 21 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Bruckner? 22 . ¿Quién escribió el Réquiem alemán? 23 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Brahms? 24. ¿Qué son las Escuelas Nacionalistas? 25 . Nombre cinco compositores nacionalistas . 26. ¿Cuántas Sinfonías escribió Dvorak? 27. Mencione tres obras de Grieg . 28 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Mendelssohn? 29. ¿Quien es el autor de Estudios Sinfónicos? 30, ¿Quien escribió Los Preludios? 31. ¿Qué es un Poema sinfónico? 32. Mencione cuatro grandes Conciertos para violín del siglo XIX . 33 ¿Quien es el autor de 4 famosas Baladas para piano? 34 . ¿Con quién fue casado Schumann? 35 . ¿Qué compositor francés escribió 5 Conciertos para piano?

3 0 2 - JAIME INGRAM JAÉN CUESTIONARIO N"7 01 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Tchaikovsky? 02 . ¿Cuántas Sinfonías escribió Mahler? 03 . ¿Cuál ha sido la mayor obra de Albéniz? 04 . Mencione cinco obras de Debussy.

05 . ¿En qué país surge el movimiento impresionista? 06 . Mencione cinco compositores impresionistas . 07. Mencione tres Poemas Sinfónicos de R . Strauss . 08 . ¿Quien fue Enrique Granados? 09 . ¿Cuántas sinfonías escribió Sibelius? 10 . ¿De qué nacionalidad es Sibelius?

11 . ¿Cuántas Sonatas para piano escribió Scriabin 12 . ¿Qué escala usó Debussy?

13 . Mencione dos obras de Glinka . 14 . Mencione dos obras de Borodin . 15 . ¿Quién escribió el Poema sinfónico sca de 16 . 17 . 18 . 19 .

Rimini

Mencione dos obras de Rimsky Korsakov. ¿Quién fue Elgar? Mencione tres obras de Elgar . Mencione tres célebres Conciertos para violonchelo de] XIX 20 . ¿Quién es el autor de La Siesta de un Fauno? 21 . Mencione cuatro obras de Ravel . 22 . ¿Qué compositor relacionó las tonalidades con colores?

23 . ¿Quién es el autor de Canción de la Tierra?

24 . ¿Quién escribió un Concierto para la mano izquierda? 25 . Mencione cuatro óperas de R . Strauss . 26 . Mencione cuatro óperas de Puccini . 27 . Mencione cuatro óperas sas del siglo XIX .

28 . Mencione cuatro óperas italianas del siglo XIX (excluyendo a Verdi) 29 . ¿Quién es el autor de la ópera Boris Godunov?

"La música del siglo XX aparenta ser tan fundamentalmente distinta de la del pasado, tan variada y de tal amplitud en sí misma, que es difícil comprender que tenga, profundas raíces en lo que ocurrió antes y, al mismo tiempo, una unidad integral que la distingue de su pasado" . Eric Salzman, La Música del siglo XX

SIGLO XX : EL EXPRESIONISMO Con el inicio del siglo XX llegamos al final del breve recorrido histórico musical que nos hemos impuesto, final que no es más que la línea imaginaria de un horizonte que señala a su vez el umbral de uno nuevo sin solución de continuidad . Mientras el impresionismo es la expresión del mundo que nos rodea tal como lo vemos, "consumando el abandono de la alegría sensual", el expresionismo es la exteriorización de nuestra conciencia y mundo interior como una concentración en los problemas del ser individual . El término, surge de las artes visuales y de la literatura alemana de comienzos del siglo XX` . Es Kandinsky el pintor representativo del expresionismo, además de Kokoschka, Klee, Rouault y Braque . En la música se aplica particularmente a la obra de Schbnberg y su escuela, aunque la expresión se usa ya libremente para señalar todo el movimiento que, en oposición al impresionismo, lanzó nuevos rumbos y nuevas soluciones para la creación musical actual . Con el expresionismo se pretende una "reestructuración de la realidad externa por medio de la exageración y la distorsión"3 06. 305)

El término fue acuñado por Herwarth Walden, editor de la revista vanguardista Der Sturm que abarcó en un principio todas las tendencias artísticas llamadas progresistas, desde el fauvismo, cubismo, futurismo, etc ., hasta las primeras tentativas abstractas . 306) Don Randel, Diccionario Harvard de Música, versión española, Alianza Editorial S .A ., Madrid, 1997, Pág . 412

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INGRAM JAÉN

Nuevos campos de la actividad musical El nuevo siglo trajo consigo diferentes campos que inciden fuertemente en el mundo de la música, tales como : el fonógrafo, el cine, la radio y la televisión, campos que a su vez expanden significativamente el interés por la música en general . El repertorio instrumental continua ocupando el primer lugar en el dominio e interés tanto del público como de los compositores . Las grandes estructuras sinfónicas, como la sinfonía, el poema sinfónico y la suite sinfónica, tan enriquecidas en el siglo XIX, continúan vigentes . A su vez aparece un nuevo despertar del género de música de cámara, particularmente a partir de 1920 cuando se ponen de moda las tendencias neoclásicas ; otro tanto sucede con el género coral ; la literatura del piano, si bien es cierto que deja de ocupar el primerísimo lugar que mantuvo durante todo el siglo anterior, cuenta aún con un excelente e importante repertorio . A su vez el género mixto del ballet, independientemente de la ópera, crece en popularidad con obras cumbres como, El Pájaro de Fuego (1910), Petroushka (1911) y Ritos de Primavera Pagana (1913) de Stravinsky, Juegos (Jeux) y Preludio a la Siesta de un Fauno de Debussy (1912), Dafné y Cloé (1912) y Bolero (1928) de Ravel, El amor Brujo (1915) y El Sombrero de Tres Picos (1919) de De Falla, La Creación del Mundo (1916) de Milhaud, Parada (1917) de Satie, y muchos otros, en los que colaboraron grandes artistas como León Bakst, Mauricio Utrillo y Pablo Picasso . Otro tanto sucede con la ópera, con El Caballero de la Rosa de Ricardo Strauss, Peleas y Melisanda de Debussy, Turandot de Puccini, Wozzek de Berg, Cardillac de Hindemith, Lady Macbeth de Shostakovitch o El amor de Tres Naranjas de Prokofieff, y muchas otras .

Que decir de la insospechada industria de las grabaciones, con discos acústicos y eléctricos, de 78 revoluciones primero, 33 revoluciones después, la grabación en alambre y en cinta magnetofónica, así como el cassette, seguido del novedoso digital conocido como CD, acompañado a su vez del video, el video digital y el no-


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vedoso DVD, destruyendo una vez tras otra los inmensos y costosos patrimonios de los melómanos y coleccionistas profesionales, que se ven obligados a desechar y adquirir nuevos componentes electrónicos para satisfacer su intermitente pasión por la música . Basta sólo señalar que un simple catálogo como el Schwann/Opus, de finales del siglo XX, promueve alrededor de 45 .000 grabaciones diferentes exclusivamente de música clásica, lanzadas al mercado mundial . Todo lo anterior y mucho más, es indicativo de que el arte de la música, pese a todo lo que se pueda decir, continúa desarrollándose a plenitud . No obstante, y esto es preciso comprenderlo, dicho desarrollo conlleva, como ha sucedido siempre en los siglos precedentes, sin excepción, la aparición y puesta en vigencia de nuevas técnicas, nuevos conceptos, nuevas tendencias y por ende nuevos gustos, así como rupturas definitivas con todo aquello que llegó a constituirse en "arte tradicional" y que se transforma de inmediato en arte del pasado, en un movimiento perpetuo . Ya en 1910 el compositor italiano sco Balilla Pratella (1880-1955) lanzó el manifiesto de los músicos futuristas en el que planteó una apología al ruido o sonidos de afinación indeterminada en el sentido de la necesidad de incorporar los ruidos de fábricas, ferrocarriles, aeroplanos, maquinarias, automóviles en las calles, etc ., al arte de la creación musical, adelantándose en cierta manera a lo que más adelante pregonaría la llamada "música concreta" . Algo semejante planteó, en 1913, Luigi Russola (1885-1947) inventor inclusive del instrumento a ruidos que denominó l 'intonarumori cuyo postulado se denominó "el arte del rumor o del ruido" . El futurismo musical consistió en la amplia revaloración del ruido como timbre con el afán de enriquecer la gama sonora general, lo que tuvo una evidente y decisiva repercusión en la creación contemporánea . Lo cierto es que la participación del ruido o sonidos de afinación indeterminada en el arte de la música tuvo lugar desde el momento en que los instrumentos percusivos son utilizados .

3 0 6 - JAIME INGRAM JAÉN Diferentes técnicas y procedimientos de composición

Las técnicas y procedimientos de composición vigentes hoy son múltiples e interesantes, pero muy desiguales en su calidad. Si bien es cierto que la composición musical contemporánea presenta obras de gran envergadura y calidad superior, existe también un inmenso emporio de mediocridades, producto del más ridículo charlatanismo . Y es lastimoso observar cómo unas y otras obras se presentan generalmente ante el público consumidor sin discriminación ninguna, a través de los medios técnicos más exclusivos de divulgación, favoreciendo a la confusión total del oyente que no sabe diferenciar entre lo bueno, lo mediocre y lo malo . Entre las tendencias y estilos actuales más importantes, siempre dentro de la desacralización de la armonía tradicional, tenemos, el Expresionismo, el Neoclasicismo307 , la Música Serial, la Electroacústica o Concreta y la Aleatoria308 , entre otros . No es función de una obra como la nuestra extenderse y profundizar en cada una de las tendencias mencionadas . Tarea semejante rebasaría la dimensión de un trabajo que no pretende más que brindar una perspectiva de síntesis, como introducción y orientación al arte de la música . 307) Según el Diccionario Harvard de la Música (Edic ., española, Alianza Editorial, Madrid, 1997) las características principales de la expresión son: la objetividad y la contención expresiva mientras que las técnicas más importantes son la claridad motívica, la transparencia de texturas, el equilibrio formal y la dependencia de modelos estilísticos" . 308) La música electroacústica o concreta es la que se hace con elementos grabados electrónicamente . Los primeros ejemplos los produjo el ingeniero y músico francés Pierre Schaeffer (1910) por los años 1948 al plantearse la idea de manipular el sonido una vez grabado . En 1951 se formó el Grupo de Investigadores de Música concreta de la RTF con personalidades tales como Boulez, Barraqué y Philippot . A su vez la expresión aleatorio significa "incierto", "depender de la suerte o del azar" . La técnica surge en la segunda mitad del siglo aunque no es una novedad . La obra puede consistir en segmentos que se repiten caprichosamente, sin un orden específico ni duración predeterminada . La personalidad más significativa en el fenómeno es el compositor estadounidense John Cage, desde 1951 con su obra Music of Changes .


Tendencias generales del siglo XX

Es nota común de los lineamientos contemporáneos la disolución del centro tonal o la negación de una tonalidad central como la que ha regido durante cinco siglos . Es el final del concepto disonancia o mejor, según expresión del propio Schünberg, "es la emancipación de la disonancia" . La Armonía tradicional, ciencia que permanecía casi incólume hasta finales del siglo XIX y parte del XX, termina su dinastía cediendo el lugar a la composición atonal . La era instrumental que se gesta desde el período barroco, última etapa del período polifónico, parece haber llegado a su punto meridiano en el siglo XX con las grandes instituciones orquestales y con las brillantes, dinámicas, coloridas y originales combinaciones instrumentales, logradas por los compositores contemporáneos . Si la era vocal polifónica llegó a su máxima expresión en la obra de los compositores renacentistas, la era instrumental ha llegado a su más alto grado de técnica y expresión en la obra de los compositores de hoy . Un compositor generalmente olvidado pero que se anticipó con sus pronunciamientos y obra a su compatriota Schónberg es el austriaco Joseph Matthias Hauer (1883-1959), instruido en la escuela Wiener Neustadt donde recibió una sólida formación musical . En 1911 descubrió un principio de la técnica de los doce sonidos309 , prioridad que defendió hasta el final de sus días . Entre su obra (óperas, suites para orquesta, una Sinfonietta, un Concierto para violín y piano, cantatas, música de cámara, canciones, piezas para piano, etc .) casi totalmente inédita, dejó dos trabajos teóricos : De la melodía a los timbales y Teoría dodecafónica : la teoría de los tropos, que datan de 1925 y 1926 respectivamente . 309) A través de lo que él denominó tropos o sea núcleos o células melódicas procedentes de una triple o cuádruple subdivisión de la escala de doce sonidos y cuyo valor esencial consiste en los intervalos que tal subdivisión engendra . Ver Introducción n la Música de uuestro tiempo, de Juan Carlos Paz, Editorial Nueva Visión, Buenos Aires 1955, Pág . 82 .

3 0 8 - JAIME INGRAM JAÉN Entre los maestros de mayor significación en la estética contemporánea, dos nombres ocupan lugar singular. El primero es el vienés Arnold Schónberg (18741951), verdadero zapador del expresionismo musical y creador de un nuevo sistema de composición que rompe radicalmente con los conceptos sonoros practicados hasta el momento, conocido como "sistema de los doce tonos" o "sistema dodecafónico" . El segundo es el ruso, exiliado en París y Estados Unidos, Igor Stravinsky (1882-1971), indudablemente la personalidad musical más celebrada de la primera mitad del siglo XX, con una obra de difusión universal y de profundo influjo . Schonberg se percató de que el sistema tonal vigente se hallaba, por agotamiento, en vías de desintegración y armándose de un valor extraordinario se propuso elaborar uno nuevo que llenaría todas sus aspiraciones . El maestro vienés, formado dentro de la más pura tradición romántica alemana y por lo tanto hijo espiritual de Brahms y Wagner y cuya maestría creadora resultó evidente desde el inicio con su Noche Transfigurada, resolvió abandonar el camino tradicional de la creación musical, sendero fácil quizás para un hombre de su talante, al entregarse, con todas sus contrariedades y difíciles consecuencias, a lo que probablemente haya sido la más ingrata revolución que tuvo lugar en la historia de la música : el lenguaje armónico atonal . Entre sus alumnos más relevantes están Anton Webern (1883-1945) y Alban Berg (1885-1935) . Ante el aparente agotamiento de la tonalidad, el método de Schonberg abrió nuevas posibilidades al arte de la composición y así en pocos años surge el serialismo integral, o la aplicación de la serie, particularmente entre los compositores ses como André Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen (1908-1992) y Pierre Boulez (1925), iniciado, este último, en la nueva técnica por René Leibowitz 310 (1913-1972) polaco de origen y discípulo de Webern en Viena, quien se estableció definitivamente en París en 1945 . 310) Son interesante las consideraciones de René Leibowitz en torno a la historia de la mnñsica, vertidas en su pequeño ensayo intitulado La evolución de la música de Bach a Schönberg, Editorial Nueva Visión, Buenos Aires, 1957 .


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No es irónico declarar que para comprender mejor los lineamentos musicales de hoy es menester poseer una clara visión de lo que ha sucedido ya en los siglos XVIII y XIX . De ahí que la comprensión de la fenomenología del arte musical, o del arte en general de actualidad, sea más asunto de profesionales y buenos melómanos que del público consumidor en general . Por otro lado no está demás aclarar que lo que sucede hoy en las artes es la consecuencia lógica del proceso evolutivo de las artes mismas ; no es el producto de una generación espontánea, ni el resultado del aislacionismo, ni una burda y caprichosa actitud de los artistas creadores . Lejos de eso, es el complemento lógico de lo que se ha estado haciendo hasta ahora . Los conceptos que rigen los cánones estéticos de] arte en un momento dado no son ni pueden ser estáticos; estos se mantienen en constante renovación, en la ininterrumpida y latente búsqueda de la "nueva verdad" . Cada período de la historia del arte no es más que el eslabón de una inmensa cadena, eslabón que representa la expresión de una sociedad determinada en un período determinado . El artista creador es el producto concentrado de la sociedad en que se agita, y para lograr expresarse con originalidad, necesariamente tiene que crear sus propios medios de expresión si es que los tradicionales resultan insuficientes y obsoletos para producir una nueva dimensión creadora . Es interesante observar la historia de la humanidad a través de la obra de los artistas que la representan . Qué expresivas pueden ser las microformas románticas, por ejemplo, con los Momentos Musicales de Schubert o los Nocturnos de Chopin, para mostrar una imagen cabal de un grupo social europeo del siglo XIX" . Qué diferente de 311) Es significativo e interesante, por ejemplo, el análisis que hace la escritora periodista estadounidense Bárbara Tuchman, ganadora del Premio Pulitzer, en su ensayo intitulado La Torre del Orgullo, un retrato del inundo antes de la gran guerra, de la Alemania imperial del último cuarto del siglo XIX a través de la obra musical de Ricardo Strauss . Ver The Proud Tower, de Barbara Tuchman, Mcmillan Company, New York, 1965, Capítulo 6 .

3 1 0 - JAIME INGRAM JAÉN aquella que nos muestra la obra de Bach en sus Cantatas o Antonio de Cabezón en sus Tientos y Diferencias . Asimismo la música de hoy, lejos de ser una afrenta a nuestra personalidad, como algunos podrían gratuitamente pensar, es el reflejo fiel de nuestra propia humanidad . Tanto el impresionismo como el expresionismo no son más que frentes comunes de la gran lucha planteada contra los postulados subjetivos y personales del romanticismo alemán, mediante un arte que pretende ser más objetivo y universal, que si bien es cierto utiliza elementos comunes con el arte anterior, conlleva un nuevo concepto de objetividad más acorde con nuestra época . Compositores del siglo XVIII, como Haydn y Mozart, por ejemplo, poseedores de una técnica impecable, fueron totalmente objetivos e impersonales en su obra al considerar que los sonidos musicales tal como ellos los producían, eran de por si suficientemente elocuentes como vehículos portadores de emoción . Con la llegada del dinamismo romántico el concepto de la creación musical muda radicalmente . El compositor de ese período rechaza la posición de su antecesor clasicista y antepone la expresión de su propia emoción a la posición objetivista y universal precedente . Eso hicieron, particularmente, Chopin, Schumann, Liszt y Wagner, de ahí el sello individualista, personal e innovador de sus obras . Su meta fue exponer en forma amplia sus propios sentimientos, aunque para ello tuvieran que romper con todos los reglamentos de las disciplinas musicales existentes, por más ortodoxos que estos fueran . Para el compositor ochocentista el sonido de por sí careció de significación estética . En sus manos, el mensaje musical se hizo más expresivo y humano ; por eso la extraordinaria accesibilidad de su obra para el público, que descubre en la generalidad de dichos compositores, un especial contenido poético así como una nueva y plácida fuerza expresiva . La fuente generadora del nuevo concepto, musicalmente hablando, es Beethoven . El gran maestro alemán agota la objetividad clasicista, transformándose en el ar-


tífice de la simbiosis impersonal/personal, objetivo/ subjetivo, brindándole a la música una nueva dimensión de expresividad . Esto no quiere decir que el compositor clasicista careció de contenido emocional, sino, simplemente, que en él predominó, en forma espontánea y casi axiomática, la razón sobre la fantasía, la organización sobre la ostentación, la perfección y el balance de los materiales sonoros sobre los elementos antitéticos e individualistas . Es precisamente ese retorno a lo universal, a lo impersonal, a la pureza del lenguaje, al equilibrio y a la sobriedad de la forma, el postulado general que plantean los compositores contemporáneos aunque con materiales, idioma y conceptos diferentes . Por otro lado no puede existir una teoría estética definitiva, inflexible y omnicomprensiva sobre la creación musical actual . Por el contrario, todo intento por establecer una estética que refleje la realidad de la creación musical de hoy, tendría necesariamente que enfocarse como una "metodología en perpetuo cambio" que sólo sería aplicable en un momento determinado . Dicha metodología a su vez, exigiría una "constante conciencia de su provisionalidad" a la vez que constituiría un "eslabón a más de una larga y extensa cadena" cuyos componentes totales serían imprescindibles para la verdadera y cabal comprensión del fenómeno objeto de nuestro analisis. 312 Lejos de pretender brindar una explicación completa de la fenomenología de la música actual mencionaremos a continuación algunos de los hallazgos más originales de las nuevas creaciones . Dichos hallazgos son, precisamente, los que desconciertan de inmediato al auditorio, debido a las constantes e insospechadas innovaciones . De ahí que el desarrollo de la música del siglo XX estaría sintetizado en una descripción detallada y cronológica de los rompimientos sucesivos y constantes con las normas ya establecidas . La cronología de dicho rom312) Luis de Pablo: Aproximación a win Estética de In Música Contemporà- nea, Edit. Ciencia Nueva,Madrid, 1968.

3 1 2 - JAIME INGRAM JAÉN pimiento es difícil de establecer . En un comienzo se rompió con la división tradicional de compases en grupos de 4 o múltiples de 4 que prevalecía ya desde el período barroco, lo que se denomina "verso musical' . La frase continuaba siendo la unidad de la arquitectura musical pero su inicio y su fin ya no eran fácilmente percibidos . La repetición seguía constituyendo el principio fundamental de la estructura musical, aunque se trataba de una repetición encubierta, variada, que se manifestaba a intervalos irregulares y en lugares inesperados . Gracias a la variedad métrica, la música regresaba al encanto de lo irregular de antaño, aquella riqueza rítmica original que había perdido sistemáticamente desde el siglo XVI en adelante . Los primeros intentos de prosa musical, en oposición al verso musical, se encuentran en las obras de Modesto Mussorgsky y Max Reger . El concepto de prosa musical abarca todos los intentos para liberar los diversos elementos de la música de las ataduras de la organización simétrica, tan propia de la creación musical anterior al movimiento impresionista . A la asimetría melódica se adicionó la asimetría rítmica. La música se encaminó en el campo del ritmo, a otra dimensión, a través de nuevas revoluciones . Compositores como Bartok y Stravinsky comienzan, en las dos primeras décadas del siglo, a utilizar desplazamientos sincopados de acentos, trastornando el equilibrio del compás tradicional, inspirados por el folclor húngaro y la rítmica africana respectivamente . Entre ambos se lleva a cabo el desalojo de la atención sobre el campo armónico hacia el campo rítmico como centro de gravitación del discurso sonoro . A partir de las primeras grandes experiencias, tales como la Consagración de la Primavera de Stravinsky o Dafne y Cloé de Ravel, la asimetría rítmica se convirtió en norma de la composición musical . Tal es el impacto que produce la Consagración que el público que asiste a su estreno mundial, el 29 de mayo de 1913 en París, no pudo resistir la politonalidad disonante y los novedosos ritmos asimétricos . El maestro Saint-Saëns, octogenario a la sa-

zón y de una mentalidad propia de una estética anterior, se retiró del Teatro, totalmente indignado, inmediatamente después de los primeros compases iniciales de la obra . El propio Ricardo Strauss, pese a que era considerado en aquel entonces como "el mayor compositor del momento" ya había estremecido violentamente tanto al público como a la mayoría de los críticos de renombre, entre los 200 más afamados que asistieron a la premiere, con el atrevido y espectacular estilo de orquestación de su ópera Electra, el 25 de enero de 1901 al punto de ser tildado de loco! Hemos dicho al inicio de esta obra que los ruidos ocupan un lugar importante en el arte de la música . El fenómeno no es nuevo . Compositores como Mozart y Beethoven así lo comprendieron . En el inicio de la marcha alemana, en si bemol, del último movimiento de la Novena Sinfonía, Beethoven utiliza bombo, triángulo y platillos, instrumentos percusivos de afinación indeterminada o ruidosos, que escandalizaron los oídos de la época . Posteriormente los compositores del siglo XIX y sus sucesores, incorporaron a sus partituras mayor cantidad de instrumentos percusivos exóticos : Tchaikovsky incluye con la Obertura 1812 un cañón militar (!) buscando un efecto sonoro específico, detalle que hoy día ya pasa casi desapercibido . Los compositores del siglo XX dan una participación aún más importante al factor ruido, no sólo en la música instrumental sino también en la vocal . La tradicional palabra hablada o recitativo tan utilizado en la ópera, se enfatizó aun más y se enriqueció con nuevas sutilezas melódicas (melodía hablada) . El ejemplo más impresionante quizás lo encontramos en la partitura de Pierrot Lunaire (1912) de Schonberg quien enfrentó grandes dificultades para su correcta notación . La novedad fue inmediatamente adoptada por otros compositores particularmente por sus discípulos . Al año siguiente el maestro vienés compone su partitura coral, La Mano Feliz, en la que une melodías habladas con melodías cantadas . Su discípulo Berg, osadamente amplía aún más las posibilidades en la ópera Wozzek (1917) .

3 1 4 - JAIME INGRAM JAÉN En 1915 el compositor francés Milhaud hace la primera combinación de coros hablados mixtos con música puramente de ruidos o sonidos indeterminados, utilizando 15 percusionistas en su obra, Las Coéforas . El uso de instrumentos de afinación indeterminada, que producen ruidos, se hizo característico durante la tercera y cuarta década del siglo . En efecto una de las obras más interesantes en este sentido es la Sonata para dos pianos, percusión y celesta de Bartok que data de 1937 (la obra existe también en la versión de Concierto para dos pianos, percusión y orquesta, de 1940), así como la Toccata para instrumentos de percusión, de 1942, del mexicano Carlos Chavez, interesante obra en tres movimientos, con diversos tipos de tambores, actuales y precolombinos, entre otros instrumentos percusivos . Otro elemento incorporado a la música actual es el de la simultaneidad tonal, noción ya conocida en la pintura y en la poesía lírica de la segunda década del siglo XX . La simultaneidad desde el punto de vista melódico ya se conocía desde la Edad Media ; en el siglo XX se aplicó en los campos de la tonalidad y del ritmo . Uno de los ejemplos más tempranos de la simultaneidad tonal nos la brinda Bartok, en 1908, en la primera de las Catorce Bagatelas, Op . 6 . La pieza tiene dos líneas melódicas escritas en tonalidades distintas : una en do sostenido menor y la otra en fa menor . Si bien es cierto que ya Bach había incursionado en la bitonalidad, en uno de sus Dúos para clave, es solo en nuestro siglo que se establece en forma definitiva la politonalidad simultánea . Ya se ha dicho que si hace mil años se pasó de la monofonía a la polifonía no hay razón para que ahora no se pase de la monotonalidad a la politonalidad . Stravinsky usa constantemente hasta tres tonalidades simultáneas y Milhaud en su Tercera Sinfonía para pequeña orquesta (1912) tiene pasajes en que seis instrumentos diferentes ejecutan seis melodías en seis distintas tonalidades, a la vez . La innovación fue de inmediato emulada por otros compositores importantes del momento, entre ellos : Busoni, Ricardo Strauss, Debussy, Ravel y Prokofiev .


La simultaneidad rítmica fue experimentada tempranamente por el compositor francés Eric Satie, el estadounidense Charles Ives y el propio Stravinsky . Sucesivamente el compositor vienés Berg enriquece el campo de la polimetría y polirítmica con el concepto nuevo que él denomina rondó rítmico, que aplica tanto en su Concierto para violín (1935) como en su ópera Lulú (1929-35) .

Con la técnica dodecafónica, y a partir de la Suite

para piano Op . 25 de Schonberg, se incorpora un nuevo

concepto a la música vanguardista del siglo XX : el atonalismo organizado, con el que se tiran por tierra las reglas de la armonía tradicional y se abren al mismo tiempo nuevos horizontes para la creación musical . Ejemplo irable y riguroso de esta segunda etapa del atonalismo lo constituye el ya mencionado drama musical Wozzeck de Alban Berg, de una trascendencia comparable a Boris Godunov de Mussorgsky o a Peleas y Melisanda de Debussy. Otros compositores a su vez buscaron nuevos rumbos en el campo de la Afinación Temperada basando sus teorías en la división matemática, no natural, del sonido . Inclusive los griegos conocieron los microintervalos dentro del tetracorde . El propio Aristóxeno313 , teórico del siglo IV a . C ., habló de cuartos, tres cuartos y tres octavos de tono, y en la música de la India se utilizan intervalos menores que el semitono occidental . La bisección matemática del semitono en la música occidental se practicó desde finales del decimonono y se extendió hasta mediados del siglo XX en la obra de compositores como, Alois-Haba, Novak, Carrillo, Bloch, Enesco y Krenek entre otros, quienes aplicaron la microtonalidad en diversas ocasiones .

El maestro mexicano Julián Carrillo (1875-1965) fue uno de los zapadores de la bisección del sonido y sin duda el compositor más importante en nuestro Continente en dicha innovación . Entre sus obras -en las que aplica sus nuevos experimentos- está el Concertino para

313) Aristóxeno propuso, inclusive, una afinación semejante a la que posteriormente se llamaría afinación temperada .

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violín, guitarra, violonchelo, octavina, corno y arpa con cuartos, octavos y dieciseisavos de tono . En 1931 el compositor moravo Alois Hába (1893-1973) discípulo de Novak en Praga y de Schrecker en Viena, estrenó en Munich la primera ópera conocida en cuartos de tono, llamada La Madre . En 1924 la casa Foerster fabricó un piano con cuartos de tonos siguiendo el diseño proporcionado por el compositor . Hába impartió clases de composición en cuartos de tonos en el Conservatorio de Praga . El género microtonal ha ido desapareciendo, en parte por la dificultad de su ejecución (habría que construir instrumentos especiales para hacerlo), por haberse puesto en duda la necesidad de la bisección del sonido y nuestra ineptitud para usarla . El compositor actual da al sonido en sí toda una importancia muy particular . De ahí la proliferación de las combinaciones y timbres . Cada cual busca y experimenta su propia sonoridad para identificarla con la expresión de su emoción creadora, pero la calidad de esa emoción así como la forma expresiva que adopta es radicalmente diferente y hasta opuesta a lo que se haya hecho hasta el momento . De ahí la imposibilidad de juzgar el arte actual con los cánones estéticos ya establecidos y propios de una época pretérita . El oyente de hoy tiene que estar preparado para recibir el mensaje de una obra que no se ajusta a ninguna experiencia previa, un mensaje que pareciera tirar por tierra todo lo convencional y axiomático anterior, y una obra que no ite comparaciones ni análisis superficiales, pero que reafirma, mas que nunca, el derecho impertérrito que tiene el arte y el artista creador de renovarse en cada instante de su existencia . Como quiera que la música es un arte que transcurre en el tiempo, los conceptos tiempo y forma musical se tornan inseparables . La forma musical tradicional se manifiesta mediante la identificación del mensaje sonoro y de la transformación y reiteración de ciertas células reconocibles . A comienzos del siglo XX, las repeticiones y reiteraciones fueron desapareciendo poco a poco, lo que se conoce como "renuncia de la memoria del men-


saje musical", aunque el discurso sonoro tal como fue decidido y escrito por el compositor permanecía inalterable . Al no transformarse (desarrollo) ni repetirse (recapitulación) el material sonoro -eliminándole las simetrías definidas durante la época clásico/romántica- no había lugar para la elaboración, aunque sólo fuera en forma muy subjetiva, de una estructura sonora . Se obtenía pues una exposición o presentación sonora simple y llana, a través de todo el discurso que ya de por sí rompía, por su intermitente novedad, con el procedimiento tradicionalista . Aún así, el discurso sonoro, al ejecutarse nuevamente, surge siempre igual, en virtud de que así ha sido ordenado y escrito por el propio compositor . Es interesante constatar, por otro lado, que en un país como Italia que durante todo un siglo ha estado prácticamente viviendo del bel canto haya surgido una generación obstinadamente interesada en las técnicas más actuales de composición, lanzando inclusive el conocido Festival de Palermo que mantiene sus puertas abiertas a toda clase de manifestación musical novedosa . A la cabeza de esta amplia apertura se colocaron dos compositores ya de renombre internacional : Luigi Nono (1924-1990) y Luciano Berio (1925) . El primero, licenciado en Derecho, fue alumno de Malipiero, Maderna y Scherchen . En 1955 casó con Núria la hija de Schónberg y a partir del éxito de II canto sospeso (1956) se lanza a una carrera internacional de primera magnitud . De 1954 a 1960 trabajó en el estudio electrónico de Radio Milán . A su vez Berio, quien también hizo estudios de Derecho, asistió a los cursos de Dallapiccola en Tanglewood (Estados Unidos), convirtiéndose en poco tiempo en una de las personalidades internacionales más importantes del momento . En 1954 fundó con Bruno Maderna el Estudio de Fonología de la RAI (Milán) donde ya había realizado experiencias electroacústicas . De 1965 a 1971 fue profesor de composición de la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, para regresar a Europa y ser profesor del IRCAM de París y Director de la Academia Filarmónica de Roma, en 1976 .

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Durante la tercera década del siglo XX el estadounidense Charles Ives"" que según Juan Carlos Paz es "el músico creador más potente y original que haya surgido en América""", hace las primeras experiencias de eliminación estructural en su original Sonata Concord, para piano, a través de una serie de fragmentos que pueden yuxtaponerse y dinamisarse en forma libre y espontánea (música aleatoria) . En otras palabras, música que ite tipos antitéticos de ejecución por no haber predeterminado el compositor un camino único a seguir . Esta irable como sorprendente experiencia pasó desapercibida en el momento y sólo se repite muchos años después, también en Estados Unidos, con John Cage, en Music of Changes (1951), en Europa con el alemán Stockhausen en Pieza de piano N° XI y el francés Boulez en su Tercera Sonata para piano . En todas estas obras el concepto forma sufrió una transformación radical no solamente por la ausencia de una memoria musical sino principalmente por la imposibilidad de obtener dos ejecuciones materialmente iguales . En efecto el mensaje sonoro se manifiesta en forma distinta en cada versión, dependiendo del ejecutante, aunque el compositor continúa conservando la responsabilidad de todo y cualquier resultado que pueda obtenerse con sus materiales sonoros originales por más reducidos que estos parecieran ser. No hay que olvidar que los parámetros que rigen la creación de las grandes obras de arte están siempre en constante renovación y que lo que hoy constituye elemento de novedad que exige conocimiento y comprensión extrema por parte de cada uno, se transforma tarde o temprano en materia superada y pasa a hacer parte de un legado pretérito que hay que conservar. Es precisamente esa sensible complejidad de la naturaleza del arte lo que dificulta cada vez más una crea314) Ver, Charles Ives y su Música, por Henry y Sidney Cowell, con prefacio de Juan Carlos Paz . Rodolfo Alonso Editor, Buenos Aires, 1971 . 315) En el prefacio intitulado Charles Ives, un fenómeno musical, de Juan Carlos Paz, a la biografía anteriormente mencionada .


ción original que queda restringida momentáneamente a grupos de iniciados . De ahí que su divulgación deba someterse a cronogramas cuidadosamente planificados 316 ; así por ejemplo, una nueva obra musical contemporánea sólo podría captar el interés del hombre medio, si se pudiera escuchar un número plural de veces, en momentos y ambientes adecuados y a través de ejecuciones de calidad superior. Es sabido, sin embargo, que reunir estas condiciones no es siempre fácil aún en grandes metrópolis, por lo que es menester que los organismos de instrucción y divulgación general, en los que recae la grave responsabilidad de informar y enriquecer culturalmente a la ciudadanía, observen y comprendan el fenómeno con la seriedad e interés que amerita, para impedir que el hombre de hoy, tan agobiado cotidianamente por el feroz pragmatismo que lo rodea, quede triste e irreparablemente marginado del mundo extraordinario del arte musical y la cultura artística en general .

316)

Que en países corto el nuestro debe necesariamente programarse con grabaciones cuidadosamente seleccionadas .

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BREVES BIOGRAFÍAS Arnold Schünberg (1874-1951) Importante e innovador compositor austriaco 317, creador del Sistema de los doce tonos 318 , conocido también como dodecafonismo . Huérfano a los quince años se emplea en la banca y prosigue estudiando música por su cuenta . Dirige un coro, escribe canciones para un cabaret e instrumenta operetas . Autodidacta en buena medida, tomó lecciones con Alexander von Zemlinsky 319 (1872-1942) fue heredero de la más auténtica tradición wagneriana postromántica, lo que queda patente en sus primeras obras, particularmente en su sexteto, Noche Transfigurada,Op . 4, transformada en el Ballet Los siete pilares de fuego . Fue director de orquesta del cabaret literario de Berlín (Buntes Theater) . Sus canciones, Giirrelieder, le valieron la recomendación de Ricardo Strauss, para el Premio Liszt así como una cátedra de composición en el Conservatorio Stern . Después de la Primera Guerra mundial abrió en Viena un seminario de composición en el que se inscribieron discípulos y colaboradores que pronto se harían muy conocidos, entre ellos, Ratz, Berg, Steuermann y Webern . Entre 1921 y 1924 nacieron sus primeras obras escritas dentro de la discutida nueva técnica de los 12 sonidos . En 1925 sucedió a Ferrucio Busoni en las clases superiores de composición en la Academia prusiana de Berlín. En 1933 se exilió en Francia, para continuar de inmediato a los EE .UU ., donde vi317) Existe una excelente versión castellana de la obra, Vida, contexto y obra de Schünberg de H .H . Stuckensclunidt, en Alianza Editorial, S .A ., Madrid, 1991 . 318) Realmente el Sistema de los doce Tonos fue creado por el austriaco Joseph Mathias Hauer (1883-1959) quien además de músico era reconocido matemático . Hauer publicó en 1912 una obra para piano llamada Loa,, que constituye la primera composición conocida escrita dentro de dicha técnica . Las primeras obras dodecafonistas de Schünberg solo aparecen en 1923 . La expresión dodecnfonismo fue usada por primera vez, en 1911, por el musicólogo e historiador italiano Domenico Alaleona (1881-1928) . 319) Zemlinsky, cuñado de Schünberg, además de compositor fue importante director de orquesta .


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vio el resto de su vida, siendo profesor tanto en Nueva

York como en Boston y Los Angeles en la Universidad de California, donde recibió alumnos de todos los confines del planeta . Murió trabajando en los textos de los Salinos modernos . Su obra comprende, entre otras cosas : piezas para piano ; 3 Piezas Op . 11 ; 6 Piezas pequeñas Op .

19; 5 Piezas Op . 23 ; Suite Op . 25; 2 Piezas Op . 33 ; Variaciones sobre un Recitativo Op .40; Fantasía Op . 47 para violín y piano ; Trío de cuerdas, Op . 45; 4 Cuartetos para cuerdas ; Quinteto de Viento Op . 26; Noche Transfigurada Op . 4 (sexteto de cuerdas) ; Serenata Op . 24 para 8 instrumentos ; Suite Op . 29 para siete instrumentos; Sinfonía de cámara n ° 1, Op . 9, para quince instrumentos ; el poema sinfónico, Pelleas y Melisanda Op . 5 ; 5 Piezas para orquesta Op . 16 ; Variaciones para orquesta, Op . 31 ; Música para una película, Op . 34; Concierto para violín, Op . 36; Concierto para piano Op . 42; Tema y Variaciones Op . 43 ; etc . Para canto escribió varios grupos de Heder, entre ellos Gurrelieder y el ciclo de 21 melodramas, Pierrot Lunaire, así como diversas obras corales . Su ópera Moises y Aaron, en 3 actos, quedó inacabada . Entre sus escritos se conocen universalmente, su tratado, Armonía Tradicional (traducido a todas las lenguas) así como su ensayo filosófico, Estilo e Ideas . El sistema creado por Schónberg rompe definitivamente con todo el sistema armónico conocido hasta entonces . Manuel De Falla (1876-1946)

Importante compositor español . Estudió armonía y composición en Cádiz, y piano en el Conservatorio de Madrid en el que obtuvo los mayores honores . Entre 1900 y 1905 escribe varias zarzuelas en colaboración con Vives de las que quedó únicamente Los Amores de la Inés que alcanzó moderado éxito . En 1903 ganó un premio nacional con su obra para piano, Allegro de Concierto, y en 1905 se adjudicó el Premio de la Academia de Bellas Artes de Madrid con su ópera La Vida Breve, su primera obra realmente importante . Ese mismo año compone sus Siete canciones populares españolas que constituyen, hasta hoy, uno de sus mayores éxitos . En 1907 viajó a París donde vivió siete años, alternando con los mayores artistas del momento : Debussy, Dukas, Ravel, Satie, Albéniz, Schmitt, Roussel, Stravinsky etc ., y

3 2 2 - JAIME INGRAM JAÉN absorviendo todas las novedades de la Escuela Impresionista . En 1908 escribe las Piezas Españolas, para piano (1908) y Tres Melodías (1909) con texto de Gautier, publicadas al año siguiente . Al estallar la Primera Gran Guerra regresa a Madrid, y en 1915 estrena El Amor Brujo . De Falla que era un hombre ajeno a cualquier tipo de publicidad o vida social, en 1919 se retiró a Granada, a la sombra de la Alhambra, donde residió durante 17 años apartado de cualquier otra actividad que no fuera la composición musical y viajando esporádicamente a otras ciudades europeas para escuchar la ejecución de sus propias obras . Ese mismo año Diaghilev presenta en Londres El Sombrero de los Tres Picos, ballet inspirado en la obra original de Antonio de Alarcón . A raíz de la guerra civil española De Falla se expatrió voluntariamente en Argentina, residiendo en Alta Gracia, provincia de Córdoba, donde escribió su cantata escénica La Atlántida, que no llegó a terminar320 . De Falla murió en Alta Gracia el 14 de noviembre de 1946 . Otras obras importantes son : Fantasía Bética (1919) para piano, obra encargo del célebre virtuoso Arturo Rubinstein ; Noche en los jardines de España, para piano y orquesta (1915) ; Homenaje a La tumba, de Debussy, su única obra para guitarra ; El Retablo de Maese Pedro (1923) ; Concierto para clavecín y orquesta (1926) dedicado a la gran clavecinista polaca Wanda Landowska, etc . Pese a que la obra de De Falla no es muy abundante, mantiene siempre un nivel de calidad superior. Bela Bartok (1881-1945) Compositor húngaro, de corte nacionalista . A los nueve años escribió sus primeras composiciones para piano y al año siguiente tuvo sus primeras presentacio320)

probablemente la obra más ambiciosa de Manuel de Falla, que lo mantuvo ocupado durante casi 25 años, fue terminada por el compositor español Ernesto Halffter . Como quiera que los derechos de la partitura los tenía legalmente la Casa Ricordi de Milán, ésta decidió que la primera presentación mundial se realizaría en La Scala, lo que motivó una discusión con España que insistía que se diera en territorio español por constituir una obra épica nacional . Ambas partes llegaron a un acuerdo, que consistió en que se diera en España una "versión de concierto" con partes de la obra, mientras la versión escenográfica completa se produjera en La Scala. Y así se hizo . La Atlántida,


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nes públicas como pianista . Hizo estudios intensivos de música en Pressburgo con Lászlo Erkel, después de lo cual asistió a la Academia Real de Música de Budapest (Hungría) donde fue alumno de piano de István Thomán y composición de János Koessler . En 1907 fue nombrado instructor de piano en la Academia . Excelente pianista, viajó por Europa y Estados Unidos ejecutando sus propias obras . Ya para ese entonces había escrito gran cantidad de obras, entre ellas : 14 Bagatelas Op . 6; Cuarteto para cuerdas, Op . 7; Para los niños, colección de 85 cantos populares arreglados para piano (1908) muy útiles para la pedagogía musical ; la ópera El Castillo de Barba Azul (1911) y el popular Allegro Bárbaro para piano . En 1940, con 60 años de edad, estableció su residencia definitiva en Estados Unidos, falleciendo cinco años después, de leucemia, en un hospital de Nueva York, en completa penuria y prácticamente abandonado muy a pesar de haber sido reconocido como "uno de los compositores titanes del siglo" . Fue un investigador infatigable del folclor húngaro material que recogió en una publicación monumental, junto con Zoltán Kodály, creando a su vez un estilo muy personal de composición . Su obra, incluye : un Quinteto con piano (1904) ; Suite para orquesta Op . 3 (1905) ; 2 Conciertos para violín y orquesta (1907 y 1938) 6 Cuartetos para cuerdas (1909/1939); 2 Sonatas para violín y piano (1921 y 1922) ; 2 Rapsodias para violín y piano (1928) con versiones para violín y orquesta ; Sonata para violín sólo (1944) ; 3 Conciertos para piano y orquesta (1926/1945) ; Música para cuerdas, celesta y percusión (1936); 14 Bagatelas para piano (1908) ; Diez piezas para niños (1908) ; Allegro Bárbaro para piano (1911) ; Sonatina para piano (1915) ; Suite Op . 14 para piano (1916) ; Tres Estudios para piano (1918) ; Sonata para piano (1926) ; Suite para piano "Al aire libre" (1926) ; Concierto para Orquesta (obra comisionada por Koussevitzky en 1943) ;

Suites para pequeña orquesta ; Danzas Rumanas ; Danzas húngaras ; Sonata para 2 pianos e instrumentos de percusión

(1937) de la que existe también una versión con acompañamiento de orquesta de 1940 llamada Concierto para dos pianos y orquesta ; Música vocal : Gran variedad de canciones inspiradas en melodías populares, etc . Para le es-

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cena escribió la ópera como los ballets El

El castillo de Barba Azul (1911), así Príncipe de madera (1916) y El Mandarín milagroso (1919) . Para piano escribió también un Método que ha tenido mucha divulgación, además de la célebre colección, Mikrokosmos, especie de método para piano en 6 volúmenes, con 156 piezas en total, escritas entre 1926 y 1937, muy conocida en todos los Con-

servatorios y Escuelas de Música . Bartok dejó una diversidad de artículos y pequeños ensayos particularmente sobre música popular tanto húngara como eslovaca, búlgara, rumana y turca 321 .

Igor Stravinsky (1882-1971) Compositor ruso y una de las personalidades musicales más decisivas del siglo XX322 . Su padre fue un célebre cantante del Teatro Marínsky de San Petersburgo . Obtuvo su licenciatura en Derecho en 1905, a instancias paternas, pero optó por ser compositor y fue discípulo de Rimsky-Korsakov, durante tres años . Su recia personalidad se hace notar a partir del Scherzo fantástico (1908) y Fuego de Artificio, obras que demuestran ya su maestría en el arte de la instrumentación . En 1910, a solicitud de Sergei Diaghilev 323 , obtiene su primer gran éxito con la partitura del ballet, El Pájaro de Fuego, éxito que se renueva con Petrouchka, en la que demuestra, entre varias otras cosas, un particular y novedoso uso del 321) Una amplia muestra, en castellano, de sus artículos, así como una corta autobiografía con un prefacio de Zoltán Kodály, se encuentra en, Bela Bartók, escritos sobre mùsica popular, publicación de Siglo Veintiuno editores, S .A., México, 1979 322) Recomendamos la lectura de Crónicas de mi vida, del propio Stravinsky, publicadas, en un tiraje limitado y numerado, en versión castellana, con una carta prólogo de Victoria Ocampo y un retrato de Picasso, en, Editorial Sur, Buenos Aires, 1936 . 323) Célebre mecenas y empresario ruso que supo reunir los mejores bailarines del teatro imperial para espectáculos públicos tanto en Rusia como en París y otras ciudades . En 1913 su grupo que denominó Ballets Rusos, formado en 1911, inauguró el Teatro de los Campos Elíseos de París, brindando las primeras presentaciones mundiales de obras como : Petrouchka, la Consagración de la Primavera, El Pájaro de Fuego, El gallo de oro, etc . (Stravinsky), El Espectro de la Rosa (Weber), El Lago de los Cisnes (Tchaikovsky), Daplmis y Chloé (Ravel), L'Aprés midi d'un forme (Debussy), etc .


folclor . No obstante la obra que constituyó el símbolo de la creación musical de la primera parte del siglo XX fue La Consagración de la Primavera, obra revolucionaria en todo sentido, con una polirítmia emancipada y poderosa, compases de siete, once, trece tiempos y síncopas variadas, etc ., que desencadenó un escándalo masivo, en la noche de su estreno, el 29 de mayo de 1913 en el Teatro de los Campos Elíseos, de París . Con estas tres obras maestras Stravinsky se convirtió en un clásico, y en el representante por antonomasia del expresionismo musical, junto con Schonberg . La Revolución de Octubre (1.917) le lleva a refugiarse en París, donde escribe El Canto del Ruiseñor, Las Bodas, La Historia del soldado (1918), Polichinela (1919) Sinfonía para instrumentos de viento (1920), la ópera cómica, Mavra (1922), Octeto para vientos (1923), Concierto para piano y orquesta de vientos (1924) así como Sinfonía de los Salinos, Edipo Rey, Apolo Lider de las Musas, y la ópera The Rake's Progress, etc .,

obras todas de primerísima importancia . A raíz de la Segunda guerra Mundial (1939), decide residir permanentemente en EE .UU . En la década de los 50 experimentó con el sistema de los doce tonos y lanza su Cantata sobre cuatro poemas ingleses anónimos, Septeto y el nuevo ballet, Agon (1956), pasando luego a incurrir en el serialismo con su obra Sacrum ad honoren Sancti Marci noninis . En 1959 ocupo la cátedra de Poética Musical en la Universidad de Harvard, dictando seis charlas magistrales que fueron recogidas y traducidas a varios idiomas" . Otras de sus obras son : El beso del Hada, Capriccio (para piano y orquesta), Concierto en re para violín y orquesta, Persefone (melodrama), juego de Cartas (ballet) . Concierto en do (para 14 instrumentos), Sinfonía en do, Oda, Sinfonía en tres movimientos, Misa (para coros mixtos, coro de niños y diez instrumentos), Orfeo (ballet), etc . Anton von Webern (1883-1945) Compositor austriaco . Estudió musicología con Guido Adler y recibió el título de doctor en Filosofía en 324) Las charlas de la cátedra, Poética Musical (con nota preliminar de Adolfo Salazar), han sido recogidas y vertidas al español por diferentes editoriales argentinas y españolas .

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la Universidad de Viena, en 1906 con la tesis Choralis Constantinus de Heinrich Isaac . Fue discípulo de Schbnberg y dirigió orquesta durante varios años en diferentes teatros provinciales y en Praga . Se dedicó a la enseñanza de la composición y a dirigir conciertos populares para los obreros . Su obra, aunque limitada, incluye, entre otras: 4 Piezas para violín y piano; 3 Pequeñas Piezas Op . 11; Tríos de cuerdas, Op . 20 ; Cuarteto Op . 22 para violín clarinete, saxofón, tenor y piano; Cuarteto Op . 28; Quinteto con piano (1906) ; Sinfonía Op .21 ; Concierto Op . 24; Variaciones Op . 27; Variaciones Op . 30, etc . Música vocal abundante con diversas combinaciones instrumentales . En 1934 cuando Austria se incorporó al Tercer Reich, a Webern, el austero miniaturista de la Escuela de Viena 325 alegremente acusado de bolchevismo cultural, se le despoja de sus posiciones oficiales, se destruyen sus manuscritos y se prohibe la ejecución de sus obras . Webern murió por un tiro que recibió, accidentalmente, de parte de un soldado norteamericano . Para muchos Webern es el representante más significativo de la Escuela de Schónberg también conocida como Escuela de Viena . Alban Berg (1885-1935) Compositor austriaco . A pesar de su temprana inclinación por la música sólo empezó a recibir instrucción musical seria a partir de los 20 años, con Schbnberg . A partir de 1906, gracias a una herencia recibida, pudo dedicarse por entero a la composición . Su primera obra de cierta importancia, Cuatro Canciones para Orquesta (Altenberg Lieder, 1912), constituyó un caos en su primera presentación pública en Viena, en 1913, lo que continuó sucediendo con otras de sus creaciones . No obstante Berg, indiferente al rechazo del público, continuó componiendo lentamente, con gran pulcritud y sensibilidad . Su obra apenas rebasa los diez títulos pero ya se ha dicho que casi cada página suya constituye una obra maestra . A la altura de la Primera Gran Guerra, Berg sólo había escrito dos obras de mayor importancia : Cua325)

Su maestro, Schbnberg, decía que "Webern era capaz de expresar una novela en un sólo suspiro" .

ORIENTACIÓN MUSICAL- 3 2 7 tro Piezas, Op . 5 para clarinete y piano (1913) y las Tres piezas para Orquesta, Op . 6 (1914) . Dedica varios años en escribir la ópera Wozzek, que termina en 1920 y cuya pri-

mera audición mundial tuvo lugar en la Opera del Estado de Berlín en 1925, dirigida por Erich Kleiber, obra que le dio prestigio mundial . Ese mismo año escribe el Concierto de Cámara, para piano, violín y 13 instrumentos de viento, seguida de Suite Lírica (1926) y del Cuarteto para cuerdas . En 1927 la Editorial Universal de Viena le firmó un contrato de por vida . En 1935 escribe su célebre Concierto para violín32 y su ópera Lulú, que quedó sin terminar . En agosto del año 35 fue picado por un insecto desconocido que le produjo un absceso ; cuatro meses después fue operado, se le hizo una transfusión de sangre y una semana después murió víctima de una septicemia . De los tres grandes compositores de la Escuela de Viena, Berg fue el único que se preocupó por reconciliar el atonalismo con la gran tradición tonal . 6

Sergio Prokofiev (1891-1953)

. A los cinco Compositor y brillante pianista ruso"' años escribió sus primeras obras para piano y a los 9 compuso la partitura de piano de su primera ópera llamada El Gigante . Estudió composición con Gliere, Liadov y Rimski-Korsakov, piano con Essipova y dirección de orquesta con N . Tcherepnin en el Conservatorio de San Petersburgo . A los 23 años ganó el Premio Rubinstein con su primer Concierto para piano y orquesta . Viajó por Europa y vivió en Londres, París, Japón y en Estados Unidos, en donde estrenó la ópera El amor de las tres naranjas, regresando definitivamente a Rusia en 1934, después de vivir 10 años en París . Su primera obra orquestal importante es la Suite Escita, escrita en 1915 . En 1943 fue laureado con el Premio del Estado Soviético, y en 1947 fue declarado Artista del Pueblo de la Federación Rusa . No obstante en 1948 tuvo que enfrentar las 326) 327)

Obra llena de lirismo dedicada a Manon, la hija de Alma Mahler, con la dedicatoria "a la memoria de un ángel" . Ver biografía de Prokofiev, por Harlow Robinson, en Javier Vergara Editor, S .A ., Buenos Aires, 1988 .

32 8 - JAIME INGRAM JAÉN ridículas críticas que le dirigió el Comité Central del Partido Comunista por el "formalismo" de su música a las que respondió con una carta abierta publicada en el Pravda . En 1951 obtiene por segunda vez el Premio de Estado . El Premio Lenin, la más alta condecoración del Gobierno soviético, le fue concedido a título póstumo . Su obra, extensa, que cubre todos los géneros musicales, comprende, para orquesta : 7 Sinfonías (entre ellas la primera, conocida como Sinfonía clásica), Canto Sinfónico, El teniente Kijé (film), Las Noches Egipcias, Obertura sobre temas judíos, Pedro y el Lobo (cuento sinfónico y declamado para niños) etc . los Ballets, Chout el Bufón, Paso de Acero,

El hijo pródigo, Sobre el Dnieper, Romeo y Julieta, La Cenicienta, Leyenda de la flor de piedra, etc. 9 Sonatas para piano ; Visiones Fugitivas, Sugestión Diabólica, Toccata, Sarcasmos, Los Cuentos de la Vieja Abuela, 5 Conciertos para piano y orquesta (el IV es para la mano izquierda) ; 2 Conciertos para violín y orquesta, 3 Conciertos para violonchelo, etc . Unas 30 Canciones ; Cantata para el XX aniversario de la Revolución de octubre, Las Canciones de nuestro tiempo, etc . El Oratorio La Guardia de la Paz . Entre sus óperas están : El amor de las tres naranjas, El ángel de fuego, Semión Korko, La dueña, Guerra y Paz, Historia de un hombre verdadero, etc . Iván el Terrible, para el film homónimo ; Alexander Nevsky (film), Un partisano en las estepas de Ucrania (film), etc. Prokofiev dejó varios escritos como fragmentos de una autobiografía (Años jóvenes, El Conservatorio, y Acabando el Conservatorio) . Su obra constituye uno de los

testimonios más valiosos del arte musical de la primera mitad del siglo XX . Paul Hindemith (1895-1963)

Compositor, director y teórico alemán . Se educó en el Conservatorio Hoch en Frankfort . En 1915 fue nombrado Konzerineister de la orquesta de la ópera de Frankfurt y miembro del Cuarteto Amar del cual fue fundador. De 1921 a 1926 sobresalió como violista y compositor en los Festivales de música contemporánea de cámara de Donaueschingen, en Baden Baden, en los que se estrenaron varios de sus cuartetos . En 1927 fue profesor de composición en la Hochschule für Musik de

Berlin (Escuela Superior de Música) . En ocasión del estreno de su Sinfonía Mathias el Pintor, el 12 de marzo de 1934, con la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Wilhelm Fürtwangler tuvo problemas con el partido Nazi que lo acusó de escribir "música decadente y degenerada" . Acto seguido decidió abandonar Alemania . Viajó a Turquía, honrando una invitación del gobierno turco para organizar la vida musical de Estambul . A partir de 1940 se estableció definitivamente en Estados Unidos, donde se incorporó a la facultad de la Universidad de Yale, además de dictar clases de composición en el Centro Musical de Berkshire y en la Universidad de Harvard, donde escribió sus dos conocidas obras teóricas, El Arte de componer y Armonía Tradicional 328 traducidas a varios idiomas . En 1953 regresó a Europa para residir en Zurich después de lo cual viajó a NuevaYork (1961) para asistir a la presentación de su ópera, La larga cena de Navidad . Su última presentación pública fue en Berlín, noviembre de 1963, donde dirigió su última obra, Misa para coro a cappella . Al mes siguiente, el 28 de diciembre, murió en Frankfurt víctima de un problema circulatorio . En 1955 recibió el Premio Sibelius así como el Premio Balzam (Roma, 1962) "por su significativa aportación al arte de la música" . Entre su vasta producción, que cubrió todos los géneros musicales, tiene obras individuales con piano para todos los instrumentos de la orquesta . Entre sus óperas tenemos, Santa Susana, Cardillac, Matías el pintor y La Armonía del inundo . Gran cantidad de obras para orquesta : Sinfonía en mi bemol; Concierto Filarmónico (variaciones) ; Danzas Sinfónicas ; Metamorfosis Sinfónica, sobre un tema de Weber ; Sinfonietta ; la ya mencionada Sinfonía Matías el Pintor ; etc . Conciertos para diferentes instrumentos : violín, viola, violonchelo, órgano, piano, clarinete, fagot, trompeta, corno francés, etc . Concierto para Orquesta con oboe, fagot y violín de solistas ; Los cuatro Temperamentos (para piano y cuerdas) etc ., así como abundante música de cámara para una diversidad de combinaciones instrumen328 ) Ambas publicadas, en castellano, por Ricordi Americana de Buenos Aires, Argentina.

3 3 0 - JAIME INGRAM JAÉN tales . Entre su obra para piano : 3 Sonatas ; Suite Op . 26; Ludus Tonalis, colección de Preludios, Interludios y Fugas 329 ; Klaviertnusik Op . 37 ; etc . Ballet (Nobilissima Visione); el ciclo de canciones, La Vida de María, para soprano y piano ; etc . Dmitri Dmitrievitch Shostakovitch (1906-1975) Compositor ruso soviético . De padre y madre talentosos musicalmente, ella, alumna del Conservatorio de San Petersburgo, fue su primera maestra de piano . A los nueve años de edad compuso un Teina con Variaciones y dos años después un Himno a la Libertad en homenaje a la revolución octubrina . Asistió a la Escuela Glasser de la que pasó al Conservatorio de Leningrado (San Petersburgo) a las clases de L .V. Nicolaev (piano) y M . O . Steinberg (composición), yerno de Rimsky Korsakov, coronando sus estudios con honores, en 1925 . Fue Nombrado profesor de composición del Conservatorio en 1939, al mismo tiempo que en el de Moscú y Primer Secretario de la Unión de Compositores a partir de 1960 . Su primera obra importante fue la Sinfonía Op . 10, en fa menor escrita a los 19 años de edad, presentada al año siguiente por el director Malko con tan gran éxito que decidió dedicarse por entero a la composición, pese a su gran talento pianístico . Siguieron, la Sonata Op . 12 para piano, las 10 Piezas para piano y la Segunda Sinfonía Op . 14, esta última para celebrar el X aniversario de la Revolución, seguida de su ópera La Nariz producida en Leningrado el 13 de enero de 1930, el mismo año de su importante ballet en tres actos La Edad de oro y la Tercera Sinfonía en un solo movimiento . Un crítico de Nueva York lo consideró "el Mozart del siglo XX" . Los éxitos le fueron sucediendo uno tras otro . No obstante fue sometido a las mas absurdas como incomprensibles críticas por parte del Comité Soviético de las Artes, por su "música de carácter burgués" al punto tal que se vio obligado a modificar ciertas obras, entre ellas la ópera 329)

Ludes Topáis (Juego de tonalidades) comprende 12 fugas en diferentes tonalidades, enlazadas por 11 interludios modulantes . Cada fuga esta precedida de un preludio en Do que sirve, en inversión retrógrada, de postluidio . La obra fue escrita en (942 .


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Lady Macbeth del distrito de Mtsensk pese al inmenso

éxito con que había sido recibida desde su primera presentación el 22 de enero de 1934 . Después de retirada de circulación y reciclada, la ópera reapareció con el nuevo título de Katerina Ismailova, nombre de la heroína de la obra . Es autor de una prolifera obra que cubre todos los géneros : 13 Sinfonías (algunas llevan subtítulos, como Leningrado), 10 Cuartetos para cuerdas, 2

Conciertos para piano y orquesta, Concierto para violín y orquesta, Concierto para violonchelo y orquesta, 4 Suites para orquesta, 2 Tríos, 24 Preludios para piano, 6 Piezas infantiles, Aforismos, 24 Preludios y fugas, Concertino para dos pianos solos, Quinteto para cuerdas, 4 Suites de Ballet, Cantos españoles, 8 Cantos populares ingleses y americanos, El canto de los bosques (oratorio para solistas, coro de muchachos, coro mixto y orquesta), Poema sobre la Patria (para solistas coro y orquesta), El sol brilla sobre nuestra patria (cantata para coro de niños, coro mixto y orquesta), La ejecución de Stepan Razin (poema para solistas, coro y orquesta, etc . Óperas : La nariz (1927/28) inspirada en una obra de Gogol, Katerina Isinailova (1930/32) Tcheriomouchki (1958) . Ballets : La Edad de oro (1927/30), El Encarcelamiento (1930/ 31), El Arroyo claro (1934/35), música de escena y películas, así como una nueva instrumentación para la ópera Boris Godunov de Mussorgski . Shostakovitch recibió por su Quinteto Op . 57, aclamado por los críticos soviéticos como una obra maestra, el Premio Stalin con una dote de 100 .000 Rublos . Oliver Messiaen (1908-1992) Eminente compositor francés, además de ornitólogo y especialista en ritmos . Sus tres grandes influencias y fuente de inspiración fueron : su madre la poetisa Cécile Sauvage, Shakespeare y particularmente Paul Claudel . En 1916 escribió su primera composición La Dama de Shalott, para piano . Jean de Gibon le inicio en los principios de la armonía . De 1919 a 1930 hizo estudios en el Conservatorio de París, con diferentes maestros, entre ellos, J . y N . Gallon, M . Emmanuel, M . Dupré, P. Dukas y A . Estyle, donde mereció cinco primeros premios . Hizo estudios especiales de ritmos pro-

3 32 - JAIME INGRAM JAÉN vinciales de la India antigua, métrica griega, canto litúrgico, la agógica de Mozart y rítmica contemporánea, además de filosofía y ornitología . En sus viajes por Europa, Oriente y América, tanto en Estados Unidos como en Argentina, recogió el canto de los pájaros y, junto con los de Francia, realizó una notación y clasificación detallada . En 1931 fue el organista de la Trinidad de París 330 y al año siguiente es nombrado profesor de la Schola Cantorum y de la Ecole Normale . En 1936, junto con Jolivet, Lesure y Baudrier fundó el grupo Jeune de (Juventud de Francia) . Durante la última conflagración mundial fue preso por los alemanes ocasión en que escribió su célebre Quatuor pour la fin du Tenlps (Cuarteto para el final de los Tiempos) . En 1942 fue nombrado profesor de Armonía en el Conservatorio de París en cuyas clases sobresalieron, Ivonne Loriod (conocida pianista con quien se casó) y Pierre Boulez, con sendos primeros premios . También fueron discípulos suyos Stockhausen y Xenakis . De 1947 a 1963 dio clases de ritmo en Budapest, Darmstadt, Tanglewood y Buenos Aires . En 1966 pasó a ser profesor de composición del Conservatorio de París y desde 1968 miembro del Instituto de Francia . De ahí en adelante su elevado profesionalismo internacional le hace merecedor de toda clase de condecoraciones, reconocimientos 331 y premios entre ellos la "medalla de oro de la Royal Philarmonic Society" de Londres en 1976 . Su obra puede dividirse en cuatro categorías : obras religiosas y teológicas inspiradas en las Sagradas Escrituras ; obras relacionadas con el mito de Tristón e Isolda ; obras de investigación rítmica y obras inspiradas en el canto de los pájaros . Entre sus composiciones vocales están : Cantos de amor y de muerte (1938), Tres pequeñas liturgias de la presencia Divina (1944), el oratorio La Transfiguración estrenado en Lisboa en 1969, la ópera San Francisco de Asis (1983), etc . Obras instrumentales : La Navidad del Señor (1935), El Cuerpo glorioso (1939), Cuarteto 330) Messiaen fue un organista excepcional . Con sus improvisaciones provocaba el espanto y al mismo tiempo la iración de los fieles que asistían a la misa dominical . 331) En Estados Unidos, cerca de Salt Lake City, en señal de iración se le da a una montaña el nombre de "Messiaenax" .


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para el fin de los tiempos (1940), Visión del Amen (1943), Sinfonía Turangalila en la que usa por vez primera el instrumento electrónico conocido con el nombre de ondas inartenot (1946/48), Libro de órgano (1952), El despertar de los pájaros (1953), Pájaros Exóticos (1955), Catálogo de Pájaros (1956/58), Meditaciones sobre el misterio de la Santa Trinidad (1969), etc. Es autor de una diversidad de artículos musicales, entre ellos los pequeños ensayos, Análisis sobre (la ópera) Ariadna y Barba Azul de Dukas; El ritmo en la obra de Stravinsky ; Técnica de mi lenguaje musical, etc . así como un Tratado del ritmo (1954) . Messiaen estudió y aplicó los procedimientos tanto de la música serial como de la música concreta para enseñarla a sus alumnos, aunque sin dedicarse a componer nada con ellas . No hay duda de que se trata de una de las personalidades musicales más aplaudidas del siglo XX .

Pierre Bulez (1925) Compositor y exitoso director francés . Su deseo fue ser matemático para lo cual hizo estudios especiales en Lyon . Entró al Conservatorio de París en 1944 donde estudió armonía y composición con Olivier Messiaen, y contrapunto con Andrée Vaurabourg-Honegger . Al año siguiente hizo estudios privados con René Leibowitz quien lo introdujo en el sistema de los doce tonos . Se inició profesionalmente como director de orquesta, campo en el que ha alcanzado renombre internacional . Creó en París, en 1955, el grupo Dominio Musical (Domanine Musical), dedicado a la divulgación exclusiva de la música vanguardista . En la década de los 70 creó el bEunloesdIm-trcgpaáisnmorte del género en el mundo, y en 1973 fundó en París el IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica y Música) . Con su obra incursiona tanto en el dodecafonismo, que abrazó con pasión, como en el concretismo, la electrónica, en lo aleatorio y en la composición espacial. Su obra incluye : 3 Salmodias; 3 Sonatas para piano 332 ; Estructuras (dos libros) para dos pianos; Sonatina, para flauta y piano ; Polifonía X, para 18 instrumentos solistas; Poesía para el poder, para solista, 3 orquestas y 4 bandas electrónicas; Estudios I y II; Obras vo-

3 3 4 - JAIME INGRAM JAÉN cales, etc . Boulez, considerado como el guía de la escuela serial postweberniana, es además un excelente ensayista en temas musicales, entre los cuales están : La Música y los pro-

blemas contemporáneos (1963) ; Piense la música actual (1964), colección de artículos de juventud ; Relevos de aprendices (1967) ; La música en proyecto (1975) obra colectiva dirigida por el compositor; Por voluntad y por casualidad (1975), Puntos de referencia333 (1981) etc . Se le considera junto con

Stockhausen el inventor del serialismo integral . Karlheinz Stockhausen (1928)

Importante compositor alemán de vanguardia . Hizo estudios de piano en la Escuela Superior de Música de Colonia, estudiando composición con Frank Martin, Darius Milhaud y Olivier Messiaen 331 en París . Se inició en la música concreta, con Pierre Schaeffer lo que lo llevó a incurrir en las posibilidades electrónicas de la música . En 1952 y 1954 hizo estudios de física y acústica en la Universidad de Bonn . Sus Estudios Electrónicos (1954) constituyen las primeras obras publicadas en ese sistema, campo en el que se extendió ampliamente, seguidos del célebre Klavierstück XI (Piezas para piano) y de su obra electrónica más significativa, Canto de Juventud (1956) para muchacho soprano y sonidos con cintas magnetofónicas, compuesta en un estudio especialmente equipado para él por la Westdeutscher rundfunk de Colonia, del que es fue inclusive director ; Grupos (1958) para tres orquestas"', las que se colocan en diferentes sitios del teatro, cada una dirigida por su propio director, con tiempos parcialmente independientes a manera de un diálogo; Ciclo para instrumentos de 332) Boulez además de excelente director es un pianista de categoría . 333) Puntos de referencia "reíune, salvo unos pocos de menor importancia, todos los textos de Boulez, escritos desde 1945 inclusive 14 trabajos inéditos en francés y otros ocho totalmente inéditos" . Existe traducción al castellano en Editorial Gedisa S .A ., primera edición, Barcelona, España, 1984 . 334) El propio Stockhausen cuenta como en París asistió, en 1952, durante todo un año, dos veces por semana, al intenso como exhaustivo curso de estética y análisis de Messiaen . 335) Lo que exige un aparato orquestal gigantesco!


percusión (1959) ; Cuadrado para cuatro orquestas y coros 336 obra estrenada en Hamburgo en 1960 para la que hubo que alquilar una inmensa sala industrial capaz de albergar cuatro grupos sonoros completos y obtener una ejecución contrastada ; o (1960) obra en la que experimenta con la "dimensión espacial en música", para piano, percusión y electrónica; Ciclo (1961) para instrumentos de percusión y un solo ejecutante en cuya partitura aparecen toda clase de signos e imágenes a manera de guía para el solista, sin ningún concepto determinado de ritmo ; Adiós (1966) para quinteto de viento ; Mantra para dos pianos y otros instrumentos de percusión (1969/70) ; la serie Tierkreis (1975), para diversas combinaciones instrumentales ; Michael's Reise para 9 instrumentos (1986), etc . Las obras de Stockhausen están siempre experimentando con nuevas técnicas y dimensiones sonoras . Krysztof Penderecki (1933) Importante compositor polaco . Estudió en el Conservatorio de Cracovia con A . Malawski y S . Wiechowicz . Adquirió nombre en los medios musicales europeos cuando en 1959 tres de sus obras obtuvieron simultáneamente los tres premios nacionales de Polonia . Seguidamente tras el éxito de Anaklasis, en 1960, y particularmente con la presentación de su Pasión según San Mateo se transforma en uno de los compositores de mayor renombre mundial, recibiendo encargos de los centros musicales más importantes de Europa y América . En 1964 fue nombrado profesor del Conservatorio de Varsovia del que sería rector en 1972 . De aquí en adelante inicia una carrera meteórica como director invitado por las orquestas más prestigiosas del mundo para dirigir y grabar sus propias composiciones . Su obra orquestal 336) El propio compositor comenta que "las voces y los instrumentos están mezclados de un modo que favorece a una sonoridad mixta de carácter homogéneo, mientras el texto está compuesto con un criterio puramente musical : una escala de diferencias sonoras obtenidas a partir de consonantes y vocales mudas, lo que lo transforma en un texto intraducible anotado en escritura fonética" . Tomado de Tendencias de la Música de Hoy, Pág . 35, texto de unas conferencias de Heinrich Strobel, en Difusión Cultural, UNAM, México 1964 .

3 3 6 - JAIME INGRAM JAEN comprende : Epitafium (1958), Emanaciones (1958), la ya mencionada Anaklasis (1960), Trenos para las víctimas de

Hiroshima (1960), Polimorphia (1961) ; Concierto para violín y orquesta (1963) ; Sonata para violonchelo y orquesta (1964) ; De natura sonoris (1966) ; De natura sonoris II (1966) ; Capriccio para violín y orquesta (1967) ; Obertura Pittsburg (1967) ; Partita (1971) ; Concierto para violonchelo y orquesta (1972) ; Sinfonía N° 1 (1973) ; El sueño de Jacob (1974) ; Sinfonía N ° 2 (1980), Concierto N ° 2 para violonchelo y orquesta (1981), Concierto para flauta y orquesta (1982) ; Concierto para viola y orquesta (1983), Concierto N° 2 para violín y orquesta (1992), etc . Obra vocal : Salmos de David, para coro y percusión (1958) ; Strofy para soprano y 10 instrumentos (1959) ; Dimensiones del Tiempo y del Silencio para coro (1960) ; Stabat Mater (1962) ; Pasión según san Lucas (1965) ; Dies Irae : oratorio para los muertos en Auschevitz (1967) ; Ultrenia (1972) ; Kosmogonía (1970) ; Canticum, Canticorum Salomonis (1972) ; Ecloga (1972) ; Magnificat (1974) ; Te Deum (1979) ; Agnus Dei (1980), Réquiem polaco (1984), Sinfonietta para cuerdas (1990), etc . Ópera : Los demonios de Loudun (1968) ; El paraíso perdido (1978) y Ubu roi (1983) . Música de cámara : 3 miniaturas (1959) ; Cuarteto N° 1 (1960) ; Cuarteto N ° 2 (1968) ; Trío para cuerdas (1990) ; Cuarteto para clarinete y cuerdas (1993), etc . Pese a la modernidad del idioma de Penderecki, y gracias a al gran poder expresivo, su mensaje musical es bien recibido por el auditorio .


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CUESTIONARIO N"8 01 . Nombre algunas tendencias y estilos musicales del siglo XX . 02. ¿Quién fue el creador del sistema dodecafónico? 03. ¿Qué busca el sistema de los doce tonos? 04. Mencione tres obras de Penderecki . 05 . Mencione cuatro obras de Prokofiev . 06 . Mencionar dos grandes obras de Manuel de Falla . 07. ¿Quién es el autor de la Consagración de la Primavera? 08. ¿Quién es el autor de la ópera Wozzeck? 09 . ¿De qué nacionalidad es De Falla ? 10 . ¿De qué nacionalidad es Arnold Schtinberg? 11. ¿De qué nacionalidad es Penderecki? 12. Mencione cuatro obras de Schónberg 13. ¿Quiénes Pierre Bulez? 14. ¿Cuántas sinfonías escribió Shostakovitch? 15 . ¿Cuántos Conciertos para violín escribió Prokofiev? 16. ¿Quién escribió la ópera Lulú? 17. Mencione alguna característica de dicha ópera . 18 . Mencione dos significativos alumnos de Schtinberg . 19 . ¿En qué año aparece el sistema de los doce tonos? 20 . ¿Qué compositor latinoamericano trabajó con microtonos? 21. ¿Quién escribió un Concierto para dos pianos y percusión? 22. ¿Quién escribió la ópera El amor de las Tres Naranjas? 23. ¿De qué nacionalidad es Bartok? 24 . Nombre algunas características de la música actual . 25 . ¿Qué dificultades enfrentó Schtinberg con Pierrot Lunaire? 26 . Mencione algunas obras con politonalidad simultánea . 27 . ¿Cuál es la primera ópera conocida con cuartos de tono? 28 . Explique lo que es la `renuncia de la memoria musical" . 29 . ¿En qué consiste la "eliminación estructural"? 30. Mencione dos obras de Satie . 31 . Mencione tres obras de Hindemith . 32 . Mencione cuatro obras de Milhaud . 33 . Mencione cuatro obras de Honegger. 34. Mencione cuatro obras de Stockhausen . 35. Mencione cuatro obras de Messiaen .

PARTE III

1 MÚSICA EN AMÉRICA

2 MÚSICA EN PANAMÁ

3 DOS LISTAS SUPLEMENTARIAS Los compositores con sus óperas más significativas Los compositores en orden histórico

1 MÚSICA EN AMÉRICA33 Introducción

La música del hombre original de América, tanto del norte como del centro y sur del Continente, es aún muy poco conocida . Al hablar del Nuevo Mundo nos estamos refiriendo a un continente de extraordinarias proporciones-", poblado, antes de la llegada de los europeos, por pequeñas y grandes comunidades, dominadas por poderosos centros hegemónicos, imperios que habían alcanzado niveles significativos de cultura y civilización, aunque disímiles entre si, tanto desde el punto de vista lingüístico"' como desde el punto de vista de organización y estructuración social . No obstante y siempre dentro de la idea de una gran síntesis, única solución posible en un trabajo como este, se señala a continuación algunas de las características musicales comunes entre los diferentes grupos amerindios : a La música fue un arte meramente funcional e hizo parte, siempre, de algún ceremonial religioso o social . Raro es el ejemplo musical que persiguió un 337) Cuando decimos América nos referimos, como es natural y correcto, al inmenso Continente que se extiende desde Alaska en el norte, hasta la Tierra de Fuego en el extremo sur . 338) Según algunos historiadores, el Imperio Azteca, junto con sus alianzas políticas de Mesoamérica, contaba en 1519 con unos 11 .000 .000 de habitantes . Véase el ensayo América 1492 del historiador español Andrés C . Ruiz, Revista Historia, Año XVI, N° 198, Madrid, 1992, Pág . 69 . 339) Sólo en el istmo de Panamá existen varios grupos étnicos precolombinos que no se comprenden entre sí .

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mero gusto estético . Existieron así cantos para la guerra, cantos para la paz, cantos para curar enfermedades, para combatir la esterilidad, para favorecer la fertilidad, cantos a la muerte, a la vida, para la adolescencia, cantos para favorecer la lluvia, cantos para jugar, para niños, para la corte, para festejar, etc . La música precolombina fue de tipo vocal casi en su totalidad, secundada por instrumentos percu- .sivoenumayrí Existen, sin embargo, melodías para ser ejecutadas en diversos instrumentos de viento o soplo . Fue música monofónica en su totalidad y las escalas utilizadas fueron la pentatónica o de cinco sonidos, la hexatónica (seis sonidos) y la tetratónica (cuatro sonidos) . Existen inclusive melodías con intervalos de dos y tres tonos enteros, herencia sin duda de la penetración, por el norte del Continente, de los pueblos mongólicos que colonizaron el Continente asiático . El hombre tuvo una participación mucho más importante que la mujer en este menester, aunque éstas se hacían cargo de conservar la tradición y transmitirla oralmente a través de su descendencia . Los instrumentos de percusión o percusivos fueron los más utilizados . Su variedad fue inmensa, desde los más diversos tipos de tambores hasta campanas, sonajeros, raspadores, cascabeles, rodelas, etc . Se utilizaron también infinidad de modelos de instrumentos de viento, entre ellos las conocidas ocarinas, así como flautas de uno o más tubos y trompetas de madera y de concha . Los conjuntos instrumentales fueron comunes en América precolombina . Los cronistas mencionan diversas manifestaciones de ellos. Inclusive en tribus muy aisladas, como en la selva amazónica y el Mato Grosso brasileño, existieron importantes expresiones instrumentales .


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A la música en general, tanto vocal como instrumental, se le atribuyó ciertos poderes divinos . La música fue un medio de expresión comunal más que individual . Se desconoce la existencia de algún sistema de notación musical precolombino .

La música desempeñó un papel importante en las antiguas culturas de América y así se observa que en México precortesiano existieron escuelas de música, llamadas Cuicacalli o casas de canto . Como quiera que cada grupo indígena contaba con un número plural y diverso de ceremonias, tanto públicas como privadas en las que utilizaban expresiones musicales muy específicas, los repertorios tribales de canciones fueron variados y numerosos . Es preciso no olvidar que la variada y complicada evolución del hombre americano se inició unos 40 .000 años atrás, con un origen incierto y discutible todavía .

Cuando los exploradores y navegantes ibéricos llegaron a nuestro continente se encontraron con un mundo de una complejidad inimaginable que no guardaba relación alguna con lo conocido hasta entonces en el viejo continente . La perplejidad que experimentaron los exploradores y conquistadores al llegar a Tenochtitlán, capital del imperio azteca, fue impactante al observar sus bellísimas calles y plazas con un mercado que podía competir con el de Sevilla y el de Constantinopla, según asevera el cronista, capitán Bernal Díaz del Castillo'"` . Por otro lado el ya mencionado historiador Antonio Ruiz señala que "América es el continente que incluye más variedades climáticas y ambientales en el mundo . Su disposición en el planeta hace que acoja en su interior desde 340) Autor de la bella relación intitulada Verdadera Historio de los Sucesos de la Conquista de Nueva Espuria, Edit. Vda . de Bouret, 4 Vels . París, 1937 . Existen ediciones españolas más recientes .

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hielos permanentes a secos y cálidos desiertos, tierras bajas tropicales y altas sierras y altiplanos que, a despecho de ocupar las franjas tropicales, modifican el clima y el ambiente debido a su altitud. De ahí que las sociedades instaladas en este continente sean multivariadas y ofrezcan un amplio abanico de soluciones culturales . En el momento del o con los españoles las adaptaciones más complejas tienen lugar en Mesoamérica y en el área Andina, dos grandes regiones cuyas sociedades habían conseguido alcanzar el nivel de civilización 11341 . Para fines didácticos como esquemáticos no está demás recordar que en cualquier relación sobre la música de América es menester considerar la participación de tres grandes raíces étnicas, cual son : la aborigen, o sea la de los diferentes pueblos prehispánicos ; la europea, particularmente la que trajeron consigo los conquistadores, y por último la africana342 introducida en nuestro hemisferio durante el régimen de esclavitud . Con la llegada de los europeos nuestro vasto Continente se transformaría en una sola espiritualidad religiosa y en un sólo juego de valores fundamentales, aunque matizado y enriquecido con los aportes del indio y muy particularmente del negro . Solo a través de la presencia de estas tres fuentes, entre las cuales la africana ha sido, probablemente, la más significativa 343, se podría obtener una idea más o menos clara de lo que es hoy, 500 años después de la evangelización'^, la música en América . 341) Andrés Ciudad Ruiz, obra cit . 342) Hay que tener presente que África no constituye una unidad étnica o cultural y que se caracteriza más bien por un pluriculturismo inmensamente rico y complejo . 343) Con el lundú, el maxixe, el candomblé o canidombe, el vudú, el batuque, la capoeira, el guaguancó, la kalinda, la laghia, etc ., amén de todos los ritmos populares que han llegado para quedarse en nuestro Continente a través de varios siglos . 344) No hay que perder de vista que tanto los españoles corno los portugueses se lanzaron a sus viajes de alta mar con el fin primordial de incrementar su comercio y en busca de riquezas a través de las especias, con lo que consiguieron extender su imperio y cristianizar a los aborígenes, dueños y señores del entorno que encontraron .


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I. América precolombina No es posible hablar con propiedad de una música americana propiamente dicha, tal como se habla de la música griega, árabe o china, ya que considerada en su conjunto, desde el punto de vista técnico y conceptual, América actual en su música pertenece al área cultural europea, al menos que nos circunscribiéramos a la música de la era precolombina . Las culturas originales de nuestro hemisferio no fueron solamente conquistadas sino sometidas y en gran parte destruidas, de ahí que sea muy poco lo que se conoce de la música americana propiamente dicha, toda vez que parece no haber existido ningún tipo de notación musical . No obstante, a la luz de las más recientes investigaciones ha sido posible desarrollar significativas teorías al respecto a través de las crónicas existentes y de los diversos instrumentos de la época, que son iguales a muchos de los que se usan todavía en ciertas regiones del Continente . La música y el indígena

La sensibilidad musical del indígena no pasó inadvertida a ninguno de los cronistas y es natural que así fuera ya que los dos centros hegemónicos de las Indias Occidentales, el Imperio Inca y el Imperio Azteca, dos civilizaciones importantes en la historia de la humanidad, con todo lo que comprendían, dieron testimonios suficientes del significativo papel que representaba la música en sus respectivas culturas . Entre los Mayas, por ejemplo, la educación cubría tres aspectos definidos : el físico, el intelectual y el estético . Este último comprendía, en líneas generales, danza, música, pintura y teatro, materias que se impartían en instituciones especiales . Basta recordar los impresionantes murales de Bonampak en Chiapas, pintados hace 1100 años, descubiertos en 1946, con 17 músicos solemnemente ataviados y un variado instrumental, que comprende : raspadores, sonajeros, pitos, percusión e instrumentos de viento con largas y sorprendentes trompetas gemelas de madera, arcilla cocida y caracol .

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Entre los aztecas 345 la educación estética comprendía danza y canto . La enseñanza de ambas disciplinas se impartía, como quedó dicho más arriba, en unas escuelas mixtas conocidas con el nombre de cuicacalco o cuicacalli o "casa del canto" (donde se acudía por la noche), destinadas a la formación de los jóvenes para su participación en los rituales de la colectividad . Las más famosas entre ellas fueron la de Texcoco 346, la de México y la de Tlapán . Por otro lado existía el llamado "Consejo de la música y de las ciencias", que entre sus atribuciones contaba, además de la aplicación de las leyes relativas a los cultos y a la hechicería, con el fomento de la poesía y la música . Existieron los llamados poetas propiamente dichos y los poetas ocasionales quienes enseñaban canto y música en dichas casas, que eran anexas a los palacios o mantenidas por los diferentes barrios de la ciudad . El nombre del poeta músico era cuicani, el cantor, lo que muestra que la poesía y el canto eran sinónimos toda vez que el poema siempre se cantaba o por lo menos se recitaba con acompañamiento de instrumentos musicales . El texto de algunos poemas iba precedido de ciertas anotaciones que indican el ritmo del teponaztli cuyo son acompañaba la recitación . Los llamados cantos divinos, teocuicatl, o himnos, no sólo eran cantados sino que eran representados . Los cantos religiosos transmitidos por tradición verbal desde épocas remotas, eran frecuentemente complejos o totalmente incomprensibles para el ciudadano común, por lo menos para los que no eran sacerdotes o iniciados . Su estilo estaba sobrecargado de alusiones esotéricas y metáforas .` 345) También conocidos como tenochcas, mexicas o culhua-mexicas . 346) Creada, según se dice, por el emperador Nazahualcoyotl . 347) Jacques Soustelle, La vida cotidiana de los Aztecas, Fondo de Cultura Económica, México, 1970 . Añade el autor que "la música azteca, de la que no se conserva nada original por falta de notación, no disponía de gran riqueza de rnedios; sólo conocía algunos instrumentos de viento, el caracol, la trompeta, la flauta, el silbato y sobre todo los instrumentos de percusión, entre ellos el tambor vertical (fuiehuetl) y el tambor de madera de dos sonidos (tepo)aztli)" .


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El hombre precolombino conoció la escala penta-

tónica,síomtbiénuaescldmonis, nos guiamos por el instrumento percutido denominado teponaztli, de dos lengüetas, que permite, combinando varios de ellos entre sí, producir más que una escala de cinco sonidos . No hay duda, además, de que el hombre americano conoció y usó instrumentos musicales capaces de producir semitonos e inclusive otros intervalos no temperados . Sin embargo, y pese a la existencia del arco con flecha, no se conoce aún instrumento alguno de cuerda original de América . Otras investigaciones revelan que solo en México y en la región centroamericana precolombina, existieron varios centenares de instrumentos musicales distintos, con capacidad para producir sonidos, constituyendo aproximadamente unos cuatrocientos tipos acústicamente diferentes . Aún así los especialistas en organología precolombina afirman que la música estuvo bastante mas desarrollada entre los incas que entre los mayas y aztecas, al decir por la diversidad y versatilidad del instrumental que poseían. Por último, es necesario tener presente que mientras el proceso de gestación y desarrollo de la música en Europa tuvo un desenvolvimiento natural y comprensible, que puede seguirse paso a paso a partir de la caída del Imperio de Occidente, el de América parte de un trauma social y cultural, muy difícil todavía de asimilarse cabalmente . II. Llegada de los europeos

La primera expresión musical europea que se escuchó en el hemisferio americano fue probablemente la que produjo la sencilla misa solemne cantada, celebrada, en las costas de la isla de Guanahaní, el 12 de octubre de 1492, cuando Cristóbal Colón, junto con su tripu-

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lación, toma posesión de la misma en representación de los Reyes Católicos, bautizándola con el nuevo nombre de San Salvador348 . La música llegó a ser para los ibéricos factor de fundamental importancia en el proceso de catequización de los habitantes del Nuevo Mundo, particularmente al reconocer la destreza de los indígenas "para tañer y para

hacer instrumentos musicales, además de su buena afinación en el canto y en el temple de los instrumentos" . De ahí la in-

mediata creación de centros de enseñanza de Canto Litúrgico y canto religioso en general, así como la formación de grupos corales . Por ello el Emperador Felipe 11 determina en sus ordenanzas que donde se enseña la doctrina cristiana, los sacerdotes "podrán usar de música de cantores y de Minístreles altos y bajos" .

En 1513, año en que Vasco Núñez de Balboa descubre el Mar Pacífico en la costa sur del Darién, fray Juan de Quevedo, primer obispo de Nueva Granada, pide al Reino de España seis libros de Canto Toledano, seis antifonarios y seis salterios toledanos, para el coro de la iglesia de Santa María la Antigua del Darién . Las Misiones

El punto de partida de la coordinación y desarrollo de la música en Iberoamérica fueron, en primer lugar, las misiones y luego, las catedrales e iglesias en general. En todas ellas se produjo música religiosa abundante y de buena factura toda vez que de España llegaban las partituras de los mejores compositores europeos del momento . Las órdenes religiosas que se llevan el mérito inicial de esta actividad son los franciscanos, los dominicos y los agustinos, y luego los benedictinos y los jesuitas quienes adquieren, a partir de un momento dado, el predominio general de la música . Los franciscanos, Fray Juan Caro, Fray Pedro de Gante (1480-1572), Juan Xuares, en México, el composi348) Actual isla Watling, en las Bahamas .


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tor y organista Hernando Franco (1532-1585) en la Capitanía General de Guatemala y ciudad de México, Juan Perez Materano (m .1561), en Nueva Granada, organista y gran especialista en canto litúrgico, así como el jesuita Manuel da Nóbrega, y Leonardo Nunhes, en Bahía, Brasil, fueron los zapadores en la gestación de esta etapa inicial .

La labor de Pedro de Gante 349 , (ca .1480-1572) musicalmente formado dentro del espléndido estilo de la escuela flamenca, a la sazón una de las más conspicuas de Europa, y quien había arribado a nuestro Continente en 1523 -a sólo tres años de la caída de Tenochtitlán, antigua capital del Imperio Azteca- fue tan fructífera que en dos años logró formar un excelente coro con indígenas que tuvo a su cargo toda la música vocal del Calendario Litúrgico de la Catedral mexicana . Pray Pedro, magnífico teólogo como hábil músico, era de sangre real, medio hermano, parece ser, del Emperador Carlos V . Entre 1527 y 1572 el enérgico franciscano fundó en el Valle de México una red de escuelas en las que los hijos de las familias indias más influyentes recibían inclusive instrucción musica1350 . Fray Pedro, como se le conocía, instaba a los indígenas a copiar los manuscritos musicales que llegaban del reino con el fin de que con la práctica aprendieran las nociones de la música y su notación europea . Se dice que el primer órgano construido por los propios indígenas en la escuela de Fray Pedro data de 1527 . La orden franciscana trabajó particularmente en Norte y Centroamérica, mientras los jesuitas incidieron mas bien en el Sur del Continente desarrollando célebres misiones en lo que es hoy Paraguay, Bolivia, Argentina (Alto Perú) y Brasil, con resultados irables . La instrucción musical que se desarrolló en Paraguay, por ejemplo, alcanzó un nivel tan significativo que el Papa Benedicto XIV señaló en su Encíclica Anus qui hunc vertetem, de 1749, 349)

Otros franciscanos flamencos llegaron i Quito en 1534 y producen, entre otros, a músicos como Diego Lobato uno de los mas prestigiosos compositores del período colonial .

350) Jania Sarno, Música Religiosa in America Latina net Periodo Coloniale,

tesis doctoral, Año académico 1982-1983, Universita Degli Studi Di Roma, "La Sapienza" . Roma, Italia .

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que

"no se observa casi diferencia entre Europa y Paraguay en el canto de las Misas y Vísperas" .

Estas misiones que se constituyeron con el tiempo en verdaderas escuelas de canto litúrgico y religioso como en Europa, no pretendieron en ningún momento establecer una expresión original de carácter regional . Este tipo de originalidad surgirá mas bien en el ámbito de la música y danzas populares más adelante . En 1523 el obispo de México, Fray Juan de Zumárraga (1468-1548) solicita al Emperador Carlos V351

'fondos especiales para la creación de un coro para la Catedral, con cantantes profesionales" . En efecto, una vez

fundadas las primeras catedrales se procedió a crear los maestrazgos de capilla, siguiendo las normas ya vigentes en la Catedral de Sevilla . El Maestro de Capilla era la autoridad máxima de música a semejanza de los que sucedía en las Catedrales de España y en el resto de Europa y para obtener la posición había que enfrentar un arduo concurso y era solo confiada a personas de vasta cultura musical . Fue tan grande la importancia que alcanzó el maestrazgo, cuyo cargo era de por vida, que llegó a definirse de la siguiente forma : "el maestro de capilla tiene que ser un compendio de la ciencia musical, de tal suerte que lo que un músico ignore, el maestro debe saberlo, y lo que otro sepa, que el maestro no lo ignore" . Dicen las crónicas que "sobre el maestro de coro convergían todas las iniradas del mundo musical" . Y lo que es más sorprendente aún, su

radio de acción, trasponiendo los límites de la Iglesia, se extendía hasta el campo de la música popular o profana 35- . Por otro lado, para el cabal cumplimiento de sus obligaciones el maestrazgo o chantre, debía contar con la asistencia de un sochantre y a veces con un número plural de "capellanes de coro" . 351) En América nos referimos siempre a Carlos V, emperador de Alemania, y no a Carlos I rey de España . 352) En música las expresiones popular, profano o secular, tienen el mismo significado . También se le puede llamar música de entretenimiento o de diversión sin que por ello deje de tener importancia .


351

El interés por la enseñanza de la música fue tan intenso que ya en el siglo XVI se instituyeron las llamadas escoletas públicas dedicadas exclusivamente a su enseñanza, haciendo las veces de los Conservatorios de música en Europa a la sazón . El 15 de enero de 1534, el Papa Pablo III ordenó, mediante bula especial, que en la Catedral de Guatemala "hubiera un Chantre 353 experto y un organista que pudiera tocar en toda festividad" . Hacia 1540 existió en la Catedral de Puebla una importante escuela de música polifónica . Tal fue la afluencia de los indios en la actividad musical que en 1561 Felipe II tuvo que ordenar que se restringiera la participación de más indígenas en el campo de la música . Informa Alejo Carpentier que "en la década de 1530-1540 sonaba ya un pequeño órgano portátil, (de los que entonces llamaban órganos de palo, es decir, de madera, en italiano organo di legro) en la primitiva catedral de Santiago de Cuba" ." En 1556 se imprime en México el primer libro con notación musical del Nuevo Mundo . Se trata de un Ordinarium Agustiniano de la Misa, al cual suceden muchos otros en la segunda mitad del siglo . De los 220 libros, aproximadamente, publicados en México en el siglo XVI, trece fueron de música litúrgica . Es preciso aclarar que toda partitura impresa en América, hasta ese momento, era de música monofónica, toda vez que durante el período colonial el Reino de España retuvo para sí el monopolio de las obras polifónicas durante varias décadas . Printer libro con notación musical escrito en América

En Santafé de Bogotá, se conserva, el que probablemente sea el primer libro de música escrito en América . Se trata del Tratado de Canto Llano y Polifonía del ya mencionado Juan Pérez Materano, producido en Cartagena,

353) Se llama así al canónigo que dirige la Capilla de música o al dignatario que preside las funciones del coro . A su asistente se le denomina sochantre. 354) Alejo Carpentier, Visión de América, Pág . 130, Seix Barral Biblioteca Breve, Barcelona, 1999 .

3 52 -- JAIME INGRAM JAÉN cuya impresión fue autorizada por Juana de Austria, hermana de Felipe II, en Valladolid, el 19 de diciembre de 1559 . La corona española había concedido a Materano, en 1554, el privilegio por diez años (período que en 1560 se le extendió por diez años adicionales) para imprimir y vender en Indias su tratado sobre Canto de Organo y Canto llano, que al final de cuentas no pudo imprimirse por la carestía de papel que existía en Nueva Granada en ese momento . Pérez Materano quien había llegado a Nueva Granada en 1537, murió en Cartagena de Indias el 27 de noviembre de 1561 . A su vez el prestigioso músico argentino Daniel Devoto señala en su escrito La Música en España desde el siglo X hasta finales del siglo XVI, que el primer libro de música impreso en América (México) es el del monje franciscano, Juan Navarro (c .1530-c .1610) ' 11 de Cádiz, intitulado Liber in quo Quartuor iones Christi Domini continetur . . . lo que confirma el historiador musical Gerard Béhague356 . Testimonios fidedignos del último cuarto del siglo XVI informan que el arte de la polifonía, por lo menos en México y Guatemala, se desarrollaba casi a la par del europeo . No es de sorprender entonces que historiadores contemporáneos afirmen que las obras del extremeño Hernando Franco (1532-1585), Maestro de Capilla de la Catedral de Guatemala 357 en 1573, y de la Catedral de México durante los últimos 25 años de su vida, no le van en zaga a las de los eximios polifónicos Morales, Guerrero, Victoria o Palestrina, cuyas composiciones se conocían en la Catedral mexicana desde el Virreinato . 355) Ver La Música, los hombres, los instrumentos, las obras, bajo la dirección de Norbert Dufourcq, Vol . 1, Editorial Planeta, Barcelona, 1984, Cap . V, Pág . 180 . 356) En Music in Latin America, Prentice Hall, Inc . Englewood Cliffs, New Jersey, 1979, Pág . 10 . 357) Es la época del anónimo manuscrito quiché, Pop Wuj, encontrado en 1703 en Chichicastenango por el padre Francisco de Ximénez y que llamó Papel Vuh . El documento había permanecido oculto durante cientocincuenta años, lo que lo salvó de haber sido destruido por fray Diego de Landa en su furioso exterminio de documentos mayas de 1562 . En 1975 el compositor argentino Alberto Ginastera escribió una obra homónima inspirada en este documento .


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En la Biblioteca Nacional de México se conserva un

Graduale Dominicale de Antonio Espinosa, editado en

México antes de 1572, y en la Biblioteca particular de Octavio Valdés se conserva un Codex, también de México, que data de 1599, adquirido en 1931 de los indios de Cacalomacán, en el que aparecen, inclusive, dos Himnos a la Virgen con textos en idioma Náhuatl . Inclinación musical del hombre americano

Es irable y sorprendente a la vez que la predilección por la música haya sido general a todo lo largo y ancho del Nuevo Mundo . Algunos cronistas señalan, inclusive, que los indios acudían a los oficios religiosos más por la música que por una mera y real devoción cristiana . Por otro lado es sabido que Felipe II tuvo particular interés en que Nueva España fuese "un centro de cultura de primer orden" y que Palestrina obsequiaba al soberano español sus más recientes obras, correspondiendo de esta forma a las distinciones que el poderoso monarca le dispensaba, manuscritos que el Rey enviaba a México de inmediato para enriquecer el archivo de la Catedral. En. la Biblioteca Nacional de Buenos Aires, por ejemplo, se conserva una edición príncipe de Misas del polifonista español Cristóbal de Morales, impreso en Roma en 1544, constituyendo una de las partituras musicales mas antiguas conservada en cualquier archivo de Iberoamérica . El cronista Bernal Díaz del Castillo relata que varios instrumentistas y cantores hicieron parte de las primeras expediciones de Hernán Cortés . En efecto, a mediados del tercer decenio del siglo XVI, Juan Ortiz, denominado el músico, (así lo llamó constantemente Díaz del Castillo), que acompañó a Cortés en la conquista de México 358, además de notable tañedor de la vihuela, introduce y enseña la guitarra a los cubanos primero y a los mexicas después . Igualmente llegó con el conquistador un trompetista de la corte de Carlos V, llamado Juan de San Pedro, que poco más tarde se estableció en Venezuela . 358) Es interesante señalar que algunos de los conquistadores tenían formación musical entre ellos Diego de Nicuesa que tañía hábilmente la vihuela .

3 54 5 - JAIME INGRAM JAÉN Sin embargo, a pesar del talento manifiesto, a la población indígena no le era permitido ocupar posiciones importantes dentro del enjambre musical, al menos y eso más adelante, que se tratara de un mestizo o sea, que corriera sangre española en sus venas . Tanto en México como en Perú359 se concedió a algunos aborígenes de noble ascendencia, la oportunidad de una educación especial, incluyendo instrucción musical. En Quito, por ejemplo, los franciscanos crearon en 1550, el Colegio de San Andrés, para hijos de jefes indios, que comprendía entrenamiento en Canto Gregoriano, Canto de órgano360 ó polifonía, y los archivos registran que el adelanto adquirido fue tan grande que en la segunda mitad del siglo los indios estaban en capacidad de cantar, inclusive obras polifónicas de Francisco Guerrero (1528-1599) en partituras recién salidas de las imprentas venecianas, en 1570 .

Primeros músicos nacidos en América Pese a las prohibiciones imperantes y gracias al talento natural, algunos criollos de particular capacidad y tenacidad sobresalen y alcanzan posiciones honrosas en la incipiente actividad musical del Nuevo Mundo . Quizás el más antiguo de ellos sea el presbítero Gonzalo García Zorro (1548-1617), músico mestizo colombiano, hijo del Conquistador del mismo nombre y de una noble indígena, original de Tunja, sobrina de Thisquesua, quien fuera Director Musical de la Catedral de Santafé de Bogotá . Le sucedió en el puesto ni más ni menos que Gutiérre Fernández Hidalgo (c .1553-1618) el compositor español más significativo que haya llegado a tierras americanas en todo el siglo XVI, quien llegó a Santafé en 1573 donde fue rector del Colegio Seminario para pasar, diez años después, a Director Musical de la Catedral de Quito hasta 1589, y luego en 1597, Director de la Catedral de La Plata, actual Ciudad Sucre, en Bolivia donde 359) No hay que olvidar que junto a México, o Nueva España como se le denominaba, Perú ocupó un lugar relevante dentro del Imperio español como el centro de istración más importante del Sur del Continente y que tanto en Lima como en Cuzco existió una relevante actividad musical . 360) El Canto polifónico se denominaba también Canto de órgano .


residió por espacio de treinta años y desde donde envió a Santafé el importante códice, Magnificats y Salinos de Nuestra Señora, que se conserva en el Archivo Capitular . Se cree que Fernández Hidalgo murió en Alto Perú . En la Catedral de Bogotá reposan, también, ediciones príncipe del maestro andaluz Francisco Guerrero (15281599), Tomas Luis de Victoria (1549-1611) y Sebastián Aguilera de Heredia, todos prestigiosos polifonistas del siglo XVI, así como partituras originales de otros maestros que trabajaron tanto en Bogotá como en Cuzco, La Plata, Sucre, Lima y Quito, tales como Gutiérre Fernández Hidalgo, Cristóbal de Velzayaga, fray Manuel Blasco361 compositor jerónimo maestro de capilla interino de la Catedral de Quito y José Cascante cuya actividad musical se desarrolló en Colombia, llegando a ser figura relevante en el magisterio de la capilla de la Catedral de Santafé de Bogotá desde 1645 hasta el año anterior a su fallecimiento, en 1703, siendo sucedido por Juan de Herrera` . A las Indias llegaron además de libros litúrgicos, manuales de vihuela como la clásica Orphenica Lyra de Miguel de Fuenllana y los Seis Libros de Delfín de Música de cifras para tañer vihuela de Luis de Narvaes . En la segunda mitad del siglo XVI ya se practicaban en México cuatro disciplinas musicales : la vihuela, el arpa, la danza y el arte de componer y en 1568 los españoles Hernán García y Juan de la Peña fundaron una escuela de Música en la ciudad de La Plata (hoy ciudad Sucre, en Bolivia) para enseñar canto, danza e instrumentos a la población indígena . Por otro lado, en 1578, como producto de los cursos que dirige el padre Manoel da 361) En el archivo de la Catedral de Santafé de Bogotá se conserva una partitura para dos chirimías y órgano, de Manuel Blasco, del ario de 1684 . 362) Existen dos compositores con el mismo nombre, Juan de Herrera, lo que plantea un interrogante para la identificación correcta del polifonista en referencia, uno de finales del siglo XVII y otro de la primera mitad del siglo XVIII . Sobre el particular el prestigioso Presbítero José Ignacio Perdomo Escobar, en su Historia de la Música en Colombia (Edit . A .B .C . Bogotá 1963), se inclina por el segundo, maestro de capilla de la Catedral bogotana . No obstante existe un Misa de Difuntos del primero, Juan de Herrera (ca 1665-1738) grabada por la Camerata Renacentista, de Caracas, Venezuela (CD, K617 2 7077/2) que bien amerita ser escuchada .

3 5 6 - JAIME INGRAM JAÉN Nóbrega, en Bahía, Brasil, se entregan los primeros diplomas de Maestros de Arte con Música en Instrumentos y Voces . En 1597 parte de Sevilla con destino a Santo Domingo una gran cantidad de libros y partituras musicales . En la nómina se hace mención de obras litúrgicas así como de "4 resmas de Coplas", lo que representa, de acuerdo con un Diccionario de Autoridades de 1737, Dos mil pliegos de partituras de coplas! No obstante, pese a esta entusiasta etapa inicial de actividad musical motivada por el complejo proceso de evangelización del Nuevo Mundo y que desde los albores del siglo XVII se prolifera en forma asombrosa, el desarrollo de una propia identidad musical iberoamericana tardará aún por llegar . El primer órgano que llega a la Catedral de Santafé de Bogotá lo ordena el arzobispo fray Bartolomé Lobo Guerrero en el año 1607 .

Primera ópera escrita y presentada en América En los albores del siglo XVIII surge la primera creación musical americana de importancia de la cual se tiene noticia . En efecto, el 19 de octubre de 1701, se estrena en Lima, La Púrpura de le Rosa 3 b primera ópera escrita y presentada en el Nuevo Mundo, con texto de Pedro Calderón de la Barca364 (cuyo manuscrito reposa en la Bi363) Se trata, dicho sea de paso, de la partitura más antigua que se conserva sobre un texto de Calderón de la Barca, atribuida hasta muy recientemente al operista Juan Hidalgo, probable maestro de Torrejón y Velasco en Madrid . Hidalgo, el mas prestigioso compositor de la corte española a la sazón, había estrenado en Madrid una ópera con el mismo nombre y texto, montada por el emprendedor y acaudalado mecenas Gaspar de Haro, marques de Eliche, en 1659, quien ya había llevado a escena varias piezas teatrales de Calderón de la Barca en forma de semi- óperas (desaparecidas hasta hoy) en los Palacios de la Zarzuela y Buen Retiro . Todo parece indicar que Torrejón y Velasco conoció la versión de Hidalgo en la producción que se realizó en Madrid . Existe grabación de la ópera por The Harp Consort y Andrew Lawrence-King, en DHM, 0547277355, DDD, 1998. 364) Quien había escrito la obra en ocasión de los esponsales de Luis XIV con la infanta española María Teresa en San Juan de Luz el 6 de junio de 1660 .


blioteca Nacional de Lima, Perú) original del madrileño Tomás Torrejón y Velasco (1644-1728), quien llegó a Lima como gentilhombre de cámara de don Pedro Fernández de Castro y Andrade, Conde de Lemos 3", Virrey del Perú desde 1667 . El 1° de julio de 1676, Torrejón fue nombrado Maestro de Capilla de la Catedral de Lima`, cargo que retuvo hasta su fallecimiento . La ópera había sido encomendada por Melchor Antonio Portocarrero Lasso de la Vega (1636-1705), Conde de la Monclova, Virrey de Nueva España (México) primero (1685)"7 y sucesor del Conde de Lemos como Virrey del Perú en 1689, para conmemorar el primer año de reinado y décimo octavo natalicio de Felipe V de Borbón (Felipe de Anjou), primer rey Borbón de España . Valga la ocasión para expresar que el advenimiento de la Casa de Borbón en España, particularmente los reinados de Fernando VI y Carlos III, trae consigo profundos cambios en la sociedad española, cambios que inciden naturalmente en las colonias de ultramar, entre ellos el mejoramiento e internacionalización del gusto musical . Las obras de Torrejón y Velasco, la mayoría de ellas conservadas en el Seminario de San Antonio Abad en Cuzco, se expandieron no solo por el Virreinato del Perú, el mayor de América, sino por regiones tan distan365) El mismo que recibió y auxilió al Hermano Gonzalo conocido como "el ermitaño", Gonzalo de Meneses Alencastre e Andrade, portugués de nacimiento, precursor de la fundación de la nueva ciudad de Panamá en el sitio de Ancón, curioso personaje que pronosticó la destrucción de Panamá la Vieja, y a quien le tocó traer de regreso al Istmo a las monjas de la Concepción que abandonaron la ciudad en ocasión de la invasión y saqueo del pirata inglés Henry Morgan, para instalarse luego, en la nueva metrópoli, en el Convento que ocupó el mismo solar donde actualmente está el Ministerio de Gobierno . Ver, Juan Antonio Susto, El Precursor de la fundación de la nueva ciudad de Panamá, Impresora Panamá, S .A ., Panamá, 1965 . (véase n . 471 en pág . 428) . 366) Cual no habrá sido la reputación de Torrejón que fue nombrado Maestro de Capilla de la Catedral de Lima sin haber profesado órdenes sacerdotales lo cual era de rigor en ese entonces . En cambio Torrejón era casado y tuvo varios hijos . La Catedral había sido inaugurada sin haber sido terminada en 1604 y consagrada en 1625 . 367) El primer Virrey había sido Antonio de Mendoza diplomático de confianza de Carlos V quien llegó a la capital de México en 1535 .

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tes como Guatemala, lo que da una idea del prestigio que alcanzó como compositor. La Púrpura de la Rosa, interesante y original impronta del barroco español, es la única obra profana que se le conoce a Torrejón y Velasco, quien falleció en Lima a la avanzada edad de 83 años . Dicho sea de paso, la ópera italiana llegó al Perú en 1708 con la presentación de El mejor escudo de Perseo libreto del Virrey Marques Castell dos Ríus, sucesor del Conde de Lemos y partitura musical del violinista y compositor italiano Roque Ceruti (m. 1760), después de lo cual, hasta aproximadamente la tercera década del siglo, una pléyade de compositores italianos continuaron dominando el panorama musical peruano, con un variado y original repertorio de óperas . Téngase presente que tanto en Potosí, como en La Plata y Cuzco se llevaba a cabo una efervecente actividad teatral . Juan Araujo primer "afroamericano"

En el último tercio del siglo XVII llega también a las costas del Perú, Juan de Araujo (1646-1712) original de Villafranca de los Barros, en Extremadura"", quien después de formarse en la Universidad de San Marcos de Lima, donde fue instruido musicalmente por Torrejón y Velasco, decide hacer la carrera sacerdotal . Una vez ordenado, con apenas 24 años de edad, Araujo fue nombrado Director Musical de la Capilla limeña (1670), posición en la que precedió a su propio maestro . En 1676 fue nombrado Maestro de Capilla de la Catedral de Panamá, y cuatro años después fue transferido a la Catedral de La Plata en donde realizó una encomiable labor. La mayoría de sus obras, religiosas y profanas, reposan en los archivos de la Catedral de Sucre así como en otras iglesias, seminarios y bibliotecas privadas del Continente . Entre lo más original de su creación están 368) Juan de Araujo llegó a Lima muy niño junto con su padre quien fuera a la sazón funcionario del Virrey del Perú, Don Pedro Fernández de Castro y Andrade . La mayoría de sus obras se encuentran en el Archivo Histórico Nacional de Bolivia (antiguos archivos de la Catedral de Sucre) y en el archivo de la Iglesia de San Ignacio de Moxos, Bolivia .


3.59

los ritmos pseudo negros o gitanos, que logra plasmar hábilmente en algunas de sus coplas, erigiéndose como el primer "afroamericano" del Nuevo Mundo .

La diócesis de Panamá fue la primera que se creó en el Continente razón por la que se la conoce como "Primada de Tierra Firme" . La Bula Pastoralis Officii, mediante la cual se crea el obispado de Santa María la Antigua del Darién, la refrendó León X el 28 de agosto de 1513. El primer Obispo de la diócesis fue Fray Juan de Quevedo . Once años después la Sede fue trasladada a la ciudad conocida hoy como Panamá la Vieja'° ° , y posteriormente, en 1673, a la actual ciudad de Panamá 370 . Juan de Araujo inicia pues su maestrazgo tres años después de haber sido abierta la nueva Sede . Desafortunadamente se desconoce hasta hoy cualquier información sobre su labor realizada en la Catedral Metropolitana de Panamá. III . Primera ópera de un compositor nacido en América

La primera ópera escrita y producida por un compositor nacido en América, es La Parténope, del presbítero bachiller Manuel de Sumaya o Zumaya (c . 16801754) oriundo de la ciudad de México, Nueva España . Sumaya fue educado en una de las mencionadas escoletas públicas371 donde fue alumno de contrapunto, composición y órgano del mexicano Antonio de Salazar y José de Idiaques respectivamente, ganando por oposición el maestrazgo de la Catedral de México, en el que 369) Constituye la primera ciudad de Tierra Firme sobre el Pacífico . 370) La nueva ciudad fue fundada por Fernández de Córdoba y Mendoza, el 21 de enero de 1673, en el sitio del Ancón, lo que hoy día se conoce como El Casco Viejo, declarado, por la UNESCO, "Patrimonio de la Humanidad" el 6 de diciembre de 1997 . 371) Dirigida en aquel entonces por el compositor y Maestro de Capilla mexicano, Antonio de Salazar (1650-1715) autor, entre otras cosas, de interesantes Motetes Polifónicos y musicalizador de algunos Villancicos de Sor Juana Inés de la Cruz . Se desconocen los antecedentes musicales del maestro Salazar, al margen de que sabía tañer el bajón y que deseaba ingresar a la capilla musical de la catedral, cuya dirección musical ocupó en 1688 realizando una excelente labor .


sucedió a su maestro en 1715 . Durante los 25 años que estuvo al frente de la capilla mexicana ésta alcanzó un nivel de esplendor y competencia sin precedentes . Su obra polifónica, conservada en los archivos de diversas catedrales de Hipanoamérica, muestra originalidad y conocimiento cabal del contrapunto . La Parténope 372 fue estrenada en el Palacio Virreinal el 1° de mayo de 1711373 , ante la presencia del nuevo Virrey, el Duque de Linares, recién llegado a las costas americanas, quien fuera un particular amante de la ópera italiana . Otras actividades musicales de Nueva España

En Nueva España se escribieron, además de colocon música, obras puramente instrumentales, aunque desafortunadamente sean pocas las que hayan llegado hasta nosotros . En México, por ejemplo, se conservan tres tablaturas : una para órgano, de 1620, otra, que es un Método de Cítara de Sebastián Aguirre, de mediados del siglo XVII, y una tercera, para vihuela que data de 1740 aproximadamente, conservada en la Biblioteca Nacional de la capital mexicana . En 1670 se construyó en ciudad México el Teatro Coliseo para las frecuentes representaciones que tenían lugar, que, al quedar totalmente destruido por un incendio cincuenta y dos años después, fue reemplazado por el Coliseo Nuevo, erigido en 1735 . El género musical de mayor atracción en España en ese entonces era ya la Zarzuela lo que se reflejó también en América hispana, aunque se produjeran aún así algunas óperas italianas, varias de ellas traducidas inclusive al castellano, conjuntamente con otras, de carácter más ligero, del compositor mexicano y maestro de capilla, Manuel Arenzana, autor así mismo de diversas obras de carácter religioso . quios, entremeses y autos sacramentales

372) El gran maestro del barroco alemán George Friederick Handel, utilizó el mismo libreto original de Stampiglia, en su obra homónima estrenada en el Kings Theater de Londres en 1730 . 373) Tal como quedó dicho, ya el 11 de octubre de 1701 se había producido en Lima La Púrpura de la Rosa, primera ópera escrita y producida en América, del español Torrejón y Velasco, con texto de Calderón de la Barca .


361

Dos compositores de mediados del siglo XVIII en tierra mexicana, de quienes se desconoce mayor información, aunque autores de interesantes obras para pequeña orquesta son, Antonio Rodil y Antonio Sarrier . No obstante el compositor mexicano más significativo del momento fue José Mariano Elízaga (1786-1842) considerado niño prodigio, organista de la Catedral de Morelia a los trece años, nombrado en 1822 Maestro de Capilla de la ciudad capital por el General Iturbide . Fundador del primer Conservatorio de Música, de efímera existencia y autor de dos tratados importantes del momento: Elementos de la Música, escrito en 1823 y Principios de la armonía y de la melodía, de 1835 . Su obra es mayoritariamente de carácter sagrado . Brasil

No obstante, según el investigador uruguayo, de origen alemán, Francisco Curt Lange, el movimiento musical más intenso del siglo XVIII, en Latinoamérica, fue el de Villa Rica, actual Ouro Preto, capital de Minas Gerais 374 , Brasil, donde aparece "toda una pléyade de com-

positores mulatos de valor" .

En efecto en Pernambuco, Brasil, han quedado algunas obras instrumentales que datan de la primera mitad del siglo XVIII, entre las que se encuentra un Tedeum del mulato o pardo, como les decían, de Luiz Alvares Pinto 375 (1719-1789) discípulo del organista portugués Henrique da Silva Negrao ; una Misa a cuatro voces, con dos violines, la cantata Lauda Jerusalen, etc, así como las Sonatas y Toccatas para tecla y guitarra, del también mulato Manoel de Almeida Botelho, nacido en 1721, muy celebrado en vida, inclusive en la corte portuguesa . 374) En 1718 se descubren los ricos yacimientos auríferos y diamantíferos, de ahí el nombre de Minas Gernis, que dos anos después obtendría el rango de capitanía independiente con Villa Rica de Ouro Preto como capital, y que se conocerá como el Potosí del Brasil . 375) Gerard Béhague, en su obra Music in Latbt America, An Introduction (Prentice Hall, Inc ., Englewood Cliffs, New Jersey, 1979) señala que Luiz Alvares Pinto escribió un tratado intitulado El Arte de Solfcjar, cuyo manuscrito reposa en la Biblioteca Nacional de Lisboa y que viene a ser el primer tratado sobre el particular escrito en América .

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INGRAM JAÉN

No obstante el mayor compositor minero del siglo XVIII fue José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (ca . 1740-1805) de la hermandad de Nuestra Señora de las Mercedes de los Hombres Criollos, a quien se le atribuyen unas 300 obras de las cuales sobrevivieron unas 40 entre partituras completas y mutiladas . Fue además el eximio organista de "la orden tercera del Carmen" en la ciudad de Río de Janeiro donde falleció en 1805 . Entre sus obras más significativas están, la Misa en mi bemol (Missa Grande), la Misa en fa, la Antífona a Nuestra Señora (Salve Regina) y el Te Deum además de motetes, letanías, oficios y otras obras . Otros destacados compositores mineros, contemporáneos de Mesquita, son: Marcos Coelho Neto (17401806), compositor y trompista original de Villa Rica ; Francisco Gomes da Rocha a quien se le atribuyen más de 200 obras, fallecido en 1808 ; e Ignacio Parreiras Neves (c.1736-1790) autor de la "única obra coral secular de Minas Gerais" según el historiador estadounidense Gérard Behague376.

Surge poco después el maestro sacerdote brasileño, uno de los más importantes compositores del Brasil, José Mauricio Nunes García (1767-1830) mulato carioca, conocedor de la obra de Bach, Haydn y Mozart, hijo de una esclava del Estado de Minas y nieto de otra esclava oriunda de Guinea . Autor de varias Misas polifónicas, un Réquiem y otras obras corales de carácter religioso, fue educado en el Conservatorio Santa Cruz creado en los albores del siglo XVII para la formación de los negros trabajadores de ambos sexos en un plantío de jesuitas"', en los alrededores de Río de Janeiro . Además de excelente clavecinista y irable improvisador, fue Director de la Capilla Real del Emperador Juan VI del Brasil . El ya mencionado Neukomm, decía que el padre Mauricio "era el mejor improvisador del mundo" . 376) Obra cit. Pág . 84 . 377) Se sabe que en las plantaciones los esclavos negros bailaban ya el minué.


3 63

Músicos europeos marcan residencia en América Músicos europeos de prestigio visitan el Nuevo Continente durante los siglos XVIII y XIX y varios fijan aquí su residencia, entre ellos : el jesuita italiano, clavecinista y compositor, Doménico Zípoli (1688-1726), quien llega a Argentina en 1717 (un año después de haber publicado su colección para tecla Sonate d'intavolatura), en aras de un ideal religioso y social, desempeñándose como organista, y estableciéndose en la Córdoba argentina, ciudad donde murió, después de haber hecho estudios de filosofía y teología en el Colegio Máximo y Universidad de los jesuitas y de haber aportado nuevos modelos y técnicas a la música de iglesia ; el portugués Marcos Antonio Portugal (1762-1830), el mayor compositor luso del momento, que llegó a Brasil en 1811 ., como miembro de la Capilla Real y quien dirigió por vez primera en Brasil, en 1819, el Réquiem de Mozart, así como el compositor y pianista austriaco, Segismund Neukomm (1778-1858), discípulo de Haydn y contemporáneo de Mozart . Tanto Portugal como Neukomm fueron maestros de Don Pedro I, Emperador del Brasil y residentes en Río de Janeiro . Colombia, Perú y Cuba Entre otros criollos que también destacaron como músicos y compositores está el sacerdote bogotano Juan de Herrera y Chumacero (c .1665-1738) maestro de Capilla de la Catedral Metropolitana, y padre de la música de la ciudad de Bogotá, como se le conocía, autor de una prolifera obra, recogida y ordenada por su discípulo Juan de Dios Torres, de la que se conservan, entre otras cosas, 6 Misas polifónicas, Salinos de vísperas a cinco voces, Salinos polifónicos, algunos hasta de diez voces, Lamentaciones de las tinieblas a cuatro voces, Magnificats,

Misa de Réquiem, Villancicos, Salves, Motetes, etc .

A mediados del siglo XVIII el panorama musical se enriquece con la influencia italiana . Para esa época llega a Santafé de Bogotá el violinista Mateo Medica Melfí como parte del séquito del Virrey José Solís Folch de Cardona, quien asumió funciones, en 1753, de donde surge quizás la introducción de violines en la Catedral de Bogotá .


364 El primer músico peruano sobresaliente, fue José Orejón y Aparicio (1705-1765), excelente organista y autor de una Pasión del Viernes Santo, considerada su obra más importante, escrita en 1750 (año en que muere Juan Sebastián Bach), para dos coros, violines, flautas, trompas y bajo .

Compositor particularmente significativo fue el cubano Esteban Salas y Castro` nacido en 1725, maestro de Capilla de la Catedral de Santiago de Cuba desde 1764 . Salas, quien estudió composición y órgano así como humanidades, teología, filosofía y derecho canónico en la Universidad de la Habana, su ciudad natal, dejó una obra significativa, desconocida hasta hace poco, dentro de la gran tradición del arte religioso hispánico de la época . De su creación dejó Misas (entre ellas un Réquiem para 4 voces y orquesta), motetes, letanías, villancicos, salmodias, himnos, autos sacramentales, un Stabat Mater, etc ., así como una interesante obra intitulada Pasionarios, escrita para introducir a sus discípulos en el arte del contrapunto . Salas constituye, hasta hoy, el gran maestro de la polifonía vocal del siglo XVIII de nuestro hemisferio . Murió en 1830 y fue sepultado en la Iglesia del Carmen de Santiago de Cuba . Venezuela Muy digna de mención es la Escuela del Chacao, de Venezuela, fundada por el sacerdote Pedro Palacio y Sojo (1739- 1799) tío abuelo de Bolívar, tronco ancestral de la música del hermano país, que albergó en sus aulas, además de un número plural de talentosos mulatos tales como José Francisco Velázquez (1760-1797) y José Antonio Caro de Boesi (1760-1814)379, nombres también conocidos como Juan Manuel Olivares (1760-1797) y José Cayetano Carreño (1774-1836) quien fuera Maestro de Capilla de la Catedral de Caracas y fundador de la pri378) De probable origen negro "ya que a pesar de su nariz aguileña, su tez era muy morena y tenía los labios gruesos y carnosos" según Alejo Carpentier : La Música en Cuba, Fondo de Cultura Económica, Col. Popular, México 1972 . 379) En cuyo nombre se instituyó un premio de composición en Caracas, obtenido, entre otros, por Roque Cordero, por su Segunda Sinfonía .


mera Escuela de Música de Caracas . Su nieta, la compositora, pianista, cantante"` y directora, Teresa Carreño (1853-1917), discípula entre otros de Anton Rubinstein, fue tina de las mayores pianista de todos los tiempos que brilló en los escenarios más importantes de Europa y América . La figura patriarcal de esta prolifera "camerata venezolana", o escuela del Padre Sojo, como se la conoce, fue el compositor José Ángel Lamas (1775-1814) autor, entre otras obras, del Popule Meus (1801), así como de un Miserere, Las Lamentaciones de Serrana Santa y una Misa en re . Decadencia de la música en España

Al margen de lo ya mencionado poco y pobre es lo que se produce musicalmente en el siglo XVIII en las colonias españolas de ultramar . Es preciso recordar que la gloriosa era de la música española quedó interrumpida desde los grandes organistas y maestros polifónicos de los siglos XVI y XVII . En efecto en el siglo de la Ilustración, España se italianiza musicalmente, muy en particular durante el reinado de Isabel de Farnesio, mujer de carácter y gran belleza, esposa del hipocondríaco Felipe V, quien sólo podía conciliar el sueño con los gorjeos diarios del célebre sopranista italiano, Carlo Broschi, más conocido como Farinelli . Una solitaria y original figura mantiene, desde el monasterio de San Lorenzo del Escorial, la tradición musical española : es el padre, compositor, organista y clavecinista, Antonio Soler (1729-1783), compadre y amigo del gran clavecinista y compositor napolitano, Doménico Scarlatti, maestro de clave de la reina Bárbara de Braganza, una de las soberanas más cultivadas de la historia de España, esposa de Fernando VI, conocido como "el filarmónico" . Ambos protagonizaron un reinado en el que predominó el equilibrio y la reconstrucción del Estado, los dos de carácter melancólico, lo que se acentuó al no tener descendencia, y sirvió, quizás, de unión a la real pareja en sus comunes aficiones a la música . 380) Teresa Carreño, que también fue cantante, actuó en el rol de Margarita de Valois en Los Hugonotes de Meyerbeer, el 24 de mayo de 1872 en la ópera de Edimburgo .

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JAÉN

No es ésta la ocasión para entrar en detalles sobre lo que la Reforma y la cultura sajona significaron en la historia de la música europea, haciendo posibles la existencia de monstruos sagrados de la talla de Bach, Händel, Haydn, Mozart o Beethoven, maestros que aunque decisivos en la creación musical no tuvieron mayor incidencia en la península, que se vuelca casi por entera en el género de la Zarzuela, situación musical que se reflejó también en las colonias americanas . Algunos archivos coloniales de Iberoamérica

La mayoría de los manuscritos de los Maestros de Capilla de la época virreinal reposan en las diferentes bibliotecas y archivos de los Conventos y Catedrales, a todo lo largo y ancho de Latinoamérica, entre los cuales los más importantes son: México: Archivo de la Catedral Metropolitana, la Catedral de Puebla y la Catedral de Oaxaca ; el Códice del Convento del Carmen381 y la llamada Colección Sánchez Garza que reposa en el Instituto Nacional de Bellas Artes . Guatemala : Archivo de la Catedral de Guatemala. Colombia : Archivo de la Catedral de Santa fe de Bogotá, uno de los más antiguos de América . Perú: Archivos del Seminario de San Antonio Abad (Cuzco)382 y el Archivo Arzobispal de Lima . Bolivia : Archivo Histórico Nacional383 el del Monasterio de Santa Clara de Cochabamba y el de la Iglesia de San Ignacio de Moxos, en la ciudad de Beni . IV Primeros Teatros y Conservatorios

En 1813 se inaugura el magnífico Teatro Real de San Juan, de Río de Janeiro, el primer gran coliseo 381) El original se ha perdido pero en la Biblioteca del Congreso (Washington D .C .) reposa una copia en microfilm. El que se encuentra en el Convento del Carmen es el transcrito por el musicólogo mexicano Jesús Bal y Gay. 382) Descubierto por el historiador peruano Rubén Vargas Ugarte . 383) Musicalmente hablando el más importante de América del Sur en el que reposan los manuscritos que antiguamente estaban en la Catedral de Sucre así como la importante colección privada de Julia Elena Fortún, de la Paz .


operístico del Nuevo Mundo, construido dentro de los moldes del Teatro San Carlos de Lisboa, destruido por un siniestro diez años después y transformándose con su reconstrucción en el actual Teatro Joáo Caetano inaugurado el 12 de octubre de ese mismo año con el drama lírico O juramento dos Nunes (El juramento de los Nunes) de Marcos Portugal y texto de Gastón Fausto da Cámara Coutinho, dirigido por el propio compositor que le ameritó el nombramiento de director artístico del teatro San Juan . Seguidamente se presentaron otras óperas del compositor lusitano, entre ellas Damofoonte, Merioe, la ópera bufa, Loro non

compra amare, A Saloia Namorada y Augurio de Felicitó, ossia il trionfo del amore representada para festejar el matrimonio del emperador Don Pedro con Doña Leopoldina, iniciándose así, en serio, el teatro lírico en Brasil .

Ya se ha dicho, con sobrada razón, que "la creación musical americana ha tenido que sostener una lucha mucho más tenaz que la de los compositores del Viejo Continente para alcanzar un nivel de originalidad y contemporaneidad" .

En efecto, como ya quedó consignado más arriba, la creación artístico musical americana no siguió una evolución progresiva hasta alcanzar una expresión de su propia identidad, como sucedió en Europa a través de los siglos . La creación musical europea llega a nuestro Continente precisamente cuando ya ha alcanzado el desarrollo cumbre de la polifonía vocal, uno de los momentos estelares de la historia de la música de todos los tiempos ; le tocó a España ocupar uno de los primeros lugares en el siglo XVI, no solo en el ámbito de la música vocal, con figuras ilustres como Cristóbal de Morales (1 .500-1553) y Tomás Luis de Victoria (1548-1611), sino, también en el ámbito instrumental, con vihuelistas de la talla de Luis de Milán y Luis de Narvaes y en el arte organístico con el maestro invidente Antonio de Cabezón (1510-1566) con los sorprendentes Tientos y Diferencias . Hispano América, con su todavía incipiente formación y muy limitada vida musical, no podía más que caminar por los mismos senderos que señalaban los contados compositores del Viejo Mundo que llegaban a sus costas, e imitar, hasta donde fuera posible, los moldes o


patrones que estuviesen a su alcance y que en los siglos siguientes no serían ya de la mejor calidad . Las primeras creaciones iberoamericanas con cierta originalidad surgen con la influencia del dinamismo romántico centroeuropeo y los logros de la escuela nacionalista rusa, en la segunda mitad del siglo XIX . A raíz de la gesta bolivariana y los movimientos independentistas, en los albores del siglo decimonono, aparecen los autores de los diferentes Himnos Nacionales y marchas cívicas, así como los compositores de otrora famosas Polkas, Valses, Contradanzas384 y Pasillos de salón . A mediados del siglo XIX surgen las primeras Escuelas de Música o Conservatorios nacionales propiamente dichos : el de México hacia 1840 ; Santafé de Bogotá, 1847 ; Río de Janeiro, 1848 ; Santiago de Chile, 1849 ; Guatemala, 1880 y Habana, 1885 3 ' Para efectos comparativos es interesante señalar que ya en 1848 (un año antes de la muerte de Chopin) la orquesta Germania, cuyos integrantes eran casi todos de Berlín, hace una gira de conciertos por el territorio continental de EE .UU . en donde ofreció un poco más de novecientas presentaciones (!) . Existían ya, para ese entonces, importantes sociedades musicales386, tales como la Händel and Hayan Society de Boston (1815) que dicho sea de paso había encomendado una obra al propio Beethoven 387; existían así mismo la Musical Fund Society de Filadelfia (1820) y la New York Philarmonic Society (1842), siendo que éstas dos últimas tenían orquestas completas y permanentes (ver música en EE .UU ., más adelante) . En el decorrer del siglo decimonónico se produce una generación de virtuosos y compositores de salón 384) La {sabanera es una adaptación cubana a la contradanza europea . 385) La primera Academia de Música de Cuba fue instituida en 1814 y en 1816 se fundó en la Habana la Academia de Música de Santa Cecilia . Alejo Carpentier, obra citada . 386) La primera sociedad musical estadounidense fue la Sociedad Santa Cecilia, creada en Charleston en 1740 . 387) Beethoven estuvo encantado con la solicitud y en una de sus libretas de anotaciones escribió "El Oratorio para Boston" .


que cultiva la micro forma romántica así como el drama lírico dentro de la línea italiana .

La ópera en América en el siglo XIX Aunque la tonadilla escénica española era ampliamente cultivada en los principales centros del Continente la ópera italiana inicia su promoción en los albores del siglo XIX, con obras tales como El Barbero de Sevilla de Paisiello, El Matrimonio Secreto de Cimarosa, Miguel Angel de Mehul, La Bella Arsena de Monsigny, El Califa de Bagdad de Boieldieu, el Ricardo Corazón de León de Gretry y muchas otras, producidas la mayoría de ellas por grupos ambulantes, sean españoles, italianos o ses, que permanecían en las principales ciudades como La Habana, Ciudad México, Santafé de Bogotá, Caracas, Río de Janeiro o Buenos Aires, hasta varios años . La ópera en México por ejemplo, aunque era ya conocida y cultivada desde el siglo anterior, comenzó a popularizarse con la llegada del célebre cantante y empresario español Manuel García que en los alrededores de 1825 viajó con su familia, excelentes cantantes todos, a Estados Unidos y México, motivando en éste último país la organización de las primeras temporadas regulares oficiales de ópera . (ver págs . 383 y 384) . En Buenos Aires, cuyo desarrollo musical había iniciado en la iglesia con la activa presencia de los jesuitas, ya, en la segunda mitad del siglo XVIII, el teatro se convierte en una necesidad vital de la populación y así vemos que en 1757 el Teatro de Opera y Comedia abrió sus puertas, seguido por el Teatro de la Ranchería en 1783 y que a pesar de las zarzuelas y tonadillas tan a la moda en todo Iberoamérica, la ópera italiana inicia su ascenso y popularidad a finales de la segunda década del siglo XIX. En 1822, el Maestro de Capilla José Antonio Pisacarri (1769-1843) inaugura en la capital argentina una Escuela de Música y Canto bajo los auspicios del Ministro Rivadavia (posteriormente Presidente de la República) y funda ese mismo año la Sociedad Filarmónica que presentó en 1836 la Misa Solemne de Beethoven, a apenas catorce años de su creación .

3 70 - JAIME INGRAM JAÉN Entre los compositores líricos del Continente sobresale con particular énfasis el brasileño Carlos Gómez (1836-1896), original de Campinas, Estado de Sao Paulo, el más prestigioso operista americano del siglo XIX . Su ópera más conocida, Il Guaraní, fue incorporada de inmediato al repertorio de los principales teatros líricos de Europa . Otras de sus óperas son : Noche del Castillo, Juana

de Flandes, El Telégrafo Eléctrico, Fosca, Salvator Rosa, María Tudor y El Esclavo . Algunas de sus arias fueron hon-

radas inclusive por grandes cantantes como Enrico Caruso y Beniamino Gigli, quien en una de sus ocho giras por Río de Janeiro y Sao Paulo registró, entre otras cosas, un aria de El Guaraní y otra de El Esclavo .

También en Santafé de Bogotá el compositor colombiano del siglo XIX, José María Ponce de León (1846-1882) escribió varias óperas, entre ellas, Un alcalde

a la antigua y dos primos a la moderna, Esther y Florinda .

Ponce de León estudió en París con Charles Gounod (1818-1893) y Ambroise Thomas (1811-1896), al ingresar en el Conservatorio después de haber triunfado en un concurso abierto para poner música al Himno a la Paz, compitiendo con otros ochenta jóvenes compositores . Al cabo de tres años se vio obligado a interrumpir sus estudios por causa de la guerra franco-prusiana . En 1846 el compositor Aquinas Ried (1810-1869) escribe la primera ópera de Chile, La Telésfora388, y en 1892 sube a escena en la Scala de Milán la ópera Juana la Loca del compositor, Eleodoro Ortiz de Zárate (18651953) original de Valparaíso, con estudios realizados en el Conservatorio de Milán el compositor más destacado en dramas líricos de Chile . En Cuba sobresale el compositor Gaspar Villate (1815-1912) egresado del Conservatorio de Música de París bajo la dirección de Bazin, Victorien Joncieres y Danha, cuyas óperas alcanzan gran éxito en diferentes escenarios europeos, entre ellas Zilia, La Zarina y Baltasar . Muy amigo de Verdi éste le recomendó que es388) Que junto con II Grenatiere (1860), Walhala (1863), y Diana (1868), del mismo autor, no llegaron siquiera a representarse, quizás por carencia de recursos económicos .


cribiera una ópera sobre la trágica historia de Inés de Castro obra que inició pero que aparentemente no llegó a completar, así como su ópera Lucifer de la cual solo existen excelentes fragmentos . Según Alejo Carpentier, "Villate era muy hábil, tenía talento pero carecía de genio", no obstante sus "contradanzas de deliciosa factura" .

El Glinka cubano En 1847, nació en la Habana Ignacio Cervantes (1847-1905) 3" 9 conocido como "el Glinka cubano", discípulo de Espadero en la Habana y de Marmontel y Alkan, en el Conservatorio de París, autor, entre otras obras, de unas bellas Danzas cubanas para piano, que constituyen, junto con las de Manuel Saumel (18171870) también cubano, discípulo de Juan Federico Edelmann 390 , un hito en la originalidad de la creación musical americana . Efectivamente hasta finales del siglo XIX, salvo las escasas, pero honrosas excepciones mencionadas, la historia de la música de nuestro vasto Continente, continuaba siendo una pálida calcomanía de la creación europea . No obstante el compositor cubano más celebrado de su tiempo fue Nicolás Ruiz Espadero (1832-1890) aunque hoy sabemos que el más importante haya sido Cervantes .

Primeros virtuosos iberoamericanos Los primeros virtuosos nacidos en América surgen en la segunda mitad del siglo XIX, como el mulato cubano José White391 , quien mereció ocupar en París la cátedra del célebre maestro Allard en el Conservatorio de la capital de Francia, así como el negro, tam389)

Ignacio Cervantes, excelente pianista, actuó con éxito en escenarios de Cuba, Europa y Estados Unidos . Existe un estupendo CD con algunas de sus danzas grabado por el pianista cubano Frank Fernández. 390) El pianista francés Juan Federico Edelmann, hijo del clavecinista y pianista homónimo, elogiado por Mozart y guillotinado en París en 1794, llegó a la Habana en 1832, donde fue director de la Sociedad Filarmónica de Santa Cecilia fundador y propietario de un almacén y una casa editora de música . 391) Autor entre otras cosas de un difícil Concierto para violín y orquesta así como Seis Grandes Estudios muy apreciados todavía en diferentes centros musicales de Europa .

3 72 - JAIME INGRAM JAÉN bien cubano, Claudio José Domingo Brindis de Salas (1852-1911) 3J 2 quien fuera conocido en Europa como "el Paganini negro", músico de cámara de la corte imperial del Káiser Guillermo II y muerto en Buenos Aires consumido por una tuberculosis galopante ; la ya mencionada pianista venezolana Teresa Carreño (1853-1917), conocida como "la walkiria del piano" quien, a la par de los mayores virtuosos europeos de la época, supo adquirir sólido prestigio en las más exigentes salas del mundo con grandes obras del repertorio . En su obra Los grandes pianistas 393 , Harold Schönberg la presenta como "Genio venezolano del tecla-

do, mujer tempestuosa, brillante y atractiva" .

A su vez renombrados profesionales europeos visitan el Continente, entre ellos Thalberg y Sarasate, exigiendo como garantía, algunos de ellos, ingentes sumas de dinero que debían depositarse de antemano en solventes firmas bancarias, cuando viajar a nuestro hemisferio se tenía todavía como una de las más arriesgadas aventuras que podía enfrentar un ser civilizado . Influencia americana en la música europea

La influencia americana ha sido conspicua para los compositores europeos, desde la "endemoniada zarabanda" tan significativa en las Suites de Juan Sebastián Bach, hasta la habanera y el fandango394 , en las obra de Bizet, Satie, Debussy, Antonio Soler y Falla . El propio compositor francés Darius Milhaud relata en sus Melnorias 395 , cómo se inspiró en la música criolla brasileña, (entre ellas la ópera Forrobodó de Chiquinha Gonzága), cubana y caribeña en general durante sus años en América (1916/17) en calidad de Secretario de la Embajada de Francia en Río de Janeiro, presidida a la sazón por el 392) Presencia y Vigencia de Brindis de Salas, Editorial Letras Cubanas, La Habana, 1981 . 393) The Great Pianists, Simon and Schuste ; Nueva York 1963. Existe versión

castellana en Javier Vergara Editor. Buenos Aires, Argentina 1990 . La habanera surge de una adaptación cubana a la contradanza europea . A su vez el fandango era tenida como una danza lasciva y contraria a las buenas costumbres razón por la que era perseguida por la autoridad eclesiástica particularmente en el siglo XVIII . 395) Ma vie heurense, París, Ed . Belfond, 1974.

394)


poeta Paul Claudel con lean Cocteau como Agregado, lo que se refleja en algunas de sus obras como Suite Sinfónica N'2 "Proteo" (1919), las 12 piezas llamadas Saudades do Brasil (1920/21), El buey sobre el tejado (1924), la Suite Scaramouche para dos pianos (1937) en la que aparece un segundo movimiento con el título de Brazileira, el Baile Martiniqueño (1944), también para dos pianos, etc .

Compositores patriarcas con expresión propia Al margen de personalidades excepcionales, aparecen en las últimas décadas del siglo XIX y albores del XX, figuras decisivas en la historia musical en cada uno de nuestros países, los llamados "patriarcas" de las escuelas modernas de composición en Latinoamérica . Estos profesionales, de competente preparación académica adquirida en los mejores centros europeos, mayormente en Francia y Alemania, manifiestan su inquietud por sentar las bases de un arte con fisonomía y características propias . Entre ellos : José María Valle Riestra (18581925) en Perú, Alberto William (1862-1952) en Argentina ; Alberto Nepomuceno (1864-1920) en Brasil ; Julio Fonseca (1885-1950) en Costa Rica ; Eduardo Sánchez de Fuentes396 (1874-1944) en Cuba ; Manuel Ponce397 (18761948) en México ; Narciso Garay Díaz (1876-1953) Director del primer Conservatorio de Música y Declamación de Panamá ; Jesús Castillo (1877-1946) y Ricardo Castillo (1894-1966), en Guatemala ; Carlos Pedrel (18781941) en Uruguay ; Guillermo Uribe Holguín398 (18801971) en Colombia ; Vicente Emilio Sojo (1887-1974) en Venezuela ; Luis A . Delgadillo (1887-1964) en Nicaragua ; Domingo Santa Cruz Wilson (1899-1987) en Chile ; Andrés Sás (1900-1967) en Perú, y varios otros . Cada uno de ellos cumplió con una responsabilidad profesional, poniendo su talento y preparación académica al ser396) Autor de varias óperas exitosas, entre ellas : Yumurí (1898), El Náufrago (1901), La Dolorosa,(1910) considerada como la expresión más acabada del verismo en América según Alejo Carpentier, Doreya (1918) y El caminan,' (1921) . 397) Autor, entre muchas otras obras, de la famosa canción Estrellita . 398) Ver memorias del maestro Guillermo Uribe Holguín en, Vida de un Músico colombiano, Editorial Librería Voluntad, S .A ., Bogotá, 1941 .

3 74 - JAIME INGRAM JAEN vicio de la nueva generación que representa hoy día los exponentes más conspicuos de nuestra música Casi paralelamente a los mencionados patriarcas surge un grupo de compositores que llama la atención como creadores de un arte con expresión propia de nuestra cultura americana aunque diferentes en sus concepciones estéticas . Entre ellos, Leopoldo Miguéz (18501902), Glauco Velásquez (1884-1914) meteoro sorprendente y irable399 , desaparecido prematuramente, seguido muy de cerca en edad por Hector Villa Lobos (1887-1959), autodidacta por antonomasia, sorprendentemente prolifero, honrado en los centros musicales más exigentes de Europa y América y reconocido, en un momento dado, como el compositor más representativo del Nuevo Mundo . Otros son, los argentinos José María Castro (1892-1968) creador, en 1929, del Grupo Renovación, junto con Juan Carlos Paz (1901-1972) y su hermano Juan José Castro (1895-1968), personalidad líder del movimiento nacionalista argentino, alumno de Vincent d'lndy en París, además de egregio director de orquesta400 quien estuvo al frente del Teatro Colón por muchos años ; Floro Ugarte (1 .884) egresado del Conservatorio de París y Jacobo Ficher (1896) nacido en Rusia y uno de los fundadores también del Grupo Renovación (1929) y Luis Gianneo (1897-1968) ; los uruguayos Eduardo Fabini (1883-1950) quien sin ser un folclorista recalcitrante fue el introductor de las ideas nacionalistas en su tierra, seguido de César Cortinas (1890-1918) alumno en Berlín de Max Bruch y Carmen Barradas (1888-1963) quien se distinguió por experimentar con un nuevo sistema de notación musical . Otros compositores uruguayos de la misma generación son Alfonso Broqua (1876-1946) discípulo de 399) Expresión del musicólogo Vasco Mariz en su obra

Historia da Músi- ca no Brasil, Civ lizacáo Brasileira, Brasil a, 1981, Pág . 79.

400) Juan José Castro tuvo una dinámica carrera como director de orquesta . Además de fungir como director invitado a nivel internacional, tanto en Estados Unidos como en Europa, fue titular de la Orquesta del Teatro Colón, la Filarmónica de la Habana (1947/48), la Orquesta del SODRE de Montevideo (1949/51), la Orquesta Sinfónica de Melbourne en Australia (1951/53), la Sinfónica Nacional de Buenos Aires (1956/60), etc .


d'Indy y Cesar Franck; Luis Cluzeau Mortet (18891957) y Vicente Ascone (1897) ; los chilenos Enrique Soro (1884-1954) egresado del Conservatorio de Milán, zapador en su tierra de las teorías nacionalistas y autor de la primera sinfonía escrita por un compositor chileno (Sinfonía Romántica, de 1920), y Pedro Humberto Allende (1881-1959) quien divulga con sus ritmos autóctonos las entonces novedosas técnicas del impresionismo francés . Algunos brasileños de la misma generación son : Oscar Lorenzo Fernández (1897-1948) llamado "el Schubert brasileño" por su colección de canciones (Heder), y Francisco Mignone (1897-1987) autor de una extensa obra que cubre todos los géneros . Figura relevante, aunque ligeramente más joven, es el ya mencionado mexicano Carlos Chávez 401 (18991978), quien además de compositor hace una sólida carrera como director de orquesta a nivel internacional . (Ver algunas de las biografías más adelante) Mientras Villa Lobos recoge en su obra, en forma sensible e inteligente el alma del pueblo brasileño, Chávez incorpora además a su paleta de orquestación el instrumental característico del México precolombino . Muy cerca de Chávez, y con una espontánea y excepcional personalidad está el maestro mexicano Silvestre Revueltas (1899-1940) así como los cubanos, Amadeo Roldán (1900-1939) 402 y el popular Ernesto Lecuona403 (1896-1963) . Figuras también originales, aunque ajenas a los postulados tradicionalmente nacionalistas, supieron dirigir sus pasos por caminos más ingratos quizás, pero no por ello menos interesantes y productivos, entre 401) El maestro argentino Roberto García Murillo escribió una interesante biografía de Carlos Chávez, vida y obra, publicada por el Fondo de Cultura Económica de México, primera edición, 1960. 402) Amadeo Roldán, con sus asombrosas Rítmicas para percusión (1930) se adelanta en innovaciones al propio Varese . 403) Lecuona escribió varias zarzuelas con gran éxito, entre ellas, Maria de la O, Rosa de China y El Cafetal, las cuales, junto con Cecilia Valdés, La hija del sol y El Clarín de Gonzalez Roig, María Belén Chacón, Amalia Batista y Soledad de Rodrigo Prats, constituyen, dentro del género, de lo mejor que se ha producido en Cuba .

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ellos : Julián Carrillo (1875-1965) 404 el gran maestro del microtonalismo en México ; José Castañeda (1898) zapador en su tierra con el uso de la politonalidad, microtonalidad y el serialismo en Guatemala, y Juan Carlos Paz (1901-1972) 4 °s propulsor del atonalismo, puntillismo y técnicas aleatorias en Argentina . Actuales Organismos Sinfónicos

En la actualidad Argentina, Brasil, México, Colombia, Chile y Venezuela, cuentan con organizaciones orquestales completas, excelentes directores y ricas temporadas sinfónicas . Cuatro, entre ellas, presentan un alto nivel : la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica de Paraíba, Brasil cuyo creador y director titular ha sido el maestro Eleazar de Carvalho, la orquesta del flamante Teatro Sao Paulo de la ciudad homónima; la Orquesta Sinfónica del Estado de México así como la Orquesta Simón Bolívar de Caracas, Venezuela . Dos orquestas latinoamericanas tuvieron años atrás una estatura excepcional : la Filarmónica de la Habana 406 y la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires, considerada en su momento como la mejor de Hispanoamérica . De la misma forma la idea de las escuelas nacionales que surge en los países del perímetro continental europeo en la segunda mitad del siglo XIX, toman fuerza tardíamente en nuestro hemisferio en pleno siglo XX, dando lugar a la búsqueda y utilización, no siempre feliz, 404) El compositor mexicano Julián Carrillo ha sido uno de los precursores en la utilización de los micro-intervalos en la escritura musical . Es además el inventor del llamado Sonido 13 que exige una notación especial así como la utilización de algunos instrumentos especiales . Entre sus obras se cuentan, 6 Sinfonías, Concertinos y Conciertos para varios instrumentos solistas, música de cámara, tres operas y varios trabajos teóricos . 405) Juan Carlos Paz es autor también de un denso ensayo analítico sobre la creación musical del siglo XX, intitulado Introducción a la mús.EidciatdoernualtrNouevmpV,sión,BoAres195 406) El gran maestro austriaco, Erich Kleiber (1890-1956) quien fuera Director General de la Opera de Berlín (donde presentó la primera audición mundial de la ópera Wozzeck de Alban Berg) emigró a Latinoamérica durante el gobierno Nacional Socialista Alemán, y fue titular de la Filarmónica de la Habana de 1944 a 1947 .


de los elementos telúricos de las diferentes regiones, olvidando que no se es "nacional" ni "nacionalista" por el mero hecho de citar un tema folklórico o regional . 407 .

Nuevos Compositores de Iberoamérica A los ya mencionados sigue una pujante generación de compositores vanguardistas, que no solo consolida el espíritu nacional, cada uno a su aire, sino que irrumpe por nuevos senderos, acordes algunos con las últimas técnicas de la composición, entre ellos y en orden alfabético de los respectivos países : Alberto Ginastera (1916-1983), Roberto Caamaño (1923), Armando Krieger (1925) Hilda Dianda (1925), Alcides Lanza (1929), Antonio Tauriello, (1931), Mauricio Kagel (1931), Mario Davidovsky (1935), Rufo Herrera (1935), Luis Arias (1940) y José Ramón Maranzano (1940), en Argentina ; Jaime Mendoza Nava (1925), Atiliano Auza León (1928), Gustavo Navarre (1932), Alberto Villalpando (1940), en Bolivia; Radamés Gnatalli (1906) Camargo Guarnieri (1907-1987), Luis Cosme (1908), César Guerra Peixe (1914), Hans Koellreuter (1915), Claudio Santoro (1919-1989) Gilberto Méndez (1922), Osvaldo Lacerda (1927), Edino Krieger (1928), Damiano Gozzella (1929), Roger Duprat (1932), Marlos Nobre (1939) y José Augusto Mannis408 (1958) en Brasil : Bárbara Pentland (1912), Alexander Brott (1915), Jean Vallerand (1915), Godfrey Ridout (1918), Harry Somers (1925) y Pierre Mercure (1927-1966) en Canadá ; Pablo Garrido (1912-1982), Alfonso Letelier (1912), Juan Orrego Salas (1919), Gustavo Becerra (1924), Fernando García (1930) y León Schidlowsky (1931), en Chile; Antonio María Valencia (1902-1952), Roberto Pineda Duque (1910-1977), 407) Sobre el terna recomendamos, una vez más, leer el ensayo de Alejo Carpentier, América Latina en la confluencia de coordenadas históricas y su repercusión en la músico, en América Latina en su Música, publicación de UNESCO, Siglo XXI, México, 1977 . 408) Coordinador del Centro de Documentación de Música Contemporánea de Brasil, Universidad de Campinas, UNICAMP, Estado de Sao Paulo, (filial brasileña del Centre de Documentation de la Musique CdoentFrmapci) gdoalAsciónIteraol de Centros de Información Musical (IAMIC), cuyo Director General es el compositor Jose Augusto Mannis .

3 7 8 - JAIME INGRAM JAÉN Santiago Velazco Llanos (1915), Fabio Gonzalez Zuleta (1920), Luis Antonio Escobar (1925), Blas Emilio Atehortúa (1933), Jacqueline Nova (1937-1975), en Colombia- Bernal Flores (1937) en Costa Rica ; Alejandro García Caturla (1906-1940), José Ardévol (1911-1981), Gisela Hernandez (1912), Edgardo Martin (1915), Harold Gramatges (1918), Argeliers León (1918), Juan Blanco (1920), Hilario González (1920), Julian Orbón (1925-1991) y Aurelio de la Vega (1925), Hector Angulo (1932), Carlos Fariña (1934), Calixto Alvarez (1938), Roberto Valera (1938), Leo Brouwer (1939) y Sergio Fernández (1946), en Cuba ; Luis Salgado (1903) y Misias Maiguashca (1938) en Ecuador ; José Castañeda (1898), iniciador de la politonalidad, microtonalidad y serialismo en Centroamérica, Estevan Servellón (1921), Gilberto Orellana (1924), Salvador Ley (1907), Enrique Solares (1910), Manuel Herrarte (1924) Jorge Sarmientos (1933) y Joaquín Orellana (1935), en Guatemala ; Daniel Ayala (1906), Blas Galindo (1910), Salvador Contreras (1912), Pablo Moncayo (1912-1958), Manuel Enríquez (1926), Héctor Quintanar (1936), Manuel Jorge de Elías4 09 (1939), Eduardo Mata410 (1942-1992) y Mario Lavista (1943), en México ; Roque Cordero (1917) en República de Panamá ; Juan Carlos Moreno (1912) y Fernando Centurión de Zayas (1926), en Paraguay; Teodoro Valcárcel (1900-1942), Carlos Sánchez Málaga (1904), Rodolfo Holzmann (1910), Enrique Iturriaga (1918), Celso Garrido Lecca (1926), Luis Iturrizaga (1926), Enrique Pinilla (1927), Francisco Pulgar Vidal (1929), Olga Charlotte Pozzi Escot (1931), José Malsio (1931), (1931), Edgar Varcárcel (1932), en Perú ; Hector Campos ParsI (1922) y Rafael Aponte Ledée (1938), en Puerto Rico ; Enrique de Márchena (1908) en República Dominicana; Guido Santórsola (1904), Héctor Tosar (1923), León Biriotti (1929), Antonio Mastrogiovanni (1936), José Serebrier (1938) y Sergio Cervetti (1941), en Uruguay; Carlos Figueredo (1910), Angel Sauce (1911), Isabel Aretz (1913), Antonio Estévez (1916-1988), Antonio Lauro (1917), 409) Creador del Colegio Latinoamericano de Música de Arte, en México. 410) Quien fuera además un excelente director de orquesta, carrera que quedó truncada con su precoz desaparición, víctima de un accidente aéreo.


Rhazés Hernández López (1918), Alexis Rago (1920), Gonzalo Castellanos Yumar (1926), José Luis Muñoz (1928), Alejandro Enrique Plachard (1935) y Alfredo del Mónaco (1938), Alfredo Rugeles411 (1949), en Venezuela . Muchos otros compositores podrían mencionarse, más jóvenes aún, que con sus obras, talento, personalidad y conocimientos sólidos de la prosodia y semántica de la creación musical contemporánea, al margen de lo telúrico, van construyendo el nuevo perfil de la música en América Latina V. Musicólogos e investigadores

Desbordaría los límites de estos breves apuntes ahondar en detalles de la vida y obras de esta legión de compositores . Por otro lado no es posible esbozar un historial musical latinoamericano, por más breve que sea, sin señalar algunos nombres de musicólogos, ensayistas e investigadores, que con su labor zapadora han creado los caminos de penetración para el estudio más detallado de la música en nuestra sociedad indohispanoa:merican entre ellos el zapador ya mencionado investigador de origen alemán, Francisco Curt Lange, actualmente ciudadano uruguayo, fundador, en 1934 del Instituto Interamericano de Musicología, del Boletín Latinoamericano de Música y de la Cooperativa Latinoamericana de Compositores, así como los aportes de, Otto Mayer-Serra,

Jesús Estrada y Gabriel Saldívar, en México412 ; Isabel Aretz, Vicente Gesualdo y Rodolfo Arizaga, en Argentina ; Samuel Claro Valdez, en Chile ; Susana Salgado, en Uruguay ; Juan C . Estensoro en Perú ; Ellie Anne Duque, José Antonio Calcaño y Luis Felipe Ramón y Rivera en Venezuela ; Egoberto Bermúdez, el presbítero José Ignacio Perdomo, Andrés Pardo Tovar, Egberto 411)

Director del Festival Latinoamericano de Música Contemporánea de Caracas y actual Director Artístico de la Orquesta S fónica Simón Bolívar de esa ciudad . 412) Sin olvidar los Escritos Musicales del compositor Manuel Ponce, Editorial Stylo, México, 1958, y otros .

3 80 - JAIME INGRAM JAEN Bermúdez, Otto de Greiff en Colombia ; los cubanos León Argeliers, María Teresa Linares, García Caturla, Alejo Carpentier y José Ardévol413 ; los brasileños Mario de Andrade, Renato de Almeida, Vasco Mariz, Luiz Heitor Correia de Azevedo, entre muchos otros, así como los estadounidenses Gilbert Chase (nacido en Cuba), Robert Stevenson, Nicolas Slonimsky, H . Wiley Hitchcock, Gerard Béhague, etc . VI .

Sucinta relación de la música en Estados Unidos y Canadá

El desarrollo de la música en Estados Unidos de Norteamérica414 se llevó a cabo en forma totalmente diversa a la de la América Hispana o Iberoamérica . En efecto las condiciones tan especiales de la colonización del territorio del norte llevaron por rumbos diferentes todo el desenvolvimiento artístico cultural, en parte por el severo rigor puritano que impidió taxativamente cualquier vestigio de "manifestación o demostración pagana", sea a través de la música, sea a través de la danza . De ahí que las expresiones musicales se limitaron durante mucho tiempo a la mera participación del individuo en el conjunto de voces que en las iglesias entonaba el canto religioso en forma colectiva, y toda idea que pudiera confundirse con sentimientos seculares o profanos era de inmediato desechada . No obstante y a pesar de todo, el desarrollo musical de ese gran país a partir de la segunda mitad del siglo XIX se enriquecerá en forma impresionante, poniéndose a la altura de los mejores centros musicales del mundo, llegando, inclusive, a superarlos en muchos aspectos .

Primer libro de Salmos

En 1640 se imprime el Primer Libro de Salmos

(BayPsalm Book), de la historia de Norteamérica . Una ley 413) José Ardévol, La Música, Cuadernos populares, Instituto del Libro, La Habana, Cuba, 1969 . 414) No hay que olvidar que en nuestro Continente existen también, Estados Unidos del Brasil y Estados Unidos de México .


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de 1675 sólo permitía el uso del tambor, la trompeta y el arpa hebrea en las manifestaciones musicales, y así vemos que un órgano que llegó a las costas de Nueva Inglaterra procedente del Reino Ingles, se vio obligado a permanecer siete meses en el puerto al no obtener el permiso de entrada por temor a que "profanase la iglesia" . No obstante en 1694 se instala, probablemente el primer órgano en una iglesia cercana a Filadelfia y en 1735 se presentó en Charleston una balada-ópera titulada Flora, así como la Opera del Mendigo (The Beggar's Opera) que subió a escena en la ciudad de Nueva York en 1750, por vez primera . De 1712 a 1744 se lanzaron varias ediciones de El Arte de Cantar de John Tufts (1689-1750) un ministro de Newburyport, seguido de varios otros libros de melodías religiosas e himnos. En 1731 tuvo lugar, en la ciudad de Boston, el primer concierto público en las colonias de Norteamérica . Cuatro meses después otro tanto sucedió, con la música secular, en Charleston, Carolina del Sur donde John Bradford415 abrió en 1774 un comercio de pianos, con las marcas Tschudi y Broadwood de Londres, con las consabidas protestas, naturalmente, por parte de aquellos que rechazaban toda y cualquier manifestación musical pública que no fuera exclusivamente para el servicio religioso . Ese mismo año John Brent inició en Filadelfia una pequeña fábrica de pianos que anunciaba como "un extraordinario instrumento llamado piano forte, hecho de caoba, parecido al clave, con martillos y diversos cambios" . Por su lado grupos de emigrantes alemanes, holandeses, suecos y moravos, con mentalidad más abierta que aquellos procedentes de Inglaterra, mantenían esporádicas manifestaciones musicales entre ellos . Caravanas ambulantes de ópera viajaban por diferentes ciudades norteamericanas en la segunda mitad del siglo XVIII presentando, ocasionalmente, obras de Gretry y Boieldieu, así como algunos oratorios como El Mesías de 415)

Jaime Ingrain, Historia, Compositores y Repertorio del Piano, Editorial Universitaria, Panamá, 1993, Pág . 29 y 30 .

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INGRAM JAÉN

Hándel o La Creación de Haydn los dos compositores más representados en Estados Unidos en ese entonces . Generalmente se considera a Francis Hopkinson (1737-1791) abogado, poeta, ensayista, clavecinista, organista, inventor, miembro del Congreso Continental y hombre de gran influencia política, como el primer compositor norteamericano, aunque siempre en base a la creación de canciones de índole religiosa e himnos . En 1740 se crea la Sociedad Santa Cecilia de Charleston, la primera sociedad musical en la historia de Estados Unidos y en 1749 se anuncia la llegada de, John Beals "maestro de música, para enseñar violín, oboe, flauta y dulcimer" . Poco a poco las ciudades se abrían al arte de la música, entre ellas Bethlehem debido, quizás, a su migración particularmente alemana y morava, ciudad donde se presenta hoy día, anualmente, el Festival Bach, creado por J . Frederick Wolle (1863-1933) . En 1774 William Billings (1746-1800), original de Boston, creó la Sociedad Stoughton de Massachusetts para el estudio y presentación de Salmos y Oratorios, y publica su primera colección de himnos que intituló, The New England Salin Singer (1770), además de otros, con obras que muestran ya una primitiva técnica polifónica . No obstante es interesante señalar, pese a la severidad de los cuáqueros, que los padres fundadores de la República Estadounidense, personajes como Thomas Jefferson, Benjamin Franklin y George Washington, tuvieron gran afición por la música . El primero tocaba el violín y se reunía periódicamente con amigos para leer cuartetos de cuerdas con partituras recién llegadas de Europa . Del segundo se encontró en 1941 el manuscrito de un Cuarteto de Cuerdas, de su autoría, en la biblioteca del Conservatorio de París . A su vez el general Washington, aunque no tocaba instrumento alguno, ni cantaba, era muy amigo de Hopkinson, y no sólo frecuentaba los conciertos públicos sino que se interesó por que sus sobrinos y demás de la familia recibieran instrucción musical . El futuro musical, pues, de la gran nación parecía estar garantizado, pese a todo .


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En 1786 el inglés Alexander Reinagle 41' (17561809), residente en Filadelfia, amigo de Carlos Felipe Emanuel Bach y Joseph Haydn, se presentó en un recital de piano en el que ejecutó una de sus Sonatas y otra composición escrita junto con Haydn . En 1792 también en Filadelfia, dentro de una serie de conciertos de abono, se presentan, en una noche, obras de Haydn, Juan Cristian Bach, Jean Louis Duport, Reinagle y Pleyel . Hacia finales del siglo XVIII e inicios del decimonono, Anthony Phillip Heinrich (1781-1861) escribe una de las primeras piezas orquestales, además de canciones y obras para piano . Siglo XIX

En los albores del siglo XIX inmigrantes ses y centro europeos, trajeron consigo sus conocimientos musicales respectivos así como su experiencia en la ejecución de diferentes instrumentos, lo cual favoreció para que el horizonte musical de la nueva nación se nutriera con nuevas ideas . A partir de 1800 las óperas sas de presentan con cierta asiduidad en Nueva Orleans, Charleston, Baltimore y Nueva York . La primera gran ópera presentada en Nueva York fue Der Freischütz (El Cazador Furtivo) de Carl María von Weber . Manuel del Popolo Vicente García (1775-1832), uno de los más ilustres tenores españoles, llegó a Nueva York, en 1825, con su familia, entre ella su hijo Manuel (1805-1906) barítono y su hija, la célebre María Malibran 417 , introduciendo El Barbero de Sevilla y otras óperas italianas, con tanto éxito que le valió, entre los neoyorquinos, el título de "el Cristóbal Colón Musical" . A su vez, en 1850, el virtuoso del piano Henri Herz lle416) Su obra para piano :

Sonatas, Piezas diversas y el Concepto on the improved piano forte with additional keys, reposan en la Biblioteca del

417)

Congreso de Washington . María Felicia García contrae matrimonio, en Nueva York, con el banquero Malibrán, unión que constituyó un fracaso. María fue una de las grandes estrellas de las óperas de Rossini, igual que su también célebre hermana, la mezzosoprano Pauline García Viardot, quien brilló en Europa particularmente en algunas óperas de Gluck .

3 8 4 - JAIME INGRAM JAÉN ga a las costas de Nueva York con su gran piano de concierto y una cantidad de volantes para promover una serie de presentaciones, así como la soprano Carlotta Patti, hermana de la célebre Adelina Patti, y otros . Poco después de la declaración de independencia, el coro y cincuenta de la Iglesia de Park Street de Boston, fundan, en 1817, la Sociedad Händel y la Sociedad Haydn, con el propósito de "cultivar y mejorar el buen gusto en la ejecución de la música sagrada", presentando tanto El Mesías como La Creación, respectivamente . Ambos grupos mantienen hasta hoy una significativa como intensa actividad con presentaciones públicas y grabaciones . Es también en el siglo XIX cuando surgen las primeras orquestas en EE .UU . En efecto, en 1810 Gottlieb Graupner funda la Sociedad Filarmónica de Boston que es la primera orquesta creada en Estados Unidos, sociedad que se deshace en 1837 para formar la Asociación Musical Harvard, con la finalidad de presentar obras de Händel, Haydn y Beethoven exclusivamente . Luego aparece, también en Boston, la Sociedad Filarmónica, que presenta obras de "los anarquistas" Berlioz y Wagner, y en 1852 se construye la Boston Music Hall, para el debut de la célebre actriz y soprano sueca Jenny Lind quien inicia una serie de presentaciones por el país . En 1823 Jonas Chickering funda, en Boston, su primera fábrica de pianos que en pocos años se transformaría en la más prestigiosa firma de pianos de Norteamérica y competiría con los mejores modelos europeos . Casi simultáneamente se creó la Sociedad Euterpe en Nueva York, que brindará conciertos públicos durante treinta años, y en 1842, Ureli Hill (c .1802-1875), violinista, alumno de Spohr, crea y dirige la Sociedad Filarmónica

de Nueva York.

Lowell Mason (1792-1872), compositor, organista y director de orquesta norteamericano, introduce, en 1838, los principios pedagógicos de Pestalozzi para la enseñanza de la música en las escuelas públicas de Boston . Su hijo William (1829-1908) alumno de Moscheles y


Liszt, entre otros, escribió, en 1876, un exitoso método de piano junto con William Mathews (1837-1912) y en sociedad con el violonchelista Theodore Thomas (1835-1905) quien había llegado de Alemania a mediados del siglo y había formado su propia orquesta, presenta las primeras audiciones de Schumann y Brahms al público estadounidense . En 1855, Mason, Thomas y el violonchelista alemán, Carl Bergmann (1821-1876), fundan las Tardes de Música de Cámara, con la que presentaron una serie de conciertos de música clásica que se extendió hasta 1868 . Bergman fue también director, iniciándose con la Orquesta Alemana que llegó a EE.UU ., a mediados del siglo XIX y debutando brillantemente en 1855 como director invitado de la Filarmónica de Nueva York, de la cual fue titular permanente en 1866, presentando primeras audiciones de Berlioz, Liszt y Wagner . En 1877 Theodore Thomas le sucedió como titular de la Filarmónica . William Fry (1813-1864) irador de la ópera italiana, compone en 1845 la que se considera la primera gran ópera estadounidense, llamada Leonora, (1845), que subió a escena ese mismo año tanto en Filadelfia como en Nueva York . Diez años después George Bristow (1825-1898), violinista, escribe la ópera Rip van Winkle, además de 5 Sinfonías, y hace una campaña contra la influencia alemana en la música norteamericana . En esa época el virtuoso del piano, Louis Moreau Gottschalk418 (1829-1869), original de Nueva Orleans, de padre inglés y madre "criolla", muy ponderado desde su infancia como niño prodigio, viajó a París donde fue discípulo de Stamaty . Fue el primer compositor norteamericano que empleó elementos de la música indígena en sus composiciones, así como melodías de negros y ritmos de sabor caribeño, causando sensación en los salones parisinos . Gottschalk falleció en Río de Janeiro, Brasil, donde escribió una difícil transcripción de concierto sobre el Himno Nacional brasileño . 418) Como buen aventurero Gottschalk visitó diferentes países de Iberoamérica y el caribe .

3 8 6 - JAIME INGRAM JAÉN Es la época también de Stephen Foster (1826-1864) el compositor de melodías y baladas dentro del estilo de los ministrelsy pero que con el tiempo quedaron íntimamente asociadas a la tradición musical estadounidense . Seguidamente aparecieron algunos nombres que adquirieron importancia en la formación musical del país, entre ellos, el compositor, organista y pedagogo John Paine (1839-1906) educado en Berlín, responsable de introducir el estudio de la música en la Universidad de Harvard durante la rectoría de Charles Norton Eliot . Entre sus alumnos destacados están, George Chadwick (1854-1931), Arthur Foote (1853-1937) y Frederick Converse (1871-1940) autor, este último, del primer drama lírico estadounidense producido en la Opera Metropolitana de Nueva York, en 1909, intitulado The Pipe of Desire. Horatio Parker (1863-1919), compositor, eminente pedagogo y maestro de Charles Ives, que se hizo acreedor, en 1911, del premio de $10 .000, instituido por la Opera Metropolitana de Nueva York "para la mejor ópera estadounidense", con su obra lírica Mona, así como del premio de la Federación Nacional de Clubes Femeninos, en 1915, con la misma dote, por su segunda ópera denominada Failand . No obstante ninguna de las dos obras ha logrado sobrevivir . Sus composiciones más conocidas son Concierto para órgano y orquesta así como alguno de sus Poemas Sinfónicos . La figura musical estadounidense más prestigiosa del siglo XIX fue el compositor y pianista neoyorquino, Edward Alexander MacDowell (1861-1908), alumno de la gran pianista venezolana Teresa Carreño, continuando luego, con una beca, en el Conservatorio de Música de París en las clases de piano de Marmontel y de composición con Savard, para pasar a Alemania donde residió diez años, después de estudiar composición con Raff y piano con Heymann . En 1881 fue profesor de piano en el Conservatorio de Darmstadt . Retornó a Boston en 1888 donde ejecutó su 2 ° Concierto para piano y orquesta y rápidamente fue reconocido como el mayor compositor de su país . De 1896 a 1904 tuvo una cátedra de música en la Universidad de Columbia de Nueva York . Su


obras más conocidas son : Para piano : Estudios de Concierto

Op . 39, Sonata Trágica Op . 45, 12 Estudios de Virtuosismo Op. 46, Sonata Heroica Op . 50, Piezas del Mar Op . 55, Sonata nórdica Op . 57, Sonata Celta Op . 59 (ambas dedicadas a Grieg a quien iraba mucho), Cuentos al calor de la lumbre Op . 61, Idilios de Nueva Inglaterra Op. 62, Dos Conciertos para piano y orquesta Ops . 15 y 23 respectivamente, y 2 Suites Indias, para orquesta . Sus últimos años de vida estuvieron ensombrecidos por una grave enfermedad mental . Entre los compositores estadounidenses llamados "nacionalistas" por el uso de materiales autóctonos ya sean melodías de los indios o de negros espirituales, canciones folclóricas419, etc ., está el ya mencionado MacDowell así como Arthur Farwell (1872-1952) egresado de ingeniero del prestigioso Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT, según las siglas en inglés) quien hizo estudios de música con Homer Norris (1860-1892) en Boston y con el compositor alemán Humperdinck (1854-1921) en Berlín, autor de la ópera Hänsel y Gretel. Varios compositores negros estadounidenses surgen en la segunda mitad del siglo XIX y primera mitad del XX, entre los que sobresalen : Harry Burleight (18661949), discípulo de Dvorak ; Scott Joplin (1868-1917) conocido por sus obras en el estilo de ragtime ; Harold Morris (1890-1964) autor de una popular Rapsodia Negra para piano y orquesta (1923) y William Grant Still (1895)A 20 compositor de la primera Sinfonía afro americana (1931) y el primer negro en dirigir una de las grandes orquestas de Estados Unidos . Dentro de ese mismo espíritu norteamericanista surge en el siglo XX una figura muy talentosa y original que llama la atención inmediata del público con sus obras, George Gershwin (1898-1937) . Hijo de padre 419) En 1895 el compositor checo Antonin Dvorak, en un artículo publicado en la revista Harper, insta a los compositores estadounidenses a construir una música nacional sobre bases propias . 420) Still estuvo en Panamá en el año 1944 como soldado acantonado en la otrora Zona del Canal, escribiendo, cuatro años después, las Danzas de Panamá en recuerdo de su tránsito por el istmo . Ver Música en Panamá .

3 8 8 - JAIME INGRAM JAÉN ruso, hizo estudios de piano con Ernest Hutcheson y armonía con Edward Kilenyi y Rubin Goldmark . Más tarde estudió contrapunto con Henry Cowell y Wallingford Riegger. Sus obras, Rapsodia en blue, así como su Concierto en fa para piano y orquesta de jazz, la obra sinfónica Un Americano en París y su ópera Porgy and Bess 421, entre muchas otras, le dieron renombre universal . Gershwin murió a la temprana edad de 38 años . Otros compositores como los conocidos Irving Berlin (1888-1989) 422 , Jerome Kern (1885-1945) y Cole Porter (1891-1964), se hicieron ampliamente conocidos por sus innumeras canciones . Figura relevante en la música norteamericana es el compositor y director de banda, John Philip Sousa (1854-1932) de padre portugués y madre alemana, autor de conocidas marchas militares, mereciendo el apelativo de "el rey de la marcha" . Basta recordar su popular marcha The Stars and Stripes Forever (Estrellas y franjas para siempre) de 1897, universalmente conocida .

Primeras grandes instituciones musicales estadounidenses En la segunda mitad del siglo XIX y primera del siglo XX se crean prestigiosos centros de instrucción musical estadounidenses, entre ellos : el Conservatorio de Oberlin (1865), el Conservatorio de Nueva Inglaterra (1867) el Chicago Musical College (1867), el Conservatorio de Cincinati (1867), el Instituto de Música Peabody de Baltimore (1868), la Escuela de Música Mannes de Nueva York (1916), la Escuela Eastman de Música de Rochester (1921), el Instituto de Música Juilliard de Nueva York (1923), y al año siguiente el Instituto de Música Curtis de Filadelfia y tantos otros, que gozan ya 421) En la que aparecen las bellas canciones : Summertime, 1 Got Plenty o'Nuthing, Bess You is My Woman Now, etc. 422) Berlin es el autor de la canción God bless America (Dios bendiga América) escrita en 1918, que se hizo célebre cuando la soprano Kate Smith la cantó a través de la radio en un programa patriótico conmemorativo del "día del Armisticio" en 1938 . En 1955 el propio presidente Eisenhower condecoró al compositor por la obra que durante la segunda guerra mundial funcionó como un himno oficioso de Estados Unidos .


de prestigio internacional por su calidad y seriedad en la instrucción musical en general, patrocinados, en su gran mayoría, por grandes capitales privados . En 1877, el alemán Leopoldo Damrosch (18321885) fundó, en la ciudad de Nueva York, la Sociedad de Oratorios, y cuatro años después la Sociedad Sinfónica . En 1881 se crea la Orquesta Sinfónico de Boston, considerada hoy como "la decana" de las orquestas estadounidenses ; en 1884 se abre, en Nueva York, la Opera Metropolitana . En 1891 se funda la Sinfónica de Chicago, y ese mismo año, el 5 de mayo, se inaugura la célebre sala Carnegie Hall de Nueva York, con la presencia y participación como director de orquesta del compositor ruso Tchaikowsky ; en 1895 se crea la Sinfónica de Cincinnati, en 1900 la Orquesta de Filadelfia, en 1903 la Sinfónica de Minneapolis, en 1911 la Orquesta de San Francisco y en 191.8 la Orquesta de Cleveland .

Compositores y musicólogos europeos residentes en EE . UU. A raíz de la primera y segunda conflagración mundial, importantes compositores europeos abandonan el viejo mundo para fijar residencia en nuestra América y enriquecen con sus aulas el acervo académico de los jóvenes compositores ; entre ellos, Stravinsky, Varése, Schónberg, Bartok, Rachmaninoff, Hindemith, Weill, Martinu, Wolpe, Korngold, Milhaud y Krenek son probablemente los más significativos 123 . De igual forma llegaron diversos musicólogos europeos, entre ellos, Alfred Einstein, Curt Sachs, Willi Apel, Hans David, Karl Geiringer, Leo Schrade, Nicolas Slonimsky y otros que crean importantes estudios de musicología en diferentes Colegios y Universidades ; se consolida la Sociedad de Musicología de Estados Unidos, creada en 1934, así como la Asociación de Bibliotecas Musicales, que data de 1931 . Dos egregias personalidades musicales estadounidenses del siglo XX, aunque radicalmente diferentes en 423)

Todos fijaron residencia en Estados Unidos .

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sus creaciones, son Charles Ives (1874-1954) y Aaron Copland (1900-1990) . El primero fue un exitoso ejecutivo de empresas que en sus horas libres se dedicó a componer sin las preocupaciones inherentes de cualquier artista creador y el otro un profesional cabal de la música, pedagogo, escritor y factotum decisivo en la actividad musical norteamericana durante muchos años (Ver biografías de ambos más adelante) . Alrededor de los años treinta influenciados por las novedades europeas y el sistema serial, los compositores estadounidenses se alejaron de la tendencia nacionalista para escribir obras con expresiones más universales . Entre ellos, Edgar Varese (1883-1965) de origen y sólida formación sa, una de las relevantes personalidades del mundo musical contemporáneo . Discípulo de D'Indy, Roussel, Widor y Busoni, fundó en 1919 la New Symphony Orquestra de Nueva York dedicada a la difusión de obras contemporáneas, y en 1919 creó la International Contposers Guild, dedicándose al desarrollo de los instrumentos electrónicos y rechazando los sistemas tradicionales de composición, prefigurando particularmente la música concreta y electrónica así como una nueva concepción del ritmo que puso en evidencia lo que él denominó "música espacial" . Su obra es extensa, como interesantes son sus diferentes ensayos y artículos ; Wallingford Riegger (1885-1961), violonchelista, director y compositor con estudios en Nueva York y Berlín, autor de 4 Sinfonías, Concierto para piano y quinteto de maderas (1952), obras corales, etc ; Walter Piston (1894-1976), gran maestro de contrapunto y composición, original de Massachusets, egresado con honores de la Universidad de Harvard, continuando estudios superiores en París con la célebre Nadia Boulanger . Entre su obra se cuentan 7 Sinfonías, Concierto para piano y orquesta de cántara, Concierto para violín, 5 Cuartetos de cuerdas, Quinteto de viento, etc . Sus tres tratados, Armonía (1941), Contrapunto (1947) e Instrumentación (1955) vertidos en diversas lenguas, son

todavía muy solicitados. Roger Sesions (1896-1985), egresado de Harvard y Yale respectivamente, discípulo de Ernest Bloch, fue profesor en el Instituto Juilliard de Nueva York ; Howard Hanson (1896-1981), ganador del Premio de Roma, después de lo cual fue nombrado pro-

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toser de la Escuela de Música Eastman de la Universidad de Rochester. Henry Cowell (1897-1965), profesor de composición en la Universidad de Columbia, creador de la editorial New Music, inventor, junto con Theremin, del Rythmicon, desarrolló la técnica pianística del "racimo de notas", precursor de la ejecución directa sobre las cuerdas del piano y del uso de procedimientos aleatorios, cuyo ejemplo característico es su Music of Changes, etc . En 1951 se dirigió a Berlín para iniciarse en el estudio de musicología comparada . Cowell introdujo en su obra elementos rítmicos y armónicos de música persa, hindú y japonesa . Su obra comprende, entre otras, 20 sinfonías, óperas, ballets, así como obras para diferentes combinaciones instrumentales . Le siguen Roy Harris (1898-1979) discípulo de Farwell y Nadia Boulanger, autor, entre otras obras, de 7 Sinfonías ; George Antheil (1900-1959), discípulo de E . Bloch más conocido por su Ballet Mecánico para xilófonos, campanas eléctricas, 8 pianos y un piano mecánico y su Jazz Symphony de 1926 para 22 instrumentos ; Samuel Barber (1910-1981) dos veces ganador del Premio Pulitzer y del Premio de Rorna, autor de obras que pese a su idioma moderno, conlleva un buena dosis de lirismo melódico, entre ellas, Sinfonía N° 2, Adagio para cuerdas, Concierto para piano y orquesta, etc .

En 1927 el compositor Gian Carlo Menotti (1911), original de Italia de donde llegó con 16 años, egresado del Conservatorio Verdi de Milán, continúa estudios en el Instituto Curtis de Filadelfia donde fue posteriormente profesor . Ha sido fundador del conocido Festival de dos Mundos, de Spoletto ; adquiere renombre, en pocos años, con sus obras musicales y sátiras : Amelia va al baile (1937), La vieja sirvienta y el ladrón (1939), La Mediunr (1946), El Teléfono, El Cónsul (1950), Anmhl y los visitantes nocturnos (1951) y otras . John Cage (1912-1992) discípulo de A . Weiss, Cowell y Schünberg, introductor de ejecuciones con "piano preparado" y precursor de procedimientos aleatorios . Hizo estudios de filosofía oriental especialmente Zen, y es considerado el músico más importante


de la vanguardia estadounidense . Entre sus obras más importantes están sus Sonatas e interludios para piano preparado ; Morton Gould (1913-1996), director, pianista, compositor y autor, entre otras obras de Comedias musicales y ballets ; Milton Babbitt (1916), matemático y músico, discípulo de Sessions, miembro de la facultad de música de la Universidad de Princeton y Director del Columbia-Princeton Electronic Center, se distingue por su obra serial y la aplicación de medios electrónicos . Leonard Bernstein (1918-1990) excelente pianista y exitoso director de orquesta, formado en la Universidad de Harvard y en el Instituto Curtis de Filadelfia, donde fue alumno de Isabella Vengerova, es autor de 4 Sinfonías, el ballet Fancy Free, una Misa (especie de obra de teatro para cantantes, ejecutantes y bailarines, con la que se inauguró el Kennedy Center de Washington D .C .), la obra teatral Candid, etc . Bernstein es conocido particularmente por su musical West Side Story, fue titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York y director invitado de las más importantes orquestas del mundo` ; George Rochberg (1918), discípulo de George Szell, H . Weisse, Scalero y Gian Carlo Menotti, profesor del Instituto Curtis y director de publicaciones de la editora Theodore Presser, autor, entre otras obras, de Sinfonías, un Concierto para violín y orquesta, Cuartetos de cuerdas, 3 Salinos para coro, 12 bagatelas, etc . Estados Unidos de Norteamérica es hoy uno de los países más desarrollados del mundo desde el punto de vista musical, no sólo en cuanto a organizaciones de enseñanza superior e instituciones sinfónicas se refiere, que se encuentran entre las mejores del mundo, sino en su actividad musical en general, tanto vocal como instrumental . Es verdaderamente extraordinario el desarrollo artístico musical que ha alcanzado este país en el siglo XX, desarrollo que se debe, en primer lugar, a la concienciación por parte de un alto porcentaje de la so424) Bernstein ha escrito además varios libros, entre ellos TheJoy of Music, The Infinite Variety of Music, etc . Del primero hay una versión en castellano, El Encanto de la música, publicado por Editorial Letras, S.A ., México, 1961 .


ciedad norteamericana sobre la importancia de la música para el deleite y enriquecimiento del espíritu humano, y en segundo lugar a la voluntad inquebrantable, no sólo de dicha sociedad, sino de las propias empresas e instituciones privadas, de crear, cultivar y garantizar en su propia tierra un nivel de excelencia en las expresiones artísticas en general . Difícilmente se puede encontrar algún otro país más preocupado en la creación de incentivos, a través de becas, premios y donaciones, para propiciar y desarrollar el talento musical de la juventud, campaña, diaria y sostenida que se extiende de costa a costa en todo el territorio continental de Estados Unidos . Y es que no existe otro camino si lo que se busca es realmente mejorar el nivel cultural de la ciudadanía . En este sentido en Estados Unidos como sucede en la mayoría de los países en Europa, se lucha día a día para consolidar y enriquecer cada vez más las instituciones culturales, sean museos, conservatorios, institutos, centros de ópera, salas para presentaciones, organizaciones sinfónicas o filarmónicas, bibliotecas públicas o privadas, festivales, concursos, etc ., con las que cooperan financieramente los pequeños y grandes capitales con entusiasmo y orgullo permanente, porque saben que al hacerlo no hacen más que engrandecer su propio país en el puro y profundo sentido de la expresión, transformando en una realidad concreta ese alto nivel de vida que les ha dado por identificar como "el sueño americano" . Música en Canadá Históricamente la música en Canadá tiene dos vertientes de origen : la sa y la inglesa . La música eclesiástica sa llegó al Canadá en el siglo XVII con los primeros colonos y los jesuitas425 , conservándose inclusive algunas obras que ya han desaparecido en Francia . 425) Cuando Francia recupera el control de la región, después de la invasión inglesa de 1629, sólo permite regresar a los jesuitas, que obtienen el monopolio de la acción misionera y centran sus labores en la región de los indios hurones . En 1639 llegan las primeras órdenes religiosas femeninas : las Agustinas de la Misericordia y las Ursulinas, que establecen una escuela en la que se enseñó canto .

3 9 4 - JAIME INGRAM JAÉN En 1790 se estrena en Montreal la comedia musical en prosa, Colas y Colinette del francés Joseph Quesnel (1746-1809) poeta, compositor y oficial de marina, quien se estableció en tierra canadiense en 1779 realizando una labor zapadora a favor del teatro . Con la llegada de los ingleses se inició el florecimiento de la ópera y los conciertos públicos, con obras de Hándel, J .C .Bach, conocido como "el Bach de Londres", Gyrowetz, Haydn, Mozart y Pleyel . A mediados y segunda mitad del siglo XIX aparecieron las primeras instituciones musicales permanentes, como la Sociedad Filarmónica de Toronto (1846), la Academia de Música de Quebec (1868), el Septeto Haydn (1871), La Sociedad Filarmónica de Montreal (1875), el Real Conservatorio de Música de Toronto (1886) y el Coro Mendelssohn de Toronto (1894) . La instrucción musical profesional surge de diversos centros importantes, como el Real Conservatorio de Música de Toronto y el Conservatorio de Música y Arte Dranultico de Montreal, además de otros organismos como la Orquesta Nacional juvenil y la asociación internacional de juventudes Musicales capítulo de Canadá . Se considera que el primer compositor profesional canadiense es Calixa Lavallée (1842-1891) egresado del Conservatorio de París, autor entre otras obras del himno nacional de Canadá y la opereta cómica The Widow (La Viuda) . Le siguen, su alumno Alexis Constant (1858-1918), Healey Willam (1880-1968) de origen inglés y el pianista compositor Alfred Laliberté (1882-1952), educado en Berlín donde fue alumno de la venezolana Teresa Carreño . Su obra incluye dos Cuartetos de Cuerdas, el arreglo de unas 800 canciones populares canadienses, piezas para piano, etc . y la ópera Soeur Bratrice (La hermana Beatriz) inspirada en una obra de Maeterlinck . Otros compositores han sido : Claude Champagne (1891-1965) y Ernest MaeMillan (18931973) eminente director de orquesta ; ocupó cargos relevantes como el de director del Conservatorio de Toronto, Decano de la Facultad de Música de la Universidad, Director titular de la Orquesta Sinfónica de Toronto (1931-1956) Di-


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rector del Coro Mendelssohn (1942-1957), Presidente del Consejo Musical Canadiense (1947-66), Presidente del Centro Musical del Canadá (1959-70), etc . En 1935 el rey Jorge V le concedió el título de Caballero . Leo Pol Morin (1892-1941) y Rodolphe Mathieu (1896-1962), formados ambos en el Conservatorio de Música de París, introdujeron las nuevas técnicas de los compositores impresionistas y expresionistas en Canadá . Una nueva generación de profesionales conocedores de las técnicas más avanzadas de composición, entre los que sobresalen Harry Somers (1925) discípulo de Milhaud y Pierre Mercure (1927-1966), muerto prematuramente en un accidente automovilístico, alumno de composición de Claude Champagne en el Conservatorio de Montreal, así como de Nadia Boulanger, Dallapiccola, Pousseur, Nono y Berio . En su obra aplicó inclusive técnicas electrónicas . Es interesante constatar que en el área francófona canadiense se ha mantenido y cultivado una fuerte tradición violinística, original de inmigrantes escoceses e irlandeses, mientras los colonos anglófonos cultivaron una rica tradición de baladas y canciones tradicionales . El desarrollo de la actividad musical se ha ido proliferando extraordinariamente a partir de la segunda mitad del siglo XX, con sus dos orquestas principales ya con renombre internacional, la Sinfónica de Montreal y la Sinfónica de Toronto, además de otras orquestas de diferentes ciudades, como Otawa, Winnipeg, Quebec y Vancouver. Existen varias compañías de óperas entre las que descuella la Compañía de Opera Canadiense, así como diversos Festivales como el de Stratford, el de Otawa, el Festival Singers del Canadá, el Guelph Spring Festival, así como los grupos Montreal Bach choir y el Vancouver Bach choir. Es ejemplar el gran papel que ha desempeñado la Compañía de Radiodifusión Canadiense (CBC) como ente oficial, en la divulgación y desarrollo de la música en Canadá, así como el Ministerio de Asuntos Culturales de Quebec, el Consejo Canadiense y el Consejo Nacional de Investigaciones que cuenta ya con valiosos cen-

3 9 6 - JAIME INGRAM JAÉN tros de estudios de música electrónica en diferentes universidades, entre ellas la Universidad de Toronto . Por otro lado la investigación folclórica y la etnomusicología adquieren, día a día, gran fuerza en Canadá llegando a formar ya importantes archivos conservados tanto en el Museo Nacional como en la Universidad Laval .

VII . Nuevas Organizaciones musicales del Continente Americano La creación en 1940 de la Sección de Música de la Organización de los Estados Americanos (OEA) con sus primeros directores, el estadounidense Dr. Charles Seeger, el maestro colombiano, Guillermo Espinosa` y más adelante el pianista argentino Efraín Paesky, constituyó un significativo impulso para el mutuo conocimiento e intercambio de información musical entre los Estados , a través de los diferentes festivales, investigadores, compositores, directores de orquestas y coros, maestros y ejecutantes . En efecto, a través del Consejo Interamericano de Música (CIDEM), el maestro Espinosa, junto con otros, fue

creador de festivales, conciertos, recitales, conferencias, seminarios, simposios y útiles boletines informativos ; instituyó centros de investigación científica en el campo de la etnomusicología como el Instituto Interamericano de Estudios Folclóricos (INIDEF) en Caracas, Venezuela, dirigido desde su inicio por la argentina Dra . Isabel Aretz, así como el Instituto Interamericano de Educación Musical (INTEM) en Santiago de Chile, además de becas de estu426) Guillermo Espinosa (1905) nacido en Cartagena de Indias hizo estudios de música en su ciudad natal, los que profundizó posteriormente en Milán, Berlín y Basilea . En 1936 fue el creador y primer director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, después de haber hecho estudios de dirección con el célebre maestro Félix von Weingartner .


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dio para los diversos organismos de Latinoamérica ; lanzó publicaciones periódicas sobre trabajos de investigación, publicando partituras, libros y catálogos de obras de compositores y de los principales archivos de la música colonial del Continente . El director que le sucedió, original de Rosario, Argentina, Efraín Paesky, creó, entre otras cosas, un Centro Interamericano para la Danza en San José de Costa Rica, así como una colección de discos con artistas y obras del hemisferio, permitiendo a los creadores capaces e inteligentes, enriquecer, modificar y consolidar sus propios métodos de trabajo, confrontando a la vez las diversas realidades musicales de los respectivos países . La mayoría de dichos simposios lejos de limitarse a la ejecución de obras, convocó concursos entre los diferentes compositores latinoamericanos, enriqueciendo el acervo musical de todos y cada uno de los países . Desafortunadamente una labor tan intensa como positiva, en vez de enriquecerse, ha tenido prácticamente que desaparecer por falta de presupuestos adecuados . En 1963, en otro gesto de entusiasmo colectivo, se creó en Buenos Aires, Argentina, el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Torcuato Di Tella, bajo la dirección del compositor Alberto Ginastera . Este Centro transformó a la capital de Argentina en la meca para los jóvenes compositores que allí se dirigieron a estudiar con importantes maestros contemporáneos de América y Europa . Infortunadamente el Centro, único en su tipo en todo el mundo, que se proyectaba como un catalizador de la música de nuestro continente, tuvo que cerrar sus puertas en 1971, por falta, otra vez, de suficientes recursos financieros . Mucho se ha recorrido desde la aparición de las escoletas públicas para la enseñanza exclusiva de la música, desde el siglo XVI hasta hoy. En toda la extensión de nuestro inmenso Continente se cuenta ya con múltiples instituciones especializadas en la instrucción musical, llámense conservatorios, academias o simplemente escuelas o institutos de música. Del mismo modo en muchas de las Universidades Latinoamericanas existen

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Departamentos de Música así como centros de información general de música a nivel electrónico, destacándose entre ellos el Centro Electrónico de Información Musical de la Universidad de Campinas (UNICAMP), Sao Paulo, Brasil, uno de los más completos a nivel internacional, actualmente bajo la dirección del compositor brasileño José Augusto Mannis . Tanto en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina, como en la Universidad Nacional de Santiago de Chile, funcionan prestigiosos Centros Interamericanos de Perfeccionamiento Docente en Educación Musical .

Espléndida es por otro lado la nómina de excelentes intérpretes latinoamericanos . No hay duda de que, en lo que se refiere tanto a instrumentistas solistas como a cantantes, nuestro continente mestizo cuenta ya con un número plural de primerísimas figuras a nivel mundial . Mucho habría que decir sobre la abundancia, originalidad y universalidad de la música popular de nuestros países latinoamericanos, que desde el son cubano, el tango argentino y la samba brasileña, hasta el jarabe mexicano, pasando por el danzón, la rumba, el bolero, la guaracha, el mambo, el merengue, la salsa, el guaguanco, el latin jazz, etc ., inunda los salones más exigentes de los cinco continentes, labor que queda en manos de aquellos que verdaderamente dominan la materia . Y es que Latinoamérica cuenta con un patrimonio musical popular de singular riqueza, constituido por un macrocosmos de tradiciones diferentes . La zarabanda, se sabe, es original de Indias; la mencionan tanto Cervantes como Lope de Vega y Góngora, cuando ya se bailaba en Portobelo, en Veracruz y en la ciudad de Panamá . Bien ha dicho el prestigioso escritor y músico argentino, Daniel Devoto, que "tan defendible estéticamente es el pasacalle atonal de Juan Carlos Paz, como el tango de La Historia del Soldado de Stravinsky" . Es preciso no perder de

vista, además, que desde el siglo XVI la corona española estimuló la emigración al Nuevo Mundo de judíos y moros, y que ambos, en su diáspora, trajeron consigo su


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milenaria como espléndida tradición musical, sin olvidar que aquel español que llegó a América era, a su vez, el producto de un proceso multicentenario de mestizaje cultural y hasta sanguíneo, con los diversos grupos humanos que invadieron la península por sus diferentes puntos cardinales, además del mosaico pluricultural que se produjo con la presencia de los cristianos, musulmanes y judíos que convivían pacíficamente en la península, desde el remoto reinado de Alfonso VI de Castilla . Por otro lado es absolutamente necesario que tanto en la escuela básica de instrucción general, como en los cursos especializados de composición musical sea en los Conservatorios, Institutos de Música o Departamentos de Música de la Universidad, se dicten cursos, con la debida seriedad y profesionalismo, sobre la expresión musical de los diferentes grupos étnicos originales del Continente y sobre el folclor en general, lo que no debe confundirse con la llamada música popular o bailable . Y para terminar no me queda más que repetir las sabias palabras del gran intelectual, prosista, musicólogo, novelista, ensayista y sobre todo gran latinoamericanista, Alejo Carpentier, cuando al referirse al legado de América, dice : "devolvernos, enriquecido y magnificado lo que del Viejo Continente se nos trajo" .

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BREVES BIOGRAFÍAS (sólo compositores desaparecidos)

Charles Ives (1874-1954) Compositor iconoclasta estadounidense, muy personal y heterogéneo . Su padre, quien lo inició en el arte de la música, fue un conocido director de Banda . Ives fue discípulo de Horatio Parker en la Universidad de Yale quien quedó desconcertado ante las audacias creadoras de su joven alumno que a los veinte años (1894), se aventuraba ya a experimentar con la politonalidad . Excelente organista, discípulo de Dudley Buck427 (18391909) también en Yale, fue el ejecutante estable de la Iglesia Central Presbiteriana de Nueva York durante tres años. Dotado de brillante inteligencia, en 1907 fundó con un amigo la compañía de seguros Ives & Myrick, que resultó todo un éxito, lo que le permitió dedicarse tranquilamente a la composición . No obstante, nunca se interesó en hacer conocer sus obras, (las que editaba y obsequiaba a sus amigos) entre ellas la impresionante Segunda Sonata "Concord Massachusetts", para piano, inspirada en cuatro personajes de las letras norteamericanas que constituían un círculo intelectual bostoniano . Optó por vivir en total oscuridad como compositor durante 40 años, aunque sin dejar de componer y experimentar, constantemente, con nuevas técnicas, pese a sufrir de diabetes lo que llegó a dificultarle el uso de la pluma. En 1947 recibió el Premio Pulitzer por su Tercera Sinfonía escrita en 1911 . Entre 1888 y 1921 escribió 114 canciones para voz y piano que publicó en 1922 en un sólo volumen en orden cronológico contrario, que muestra cómo fue desarrollándose su arte creador : son canciones románticas, polirítmicas, dramáticas, sincopadas, satíricas, etc ., algunas muy simples, otras extraordinariamente complejas, atonales e inclusive con varias tonalidades superpuestas . Para orquesta escribió :

4 Sinfonías; Tres Lugares en New England; Calcium Light 427) Notable organista, compositor y pedagogo estadounidense alumno a su vez de W . J . Babcock, Plaidy y Moscheles en Alemania .


Night (para orquesta de cámara) ; Central Park in the Dark; The Unanswered Question ; Theater Orchestra Set : In the Cagem In the Inn, In the Night; Hallowe'en para piano y cuerdas ; Brewing Overture ; Parade on Main Street (para orquesta de cámara) ; Lincoln, the Great Commoner (para coro y orquesta) ; Washington's Birthday; etc . Como música de cámara escribió : varios Cuartetos de cuerdas (uno con piano mecánico); Sonatas para violín y piano; Trío para violín, clarinete y piano ; The Innate (para cuarteto y piano) ; Adagio Sostenuto (para como inglés, flauta, cuerdas y piano); Músi-

ca coral, obras para piano, canciones etc . Su obra completa ha sido publicada por la New Music Edition, creada y dirigida por el compositor Henry Cowell . Heitor Villa Lobos (1887-1959) Prolifero compositor brasileño428, el más conocido de todo Iberoamérica . Su padre, aficionado al violonchelo, lo introduce en el estudio de la música, en la que se inicia tocando guitarra y violonchelo en cafés y restaurantes . En 1907 entra al Instituto Nacional de Música de Río de Janeiro donde hizo estudios con Frederico Nascimento, Angelo Franca y Francisco Braga . Realiza varios viajes por diferentes regiones del Brasil recogiendo un verdadero emporio tanto de música folclórica como de expresiones musicales populares y melodías indígenas . En 1915 conoce al célebre pianista Arturo Rubinstein que se transforma en su ferviente irador y a quien dedica su Rudopoema, obra de gran envergadura pianística . En 1923 Villa Lobos viaja a París, donde sus obras alcanzan un rotundo éxito y la casa editora sa, Max Eschig, le brinda un contrato exclusivo de publicación . Regresando a Río de Janeiro es escogido como director de educación musical introduciendo innovaciones importantes, como la creación de orfeones juveniles por todo el territorio del País ocasión en que escribió un original método de solfeo así como su famosa Guía práctica, inmensa como variada compilación de canciones corales con temas regionales del Brasil y otros países vecinos . En 1944 hizo sus primeras giras por di428)

Existe biografía en castellano, en Espasa-Calpe S .A ., Madrid, 1988 .

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versas ciudades de EE .UU ., dirigiendo algunas de sus obras sinfónicas . A partir de ese momento, considerado como el compositor más representativo del Continente, Villa Lobos divide su tiempo entre Brasil, Nueva York y Francia . La Universidad de Nueva York le confiere al doctorado Honoris Causa de música y el gobierno de Francia le condecora con la Legión de Honor en el grado de comendador . Ya en ese entonces preside la Academia Brasileña de Música, que había fundado en 1945 ; es miembro correspondiente del Instituto de Francia así como de diversas Academias a nivel internacional . El catálogo de sus obras, que cubre más de 2000 composiciones de diferentes géneros, comprende, entre otras cosas: 12 Estudios para guitarra, 6 Preludios para guitarra;

Dúos para violín y viola, oboe y fagot; 17 Cuartetos de Cuerdas ; Cuarteto para instrumentos de viento (1928), Quinteto para instrumentos de viento (1928), Sexteto Místico para flauta, clarinete, saxofón, celesta, arpa y guitarra (1917), Noneto para instrumento de viento, arpa, percusión y coro (1923), 14 Choros para instrumentos solistas y conjuntos diversos (1920-29) ; 9 Bachianas Brasileñas (1930-1944), 12 Sinfonías"' (1916-56), 2 Sinfonietas (1915, 1957), Danzas Africanas (1914-18), 5 Conciertos para piano y orquesta (1945-54), Momoprecoce para piano y orquesta (1929), 2 Conciertos para violín y orquesta (1915,1953), Concierto para arpa y orquesta (1953); Concierto para armónica (1955), Concierto para guitarra (1951), Concierto para violonchelo, El descubrimiento del Brasil (para orquesta y coro, 1937), Mandu Carará (Cantata profana para coro y orquesta, 1940), Madona (Poema tonal, 1945), Erosión o El Origen del Río Amazonas (Poema sinfónico, 1917), Odisea de una raza, escrito en honor a Israel (1953), Izi (1957) etc . Misa de San Sebastián (1937) ; abundantes composiciones para piano, entre ellas : Carnaval de las Crianzas brasileñas (8 piezas, 1919), Cirandas (doce piezas sobre temas populares brasileños, 1916), A Prole do bebé, (3 suites4 30 sobre

animalitos y muñecas con 26 piezas en total, escritas en

429) Algunas llevan nombres, tales como : 1a. Imprevisto, 2a Ascensión, 3a Guerra, 4o Victoria, 5a Paz, 6a Montañas del Brasil, 7a Odisea de la paz, etc . 430) En su Primera Suite se encuentra la famosa Polichinela .


1918, 1921 y 1929 respectivamente), Alma Brasileña (Choro N ° 5), Poema Singelo, Las Tres Marías (Alnitah, Alnilam y Mintika), Lenda do Caboclo, Rudepoema, Homenaje a Chopin (1949), etc . Innumeras obras para canto, coro, con piano, con orquesta, a cappella, etc ., así como varios ballets, algunos convertidos en poemas para orquesta, como Uirapurú (1917), Danza de la Tierra (1939), Génesis (1954), Emperador Jones (1955), etc .

Oscar Lorenzo Fernández (1897-1948) Compositor brasileño, discípulo de Francisco Braga (contra-punto y fuga), F. Nascimento (armonía y composición) y H . Oswald (teoría y piano) . A partir de 1936 fue director del Conservatorio Brasileiro de Música y una de las personalidades musicales más relevantes de Iberoamérica . De padre y madre españoles, Lorenzo Fernández representa el punto culminante de la tendencia nacionalista del Brasil"' . Estaba destinado a seguir la carrera de medicina, pero por una enfermedad temporal que le obligó a retirarse de la Universidad, decidió distraerse con el estudio de la música, lo que se transformó en poco tiempo en una profesión a tiempo completo . En 1922, comienza a surgir como compositor, al ganar el premio promovido por la Sociedad de Cultura Musical, lo que sucedió una vez más al año siguiente con el mismo premio y en el que presenta su Trío Brasileiro, Op. 32 para piano violín y violonchelo que llega a ser una de sus obras más divulgadas, tal como sucedió más adelante con la conocida CancoSertj (Canción Campesina), obra premiada en 1924. Su primera obra importante para orquesta fue la Suite Sinfónica sobre 3 temas populares brasileiros, Op . 33, que después de refundida y revisada, se transforma en una obra que predice sus éxitos posteriores de Imbapara (subtitulada Poema amerindio) de 1929, tan elogiado por el compositor y director italiano Ottorino Respighi, cuando estuvo en Brasil en 1927, y la suite Reisado de Pastoreio (1930), en tres partes : Reisado, Toada y el famo431) Luiz Heitor, 150 Anos de Mùsica no Brasil, Pág . 314, Livraria José Olympio Editora, Colecao Documentos Brasileiros, Rio de Janeiro, 1956 .

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que constituye ya una de las páginas clásicas de la música sinfónica brasileña . En 1930 lanza la revista mensual de música intitulada Ilustracao Musical que por razones de inestabilidad política nacional tuvo corta existencia . Pero su gran labor "social-musical" fue la creación del Conservatorio Nacional de Música, en 1936, institución que dirigió hasta su muerte, que en poco tiempo adquirió sólido prestigio, comparable sólo al de la Escuela Nacional de Música de la Universidad del Brasil . En 1938 viaja, por primera vez, al exterior visitando Colombia, Panamá, Cuba, Perú, Chile, Argentina y Uruguay, dirigiendo sus obras y dictando conferencias magistrales . Ese mismo año su Batuque, el de la ópera Malassarte escrita en 1932, con texto del escritor Graca Aranha, fue presentado en el Festival Iberoamericano de Música, en conmemoración del IV centenario de la fundación de la ciudad de Bogotá, obtiene el premio de la New Music Association of California . En esa ocasión se le encomendó e escribir el Himno a la raza con letra del poeta colombiano Guillermo Valencia, en su calidad de "gran compositor de Brasil y de América", según reza el oficio enviado por el Alcalde de la ciudad de Bogotá, cuya primera audición tuvo lugar, en el Teatro Colón de Bogotá y el Teatro Municipal de Río de Janeiro, simultáneamente, el 12 de octubre de 1938, ejecución que fue transmitida por radio para todo el Continente . Siguen sus obras : Tres Estudios en forma de Sonatina, Op . 62, Valsa Suburbana Op . 70, (probablemente su obra más pianística), Sonata Breve para piano (1947), Segunda Sinfonía (1947), 3 Suites Brasileiras, Concierto para piano y orquesta (reciclado años después dando mayor relevancia a la parte del piano), una serie de canciones, entre ellas la célebre Essa Negra Fuló ; Oda a Santa Cecilia, muy inspirada en el canto gregoriano ; el poema coreográfico Amaya (con temas incaicos), el Concierto para violín y orquesta, presentado en el Festival de Música Brasileira de 1945, y dirigido por el célebre maestro vienes Erich Kleiber, en el Teatro Municipal de Río de Janeiro y el violinista brasileño Oscar Borgerth . El 17 de julio de 1948, cuarenta días antes de su fallecimiento, escribió las Variaciones Sinfónicas Sobre un Tema Popular Brasileiro, so Batuque,


en cuya decimotercera variación nos sorprende con una gran fuga sinfónica, seguida de la cadenza del instrumento solista . El 27 de agosto de 1948, después de haber dirigido con triunfal éxito algunas de sus composiciones en la Escuela Nacional de Música, falleció Lorenzo Fernández y en la misa solemne del séptimo día que se ofreció en su honor se cantó el Requiem del padre José Mauricio Nones García oficiada en el gran templo de la Cruz de los Militares . Francisco Mignone (1897-1987) Compositor brasileño . Estudió en el Conservatorio de Sao Paulo en la clase de armonía y composición de Agostino Cantú, del que se graduó con tres diplomas : flauta, piano y composición . En 1920, después de conquistar un número plural de éxitos en el Teatro Municipal de Sao Paulo con diferentes obras, partió a Italia con una beca concedida por la Comisión del Pensionado Artístico de Sao Paulo, para ingresar al Real Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán donde trabajó bajo la dirección de Vicenzo Ferroni . En 1923 Ricardo Strauss en su gira con la Filarmónica de Viena por el Continente presentó bajo su dirección, en Río de Janeiro, su danza sinfónica Congada432 que mereció los más altos elogios tanto del público como de la crítica especializada . Otro tanto sucedió con la visita del compositor italiano y director, Ottorino Respighi, a Río y Sao Paulo que dirigió su Maxixe con inmenso éxito . Desde 1929 maestro en el Conservatorio Nacional de Sao Paulo y en la Escuela Nacional de Música de la Universidad de Brasil en Río de Janeiro desde 1934 hasta 1967 . Muy dentro de los ideales de un nacionalismo buscó raíces dentro del folclor y en la tradicional música popular brasileña . Incursionó en todos los géneros musicales con igual éxito y en sus últimos años intentó hacer uso de diferentes procesos de composición contemporáneos incluyendo procedimientos aleatorios . Su obra comprende : Para canto : Seis Líricas (1932), Cuatro Líricas con texto del poeta Manuel Bandeira (1938), Cuando en la rosa anochece con 432) Que hace parte del segundo acto de su ópera El Contratado, de diamantes escrita mientras hacía estudios en Milán .

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acompañamiento de guitarra (1939), Pon tu ruano en m¡ cabeza (1942) etc. Para piano : Lendas Sertanejas (1923/1940), Cuatro piezas brasileñas (1930), Cucumbizinho (1931), Catereré (1931), Danza del Botocudo (1940), Casi Modinha (1940), 3 Sonatas, etc . Música sinfónica : Suite Campestre (1918), Congada (1922), Fiesta Dionisíaca (poema tonal de 1923), Momus (1925), No Sertao (1925), Maxixe (1925), Cuatro Fantasías Brasileñas para piano y orquesta (1929/1936), Sinfonía Tropical (1958) Doble concierto para violín y piano, Concierto para violín y orquesta (1961), Variaciones en busca de un Terna (1972), etc . Ballets : Maracatú de Chico Re¡ (1933), Batucafé (1936), Babaloxá (1936), Fiesta en las iglesias (impresiones sinfónicas 1940) lanzadas en primera audición mundial por Toscanini con la orquesta de la NBC, etc . Música sagrada : Pequeño oratorio de Santa Clara (1961), 7 Misas (1962/1968) . De acuerdo con Vasco Mariz43 3 "es quizás el músico más completo del Brasil" .

Carlos Chávez (1899-1978) Compositor y director de orquesta mexicano, alumno, entre otros, de Manuel Ponce . A los 16 años escribió su primera Sinfonía y varias piezas para piano . Su primera obra importante fue el ballet, El fuego nuevo, escrita en 1921 por encomienda de la Secretaría de Educación Pública de México. Del año 1922 al 23 viajó por Francia, Austria y Alemania absorbiendo los nuevos conceptos de composición . Regresando a México se dedicó a difundir las nuevas composiciones de Stravinsky, Schônberg, Satie, Milhaud y Varese . De 1926 a 1928 vivió en Nueva York. En el verano de ese mismo año creó la Orquesta Sinfónica de México de la que fue director hasta 1949, realizando una extraordinaria labor de divulgación; presenta 82 primeras audiciones con obras de compositores mexicanos y contrata a prestigiosos directores invitados y solistas internacionales para fomentar la formación de conjuntos de cámara . De 1.928 a 1935 fue director del Conservatorio Nacional creando, entre otras, la Academia de Investigación de Música Popular con la que llevó a cabo un intensa obra de estudio, recopilación y 43 3)

Vasco Mariz, Historia do Música no Brasil, Colección Retratos del Brasil, volumen 150, Civilización brasileña, Brasilia, INI, 1981, 1`6g. 180.


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organización de música e instrumentos indígenas . En 1943 la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge le solicitó, por intermedio de la Biblioteca del Congreso de Washington, la creación de una obra para la bailarina y coreógrafa Martha Graham de donde surge el ballet, Daughter of Colchis . De 1946 a 1952 es Director General del Instituto Nacional de Bellas Artes . Tuvo una brillante carrera como director de orquesta a nivel internacional . Durante su dirección general fundó la asociación civil de donde surgió, Ediciones Mexicanas de Música así como la revista Nuestra Música 434 que fue el órgano de la Editorial . En 1958 dicta un ciclo de conferencias en la Universidad de Búfalo y seguidamente, ocupó la Cátedra de Poética Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard435, dictando un importante curso de estética musical que fue publicado en un volumen intitulado Musical Thought436 . Obtuvo además algunas honrosas distinciones, como el Premio Nacional de Artes y Ciencias de México (1958) ; fue designado además miembro honorario de la American Academy of Arts and Sciences, de Boston (1959) así como miembro honorario de la American Academy y del National Institute of Arts and Letters, de Nueva York (1960) . Este mismo año Chávez creó en el Conservatorio de ciudad México un Taller de Composición del cual se beneficiaron innúmeros jóvenes talentosos, toda vez que fue un hombre de "invariable afabilidad, simpatía y don de gentes, así como de una despejada inteligencia y amplia cultura general 437 . Entre su obra encontramos : 6 Sinfonías433 ; la cantata Prometeo para solistas coro y orquesta 434) Conjuntamente con varios músicos mexicanos y españoles : Jesús Bal y Gay, Blas Galindo, Rodolfo Halffter, José Pablo Moncayo, Adolfo Salazar y Luis Sandi . 435) La misma que el compositor Igor Stravinsky ocupó en 1939 dictando seis célebres conferencias. 436) Publicado en Cambridge, Mass, Harvard University Press, 1961 . 437) Roberto García Murillo, obra citada, página 5 . 438) La primera de 1933 se denomina Antígona ; la segunda, Sinfonía India (1935-36) ; la tercera, sin nombre, fue escrita entre 1951 y 1954 ; la cuarta, comisionada por la orquesta de Louisville, se titula Sinfonía romanticalq;(u1ai9n5t3) comsinadprlFución Koussevitzky, es para orquesta de cuerdas, y la sexta, comisionada por la Filarmónica de Nueva York, fue escrita en 1961 . No obstante en 1934 había escrito otra, conocida como Llamadas, que denominó Sinfonía Proletaria, para coro mixto y gran orquesta .

4 0 8 - JAIME INGRAM JAÉN (1956) ; Caballos de Vapor, Suite (1926) ; Cantos de México (1933) ; Concierto para cuatro cornos y orquesta (1937/38) ; Concierto para piano y orquesta (1938/40) ; Concierto para violín y orquesta (1948/1950) ; Toccata para seis percusionistas (1942) ; Toccata para orquesta (1947) ; Tambuco para seis percusionistas (1964) ; Resonancias (1964) ; Clío, oda sinfónica (1969) ; los ballets : El fuego nuevo (1921) ; Los Cuatro soles (1925) La Hija de Cólquide (1943/44), Pirámide (1968) etc . Sol¡ I, Sol¡ II, Sol¡ III y Sol¡ IV (de 1961,1965 y 1966 respectivamente) considerado como de lo mejor de su producción 439 ; Concierto para trombón y orquesta (1976/77) etc . Para piano ha escrito, entre otras cosas, además del Concierto : 6 Sonatas (1917, 1918, 1919, 1920, 1928 y 1941) ; Siete Piezas (1923-1930) ; Diez Preludios (1937) ; Fugas (1948) ; Cuatro Estudios como homenaje a Chopin (1949/1950) ; Cuatro Nuevos Estudios (1952/1955), Estudios en segundas menores dedicados al gran pianista Arthuro Rubinstein, (1974) 5 Caprichos (1975/76) etc . La ópera El autor propiciado (1954/56) 440 . Obras para canto y piano (Hexágonos, La Casada infiel, 3 poemas, etc .). como para coro (Tierra mojada para coro, oboe y corno inglés (1932), El Sol para coro y orquesta (1933), La Paloma azul, para coro y orquesta de cámara, etc .; música de cámara (Sonatina para violonchelo (1924), 3 Piezas para guitarra (1923), Energía para 9 instrumentos (1925) Sonata para 4 Cornos (1929), Fuga para violín, viola, violonchelo y contrabajo (1964), etc.

Chávez es autor de un libro publicado en EE .UU ., intitulado Toward a New Music : Music and Electricity 4 4 1 (Hacia una nueva música : Música y Electricidad) .

Silvestre Revueltas (1899-1940) Compositor y violinista mexicano, muerto a la temprana edad de 41 años . Demostrando aptitudes musicales desde la infancia fue iniciado en el violín por su padre desde muy niño . Cursó estudios en el Conservatorio de Música de México para continuar luego en Chicago 439) El nombre Sol¡ se debe a que en los diferentes movimientos aparecen instrumentos solistas . 440) El nombre de esta ópera fue cambiado por el de, Los Visitantes, aunque originalmente se llamó Pamfilo y Laúretta . 441) Publicado en la editorial Norton, Nueva York, 1937 .


Musical College y por último en Nueva York, llegando a

ser un extraordinario violinista . En 1929 tenía ya una actividad musical como violinista además de director de una orquesta formada por él mismo en San Antonio Texas que tocaba en diferentes teatros . Regresó a México invitado por Carlos Chávez para ser subdirector de la recién constituida Orquesta Sinfónica, profesor de violín en el Conservatorio de la ciudad capital y director de la orquesta de alumnos del plantel 442 , época en que inició, junto con Chávez, una actividad altamente positiva con espectáculos artísticos musicales para niños, estudiantes y obreros . Es en esta época, con 31 años de edad, cuando se inicia en el arte de la creación musical y escribe sus primeras obras, entre ellas, Cuauhnahuac y Esquinas, ambas para orquesta (1930) a las que siguen 2 Cuartetos de cuerdas (1930 y 1931), Ventanas para orquesta (1931) y Dúo para pato y canario, para canto y pequeña orquesta (1931) ; los poemas sinfónicos, Colorines (1932), Alcancías para violín y orquesta (1932), Janitzio (1933), Ocho por radio (1933), Caminos (1934) así como Planos para pequeña orquesta (1935) y la música para la película Redes . En ese momento se produce una ruptura entre Revueltas y Chávez que lo obliga a renunciar a su posición como director y en plena rebeldía crea la Orquesta Sinfónica Nacional como grupo opositor al creado por Carlos Chávez . Al año siguiente compone Homenaje a García Lorca y en 1937 se marcha a España, en plena guerra civil española, donde se mantuvo como secretario general de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios del grupo republicano, desde la que organizó una intensa actividad musical incluyendo la creación de sus propias obras . Retorna a México a finales del año y se dedica a escribir música para cine produciendo El Indio y Ferrocarriles de Baja California (1938) . Escribe además Siete Canciones de García Lorca (1938), Sensemayá443 (1938) una de sus obras para orquesta de mayor éxito, inspirada en un poema afro-cubano de Nicolás Guillén y Tres pequeñas piezas se442) Carlos Chávez era en ese entonces Director de la Orquesta Sinfónica y Director del Conservatorio . 443) Esta obra tuvo una primera versión para voz y orquesta que data de 1937 .

4 1 0 - JAIME INGRAM JAÉN rías (1939) . Otras obras de Revueltas son : 3 Piezas para violín y piano (1932) el Tercer Cuarteto (1932)"44, Toccata sin Fuga, para violín y 7 instrumentos de viento (1933) ; los ballets, El Renacuajo Paseador (1935), La Coronela (1939) La Noche de los Mayas"' (1939), Itinerarios (1939), Paisajes (1940), etc La salud de Revueltas se resquebrajó

gravemente por causa del alcoholismo . Murió de pulmonía, en plena calle, el 5 de octubre de 1940 . Su cuerpo fue depositado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, en la ciudad de México, el 23 de marzo de 1976 .

Aaron Copland (1900-1990) Compositor estadounidense . Discípulo de Rubin Goldmark, en Estados Unidos y de Nadia Boulanger en la Escuela de Música de Fontainebleau, Francia . En 1924 obtuvo la Beca Guggenheim, instituida exclusivamente para artistas creadores . Ese mismo año, a solicitud de Nadia Boulanger, escribe la Sinfonía para órgano y orquesta (1924) que la gran figura sa introdujo en Nueva York, con la Sinfónica de esa ciudad bajo la dirección de Walter Damrosch, obra que repitió al mes siguiente en Boston bajo la batuta de Sergio Koussevitzky. En sus primeras creaciones, Música para Teatro (1925) y Concierto para piano (1926), se observan elementos de jazz . Siguieron, dentro de un idioma más comprometido con las novedades del siglo XX, Danza Sinfónico (que le valió el Premio RCA Victor), Variaciones para piano (1930), Sinfonía Breve (1933) y Statements (1935) . Acto seguido, a pesar de no gozar siempre de la popularidad del público generalmente reacio a las novedades, Copland es homenajeado con diversos premios (el Pulitzer ; el de la Academia ; miembro de la Academia de las Artes y Letras (1954) ; doctorado honorario de la Universidad de Princeton (1956) y la Medalla Presidencial (1964) al considerársele como "el mayor representante de la expresión musical estadounidense" . De 1940 a 1965 fue Di444) El segundo cuarteto se denomina Magüeyes y el tercero Música de 445)

Feria .

Se trata de una de sus últimas obras, escrita para cine y que fue recogida entre treintiseis secuencias por el director José Yves Limantour, en 1960, para formar una irable suite orquestal de concierto .


1

rector del Departamento de Composición del Berkshire Music Center de Tanglewood ; de 1957 a 1965, Decano de

la Facultad . En 1967 fue "compositor en residencia" del Dartmouth College de la Congregación de las Artes del Centro Hopkins . Entre sus obras más conocidas están : El Salón México (1936) ; Billy the Kid (1930); Sonata para piano (1941); Lincoln Portrait, para narrador y orquesta (1942); Rodeo (1942) ; Danzón Cubano (1942), el ballet, Primavera Apalachia (1944); Sinfonía N° 3 (1946); Concierto para clarinete y orquesta (1948) ; Cuarteto para piano y cuerdas (1950) ; Fantasía para piano (1957) ; Variaciones para orquesta (1957); Música para una gran ciudad, escrita para la Sinfónica de Londres (1964), Inscape, comisionada por la Filarmónica de Nueva York para celebrar su 125 aniversario, en la que hace uso del sistema de los doce tonos (1965) ; la ópera The Tender Land (1954), el oratorio In the Beginning (Génesis), para soprano, mezzo soprano, coro mixto y orquesta (1947) ; etc . Durante su actividad en Tanglewood, en el meridiano de su celebridad, gran cantidad de compositores latinoamericanos asistieron a sus clases de composición . Varios de sus escritos han sido vertidos al español, entre ellos : Como escuchar la música (1939)4 A6 ; Nueva Música, 1900-1960 (1941) 44 7 ; Música e Imaginación (1952) ; Copland habla sobre música (Colección de artículos, 1960) 418 ; etc . Alejandro García Catarla (1906-1940) Compositor cubano y la figura más significativa del movimiento nacionalista de Cuba . Fue discípulo de Pedro Sanjuán 449 en Cuba, de Conrado del Campo en Madrid y de Nadia Boulanger en París, además de haber sido abogado y juez de profesión . "Fue el temperamento musical más rico y generoso que haya aparecido en la isla . Dotado de verdadero genio, su potencia crea446) 447) 448) 449)

Versión castellana en Editorial de Arte y Literatura, La Habana, 1974 . Versión castellana en EMECÉ Editores, S .A ., Buenos Aires, 1955 . Versión castellana en Ediciones Siglo Veinte, Buenos Aires, 1967 . Pedro Sanjuán, en sus obras, Litúrgia Negra y Changó hace gala de buen uso de la música afrocubana .

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dora se manifestó desde la adolescencia en una serie de obras vehementes, dinámicas, incontrolables en su expresión como una fuerza telúrica . Este hombre refinado, con semblante de irlandés, que lo asimilaba todo con prodigiosa facilidad, que aprendía idiomas sin maestro, que se hacía abogado en tres años sin dejar por ello sus estudios musicales, había sentido siempre una atracción poderosa por lo negro ." ` Contrajo matrimonio con una negra cubana pese a la intransigente oposición de su propia familia . Fue el fundador de la Orquesta de Cámara de La Habana, de la que fue director muchos años . Se le considera, junto con Amadeo Roldán, el creador de la música cubana, logrando una asimilación equilibrada pero profunda de lo guajiro con lo negro, mientras permaneció impermeable a cualquier tradición hispánica . Su obra, verdadera síntesis de los diferentes géneros cubanos, comprende entre otras cosas : Tres danzas cubanas, para orquesta (1927) ; Bembé, para vientos, metales y maderas, piano y batería (1929); Bembé, versión para instrumentos de percusión (1930) . El movimiento sinfónico Yamba-O (1928-31) ; Primera Suite cubana, para ocho instrumentos de viento y piano (1931) ; La Rumba (1.933) ; Primera Suite para orquesta (1933) ; Segunda Suite para orquesta (1938) ; Obertura cubana (1938) ; Sabás para voz y cinco instrumentos de viento ; Canto de los cafetales para coro mixto a capella (1937); ha es-

crito así mismo varias obras para voz y piano con poemas de Nicolás Guillén y Alejo Carpentier . Para piano tiene diferentes danzas entre ellas la Danza Lucumí y la Danza del tambor (1928) así como una Sonata corta (1934), etc . García murió asesinado con dos disparos a quemarropa por un delincuente a quien había condenado siendo juez de instrucción en una ciudad del interior . Mozart Camargo Guarnieri (1907-1987) Compositor brasileño . Recibió sus primeras lecciones de música en Tieté, su ciudad natal, Estado de Sao Paulo, con el maestro Virginio Días, continuando luego estudios de armonía y piano, en la ciudad de Sao Paulo, con los maestros Ernani Braga y Sá Pereira, respectivamente, y 450) Alejo Carpentier,

La Música en Cúba, Pág .

318, colección cit .


composición con Lamberto Baldi, excelente director de orquesta italiano que dirigía, a la sazón, la Sociedad de Conciertos Sinfónicos . Su gran mentor fue Mario de Andrade (1893-1945) figura relevante del movimiento modernista paulista y uno de los intelectuales más conspicuos del Brasil, quien se interesó en el compositor desde el momento en que lo conoció en 1928 . En 1931 llama la atención con su Choro N° 3 para flauta, oboe, clarinete, fagote y trompa que presentó en un concierto oficial en el Instituto Nacional de Música de Río de Janeiro . Ya para entonces había escrito Curucá (1930) para gran orquesta así como Flor de Tremembé (1937) para quince instrumentos solos y percusión . En colaboración con Mario de Andrade escribe la ópera corta, Malasarte, pero para evitar confusión con la ópera homónima de Lorenzo Fernandez se presentó como Pedro Malasarte, en su primera audición mundial en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, en mayo de 1952 . A esa misma época pertenecen sus primeros 10 Ponteios (que pronto se transformarían en 50) hermosas piezas cortas, tipo preludios, de un lirismo genuinamente brasileño ; 5 Piecesitas Infantiles; Choro Torturado y su estupenda Tocata considerada por muchos el ápice de su obra pianística, registrada magistralmente por la célebre pianista Guiomar Novaes, a quien fue dedicada. En 1938 partió a París para continuar su formación musical con Charles Koechlin, Frangois Ruhlmann y Charles Munch, tanto en composición como en dirección de orquesta . Pero no fue sino en las clases de la célebre Nadia Boulanger donde el compositor dice haber encontrado "los más fecundos estímulos para su creación" . Infortunadamente la segunda gran conflagración mundial lo obligó a interrumpir sus estudios y retornar al Brasil. En 1942 la Unión Panamericana le invita a visitar Estados Unidos y recibir el premio Samuel Fels, que su Concierto para violín y orquesta había merecido en la ciudad de Filadelfia . En esa ocasión fue invitado por el director Sergio Koussevitzky451 para dirigir su Obertura 451) Célebre director ruso (1874-1951) y virtuoso del contrabajo para el que escribió un Concierto con orquesta . En 1917 fue director de la Orquesta Sinfónica de Petrogrado y en París organizó los Conciertos Koússevitzky. En 1924 fue nombrado director permanente de la Orquesta Sinfónica de Boston .

4 1 4 - JAIME INGRAM JAÉN Concertante (1942) con la Orquesta Sinfónica de Boston . Mas adelante (1946) la Chamber Music Guild, de Was-

hington, en combinación con la RCA Victor concede un premio de música de cámara a su Cuarteto N° 2 para cuerdas . En un segundo viaje a Estados Unidos (1946/ 47) dirige su Primera Sinfonía, nuevamente con la Orquesta de Boston, obra que había obtenido el Premio Luis Alberto Penteado de Resende en 1944 . Su Segundo Concierto para piano le valió, en 1946, el Premio Alexandre Levy del Consejo de Orientación Artística del Estado de Sao Paulo . Al año siguiente gana uno de los tres premios del Reichhold Music Award de Detroit, EE.UU ., para "la mejor sinfonía escrita por un compositor nacido en el Continente Americano" . Acto seguido es nombrado director permanente de la Orquesta Sinfónica de la ciudad de Sao Paulo, etc . La obra de Guarnieri que abarca todos los géneros de la música, es extensa, siempre de una expresión y un lirismo característicamente brasileño : 4 Sin-

fonías, Cantata Trágica, Tres Poemas Afro Brasileiros, Seca, 2 Conciertos para violín, 5 Conciertos para piano, Variaciones sobre un tema nordestino para piano y orquesta, Choro para piano y orquesta, Choro para clarinete y orquesta, Suite IV Centenario, Suite Villa Rica, Homenaje a Villa Lobos, Brasiliana, Concierto para percusión y orquesta, Concierto para violonchelo y orquesta, Choro para violonchelo y orquesta, ciclos de canciones (su obra para voz, con textos de

grandes poetas brasileños, constituye parte significativa en su creación) . Igualmente importante son sus obras para piano entre las cuales están, Las Tres Gracias, Can-

ción Campesina, 3 Danzas, Choro Torturado, Lundú, 6 Estudios, Improvisaciones, Nocturno, 50 Ponteios, Suite Mirim, 6 Sonatinas, 10 Valses, etc . Entre su música de cámara se encuentran varios Trío y Cuartetos para cuerdas, un Quinteto de viento, Danza Negra para dos pianos, Dos Sonatas para violín y piano, Sonata para violonchelo y piano, etc .

Alberto Ginastera (1916-1983) Compositor argentino` . Realizó estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos

452) Ver biografía de Alberto Glnastera, en cinco movimientos, de Pola Suarez Urtubey, Editorial Victor Leru, Buenos Aires, 1972 .


Aires, estudiando composición con José Gil, Athos Palma y José André . En 1934 obtuvo el premio de la Sociedad Musical, con sus Piezas Infantiles para piano . A los 19 años escribe el Concierto Argentino, así como la Sinfonía Porteña y el Ballet Panambí presentado, con gran éxito, en el Teatro Colón, bajo la dirección de Juan José Castro453. En 1946 gana la beca Guggenheim lo que le permite viajar a los EE .UU ., durante un año . Seguidamente fue director del Conservatorio de La Plata (1948/52), profesor de composición en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires (1953/58), así como decano de la Facultad de Música de la Universidad Católica . En 1960 escribe, con un texto precolombino apócrifo 454 , la Cantata para América Mágica, Op . 27, para voz de soprano dramática, orquesta de percusión y dos pianos, que se inaugura en el Festival Latinoamericano de Washington (1961) y que le da sólido prestigio internacional . En 1962 fundó el otrora célebre Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, un Centro Latinoamericano de altos estudios musicales, que acogió, por períodos de dos años, a jóvenes y talentosos compositores de diversos países . Dos años después lanza su primera ópera Don Rodrigo producida en 1964 en el Teatro Colón, en la que utiliza fórmulas semejantes a Wozzeck de Alban Berg . A partir de 1969 estableció residencia en Ginebra, Suiza . Ginastera fue casado (1941) con la pianista Mercedes de Toro, con quien tuvo una hija . Al separarse, en 1965, contrajo matrimonio con la violonchelista Aurora Natola, para quien escribió una Sonata para violonchelo y piano y el segundo Concerto para violonchelo y orquesta . Su obra comprende, además : Para piano, Piezas infantiles (1934), Danzas Argentinas (1937), Tres Piezas (1940) Malambo (1940), 12 Preludios americanos (1944), Suite de Danzas Criollas (1946), Rondó sobre temas infantiles argentinos (1947), 3 Sonatas (1952, 1981 y 1982), etc . Para órgano: Toccata, villancico y fuga (1947) ; Operas : Don Rodrigo (1964), Bomarzo, basada 453) Quien además de compositor fue brillante director de orquesta . 454) Obra escrita en el sistema serial, con textos tronados de los poemas que los primeros sacerdotes cristianos recogieron en las avanzadas culturas mayas, aztecas e incas . Ver, Pola Suarez Urtubey, obra cit . Pág . 61 y 62 .

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en la laureada novela homónima de Manuel Mujica Lainez (1967) y Beatrix Cenci (1971) . Ballets : Panambí (1937), Estancia (1941), Tender Night (1960), Surazo (1961), Le Chapeau (1965), etc . Para orquesta : Danzas (del ballet Estancia), Obertura para el Fausto Criollo (1943), Ollantay (1947), Variaciones Concertantes para orquesta de cuerdas (1953), Pampeana N ° 3 (1954), Sinfonía Elegíaca ; 2 Conciertos para piano (1961); Concierto para arpa (1965), Concierto para violín (1963), 2 Conciertos para violonchelo (1968); Concierto para cuerdas (1965) ; Papel Vuh (1975) ; etc . Músico dg cámara : Dúo para flauta y oboe (1945), Impresiones de la Puna, para flauta y cuarteto de cuerdas (1934) ; Pampeana N° 1 para violín y piano (1947) ; 4 Cuartetos para cuerdas (el tercero incluye a una soprano y el cuarto a un barítono), Quinteto para piano y cuerdas (1963), Pampeana N° 2 para violonchelo y piano (1950) ; Sonata para guitarra (1976) ; Fanfarra para 4 trompetas, etc . Obra para voz : Dos Canciones (1938), las conocidas 5 Canciones populares argentinas (1943); Las Horas de una Estancia (1943), Lamentaciones del Profeta Jeremías para coro mixto a cappella ; la ya mencionada Cantata para América Mágica; Sinfonía Don Rodrigo ; Cantata Bomarzo; Milena, cantata para soprano y orquesta (1971) ; Turbar ad ioncm Gregorianam, para tenor, barítono, bajo, coro de niños, coro mixto y orquesta, etc . Escribió así mismo, obras para diferentes instrumentos, música de escena, abundante música para cine, transcripciones, etc .


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CUESTIONARIO N'9 (I) América precolombina 01 . ¿A qué tipo de actividad se asociaba la música? 02. ¿Qué tipo de música se hacía? 03. ¿Qué escalas se conocieron en América precolombina? 04 . ¿Cuál era la escala que prevalecía en el uso? 05, ¿Quién participaba más de la música, el hombre o la mujer? 06. ¿Qué clase de instrumentos existían? 07. ¿Cuáles instrumentos fueron más utilizados? 08. ¿Existieron conjuntos instrumentales en América precolombina? 09. ¿Fue la música un medio de expresión comunal o individual? 10. ¿Cuál fue el sistema de notación musical de la época? 11 . ¿Qué papel desempeñó la música en América precolombina? 12 . ¿Cómo se llamaron las escuelas de música en ese entonces? 13 . Mencione las dos escuelas más conocidas 14 . ¿Qué tan ricos eran los repertorios tribales? 15. ¿Cuáles son las tres grandes raíces étnicas en América? 16 . ¿Qué transformación tuvo lugar con llegada de los europeos? 17. ¿Se puede hablar con propiedad de una música americana? 18. ¿Qué sucedió con las culturas originales de América? 19 . Hable sobre la importancia de la música en América precolombina 20. ¿Qué comprendía la formación estética entre los Aztecas? 21 . Hable sobre las "casas de canto" . 22 . ¿Con qué nombre se conocía al poeta-músico? 23 . ¿Qué fueron los teocuicatl? 24 . ¿Cómo se transmitían los cantos religiosos? 25 . Nombrar un instrumento percusivo precolombino . 26 . ¿Existieron instrumentos en la región mesoamericana? 27 . ¿En qué cultura precolombina se desarrolló mayormente la música? 28 . ¿Tenía algún talento musical el hombre precolombino? 29 . ¿Tuvo la música algún poder especial para el hombre precolombino? 30 . ¿Quiénes trataban del fomento de la poesía y de la música?

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CUESTIONARIO N'9 (II) Colonización 01 . ¿Cuál fue la primera expresión musical europea en América? 02 . ¿Cuál fue la importancia de la música para los ibéricos? 03 . Mencionar algunos zapadores en la gestión inicial . 04 . ¿Quién fue Pedro de Gante? 05 . ¿Cuáles fueron las órdenes religiosa zapadoras en América? 06 . ¿Qué dijo el Papa Benedicto XIV con relación a los indios? 07 . Musicalmente ¿qué fueron las Misiones en América? 08 . ¿Cuándo se crearon los primeros maestrazgos de capilla? 09 . ¿Qué se decía del Maestro de Capilla a la sazón? 10 . ¿Cómo se llamaron las escuelas de música en el s . XVIII? 11 . ¿Cuándo se creó el primer Chantre en Guatemala? 12 . ¿En qué año y donde se imprime el primer libro de música? 13 . ¿Dónde se conserva el Tratado de Canto de Materano? 14 . ¿En qué bibliotecas se conservan ediciones príncipes? 15 . ¿Quién fue Gonzalo García Zorro? 16 . ¿Qué disciplinas se practicaban en México en el siglo XVI? 17 . ¿Quién fue el padre Manoel da Nóbrega? 18. ¿Qué ópera se estrena en Lima, en 1701? 19 . ¿Quién fue Juan de Araujo? 20 . ¿Quién fue Manuel de Sumaya? 21 . ¿Dónde se estrenó la primera ópera escrita en América? 22 . ¿Quién fue Juan de Herrera y Chumacero? 23 . ¿Quién fue el gran maestro de la polifonía vocal en América? 24 . ¿Quién fue el padre Mauricio Núñez García? 25 . Mencione la escuela venezolana fundada por Palacio y Sojo. 26 . ¿Quién fue Teresa Carreño? 27 . ¿Quiénes el autor de la obra polifónica vocal Popale meas? 28 . Mencione algunos archivos musicales de Iberoamérica . 29 . ¿Cuándo se inaugura el Teatro Real de Río de Janeiro? 30 . ¿Cuándo surgen los primeros Conservatorio en Iberoamérica?


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CUESTIONARIO N° 9 (111) Independencia 01 . Mencione los primeros Conservatorios de Iberoamérica . 02 . ¿Quién escribió la ópera Telésfora? 03 . ¿Quién es Carlos Gómez? 04 . ¿Quién es el compositor de óperas más destacado de Chile? 05. ¿Quién es Ignacio Cervantes? 06. ¿De qué nacionalidad son Saumel y Espadero? 07 . Mencione dos grandes violinistas americanos del siglo XIX . 08. ¿Quién fue Vicente Emilio Sojo? 09. Mencione cinco "patriarcas" de la música iberoamericana . 10 . Mencione diez compositores americanos del siglo XX . 11 . Mencione cuatro grandes orquestas iberoamericanas . 12 Mencione seis maestos europeos que emigraron a América. 13 . Mencionar cinco investigadores americanos de música . 14. ¿Quién escribió una Toccata para instrumentos de percusión? 15. Mencione tres compositores centroamericanos . 16. ¿Quién escribió la ópera Bomarzo? 17 . ¿Quién escribió el poema sinfónico Sensemayá? 18 . ¿Quién es el autor del poema sinfónico Uirapurú? 19. ¿Quién escribió la Cantata para América Mágica? 20. ¿Quién fue el descubridor del "Sonido 13"? 21 . ¿De qué nacionalidad es Alejandro García Caturla? 22 . ¿Quién es el nacionalista por antonomasia de América? 23. ¿Qué fue el Instituto Torcuato Di Tella? 24 . ¿Cuál es el más prestigioso centro operístico de Iberoamérica? 25. ¿Dónde está el Instituto Interamericano de Educación 26. 27. 28 . 29. 30. 31 . 32 .

Musical?

¿Quiénes son Gustavo Becerra y Héctor Tosar? ¿De qué nacionalidad es Celso Garrido Lecca? ¿Quién es Juan Orrego Salas? ¿Quién escribió la Sinfonía India? ¿Quién es el autor de El Salón México? ¿Quién es el autor de Momoprecoce? ¿A quién se le conoce como "el Schubert del Brasil"?

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CUESTIONARIO N"9 (1V) Estados Unidos y Canadá 01 . ¿En qué momento se enriquece la música en EE .UU.? 02. ¿En qué año se imprime el Primer Libro de Salmos? 03. ¿Cuándo se instala el primer órgano en EE .UU.? 04 . ¿En qué año se lleva a cabo el primer concierto público? 05. ¿Quién se considera el primer compositor norteamericano? 06. ¿Cuál fue la primera Gran Opera presentada en Nueva York? 07 . ¿Cuándo se crea la Sociedad Hândel en Boston? 08 . ¿Cuándo se crea la Sociedad Filarmónica de Nueva York? 09 . ¿Cuál fue la primera Gran Opera norteamericana? 10 . ¿Quién es compositor de melodías y Baladas típicas? 11 . ¿Quién fue John Paine? 12 . ¿Quién fue Horatio Parker? 13. ¿Quién fundó la Sociedad Sinfónica de Nueva York? 14 . ¿En que año se crea la Sinfónica Filarmónica de Nueva York?

15. ¿Quién fue Edward McDowell? 16. ¿Quién es el autor de Un Americano en París? 17 . Mencione tres compositores de canciones nacidos en el XIX . 18. Mencione cuatro obras de Charles Ives. 19. ¿Quién fue John Philip Sousa? 20. Mencione cuatro obras de Aaron Copland. 21 . ¿Quién fue Edgar Varese? 22 . Mencione cuatro compositores nacidos a fines del XIX . 23. Mencione tres obras de Samuel Barber. 24. ¿Quién es el autor de Fancy Free? 25 . ¿Quién escribió El Salón México? 26. ¿Cuántas Sinfonías escribió Henry Cowell? 27. ¿En qué se distingue la obra de Milton Babbitt? 28. ¿Quiénes Edgar Varese? 29 . ¿Quién fue Calixa Lavalle? 30 . Mencione cuatro nuevos compositores canadienses .

2 MÚSICA EN PANAMÁ

"El contador Antonio Peinado de Aguirre, residente en Panamá en 1542, adquirió un virginal con el alto costo de treinta y dos ducados de oro"

Egberto Bermúdez`

MÚSICA EN PANAMÁ Introducción Cuando Panamá surge como República independiente, en los albores del siglo XX, es poco lo que trae consigo como desarrollo musical pese a los esfuerzos del olvidado Juan de Araujoa 5fi, señero Maestro de Capilla de la Catedral en la segunda mitad del siglo XVII . La característica histórica de país de tránsito no ha sido particularmente beneficiosa en ese sentido y así vemos que la actividad musical que floreció en un centro hegemónico como Santafé de Bogotá, por ejemplo, está -muy por encima de lo poco que pudo haberse realizado como actividad musical en Panamá durante los siglos XVIII y XIX la que se debió más bien a la necesidad del visitante de atravesar el Istmo para ir de un océano al otro dependiendo de su origen y destino final . Inclusive Santafé de Bogotá no estuvo a la altura de Lima o México en actividades musicales en todo el siglo XIX . Así vemos que la primera temporada dramática organizada por un empresario y actor español, Francisco Villalba (quien fuera director de la Biblioteca Nacional en 1866) tuvo lugar sólo en 1835 . El grupo, que se conoció como Compañía Lírica, en 1847 contaba con más de 23 ya aplaudidos en Perú, Chile y Venezuela . 455)

Historia de In Música en Santafá y Bogotá, Pág . 48, Fundación Música,

Bogotá 2000 .

456) Ver Música en América .

424 -JAIME INGRAM JAÉN Al año siguiente con Atanasio Bello como director, "maestro de música, canto y flauta", presentó El Califa de Bagdad de Boieldieu, Lucia de Lamniermoor de Donizetti y La Gazza Ladra, L7taliana in Algieri y La Cenerentola de Rossini, entre otras óperas . La primera compañía italiana de ópera que actuó en forma más o menos continua en Santafé de Bogotá fue la de Luisa-Olivieri que llegó a la ciudad capital en 1858 . El género zarzuela apareció en Bogotá después de la ópera, en 1864, con la compañía española de Jimeno Zafrané 457 . No obstante los intentos de los colombianos en el género hispano son anteriores a las primeras ópera de creación nacional y así vemos que ese mismo año la compañía presentó la zarzuela Engaño sobre engaño con música de] compositor colombiano Daniel Figueroa (?1887) y texto de Bruno Maldonado . A estos primeros grupos líricos siguieron muchos otros dirigidos casi siempre por españoles o italianos como el de Eugenio Luisia, pionero de la ópera en la ciudad, quien estableció una nueva compañía que llegó y debutó en enero de 1874, presentando obras que no habían sido antes escuchadas entre ellas La Traviata y Luisa Miller de Verdi, así como la ópera bíblica Ester la primera ópera colombiana, con música de José María Ponce de León (1845-1882) y libreto bilingüe, español e italiano, de Rafael Pombo y Manuel Briceño 4'8 . Según Narciso Garay, el primer compositor que aparece en tierra panameña en los alrededores de 1830, es el guitarrista Porras (no se sabe su primer nombre) apodado el Maestro, "profesor obligado de las damas panameñas en una época en que el piano forte era todavía desconocido en el país y la guitarra reinaba sin rival" . Otro compositor nacional es el violinista Miguel Iturrado, autor del vals Las Brisas del Mensabé, discípulo de Ramón Díaz del Campo con estudios de violín en Europa . En ese entonces llega a Panamá el primer piano 457) Según señala José María Cordovés en la primera serie de sus Reminiscencias . 458) Ver Historia de las Musita en Santafé y Bogotá, de Egberto Bermúdez, Fundación de Música, Bogotá, 2000, Pág . 93 .


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del cual se tiene noticia, propiedad de la señora Carmen Pérez de Jimenez quien aprendió a tocarlo bajo la dirección del ya mencionado maestro Porras, que a su vez enseñó a Luis Chiari quién amplió estudios musicales en Alemania durante dos años"' (1861/63) constituyéndose a su regreso en el "maestro de todos" en Panamá, inclusive del propio Narciso Garay en 1888 . La institución musical más antigua que se conoce dentro del territorio nacional es la Banda de Música del Estado Soberano de Panamá, creada en 1867 cuando todavía Panamá era una provincia de Colombia . Es poco lo que se sabe sobre la actividad musical en Panamá anterior a la gesta separatista, al margen de la labor zapadora de personalidades aisladas como Jean Marie Victor Dubarry y los cubanos Lino Boza, su hijo Pablo y su sobrino Máximo Herculano Arrate Boza, quienes juntos con José Manuel Rodríguez y otros, constituyen los primeros compositores de pasillos, valses, mazurkas, polkas, habaneras, pasodobles, galopes, danzas en general e himnos escolares del país . Dubarry (1858-1911), hijo de padre francés, excelente flautista, reputado de ser el músico panameño más notable de finales del siglo XIX, fue organizador de la primera Academia de Música donde se prepararon los integrantes de la mencionada Banda del Estado Soberano de Panamá, futura Banda Republicana . Fue así mismo, en 1892, el organizador de la primera Banda de Música del Cuerpo de Bomberos de la ciudad capital" así como el creador de la Banda de Bomberos de la ciudad de Colón y David en 1897 y 1906 respectivamente . Dubarry fue tam459) Narciso Garay, La Música en Panamá, Revista Armonía, julio de 1946, Pág . 7 . No obstante ninguno de los nombres mencionados aparece en la Historia de la Música en Colombia del Presbítero José Ignacio Perdomo Escobar, Editorial A .B .C ., Bogotá, 1963 . 460) La primera Banda de Música del benemérito cuerpo de Bomberos fue creada (en una oficina ubicada en la planta baja de la Torre del Convento de las monjas, en el espacio donde estuvo por michos años la oficina del Médico Forense, espacio que constituye hoy día el depósito de los pianos del Teatro Nacional) por Juan A . Guizado, Enrique Linares, Julio Ardila, Juan J . Méndez, Oscar M . McKay, Eduardo Pedreschi, Enrique Dumele, Mario Regis, Samuel Ramos y otros cuyos nombres desafortunadamente no tenemos .

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bien autor de una serie de danzas populares entre llos, mazurcas, polkas y valses .

pasi-

A su vez Máximo Herculano Arrate Boza (18591936) clarinetista cubano establecido en Panamá en 1880, más conocido como Chichito, fue instructor de instrumentos de viento-madera en 1911 junto a Narciso Garay así como miembro fundador de la primera Sociedad Filarmónica de Panamá y autor de numerosas danzas carnestoléndicas entre las que sobresale corno un clásico nacional Viva la Reina Roja mejor conocida como Pescao . No hay duda de que alguna otra programación paralela debe haber existido toda vez que en la segunda mitad del siglo XIX se crearon varios clubes, dentro de los moldes ingleses, en los que nunca faltaban actividades de índole artístico cultural, aunque ciertamente se trataría de actos de poca monta . El más antiguo de ellos fue probablemente el Club Comercial, fundado en 1871, en donde, en ocasión a la visita del entonces Secretario de Guerra de EE .UU ., William Crawford Taft 4 B 1 , en 1904, el propio Narciso Garay junto con su hermana Nicole, además de Ramona Lewis y Carmen Márquez, cantante conocida en ese entonces como "la mejor garganta de Panamá", ofrecen un recital de violín, canto y piano . 462 En 1875 se creó la Sociedad Filarmónica de Panamá con el propósito de fomentar las actividades musicales403 y dos años más tarde se fundó el Club Panamá donde se llevaron a cabo varias presentaciones artísticas, entre ellas un recital de canto de la soprano Eugenia Torroni acompañada al piano por Francisco de la Rosa . A continuación aparecieron: el Club Internacional (1883) el Club Musical Femenino (1887) el Club Iris (1904), el Ateneo, el Club Tívoli, 461) 462) 463)

En 1909 Taft fue presidente de los Estados Unidos por el partido Republicano, sucedido en 1913 por Woodrow Wilson a quien le tocó la inauguración del Canal Interoceánico . Tornado de, El Heraldo del Istmo, die . 15 de 1904 . En este mismo club se presentó, el 25 de marzo de 1901, el violinista español Joaquín Palomares. Cuya junta directiva estuvo formada por Aníbal Villegas, Presidente ; Manuel José Hurtado, Vicepresidente ; Ramón Luna, Secretario y José Menotti, Tesorero .


etc . y en todos ellos se llevaron a cabo las llamadas tertulias, tan de moda a la sazón . Por otro lado está claro que la ciudad de Panamá no tenía atractivos particulares suficientes, ni salas adecuadas y ni siquiera un público cautivo abundante, amante de la buena música o de la danza, como para que artistas de renombre se acercaran a presentarse . No obstante todo el personal que llegó a Panamá en ocasión del proyecto del Canal francés parece haber suscitado un cierto movimiento de tipo artístico cultural, amén de que por razones de la privilegiada situación geográfica algunos personajes tuvieron que atravesar el Istmo, usando para ello el ferrocarril interoceánico para abordar un navío sea en Atlántico sea en el Pacífico . De ahí que figuras internacionales como el pianista estadounidense Louis M. Gottschalk, la celebérrima actriz sa Sárah Bernhardt 954 , el violinista catalán Juan Manén4 f 5 y el virtuoso cubano Claudio Brindis de Salas''«, así como diversas compañías ambulantes de ópera y zarzuela, hayan actuado tanto en nuestra ciudad capital como en Colón. Según apunta Narciso Garay entre las primeras Compañías de Zarzuelas que se presentaron en aquel entonces en Panamá están la de Saturnino Blen y las de Palao y Palmada, ambas con una serie de representaciones que realizaron, no sin ciertas dificultades, en las ruinas de la Iglesia de Santo Domingo en los años 1861 y 1862 respectivamente . Es interesante señalar, que en el último cuarto del siglo XIX varios panameños hicieron labor en el campo de la docencia musical, entre ellos, los maestros Angel C. Julio, Esteban Peralta, su hija y el Reverendo Azumendi, siendo que el maestro julio, inclusive, escribió un libro de Teoría Musical, "con el que complementaba su labor didáctica" -007 . 464) Sárali Bernhardt (1844-1923) la celebérrima actriz sa particularmente aplaudida por sus actuaciones en Federa de Racine y Rui Bias, de Victor Hugo, actuó en Panamá durante los años en que se construía el Canal Francés . 465) Manén (1883-1971) dejó unos interesantes testimonios en su escrito Mis experiencias, Barcelona 1944 . 466) Claudio Brindis de Salas (1852-1911) el gran violinista cubano (Ver, Música en América) . 467) Eduardo Charpentier H ., Como comenzó la cultura musical en Panamá, Estrella de Panamá, 10 de abril, 1969, Pág . 2 .

428 - JAIME INGRAM JAÉN El pianista Luis Moreau Gottschalk, en ocasión de su paso por Panamá el 1° de octubre de 1865, describe en sus Meniorias 4 1 , con un evidente tono despreciativo todo lo que ve a su alrededor, desde el momento que desembarca en "Aspinwall", tildando de "andrajosos monos" (ragged monkeys) a los pobres negros que se le acercan para ofrecerse a cargar sus baúles . Cuenta, Gottschalk, que una vez en la ciudad de Panamá, el 7 de octubre, a solicitud del Gobernador, se presentó en un desafinado piano vertical en

"la sala del Consejo Municipal con las ventanas del balcón abiertas para que todos pudieran escucharlo desde la calle —` .

A su vez el célebre virtuoso cubano Brindis de Salas 970 , al igual que la gran actriz sa Sarah Bernhardt, se presentó en nuestra ciudad capital en lo que había sido la nave central de la Iglesia del Convento de la Concepción, regentado por monjas concepcionistas españolas, situado 17 ' en el mismo solar que ocupan hoy el Teatro Nacional y el Palacio de Gobierno, o sea en la esquina de calle 3° y Ave468) Louis M . Gottschalk, Notes of a Pianist, Edit. Knopf, Nueva York, 1964 . 469) Relata asimismo el pianista norteamericano, (Págs . 326/329) cómo al día siguiente a su recital fue invitado a la "residencia del Gobernador del Estado Soberano, un obscuro nudato" que lo recibió "en mangas de camisa y chancletas, en una desagradable canto sucia y estrecha casa" y cómo la madre del mismo, se le acercó, "sin zapatos" y le ofreció "unos dulces de guayaba, /techos y vendidos por ella misma, todos los días ni uy temprano en el cercado público" . Acto seguido, el virtuoso

estadounidense, conocido ya en ese entonces en los salones parisinos, amigo personal de Liszt y Victor Hugo, en París, remata el párrafo declarando que "el Presidente es hijo de un viejo Obispo de Panamá" . Obra cit . Las antipáticas como dudosas aseveraciones de Gottschalk, que parecieran más bien producto de una mentalidad racista de la peor especie, no han sido confirmadas por ningún historiador nacional . 470) Ver Música en Acérica . 471) Originalmente el Convento se fundó en Panamá "la Vieja" hacia 1597 acabándose de construir en los primeros arios del siglo XVII . Cuando la ciudad se trasladó al sitio del Ancón, la sede del nuevo Convento se construyó en 1673 en el solar que hoy ocupan el Ministerio de Gobierno y el Teatro Nacional, en el actual "Casco Viejo" . El Convento, como tal, fue clausurado en septiembre de 1862 por orden del gobernante Tomás Cipriano Mosquera cuando todos los religiosos fueron expulsados del territorio colombiano . Valga la ocasión para señalar que en ese momento la Hermana Abadesa del Convento era la distinguida dama panameña, Marcela Arosemena, cuyo nombre religioso fue Sor Isabel, tía del benjamín de los próceres de la Independencia de España (1821) Manuel María de Ayala .


nida Central . Dicha nave, acondicionada y convertida en sala de espectáculos, que se conoció en el último tercio del siglo XIX como Teatro de las Monjas algunos pasaron a llamarla, a partir de ese momento, Teatro Sárah Bernhardt en homenaje a la diva sa . No obstante, en la década de 1862, el edificio fue transformado en cuartel militar por lo que pasó a conocerse también como "Cuartel de las Monjas" . Es interesante señalar, por otro lado, que según comentarios coetáneos "la divina Sárah, inflamó el ánimo de los panameños modernos con una obra que recibieron con éxtasis y los enloqueció de entusiasmo" 472 . Actuaron también en el Teatro de las Monjas el grupo del colombiano Pedro Morales Pino, con 9 integrantes, ejecutando música popular del hermano país así como varias compañías de zarzuelas, como la de Alemany y Monjardin, en los años 1887 y 1888, seguidas poco después por una Compañía sa de ópera bajo la dirección del maestro Mascheroni . El violinista panameño Manuel Arias Hidalgo (18631926) secundado por el pianista brasileño Emilio Pons, se presenta en un recital en abril de 1889473 . Lamentablemente En 1862 el convento fue convertido en cuartel y alojamiento de presos políticos distinguidos y Luego, hasta 1903, en hospital para enajenados . En la parte de atrás, en el solar que ocupa actualmente el Teatro Nacional, había un gran patio cerrado por un muro de unos siete metros de altura . En la esquina de calle 3° con Avenida Central se situaba la Iglesia del Convento en cuya nave central, transformada y acondicionada, se presentaban los recitales artísticos, espacio que en un momento se conoció como Teatro Sarah Bernard! . A partir de 1904, ya en era republicana, el local se transformó en la Escuela de Música que regentó Narciso Garay Díaz . 472) Tomado de Wolfred Nelson, Cinco Aros en Panamá, Editorial Universitaria, Panamá, 1971, Pág . 39 y 40 . Añade el autor que en tina representación posterior de la actriz, "con el propósito de hacerle un homenaje, se colocaron grandes cohetes chinos en la puerta principal, y mientras que la inmortal Sárah se encontraba en escena, las pequeñas bombas estallaron . Su susto fue inmenso y dio como resultado, un violento ataque de histeria, por lo que los periódicos comentaron que la bella sa pateaba como vio caballo tejano" . 473) Según informa el Star & Herald del 18 de abril de ese mismo ario . De acuerdo con el desaparecido arquitecto y amigo, Nestor Porcel, Manuel Arias Hidalgo es original de Patita, donde nació en los alrededores de 1863, de acuerdo con la información que le facilitó su abuelo .

430 - JAIME INGRAM JAEN no es mucho lo que sabemos de su persona al margen de que nació en Parita en 1863, que hizo estudios en la ciudad de Milán, Italia y que en 1913 se estableció en Chile donde contrajo matrimonio con Blanca Berríos quien le dio tres hijos : Faustino, José y María . Fundó un Conservatorio de Música en el que formó, inclusive, a sus propios hijos . Faustino llega a ser concertista de relieve y muere prematuramente en Alemania . Todo parece indicar, por otro lado, que José fue miembro fundador y ejecutante de la Orquesta Sinfónica de Chile desde 1941 hasta 1981, año en que probablemente decidió jubilarse . A su vez María Arias fue profesora de piano del Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Chile donde, inclusive, llegó a ser designada como Coordinadora de la Carrera de Tecnología del Sonido. El 5 de junio de 1901 hubo gran alborozo en la ciudad de Colón por el concierto público presentado por una banda sa que hacía parte de la tripulación del lujoso barco Versalles en tránsito, en el muelle de Cristóbal, después de desfilar por las calles principales de la ciudad . Primera Escuela de Música y el Teatro Nacional

El 23 de marzo de 1904, a escasos cuatro meses de haberse creado la República, la Convención Nacional Constituyente faculta al Poder Ejecutivo para crear una Escuela de Música que debía funcionar como parte de un Instituto de Bellas Artes, cuya dirección se puso en manos de Narciso Garay Díaz, único músico panameño en ese entonces con una preparación académica significativa . En ese mismo mes se dispone también la construcción del Teatro Nacional que se ubicaría, como ya quedó dicho, en el patio trasero del antiguo Convento Colonial de las Religiosas de la Concepción erigido en 1673 . El Teatro Nacionald 7 , diseñado por el arquitecto italiano Genaro N . Ruggiero y construido por el Inge474)

El primer teatro en el sentido cabal de la expresión y dentro de los moldes de una sala de espectáculos fue el Teatro variedades, construido en 1906 (dos años antes que el Teatro Nacional) en Santa Ana, propiedad de don Tornás Arias, con un elegante vestíbulo, boletería, camerinos, etc . Fue una sala destinada a espectáculos de variedades como cl pro


niero panameño Florencio Harmodio Arosemena, quedó terminado en marzo de 1908 175 , junto con el telón y el plafond realizados por el gran pintor nacional Roberto Lewis egresado de la Escuela de Bellas Artes de París . El Teatro se inauguró artísticamente el 22 de octubre de 1908 con la ópera Aída, de Verdi, producida por la Compañía Italiana de Mario Lambardi 976 y contratada por el Gobierno Nacional para el histórico evento con la soprano Lina de Benedetto en el rol protagónico, así como el tenor Alessandro Scalabrini en Radamés, la mezzosoprano L . Mileri en Amneris y el barítono Guiseppe Pimasonio en el papel de Asmonasro . El director de orquestra fue Agide Jacchia y Baravelli el director del coro . Procedente de Guatemala, donde había hecho escala, la Compañía Lambardi contaba con un elenco de 83 personas, entre primeras y segundas figuras, coro, bailarinas y músicos . La breve temporada de ópera que siguió a la inauguración del Teatro, que constó de 12 representaciones líricas, con Carleen, Lucía de Lanunernloor,

Mignon, El Trovador, Rigoletto, Cavallería Rusticana, Pagliacci, Fausto, La Bohemia, Ernani y Baile de Máscaras se extendió exitosamente hasta el 25 de noviembre . La representación de Aída, en la inauguración, fue precedida por el estreno de una Marcha Patriótica de Narciso Garay, escrita expresamente para la ocasión .

pio nombre lo indica, que tuvo su momento de esplendor entre 1910 y 1930 . Las demás salas, que por dehirpación idiomática panameña se denominan teatros, son en realidad salas de cine . Entre ellas, las más antiguas, muchas de las cuales ya no existen, son : Ambos Mundos, Valenti, Cómico, Metropol, Aurora, Amador, El Dorado, Alhambra o Cecilia (que poseía un gran órgano de tubos con el que se acompañaba el cine mudo), el Tropical, el Pacífico, el Salón Claret, etc En los salones del Hotel Metropol, a un costado del Parque Santa Ana, también se hacían recitales. 475) A un costo total de B/ .597 .635 .00. 476) La empresa Lambardi se había presentado ya en Bogotá en 1896, 1900 y 1904 . En 1915 llegó a Bogotá la compañía de Mancini que además de presentar el repertorio italiano tradicional llevó a escena la primera ópera de Wagner (Lohengrin) en Colombia . En 1917, llega la Gran Compañía de ópera de Adolfo Bracale, quien había sido violonchelista y director de orquesta en sus giras por Turquía y en Egipto donde fue el artífice de un exuberante montaje de Aída en el Khedivial de las pirámides .

4 32 -JAIME INGRAM JAÉN No obstante, las puertas del Teatro ya se habían abierto el 1° de octubre para la toma de posesión del segundo Presidente Constitucional de la República, José Domingo de Obaldía Gallegos, quien, por cierto, en una de sus primeras ordenanzas, decretó la enseñanza musical obligatoria en el Instituto Nacional y en la Escuela Normal de Institutoras477 . Las primeras becas de música de la República Es significativo consignar que ya en 1904 la Convención Nacional Constituyente había creado dos becas para estudios de música en Italia, adjudicadas a Andrés Almendral y Santiago Sosa, respectivamente . Desafortunadamente el primero murió pocos años después de haber llegado a Italia, mientras el segundo no logró ingresar en el Conservatorio de Milán como era su propósito, y después de hacer estudios privados durante un tiempo regresó al País, en 1910, para dedicarse a la enseñanza de la música y dirigir bandas en Colón, Bocas del Toro y David ciudad donde constituyó su hogar . El Himno Nacional El autor del Himno Nacional de Panamá es el músico de origen español Santos Jorge Amatriaim (18701941) nacido en Peralto, Provincia de Navarra y educado en el Conservatorio de Música y Declamación de Madrid . Santos Jorge llegó a Panamá en 1889 y fue Maestro de Capilla de la Catedral Metropolitana, primer Director de la Banda Republicana cuyos destinos dirigió hasta 1912, profesor de música de la Escuela Normal de Institutoras, profesor privado de canto, solfeo, piano y 477) Situada en ese entonces en el solar donde se encuentra hoy día el Ministerio de Hacienda, en la Ave . Perú . Cuando la Escuela Normal fue trasladada a Santiago de Veraguas, durante la istración de Juan Demóstenes Arosemena, el solar fue ocupado por el Liceo de Señoritas, local que en 1941 fue compartido con el segundo Conservatorio Nacional de Música y Declamación hasta mudarse a la Ave . Norte cerca del Parque Herrera, en una suntuosa y antigua propiedad de la familia Fábrega, donde permaneció hasta su último y actual destino, ubicado en una de las casas del aria revertida .


violín, así como Presidente Honorario de la Unión Musical de Panamá en 1937" 78 . Entre sus obras se encuentran, una Fantasía al Cerro Ancón, una Oración Fúnebre, Salve Patria, y el Himno al Maestro, todas para Banda . Primera personalidad panameña de la música

Narciso Garay Díaz (1876-1953) compositor, violinista, polígrafo, investigador, ensayista y abogado, es la primera personalidad musical del Panamá Republicano . Inició estudios de violín y órgano en el Instituto Musical de Cartagena de Indias y de 1887 a 1890 tomó lecciones de violín con el Cónsul del Imperio Alemán en Panamá, señor Arturo Kohpcke . De 1891 a 1896 recibió a domicilio, lecciones de Armonía, Filosofía y Derecho por parte de preceptores privados en Santafé de Bogotá . En 1896, en reconocimiento a su talento y a instancias del poeta Guillermo Valencia, el Gobierno colombiano le otorgó una beca con la que partió a Europa y después de una corta estadía en París en donde continuó estudios de violín con el distinguido maestro Martin-Pierre-Joseph Marsik, pasó al Real Conservatorio de Bruselas en donde obtuvo el Primer Premio de Armonía en 1898 y el Primer Premio de Contrapunto y Fuga al año siguiente . Hijo de Mercedes Díaz Remón, panameña, y de Epifanio Garay Caicedo, natural de Bogotá quien llegó al istmo cuando cumplía 19 años 479 Además de prestigioso pintor retratista fue un espléndido bajo, educado en la Academia de Música de Nueva York, que asociado a una compañía italiana de ópera llegó a actuar en diversos papeles operísticos como bajo profundo . De ahí ciertamente la herencia artístico musical de Narciso, quien hizo estudios primarios en la Ecole Communal de la Place Percire, en París, Francia (1882/83), en la Escuela de San Vicente de Paúl de Panamá (1884/1886) y en el colegio de Dionisio H . Araujo de Cartagena de Indias, 478) El conocido músico panameño Avelino Muñoz fue también Presidente del grupo gremial Unión Musical, constituido en sindicato en 1934 . 479) Según registra su hija Nicole en su obra Versos y Prosas, publicada en Bruselas, en 1930 .

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Colombia, en 1885 . De 1887 a 1890 realizó estudios secundarios en el Colegio del Dr. Simón Araujo en la ciudad de Panamá . En 1900 Garay regresó a París para hacer estudios de composición con el maestro francés Vincent D'Indy, en la Schola Cantorum, viajando luego a Londres donde decidió dedicarse por entero a la composición . Retornó a París en 1902 para ingresar en las clases que el célebre Gabriel Fauré dictaba en el Conservatorio de la capital sa . En 1904 regresa definitivamente a Panamá y es nombrado Director de la recién creada Escuela de Música . La obra musical de Garay comprende : Fuga triple para cuarteto de cuerdas (1900) ; Sonata para violín y piano (1901) ; Suite Antigua para piano (1901) ; Cuatro Canciones con poemas de Laconte de L'Isle y Charles Boudelaire (1901) ; Fantasía Sonata para piano (1903) ; Marcha Triunfal (1908) ; etc . Su obra de investigación folclórica más significativa que se titula Tradiciones y Cantares de Panamá, publicada en Bruselas en 1930, constituye un clásico nacional. Otros de sus escritos son : El Folclor Hispano-

Americano ; El Arte y la Escuela ; El sentido de la Nacionalidad en el Arte ; El Arte en Panamá ; El Aria y la Sonata ; Reminiscencias de un folklorista ; El Estado y la Música en las Américas ; etc ., amen de un sinnúmero de ensayos sobre

historia, literatura y política internacional . La Escuela de Música dirigida por Narciso Garay, que a partir del 1 de enero de 1911 pasó a llamarse Conservatorio Nacional de Música y Declamación, desarrolló una intensa actividad en pocos añosdNO con planes de estudio, como todos los Conservatorios de Iberoamérica, basados en el sistema de instrucción musical francés, en ese momento uno de los mejores del mundo . No obstante la influencia estadounidense en particular y sajona en general ha logrado crear raíces en nuestros planes de es480)

Los interesados en mayores detalles sobre la actividad del primer Conservatorio Nacional de Música y Declamación así reino sobre los programas presentados en Los lunes del Conservatorio, pueden remitirse al ensayo, Sinfónico, Opera y Zarzuela en Panamá, del profesor, flautista y director, Eduardo Charpentier Herrera, en edición privada de 1975, Págs . 13 a 24, que se puede consultar en la Biblioteca Nacional .


tudios de música . De ahí la creación de una Facultad de Bellas Artes en la Universidad de Panamá, lo que a inicios del siglo XX era algo inimaginable puesto que todas las disciplinas del arte musical siempre se han dictado en escuelas especializadas llámense Academias, Institutos, Conservatorios o simplemente Escuela de Música, según el tradicional patrón europeo . En 1906 un grupo de alumnos del Conservatorio fundó el Círculo Filarmónico con el fin de organizar y presentar conciertos públicos . Diez años después, con el Primer Grupo Sinfónico Estudiantil, reforzado con profesionales y aficionados, Garay forma una Sociedad de Conciertos y ofrece la primera temporada de "espectáculos sinfónicos" . Sorprende sobremanera que Garay, entre 1910 y 1918, maneja en el Conservatorio una orquesta de 61 ejecutantes (!), cuyo Concertino o primer atril fue Demetrio Brid, violinista panameño muy considerado y mencionado durante las primeras décadas de nuestra era republicana . Es interesante observar que cuando Demetrio Brid era concertino del primer organismo sinfónico nacional, violinistas de la talla de Alfredo de Saint Malo y Antonio Henriquez hacen parte del grupo de los primeros violines de la orquesta . Desconocemos, sin embargo, el nivel de calidad del grupo sinfónico por falta de una crónica verdaderamente objetiva y profesional de la época . En 1907 Alfredo de Saint Malo, violinista, entonces con apenas 12 años de edad, Adriana Orillac, violinista (quien después se distinguiría como pianista), Rodolfo Bierman de Saint Malo, violista (padre de Alfredo y Cónsul de Suecia a la sazón) y Walter Mayers, violonchelista, crearon el primer Cuarteto de Cuerdas en Panamá"' . En 1912 Garay celebra un Festival Lírico-Dramático y lleva a escena el primer acto de la ópera Fausto de Gounod lo que constituye "todo un acontecimiento", según comentarios de la prensa, con cantantes nacionales entre los cuales sobresalieron el tenor Alcides Briceño, 481) Otro Cuarteto de cuerdas que existió fue el conformado por : Demetrio Brid, violinista, Hans Kohpcke, violinista y Cónsul de Alemania en Panamá, Arturo Kohpcke, viola y Walter Myers, violonchelista .

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el barítono Vicente Alvarado y el bajo profundo Enrique Correa, junto a otros extranjeros residentes en Panamá, como la soprano Lorraine Foster, y la mezzo soprano de apellido Degnan . La dirección escénica de la ópera estuvo a cargo de Johanna Lutz quien con su esposo Otto Lutz, ambos de nacionalidad alemana, constituyeron los primeros maestros de canto de la ciudad capital . Así mismo el 10 de mayo de 1915 el incansable Narciso Garay presentó el último movimiento de la Novena Sinfonía 492 de Beethoven con cantantes y ejecutantes nacionales entre los que participó, además de los mencionados anteriormente, la contralto panameña Luisa E . Goti . La presentación, que tuvo lugar en el Teatro Nacional, contó con la presencia del Excelentísimo señor, Don Belisario Porras, Presidente constitucional de la República, a la sazón . El aplaudido tenor Alcides Briceño, que de acuerdo con testimonios serios poseía una espléndida voz, en 1918 cantó también en varias ciudades de Estados Unidos donde grabó, como solista, el Hinino Nacional, en la primera grabación del mismo con el prestigioso sello RCA Victor. Primera pianista panameña

La primera pianista panameña en cosechar aplausos en el Teatro Nacional fue Adriana Orillac Jované (1887-1948) discípula de la profesora Natividad Cervera y alumna sobresaliente de la primera Escuela Nacional de Música y Declamación, inclusive como violinista, presentándose diversas veces, ora sola, con obras de Bach (Fantasía Cromática) y Fuga) Chopin, (Scherzo N" 2, Balada N° 1 y N° 3), Schumann (Carnaval de Viena), Liszt (2" Polonesa, Rapsodia N ° 10, Carnla, Mes joies, Nocturno), Granados (Zapateado) y Pierne (Estudio de Concierto), ora con el Concierto N" 2 de Saint Saéns, el mi

482) Es necesario señalar que la Sinfonía no se presentó completa y el texto, de la oda de Schiller, para sorpresa de todos, se cantó en castellano con la traducción que llevó a cabo, para la ocasión, la propia Nicole Garay, en base a la versión sa toda vez que su conocimiento del idioma alemán era deficiente según apunta el propio Narciso Garay . Ver, Nicole Garay, Versos y Prosas, Bruselas 1930, Pág. 153, nota al pié del propio Garay .


menor Op . 11 de Chopin, el Concierto en si bemol de Tchaikovsky, con la Orquesta del Conservatorio bajo la dirección de Narciso Garay 483 , no sabemos si en versiones completas o en simples movimientos individuales como había sucedido con la ópera Fausto y la Novena Sinfonía . En 1915 Adriana Orillac viajó a París, para continuar estudios de piano con el célebre pedagogo Isidor Philipp . Al retornar a la patria continuó presentándose en el Teatro Nacional lo que matizó con la enseñanza del piano, inclusive en el "segundo conservatorio de música", de 1941 a 1948 . No hay duda de que, de cara a los programas de la época, "Adrianita Orillac", como le decían cariñosamente sus iradores y amigos, alcanzó un respetable nivel de ejecución pianística, único en toda su generación . Alberto Galimany (1889-1973) de origen español, hizo sus estudios musicales en el Conservatorio de Música de Barcelona . Llegó a Panamá como Director-pianista y violonchelista de una Compañía de Operetas y Zarzuelas y fungió como acompañante de artistas prestigiosos como los cantantes Fleta y Tito Schipa, el violonchelista Bogomil Sikora, los violinistas Manen y Saint Malo, etc ., así como de hábil director de óperas, operetas y zarzuelas . De 1912 a 1918 fue profesor de piano y música de cámara del primer Conservatorio y profesor de varias escuelas de la ciudad capital entre ellas el Instituto Nacional . En 1928 fue invitado por la Unión Panamericana, hoy Organización de Estados Americanos (OEA), para dirigir diferentes Bandas en Estados Unidos de Norteamérica, en conciertos ofrecidos frente al Capitolio de la ciudad de Washington, D.C ., ocasión en que estrenó su Capricho Típico Panameño . Es también autor de varios Himnos para centros escolares así como de una Fantasía a Vasco Núñez de Balboa, varias Danzas y Marchas entre las que sobresalen La Bandera Panameña, Disciplina, Honor y Abnegación (dedicada el Cuerpo de Bomberos) y particularmente la conocida Marcha Panamá, considerada ya como uno de los emblemas de la Patria . 483)

Eduardo Charpentier Herrera, obra cit . Pág . 27 .

4 3 8 - JAIME INGRAM JAÉN Sigue históricamente el violinista Jorge Luis MacKay (1891-1965) autor del ballet Anayansi presentado exitosamente en 1941 en el Estado Nacional, quien tuviera durante muchos años la Casa de Música más importante de la ciudad capital así como Secretario inspector del Segundo Conservatorio Nacional de Música y Declamación . Entre los talentos y alumnos distinguidos del primer Conservatorio que alcanzaron éxitos en actuaciones públicas sobresalió, por sus dotes excepcionales y dedicación, el violinista Alfredo de Saint Malo Orillac (1898-1984) quien después de iniciar estudios de violín con su padre e ingresar en 1907 en las clases de Narciso Garay, viaja a Francia en 1916 con beca que le otorgara el Gobierno presidido por el Dr. Belisario Porras . Después de tres años de intensos estudios obtiene el Primer Premio de violín y la Medalla de Oro del Conservatorio de París, uno de los galardones musicales más prestigiosos del momento . Fueron sus maestros Eduardo Nadan, Jean Gallon, Lucien Capet y el conocido George Enesco en París, así como Oscar Morini en Viena . Saint Malo inicia su carrera de concertista en la sala del Conservatorio en un concierto con orquesta dirigido por Diran Alexanian y un recital acompañado al piano, ni más ni menos, que por el Maestro Gabriel Fauré . Una exitosa carrera llevó a éste excepcional virtuoso panameño a conspicuas salas de conciertos de Europa y América mereciendo particular mención su actuación en la Symphony Hall de Boston donde ejecutó, en compañía del gran compositor francés Maurice Ravel, su Sonata en sol para violín y piano . En 1929 el pueblo de Panamá le rinde con merecida iración un homenaje en el Teatro Nacional, ocasión en que se le otorga una corona de laureles, adquirida por suscripción popular, y se le declara "gloria nacional" . Ese mismo año el virtuoso panameño registró El Vuelo del Moscardón de Rimsky Korsakov y el Capricho en la menor de Wieniawski para la firma Victor (sello rojo N° 4163), con Andres Kostelanetz al piano, aunque el nombre de éste último no aparece en el disco por razones desconocidas ; graba-


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ciones reproducidas en 1974, en Nueva York, por Thomas L. Clear en el álbum Augmented History of the Violin on Records, del cual se editaron 250 ejemplares solamente . Más adelante, en 1941, esta vez con el musicólogo Nicolás Slonimsky 484 al piano, Saint Malo grabó obras de compositores latinoamericanos para el sello Columbia . En 1955 se trasladó a Estados Unidos contratado como profesor de violín del Departamento de Música de la Universidad de Austin, Texas, donde muere 29 años después, a la venerable edad de 86 años . Con la muerte de Alfredo de Saint Malo desaparece el mayor violinista panameño y uno de los más prestigiosos de Iberoamérica, quien con su arte y profesionalismo llevó el nombre de la patria a los salones musicales más significativos de América y Europa, labor que todavía no ha sido cabalmente comprendida ni evaluada en su verdadera dimensión artística en Panamá. Fin del primer Conservatorio

Es obvio que un balance objetivo de las actividades del primer Conservatorio de Música daría como resultado un saldo positivo y beneficioso, pero pese a ello la Institución murió prematuramente con apenas 15 años de edad quedando toda una labor zapadora tristemente interrumpida por causa de un recorte presupuestario de la istración Pública . Es así que en 1918 el Primer Conservatorio Nacional de Música y Declamación se ve obligado a cerrar sus puertas como institución oficial, y su labor de instrucción sobrevive temporalmente un año más en forma privada . En efecto, en 1921, Nicole Garay, hermana de Narciso, asume la dirección del Conservato484) Nicolás Slonimnsky (1894-1989) musicólogo norteamericano de origen ruso, autor de varios libros entre ellos Música en Latinoamérica, cuya versión en castellano fue publicada en Buenos Aires (1947) ; fue el editor de la 5' y 6' publicación del conocido Bake? 's Biographical Dictionary of Musicians (Nueva York, 1958 y 1978) así corno editor de la International Cyclopedia of Music and Musicians de Thompson . Slonimnsky fue también director de orquesta, conferencista, compositor y pianista acompañante . Estuvo en Panamá en 1941 cuando recababa información para su libro sobre la Música en Latinoamérica. Otras de sus obras son : Music since 1900, Thesaurus of Scales and Melodic Patterns, así como, Lexicon of Musical Inventive, University of Washington Press, 1969 .

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rio hasta fines de 1925 año en que se clausuró definitivamente "con todos los honores del protocolo, asistiendo a la ceremonia el propio Presidente de la República, y pronunciando en ella un hermoso discurso el Secretario de Instrucción Pública a la sazón, el Dr. Octavio Méndez Pereira", según relata, no sin cierta dosis de ironía y desilusión, el propio Narciso Garay en su opúsculo intitulado Mi Hermana Nicole . Lo que en todo país constituiría motivo de genuino interés, enriquecer y mejorar cada vez más lo iniciado con entusiasmo y profesionalismo, aquí se dejó caer sin mayor preocupación y se le dio un finiquitamiento oficial ante la presencia de personajes históricos y discursos consolatorios que en nada resolvían la cultura musical del país . Todo aquel entusiasmo original de la primera Convención Nacional Constituyente por el desarrollo del arte musical en la nueva República se apaga súbitamente para transformarse en indiferencia total por parte de la istración pública durante un período de 22 años, lapso de tiempo excesivamente largo para un joven país que necesita a gritos ciudadanos con cultura y sensibilidad . A su vez, al ver irrevocablemente truncada su labor musical, Narciso Garay acepta dirigir su destino por los caminos de las Relaciones Internacionales, senda en el que su polifacética personalidad alcanzará prestigio y sitial honroso en la historia nacional gracias a sus decisivas como patrióticas actitudes frente al Ministerio de Relaciones Exteriores, así como representante diplomático en el Servicio Exterior de la República cuya última misión fue la de Embajador Extraordinario y Plenipotenciario en la vecina República de Costa Rica . Período intermediario de la música en Panamá

Entre tanto, figuras del exterior que llegan a nuestras costas, unen esfuerzos con artistas nacionales para continuar la labor musical que el ente oficial no estuvo en capacidad de mantener y enriquecer, tales como Arturo Merel Murt, Cruz Verar del Real, Alfredo Graziani y Enrique Zozaya, entre otros .


Arturo Merel Murt (1898-1963) pianista versátil de origen catalán, llegó a Panamá en 1927 abriendo al año siguiente un Conservatorio de Música, Canto y Declamación, de carácter privado ubicado en el lote que ocupa actualmente el Hospital Santo Tomás . En 1936 fue nombrado Inspector de Música de los Colegios Públicos de la ciudad capital y posteriormente profesor de música de la Escuela Profesional Isabel Herrera, la Escuela Normal de Institutoras, el Liceo de Señoritas y eventualmente Director de Coro del Colegio La Salle . Alfredo Graziani (1878-1957) tenor de origen italiano con una rica hoja de actuaciones profesionales en diversos países, creó en 1926 la Escuela Nacional de Opera, con la que durante doce años se dedicó no solo a la formación de artistas nacionales en el arte del bel canto operístico, sino a las presentaciones públicas con diferentes obras líricas, entre ellas : Carmen, El Trovador,

Fausto, Fedora, Tosca, Sor Angélica, La Bohemia, La Traviata, Madame Butterfly, Don Pascual, Rigoletto y otras, con artistas panameños y extranjeros .

El mismo año en que Merel Murt llegó a tierras panameñas llegó también el pianista madrileño Ricardo Zozaya (1887-1946) quien fuera de inmediato contratado como profesor de música del Instituto Nacional, donde llevó a cabo una encomiable labor, durante 18 años, no sólo como solista del piano, maestro de música y director de orquesta, sino, fundamentalmente como creador de grupos corales estudiantiles . Años después, en homenaje a su persona, se creó el Orfeón Zozaya en el Instituto Nacional . El 30 de Septiembre de 1929, uno de los diarios de la ciudad capital` señala la actuación en Panamá del compositor y excelente pianista cubano Ernesto Lecuona con las palabras siguientes : "Cuba ha traído a una palpitación de arte a esta sociedad con la presentación del insigne artista Lecuona . Todo elogio es poco para hacer justicia al brillante artista, maravilla del piano y figura indiscutible de relieve en el mundo del arte 485) El Panamé América.

4 4 2 - JAIME INGRAM JAEN de la armonía" . En efecto, Lecuona actuó en el Teatro Nacional con la soprano cubana Hortensia Coalla'` . Siempre es grato recordar la conga, Panamá, que Lecuona dedicó a nuestro país . Valga la ocasión panameños egresados, de Opera dirigida por Antonia Cuevas y el (1894-1972) .

para mencionar a dos cantantes ambos, de la Escuela Nacional Graziani, ellos son : la soprano tenor Manuel Díaz Gutiérrez

La primera, más conocida como Toñita, fue merecedora de la iración general de los melómanos por sus exitosas actuaciones en las temporadas de zarzuela, ópera y opereta, en los albores de la década de los años 30, éxitos que se extendieron también a Costa Rica, Perú, Cuba y México . El segundo, inició estudios de violonchelo en el primer Conservatorio de Música, llegando a participar como ejecutante tanto en los grupos instrumentales del propio Conservatorio así como en los dirigidos por Zozaya en los sábados literario-musicales del Instituto Nacional, para luego hacer estudios de canto bajo la dirección del maestro Graziani, en la Escuela Nacional de Opera, en los que destacó de inmediato con una espléndida y afinada voz de tenor agudo . Participó, Manuel DíazdR 7 , siempre con éxito en papeles estelares de diversas óperas, entre ellas, La Bohemia, Rigoletto, Madame Butterfly, Fausto y Tosca 118 , así como en múltiples recitales acompañado tanto por la Orquesta de la Escuela Nacional de Opera bajo la dirección de Antonio Enríquez, Walter Myers, Juan B . Valdés, y la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Herbert de Castro, como por los pianistas Ricardo Zozaya, Alberto 486) 487) 488)

Orlando Martínez, Ernesto Lecuona, Ediciones Unión, La Habana, Cuba, 1989 . El tenor Manuel Díaz, fue, además, un reconocido odontólogo, egresado de la Universidad de Pennsylvania, EE .UU . En cuyo papel de Mario Cavaradossi, actuó, en el Teatro Nacional de Panamá, junto a la soprano Stella Roman de la Opera Metropolitana de Nueva York, contratada para la ocasión . En esa misma presentación actuó en el papel de Cesar Angelotti, Raoul Del Val (bajo), profesor de canto, a la sazón, en el Conservatorio Nacional de Música y Declanmación .

ORIENTACIÓN nnuslcAE- 443

Galimany, Humberto Vaccaro y Hans Janowitz . Actuó también, el conocido tenor panameño, en el Town Hall y en la San Carlos Opera de Nueva York, así como en la Civic Opera Company de Chicago . El Gobierno Nacional, en reconocimiento a sus éxitos artísticos, le impuso, la condecoración de Vasco Núñez de Balboa en el grado de gran oficial, en un acto público que tuvo lugar en el Teatro Nacional . No obstante, al referirse a este período intermediario de la música Gonzalo Brenes, dice "este largo paréntesis en que el país padeció la falta de una labor continua de educación musical, tal como la del Conservatorio de 1904 a 1919 y después, a partir de 1941, hicieron su agosto los oportunistas de la Música que, haciendo de las clases privadas una industria, han malogrado no pocos talentos, arruinado no pocas voces y eternizado el mal gusto y la superficialidad en los estudios musicales . De todos los minúsculos "conservatorios" y escuelas de canto de oídas y otras invenciones más que han asolado la afición panameña, no ha salido un solo músico profesional eficiente y digno de tal nombre . Ha habido excepciones honrosas en el ejercicio de las lecciones privadas pero quienes tal hacían seria y calladamente, no tuvieron gran clientela" ,` .

Otras compañías de ópera, opereta y zarzuela Es preciso señalar las actuaciones en Panamá de varias compañías líricas italianas, entre ellas, la de Lambardi (1908-1910), Sigaldi (1910), la Morton Opera Co ., (1913), la Gran Compañía de Opera Italiana de Mancini (1915), la de Cleo Vicini (1915), y la más renombrada de todas, la Gran Compañía de Opera de Adolfo Bracale, con históricas presentaciones a su haber en los años 1917, 1918, 1919, 1920, 1922, 1928 y 1930, y un elenco de grandes cantantes, entre ellos, Hipólito Lázaro, María Barrientos, Augusto Ordóñez, José Mardones, Ricardo Stracciari, Rosina Storchio, Flora 489) Gonzalo Brenes, Música y Danza, en Panamá Cincuenta Años de República, Edición de la Junta Nacional del Cincuentenario, Imprenta Nacional, 1953, Pág . 219 .

44 4 - JAIME INGRAM JAÉN Perini, etc ., con un repertorio de 45 óperas, 92 personas en total y 12 bailarinas de la Opera Metropolitana de Nueva York . En su segunda gira del año 1918 trajo, en el mes de noviembre, lo que llamó Gran Compañía de Bailes Clásicos, la primera en su género que vino a Panamá, con 30 bailarines y 30 músicos y el director Alexander Smallens en ese momento Director de la Compañía de Ballet de Ana PavlovaA 90 . Es en esa ocasión que la gran Ana Pavlova, junto con Alexandre Volinine y otras figuras del Teatro Imperial de Moscú, deleitaron al público panameño con 5 funciones que incluían entre otras obras los ballets, La Bella durmiente del Bosque de Tchaikovsky, Invitación a la Danza de Weber y Coppelia de Delibes 491 . Por último, en 1930, en la temporada patrocinada por el Presidente de la República Florencio Harmodio Arosemena, vino el aplaudido Miguel Fleta, junto con la soprano Leila Gardner, la mezzo Zara Jey, el tenor Franco Tafuro, el barítono Carlos Tagliabue y otros . Otro tanto de compañías de opereta y zarzuelas 192 se presentaron entre 1910 y 1927 . Valga la ocasión para aclarar que el legendario tenor napolitano Enrico Caruso, nunca estuvo en Panamá, muy a pesar de haber hecho parte, en 1920, del elenco que Adolfo Bracale llevó a la Habana, Cuba . En 1927, junto con Alfredo Squarcetto, Bracale funda la Opera Nacional de Colombia y muere en Bogotá en 1935, dejando en Mis Meinorias 193 un apasionante relato de su intensa vida, . El tenor español Hipólito Lázaro"` informa en sus

Memorias, que en las fechas 16, 17, 18, 19, 21, 22 y 23 de noviembre de 1919, se presentó en la ciudad de Colón,

490) Fue también Director de la ópera de Boston, asistente de la Orquesta de Filadelfia y Director del Radio City Music Hall de Nueva York, entre otras cosas . 491) En esa época el pintor español Francisco Vallarin hacia trabajos de escenografía en el Teatro Nacional . 492) Para mayores detalles ver Gonzalo Brenes, El Teatro Nacional, en Revista Lotería, Octubre, 1958 . 493) Publicadas por la Editorial ABC, Madrid, en 1935 . 494) Hipólito Lázaro (1898-1964) tenor español . La cita es tomada de, El Libro de Mi Vida, Editora Nacional de Madrid, 1968 . Páginas, 420, 424, 534 y 535 .


en los papeles correspondientes de las óperas :

Tosca, El Trovador, Lucía de Larnerinoor, La Favorita, Aída, Rigoletto y La Bohemia . Más adelante señala que en la ciudad capi-

tal, el 24, 25, 26, 27, 28, y 29 de ese mismo mes, cantó los papeles estelares de las mismas obras, añadiendo que el Ministro de Japón, a la sazón, solicitó al empresario Adolfo Bracale que diera su consentimiento para que Lázaro cantara con la soprano nipona, Tamaki Miura, la ópera Madame Butterfly", a lo que el empresario accedió con dos representaciones "obteniendo el éxito de siempre" (.. .) "Después de estas presentaciones", sigue informando el célebre tenor, "el Gobernador de Panamá organizó, en honor de la compañía italiana de ópera, una emocionante cacería de caimanes en el Río de los Lagartos" (!), nombre con que se conocía también el Río Chagres'95 . Ya otros artistas, igualmente célebres, que habían llegado a nuestras costas, dejaron consignado en sus diferentes diarios o autobiografías respectivas hechos realmente curiosos, no siempre agradables de escuchar, ocurridos en nuestra ciudad capital con algunas autoridades, como sucedió con el ya mencionado pianista estadounidense Gottschalk . Estas presentaciones públicas, llámense óperas, operetas, zarzuelas o conciertos en general, se hacían con el apoyo de grupos instrumentales improvisados y constituidos por diferentes ejecutantes nacionales y extranjeros que se convocaban bajo la dirección de diversas personas, entre ellas, particularmente, Ricardo Zozaya, Walter Myers y Juan B . Valdés, entre 1927 y 1930 . Algunos de aquellos grupos sinfónicos llegaron a 495) El divo catalán que se consideraba un excelente cazador da cuenta de su aventura en la selva panameña donde logra atrapar a un mono tití y una hembra caimán de doce pies y medio de largo, con ciento setenta y siete libras, para partir, al día siguiente, rumbo a Cuba, en el vapor Heredia de la Compañía Frutera, "después de una de las cacerías más emocionantes y simpáticas de las que he intervenido en mi largo ambular por el mundo, en uno de los parajes más espléndidos de la tierra", termina diciendo . Obra cit.

4 46 - JAIME INGRAM JAÉN alcanzar hasta 40 unidades de instrumentistas, y así constatamos que el 30 de enero de 1928, a las 8 :30 de la noche, "el Rector del Instituto Nacional invita a un Gran Concierto Sinfónico y Vocal en el Aula Máxima del Instituto para clausurar las labores del presente año escolar 1927-1928" con una "orquesta de 42 profesores y un orfeón de 60 voces" . El programa del concierto sinfónico vocal consistió en unas palabras a manera de introducción, del Rector, José Dolores Moscote, seguidas de la Octava Sinfonía de Schubert (!) dirigida por el propio Ricardo Zozaya así como del Concierto en re menor para piano y orquesta de Mozart con Zozaya como solista y Walter Myers en la dirección de la orquesta ; seguidamente se presentó el Orfeón del Instituto, dirigido por Zozaya, con obras de Schumann, Mendelssohn y Veiga ; una Melodía para violonchelo y piano de Zozaya, con Walter Myers y Zozaya al piano y como cierre del espectáculo, el Postludio Muerte de Iseo, de Wagner por la Orquesta, bajo la dirección del maestro Zozaya . Qué duda cabe que un programa semejante sería difícil de llevarse a cabo en buen nivel aún hoy día (!), aunque nunca sabremos cómo sonó realmente en aquel momento . En 1931 se formó en Panamá un Círculo Literario Musical en el que participaron entusiastas e ilustres melómanos, entre ellos Rogelio Sinán, Octavio Méndez Pereira, Otilia Arosemena de Tejeira, Abbie de Linares, Avelino Muñoz, Jacques De Castro, Pablo Garrido y Federico Jimeno, que favorecían la organización de presentaciones musicales . En otra ocasión, el 26 de diciembre de 1932 "El Rector del Instituto Nacional, Lic . Manuel Rey, invita a un Responso Lírico para conmemorar el aniversario de la muerte de Don Justo A . Facio, primer Rector de la Institución" con el programa musical siguiente : Adagio Cantabile del Trío Op .l N° 1, de Beethoven por la señorita Calamita y los señores Myers y Zozaya ; Chanson Triste de Duparc y la Romanza Dolorosa de Dvorak, por la señora Wilhelmina de Walter y el señor Zozaya al piano ; el Andante con nieto, del Trío N ° 2 BP. 100, de


Schubert, por la señorita Calamita y los señores Myers y Zozaya", etc . Lo anterior es indicativo de que pese a la indiferencia del Gobierno Central en apoyar y promover la instrucción musical formal en el País, la actividad no fue totalmente interrumpida gracias al espíritu emprendedor de algunos inquietos ciudadanos . Al finalizar los Estudios de Composición con el distinguido maestro mexicano Julián Carrillo" 96 , retornó a la patria, en 1926, Pedro Rebolledo Puello (18951963), trompetista, quien fuera discípulo en Panamá de Rufino Saiz, conocido también como hábil afinador de piano . En 1934 Rebolledo fundó la Unión Musical de Panamá, propulsora del que será el primer grupo sinfónico estable nacional . Fue Director de la Banda Republicana de 1937 a 1949, así como profesor de Armonía del segundo Conservatorio Nacional . Entre su obra figuran :

Concertino para clarinete y orquesta ; Fuga ; Concierto para piano y orquesta; Sinfonía en fa ; Obertura 1903 ; Sinfonía del Cincuentenario 497 ; Rapsodia Interiorana ; Serenata Chiricana; Corpus Christi en la Villa de Los Santos, etc . Producto también del primer Conservatorio y colaborador asiduo de la Escuela Nacional de Opera de Graziani, así como de la Escuela de Música de Merel Murt y La Unión Artística Nacional 19 ", en su calidad de flautista competente, Director de la Banda Republicana (posición que ganó por concurso en 1949) y profesor en el Segundo Conservatorio Nacional de Música y Declamación es, Eduardo Charpentier Herrera (1904-1990) . Como compositor dejó una obra para Banda que cera496) Julián Carrillo (1875-1965) compositor mexicano, uno de los precursores de la utilización de los micro-intervalos cuyos primeros ensayos datan de 1895 y una de las personalidades musicales niás conspicuas del Continente . Su Tratado Sintético de Armonía, fue libro de texto en el Conservatorio de Música de Panamá en 1945 . 497) Cuya primera y única audición tuvo lugar el 23 de febrero de 1953 en el Colegio Abel Bravo de Colón . . 498) Creada por la puertorriqueña Cruz Vera de Real .

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prende un número plural de Himnos Escolares, además de una Rapsodia ; Fantasía con aires Nacionales ; Vals un Panaineño en Viena ; así como una serie de Marchas y Danzas . Sus interesantes y útiles monografías : La Banda Republicana, así como Sinfónica, Opera y Zarzuela en Panamá, llenaron un gran vacío en la bibliografía musical nacional . Este incansable músico creó en 1953, junto con Jorge Calzudes (fagotista), Víctor Guillén (oboísta), Ricaurte Quirós (trompista) y Vicente Rodríguez (clarinetista), el Quinteto de Instrumentos de vientos de Panamá . Instrumento catalizador y decisivo en la trayectoria musical nacional, junto a Narciso Garay y Alfredo de Saint Malo, fue el compositor y director de orquesta Herbert de Castro (1905-1969), músico de amplios conocimientos en su mayor parte fruto de lecturas y observaciones personales, realizadas en Panamá, París y Nueva York . De Castro, miembro de una tradicional familia hebrea radicada en Panamá'99 , después de viajar en 1923 a París en donde durante siete años trabajó privadamente con conocidos maestros, entre ellos Van den Burge, Diran Alexanian, Albert Caussade, Simone Plé y Albert Roussel, retornó a la patria llevando a cabo una labor de divulgación, particularmente de la obra de los compositores impresionistas ses . En 1941 al crearse la Orquesta Sinfónica Nacional, Herbert de Castro fue escogido como Director titular de la misma, posición que asumió hasta 1944, año en que partió a la ciudad de Nueva York para enriquecer sus conocimientos de dirección de orquesta, con el maestro francés Jean Morel, y de composición con el estadounidense Norman Dello Joio . De Castro dejó una reducida lista de composiciones entre las que cabe mencionar :

Tres Cantos de Sinagoga, para coro, solista y orquesta ; Pastoral, para orquesta ; Film, para Cuarteto de Cuerdas, y Preludio con Giga, para dos flautas . Herbert de Castro fue du499)

Para mayor información ver Herbert De Castro 1905-1969) por David De Castro, en Cien Años de Vida Judía en Panamá, Edición conmemorativa del Centenario de Kol Sharith Israel, Panamá, 1977, Pág . 364 .


rante dos décadas el infatigable representante de la Sociedad Daniel de Conciertos` con la que trajo a Panamá, para presentaciones públicas, a grandes artistas del momento, entre ellos : Menuhin, Stern, Segovia, Mischa Elmann, Rubinstein, Sanromá, Piatigorsky, Arrau, Sandor, Weissenberg, etc . Gonzalo Brenes C . (1907), quien iniciara estudios de música en David con Elena Jované y Santiago B . Sosa, para continuarlos luego privadamente en la ciudad capital, con Nicolle Garay y Adriana Orillac, retorna al país en 1931 después de enriquecer conocimientos en el Conservatorio de Leipzig, Alemania, becado por el Gobierno de Rodolfo Chiari, iniciándose como compositor y profesor en diversos planteles oficiales, entre ellos el Instituto Nacional y la Escuela Normal de Institutoras . Gonzalo Brenes y el poeta y escritor Rogelio Sinán, son los autores del sainete musical infantil, basado en el cuento universal La Cucarachita Mandinga` . Otras composiciones de Brenes son : Tonadas del Trópico Niño (serie de canciones con poesías de Julio 500)

La Sociedad Daniel de Conciertos era regentada, desde Madrid, por el célebre empresario Ernesto de Quesada, con oficinas en Calle Los Madrazo, 16, hoy día en manos de su hijo Ricardo de Quesada . La Sociedad Daniel se ocupó durante toda su existencia de espectáculos artísticos de alta categoría no solo en España sino a todo lo ancho y largo del Continente americano . Valga la ocasión para aclarar que el piano de gran cola de concierto, marca Steinway, propiedad de Ernesto de Quesada, que durante tantos años se conservó en el escenario del Teatro Nacional para uso exclusivo de los artistas contratados por la Sociedad Daniel de Conciertos, por generosa autorización escrita del propio Don Ernesto, fue donado durante mi gestión copio Director del Instituto Nacional de Cultura (INAC) al Instituto Panameño de Arte para su conservación p uso, en el momento en que el Gobierno Nacional, por decisión del Presidente Demetrio Basilio Lakas autorizó la adquisición de dos grandes pianos de concierto, marca Steinway que se trajeron de Hamburgo . En ese instrumento, totalmente reciclado por el propio Instituto Panameño de Arte, habían tocado grandes artistas tales corno : Brailowski, Arrau, Iturbi, Rubinstein, Sanromá, Jonas, Rosanska, Salidor y muchos otros . 501) El compositor panameño Roque Cordero es el autor de la instrumentación de la obra . Valga la ocasión para aclara que la Cucarachita Mandinga no es un cuento nacional sino un cuento universal y se conoce tanto aquí corno en Egipto o en Cuba .

45 0 - JAIME INGRAM JAÉN Zachrisson y María O . de Obaldía) ; Patria, poema para coro, con versos del poeta Ricardo Miró ; Serenata Montuna, para clarinete en si bemol y piano ; Elegía al Pájaro Dela, para oboe y piano ; Soliloquio, para oboe solo ; Miedo,

canción con letra de Gabriela Mistral ; etc . Es autor también de diversos artículos de interés histórico-musical . El gobierno nacional, presidido por Mireya Moscoso, condecoró a Gonzalo Brenes "por su labor en pro de la cultura nacional" con la orden Manuel Amador Guerrero en grado de Gran Oficial en el mes de agosto de 2001 . Inspirado, según sus propias palabras, en los escritos de Narciso Garay, se plantea Brenes el interés por el estudio del folclor, aspecto que alcanzó investigaciones muy meritorias en manos de los zapadores, Manuel ZárateS02 y su esposa Dora P de Zárate, conocida también con el seudónimo Eda Nela . A esta época pertenece el trompetista y compositor Ovidio Alba, nacido en 1909, autor de la fantasía Cantares Panameños, las dos serenatas Ensueño y Galante así como la marcha carnavalesca Paso a la Reina . Formación del primer grupo orquestal permanente

En los primeros meses de 1938 un grupo de instrumentistas, convocados y dirigidos por Herbert de Castro y su discípulo Roque Cordero, conformaron el primer núcleo orquestal permanente del país, que se denominó Orquesta de la Unión Musical e hicieron su estreno oficial durante las festividades de Santa Cecilia, con una Misa Coral en la Catedral Metropolitana, bajo la dirección de Herbert de Castro y un Concierto en el Salón de Actos de la Unión Musical (creado por Pedro Rebolledo en 1934) bajo la dirección de Roque Cordero . La Orquesta de la Unión Musical brindó posteriormente algunos conciertos ocasionales sin ayuda oficial de naturaleza alguna . Nuevos músicos nacionales

Retornaron también a la patria, a la sazón, después de hacer estudios en el exterior : Beatriz Lyons, con estu502) Profesional de la química, egresado de la Universidad de París, Francia .


dios de piano en Laussane, Suiza, profesora en el segundo Conservatorio de Música ; Carlos Efraín Arias Quintero (1903-1952), quien cursó estudios de piano en la tradicional Academia Santa Cecilia de Roma, en los años 30, debutando en el Teatro Nacional el 27 de enero de 1933, profesor de música de diferentes planteles escolares, organizando coros estudiantiles y presentando zarzuelas españolas . Arias es autor de una serie de Pasillos que ejecutaba con particular elegancia y destreza ; Emma Rodríguez de Jacobson, con estudios de piano en el Conservatorio de Ginebra, Suiza, y profesora luego del Conservatorio Nacional, dio recitales en Panamá presentándose, en una ocasión, con la Orquesta Sinfónica Nacional interpretando el Koncerstiicke de Weber en el Salón de Actos de la Policía Nacional . Ana Ruiz de De la Guardia, quien tras hacer estudios de Educación Pianística en la prestigiosa Academia Real de Música de Londres, se dedicó por entero a la enseñanza del piano, en el nuevo Conservatorio Nacional de Música y Declamación, formando un número plural de alumnos . A esta misma época pertenece Carmen de Obarrio (1906-1982), quien prácticamente no residió en Panamá . Falleció en Guadalajara, México, en 1982, a la edad de 76 años . Hizo estudios privados de piano en Los Ángeles, Estados Unidos, con el distinguido pianista Egon Petri . Además de tocar en varias ciudades norteamericanas, fue solista con la Orquesta de San Francisco bajo la dirección del legendario director Pierre Monteux, presentándose también en ciudad México, con la Orquesta Sinfónica, bajo la batuta del compositor Silvestre Revueltas . En 1940 dio un recital en la Unión Panamericana (actual OEA) con Alfredo de Saint Malo . Al margen de las muy interesantes actuaciones mencionadas, Carmen de Obarrio, de quien desafortunadamente sabemos muy poco, se dedicó a la enseñanza privada del piano . Es durante este período que se organiza el Cuarteto Panamá constituido por Antonio Aldrete, por muchos años Concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional, pri-

4 5 2 - JAIME INGRAM JAÉN mer violín del Cuarteto ; Antonio Enríquez, segundo violín ; Gilberto Pérez, 303 viola y Walter Myers, violonchelo . Walter Myers, a su vez, fue también uno de los primeros directores de orquesta panameños y titular, durante varios años, de la Orquesta Sinfónica Nacional . Es importante recalcar la significativa actividad que se llevó a cabo en el Paraninfo del Instituto Nacional, con los Sábados Literario-Musicales, creados por el Dr. José Dolores Moscote, Rector, a la sazón, del plantel . En ese entonces, el Paraninfo del Instituto constituía la sala de conciertos de la ciudad capital, toda vez que, con el padrinazgo del Gobierno de turno el Teatro Nacional se había transformado en un cinematógrafo popular, manejado comercialmente por una firma privada, en flagrante violación al reglamento del Teatro, dictado en el Decreto N ° 25, de 22 de marzo de 1911, con 84 excelentes artículos, que la autoridad competente no supo honrar debidamente .

503)

Gilberto Pérez (1910-1996) docente del Instituto Nacional de Música, primera viola de la Sinfónica Nacional y de la Orquesta de Cámnara de la Universidad de Panamá, forjador de la Banda de Música de la Escuela de Artes y Oficios, arreglista de música popular, incursionó también en la composición musical . Entre su creación, además de algunas obras de carácter popular, se encuentra un Cuarteto de cuerdas y unas Danzas foldbricas pananteóas .


II .

Segundo Conservatorio de Música y Declamación, Restauración del Teatro Nacional y creación de la Orquesta Sinfónica.

En el año 1941, durante la istración del Presidente Arnulfo Arias Madrid, se crea el nuevo Conservatorio de Música y Declamación (ver nota 477), dentro de los moldes del desaparecido a finales de la segunda década del siglo, bajo la dirección del violinista Alfredo de Saint Malo (1895-1984), otrora discípulo preferido de Narciso Garay y reconocido a los 43 años de edad como virtuoso de prestigio internacional . La labor de Saint Malo fue inmediata y a escasos meses de haberse abierto las puertas del nuevo Conservatorio se reanudaron las veladas públicas de los alumnos", llenando a capacidad las localidades del Teatro Nacional, que mediante una partida presupuestal especial había sido recuperado y restaurado por el Estado, tarea que se puso en manos del prestigioso arquitecto Guillermo De Roux . Durante la istración del Dr. Arnulfo Arias Madrid, se organizó también la primera Orquesta Sinfónica Nacional, creada por el Decreto Ejecutivo N ° 65 del 27 de mayo de 1941 nombrándose director de la misma a Herbert de Castro, quién, con 46 ejecutantes, presentó el concierto inaugural el 18 de agosto de ese mismo año, en el Teatro Nacional, con obras de Haydn, Bizet, Franck y De Falla, con la asistencia del Presidente de la República y su Gabinete en pleno . Actuó como solista en ese concierto, con el Panis Angelicus de Cesar Franck, el tenor y prestigioso pintor y caricaturista panameño Eudoro Silvera. Durante la última conflagración mundial, algunos de las fuerzas armadas estadounidenses, excelentes instrumentistas, acantonados en la Zona del 504) De las que daba cuenta detallada, Manuel J . Navas, funcionario del Ministerio de Educación, en una columna eventual que publicaba la decana Estrella de Panamá y que constituía la delicia de todo el estudiantado del Conservatorio Nacional de Música y Declamación a la sazón .

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Canal, colaboraron voluntariamente con la Orquesta Sinfónica Nacional, enriqueciendo particularmente la sección de vientos . El pianista "zoneita" Samuel Matlowsky, fue solista en dos ocasiones con la Orquesta Sinfónica Nacional, así como el compositor estadounidense William Grant Still (1895-1978), acantonado también en una de las bases militares del Canal dio, con la Orquesta Nacional, la primera audición mundial de su Obertura Festiva . En 1948, el compositor afronorteamericano, discípulo de Edgar Varese, escribió sus Danzas de Panamá`, en recuerdo de su breve tránsito por el Istmo . El segundo Conservatorio creó, en 1943, su propio órgano de divulgación con la revista Armonía que daba cuenta, entre otras cosas, de la actividad musical del país y del extranjero . Su fundador y primer director fue el compositor nicaragüense, Luis A .Delgadio50 (1887-1964), sucediéndole en ese menester el español Enrique Ruíz Vernacci, profesor de Historia del Arte de la Universidad y crítico musical durante muchos años en la Estrella de Panamá, labor que llevó a cabo con el seudónimo dorremi . No obstante al sexto año de existencia la revista dejó de publicarse por falta de recursos suficientes . La creación de un Conservatorio Nacional de Música, como la de la Orquesta Sinfónica Nacional trajo como consecuencia un incremento significativo en la actividad concertística, gracias fundamentalmente a que Alfredo de Saint Malo, en su calidad de Director de la nueva Institución, contrata como profesores del plantel a varios artistas extranjeros así como a una substancial nómina de artistas nacionales . A finales de mayo de 1945 la matrícula del Conservatorio Nacional llegaba a los setecientos alumnos, con treinta y un profesores de planta . 6

505)

Danzas de Panamà comprende : Tamborito, Mejorana y Socavón, Punto, Cambia y Congo . Existe una grabación CD, con la Berliner

Symphoniker, con Isiah Jackson como director, del sello Koch Internacional Classics, 3-7154-2H1, que incluye las obras mencionadas además de otras del mismo compositor . 506) Quien fuera también, durante dos años, profesor de armonía en el Conservatorio de Panamá .


455

Fueron profesores del nuevo Conservatorio, entre 1941 y 1951, en orden alfabético : Antonio Aldrete (violín), Augusto Arjona (teoría y solfeo), Luis Azcárraga (piano, acordeón y solfeo), George Beach (piano), Car- lota Biebar ch (teoría y solfeo), Luisa de Burgos (teoría y solfeo), Jorge Calzudes (contrabajo), Ethel Carbone (piano), William Carbone (viola), Gloria Carbonell (canto), Leo Cardona (piano), Miguel Coronado (teoría y solfeo), Eduardo Charpentier de Castro (teoría, solfeo y flauta), Eduardo Charpentier Herrera (solfeo y flauta), Mosa Chavivi (violonchelo y conjunto instrumental), Herbert de Castro (solfeo), Jacobo de Castro (solfeo y flauta), Edwin de la Guardia (teoría y solfeo), s Deck (violín), Luis A . Delgadillo (armonía y piano), Haydee Du Barry (declamación), Raoul del Val (canto), Manuel Díaz (tenor) Haydée Dubarry (teatro), Leopoldo Estrada (violín), Alexander Feinland (violín y conjunto instrumental), Elizabeth Feinland (violonchelo), Ramón Fernández (clarinete), Juan Fuentes (teoría y solfeo), Joaquín Fuster507 (piano), Manuel Fuster (piano), José Guillén (acompañante), Víctor Guillén (oboe), Valentín Henríquez (teoría y solfeo), Esther Guardia de Hoyos (canto) Nelly H . de Ingram (piano), Jaime Ingram (piano), Oscar lotti (viola), Hans Janowitz (piano), Federico Jimeno (canto), Eric Landerer (piano), Abey Linares (piano), Manuel E. López (guitarra), Beatriz Lyon (piano), Manuel Medina (guitarra), Adriana Mendoza (teoría y solfeo), Walter Myers (solfeo), Adriana Orillac (piano), Charles E . Paine (armonía), Gilberto Pérez (violín y saxofón), Lía Quelquejeu (violín) Pedro Rebolledo (cornetín y trompeta), Cleveland Reynolds (teoría y solfeo), Emma Rodríguez (piano), Vicente Rodríguez (saxofón), Henry Rosen (violonchelo), Ana Ruiz (piano), Enrique Ruiz Vernacci (Historia de la literatura), Alfredo de Saint Malo (violín y viola), julio Saiz (solfeo), Alberto Sciarretti (canto, piano y conjunto coral), Lilia Sosa (solfeo y conjunto coral), Martha Spoel (canto), Teodoro Tirelli (violín), Carlos Urriola (contrabajo), Humberto Vaccaro (acompañamiento), Re507) Egresado de la prestigiosa Academia Granados de Barcelona es lino de los mejores pianistas y maestros que han pasado por el Conservatorio Nacional .

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beca Vergel (teoría y solfeo), Ana Villalaz (declamación y arte dramático), Elaine Wünderlich (violín), Gregorio Zepeda (canto) y otros . Es preciso señalar la activa participación, como profesor y pianista de Hans Janowitz, acompañante de prácticamente todos los recitales de solistas con piano que se realizaron en Panamá, a la sazón, labor que anteriormente hiciera Alberto Sciarretti508, aunque muy eventualmente y solo con artistas de gran renombre . Después de muchos años en Panamá, ya jubilado, Janovitz se trasladó con toda su familia a EE .UU ., donde falleció en 1992 . Pertenecen también al escenario musical panameño de entonces, Ruth Parada (pianista), Victor A. Chanson con estudios en Italia, en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, el colegio Pontificio de Música Sacra y la Academia Chigiana de Siena509; Ana Barrios de Estripeaut (soprano), Julieta Oller (mezzo soprano) con aplaudi508) Nacido en Brooklyn, Nueva York, hijo del tenor italiano Salvador Sciarretti establecido en Nueva York . Hizo estudios de piano en el Conservatorio de San Pietro a Maiella en Nápoles, fundado por Alejandro Scarlatti . Al tercer año de estudios, siendo director del Conservatorio el compositor y pianista Giuseppe Martucci, ganó la beca de piano que mantuvo hasta su graduación siete arios después . El año antes de su graduación fue escogido para ejecutar el Concierto de Martucci en el Festival conmemorativo al compositor que se llevó a cabo en Capita, su ciudad natal . Sus giras de conciertos lo llevaron por las principales ciudades de Italia, Austria, Inglaterra, Holanda, Alemania, Egipto, Nueva Zelandia, África del Sur, etc . y Estados Unidos en donde fue, además, acompañante de artistas como Titta Ruffo, Giacorno Lauri-Volpe, Tito Schipa etc . Trabajó con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y el Instituto Curtis de Filadelfia, ; fue director de ópera de la Academia de Mù- dCOEBseoprimcNlauxknvy,J de Manhattan Chorus para la Feria Internacional de Nueva York, director asociado en los conciertos de verano del Lewisohn Stadiums de Nueva York, y del Robinhood Hall de Filadelfia, cte . En 1941 fue contratado por Alfredo de Saint Malo como profesor de piano, canto y coro, del Conservatorio Nacional . "Trabajador infatigable, con extraordinario don de gentes, con esas buenas maneras con las que se nace, norteamericano, hijo de padres italianos, se expresa fácilmente en cinco idiomas, tiene una personalidad definida y atrayente ( . . .)' . Revista Armonía, Panamá, junio de 1945, Pág . 9 . 509) Ver : Perfiles Nuevos de Leo Cardona, Revista Lotería, N° 59, Octubre 1960, Panamá, Pág . 59


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das actuaciones con la Orquesta Sinfónica en la temporada de 1956 ; Mario Gutiérrez (tenor), etc., así como la violinista estadounidense Elaine Canalos Wunderlich, profesora de su instrumento en el Conservatorio de Música y asidua colaboradora de la Orquesta Sinfónica durante muchos años. Figura significativa del canto, profesor de mucha demanda además de cantante siempre dispuesto a colaborar y participar con las actividades musicales del momento fue el excelente barítono Federico Jimeno, profesional de carrera, colombiano de origen, contratado en Nueva York por Alfredo de Saint Malo para hacer parte del cuerpo de profesores del nuevo Conservatorio . Jimeno, casado con la pianista panameña Ninì Shelton, dejó una pléyade de alumnos formados en sus concurridas clases de canto, acompañadas a la sazón, por el pianista Humberto Vaccaro . Entre los alumnos de canto, producto del segundo Conservatorio, además de los ya mencionados, Mario Gutiérrez, Julieta Oller, y Ana Barrios de Estripeau, figuraron Guillermo López, Nidia Benacerraf, Petronila Rodrigues, Teresa Johnson, Alicia Cruz, Yolanda Orsini, Elena Graham, Olga Moya, Jorge Luis Lamela, Emilio Cadet, Luis Carlos García, Roberto Schultz, Carlos Porras, Oscar Ticas y otros . La Sociedad Pro Arte Musical

Se crea en 1942 la Sociedad Pro Arte Musical bajo la dirección de Alfredo de Saint Malo, que realiza una positiva labor, durante una década, presentando las primeras Temporadas de abono en Panamá , con solistas de cartel internacional . Un gran virtuoso, poco conocido todavía, se presentaba con harta frecuencia en los escenarios panameños de ese entonces : Henryk Szeryng, húngaro de origen, nacionalizado mexicano después, quien en pocos años se lanzaría como una de las mayores estrellas internacionales del violín .

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Otras actividades musicales en Panamá

Al trasladarse a Nueva York en 1944, Herbert de Castro 510 , ciudad en donde permaneció tres años, Walter Myers, asumió la dirección de la Orquesta Sinfónica Nacional ofreciendo inclusive interesantes primeras audiciones en Panamá'" . Al año siguiente se crea el Cuarteto Saint Malo, constituido originalmente por el propio Alfredo de Saint Malo (primer violín), s Deck, (segundo violín), William Carbone (viola) y Mosa Chavivi (violonchelo), cuyas presentaciones hicieron época por su excelente calidad toda vez que sus integrantes eran profesionales cabales de sus respectivos instrumentos . En efecto, s Deck, esposa de Raoul del Val, había sido también primer premio y medalla de oro, del Conservatorio Nacional de París; William Carbone fue discípulo destacado de Prime Rose así como miembro del Cuarteto de Cuerdas de la W.Q.X.R., de la ciudad de Nueva York . Mosa Chavivi había sido discípulo del gran violonchelista Emanuel Feuermann . Todos hacían parte del grupo profesional de instrumentistas que Alfredo de Saint Malo había contratado como profesores del segundo Conservatorio . El propio William Carbone trajo consigo a su esposa, la pianista Esther Carbone, egresada del Eastman School oí Music de Filadelfia, también profesora de piano del Conservatorio, substituida luego de su retorno a EE .UU ., por Alberto Sciarretti . El Cuarteto Saint Malo en su "segunda época" estuvo constituido por Alfredo de Saint Malo (primer violín) Alexander Feinland (segundo violín), Ernst Baker (viola) y Elizabeth Feinland (violonchelo) . 510) El último concierto de Herbert De Castro corno director de la Sinfónica antes de su partida a Nueva York fue el 18 de abril de 1944, con Alfredo de Saint Malo de solista en el Concierto en ni¡ menor de Mendelssohn . 511) Así por ejemplo, el 5 de marzo de 1951 bajo la dirección de Walter Myers, en el Teatro Nacional, se brindó un concierto sinfónico con obras de los compositores estadounidenses, en primera audición en Panamá : American Suite de Charles Wakefield Can, Suite Op . 12 de Deems Taylor, Rapsodia en bite de George Gershwin y Sinfonía N' 2 de Howard Hanson . Actuó como solista el pianista norteamericano Ray Coz .


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Que duda cabe que Alfredo de Saint Malo con el conocimiento y amplia experiencia que poseía en el estudio y dominio del instrumento, logró imprimirle un sello muy particular al cultivo instrumental en general dentro del Conservatorio, que contó con su propio Conjunto Instrumental, dirigido en su inicio por Mosa Chavivi y por Alexander Feinland después, conjunto que se presentaba en conciertos públicos, incluyendo a solistas nacionales e internacionales, compitiendo inclusive con la Orquesta Sinfónica Nacional . Para ese entonces retorna al país René Brenes (1915-1994), hermano menor de Gonzalo, con estudios de piano en el Conservatorio de Música de Santiago de Chile, y quien llegara a ser un prestigioso arquitecto y Catedrático de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Panamá, así como reconocido intelectual . En esa misma época retorna también a la patria la pianista Colombia Mejía Andrión, egresada del Conservatorio de Santafé de Bogotá, Colombia . Ambos fueron profesores de piano en el Conservatorio Nacional de Música . En 1953 el Gobierno Nacional, en aras de un cambio conceptual del plan de estudios del Conservatorio, mediante el Decreto Ley N ° 32 del 9 de julio, aprobado por la Comisión Legislativa permanente de la Asamblea Nacional y reglamentado por el Decreto Ejecutivo N° 662 del 1 de agosto de 1953, decidió cambiar el nombre de las dos instituciones musicales oficiales, más importantes, de ese entonces : el Conservatorio Nacional de Música y Declamación pasa a llamarse Instituto Nacional de Música y la Orquesta Sinfónica se bautiza con el nombre de Orquesta Nacional, quedando insubsistente todo el personal istrativo y docente, tanto del Conservatorio como de la Orquesta Sinfónica, sorpresiva y estratégica operación en la que quedó marginado el violinista Alfredo de Saint Malo en su calidad de Director del Conservatorio . Ambas instituciones, aunque con diferentes nombres reapare-

460 - JAIME INGRAM JAÉN cen 24 horas después con sendos directores nuevos y algunas importantes modificaciones de carácter interno . Surge entonces Roque Cordero como Director Ejecutivo del flamante Instituto Nacional de Música junto con Jorge Luis McKay como Director istrativo y Gonzalo Brenes como Director Asesor. A su vez Herbert de Castro fue reiterado titular de la Orquesta Nacional. Alfredo de Saint Malo herido y decepcionado con la operación relámpago, que se había realizado sigilosamente, decidió aceptar la oferta que le hiciera la Universidad de Austin, Texas como profesor de violín y se trasladó a EE .UU ., como profesor de violín, para nunca más regresar a Panamá . A partir de ese momento, como consecuencia de los cambios realizados, la preparación de las diversas familias instrumentales que había constituido desde siempre una de las responsabilidades fundamentales de todo Conservatorio, decayó sensiblemente . Es una realidad irrefutable que los instrumentistas son elemento indispensable para el enriquecimiento de la actividad musical en cualquier ciudad, tan importante a la vez como la preparación de maestros de música para las escuelas . Al descuidarse la instrucción tanto de las cuerdas como de los instrumentos de viento, maderas y metales, así como el piano y el canto, se fue por tierra el interés de todos aquellos que soñaban con dominar un instrumento, a la vez que se obstruyó, momentáneamente, el vivero instrumental indispensable para el enriquecimiento de la Orquesta Sinfónica y la formación de los diversos grupos de cámara, para brindarle mayor atención a la preparación pedagógica y didáctica de los futuros maestros de música de las escuelas de la República . Roque Cordero (1917), alumno de Máximo Arrates Boza, Pedro Rebolledo y Herbert de Castro en Panamá, había partido a Estados Unidos en 1943 con una beca tramitada por el pianista norteamericano Myron Sheaffer, para hacer estudios de Educación Musical en la Universidad de Minnesota, y composición con el maestro austriaco Ernst Krenek en la Universidad de


Hamline, donde obtuvo el Bachellor of Art con la calificación Magna Cum Laude . Sigue estudios de dirección de orquesta con Stanley Chapple, Dmitri Mitropouloss512 y León Barzin . En 1949 se hizo acreedor de la beca Guggenheim reservada a artistas creadores de relieve . Roque Cordero es el compositor más prolifero e importante que se ha dado en tierra panameña, detentor de diversos premios y distinciones nacionales como internacionales, entre ellos el Premio Caro Boesi del Festival Interamericano de Caracas por su Segunda Sinfonía y el Premio Internacional Koussevitzky para Grabaciones, por el registro de su Concierto para violín y orquesta . Ha sido profesor de Contrapunto, Armonía, Formas, Instrumentación y Composición en el Instituto Nacional de Música así como Director del mismo durante once años, además de Director de la Orquesta Sinfónica de 1964 a 1966, año en que renunció a sus diferentes posiciones para aceptar la Subdirección del Centro Latinoamericano de Música y una cátedra de composición en la Universidad de Indiana . Ha sido Editor Musical de la impresora Peer International Corporation . En 1972 fue invitado para asumir la cátedra de composición en la Universidad de Estatal de Illinois, en la ciudad de Normal, posición que retuvo hasta su retiro de rigor . Actualmente es Profesor Distinguido, Emérito, en la misma Universidad . Ha escrito obras por encargo de importantes Fundaciones e Instituciones, entre ellas : la Fundación Koussevitzky, la Fundación Coolidge, el Tercer Festival Interamericano de Caracas, el Segundo Festival de Río de Janeiro, la Fundación Nacional para las Artes y el Centro Kennedy, ambas en Washington D .C ., para la Universidad de Alabama, la Sinfónica de Venezuela, la Sinfónica de Cincinnati, la Sinfonieta de Chicago, etc . Como compositor y director de orquesta ha dictado conferencias y clases maestras e invitado como director huésped en diferentes centros musicales de América y Europa. Su obra, comprende, entre otras cosas, para or512) El maestro griego Dmitri Mitropoulos (1896-1960) fue su mecenas durante 4 anos . De ahí que el primer hijo de Roque Cordero fuera llamado Dmitri, en honor al maestro y amigo .

4 62 - JAIME INGRAM JAÉN questa : Capricho Interiorano (1939) ; Ocho Miniaturas (1944, revisadas en 1948); Sinfonía N ° 1 (1945) ; Movimiento Sinfónico (1946), Obertura Panameña (1946) ; Introducción y Allegro Burlesco (1950) ; Rapsodia Campesina (1953), Adagio Trágico (1955), Sinfonía N'2 (1956); Cinco Mensajes Breves (1959), Sinfonía con un Tema y Cinco Variaciones, N ° 3 (1965), ; Elegía (1973) ; Momentum Júbilo (1973) ; Seis Móviles (1975) ; Sinfonía N° 4, panameña, (1986), Fantasía Jubilosa (1994) ; Tributo Sinfónico a un Centenario (1997) etc . Para solista y orquesta : Concierto para piano en m¡ menor (1944) ; Mensaje Fúnebre para clarinete (1961) ; Concierto para violín (1962) ; Concertino para viola y orquesta de cuerda (1968); Concierto para piano y orquesta (2000), etc . Para piano : Preludio para la Cuna Vacía (1943) ; Nostalgia (1943) ; Sonatina Rítmica (1943) ; Nueve Preludios (1947) ; Sonata Breve (1966) ; Cinco Nuevos Preludios (1983) ; Sonata (1985) ; Tres Meditaciones Poéticas (1995) ; etc . Para dos pianos : Rapsodia (1945) ; Dúo 1954 (1954) 513 ; Para piano y violín : Dos Piezas Cortas (1945) ; Sonatina (1946) ; Doble Concierto sin orquesta, para violín y piano (1978), etc . Música de Cámara : 4 Cuartetos de Cuerdas (1960, 1968, 1973 y 1983) ; Danza en forma de Fuga, para cuarteto de cuerdas (1943) ; Quinteto para piano, violín, violonchelo, flauta y clarinete (1949) ; Mensaje Breve, para flauta, oboe, clarinete y fagot (1957) ; Mensaje Breve para clarinete y fagot (1958) ; Tres Mensajes Breves para viola y piano (1966) ; Circunvoluciones y Móviles para 57 instrumentistas (1967) ; Permutaciones 7, para clarinete, trompeta, timbales, violín, viola, contrabajo y piano (1967) ; Paz, Paix, Peace, para cuatro tríos y arpa (1969) ; Soliloquios N° 1 para flauta sola (1975) ; Variaciones y Tema para cinco, para quinteto de maderas (1975) ; Soliloquios N° 2 para saxofón solo (1976) ; Soliloquios N° 3 para clarinete solo ; Dúo para Oboe y Fagot (1996) ; Tres Veces 13, para arpa (1997) ; Otras obras instrumentales : Música Veinte ; Tres Permutaciones para violín, violonchelo y contrabajo ; Nocturno poético del Río Micra, para flautas, clarinete bajo, marimba y percusión (1981) ; Soliloquios N° 4 para percusión (1981) ; Soliloquios N° 5 para contrabajo solo (1981); Soliloquios N° 6 para 513)

Dedicado a Nelly y Jaime Ingrain


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violonchelo solo (1992) ; Sonata para violonchelo (1963) ; Música para Cinco Metales (1980) ; Tres Miniaturas para flauta y clarinete (1985) ; Dodecaconcierto (1990) ; Cuatro mensajes para flauta y piano (1991) ; etc ., Para coro : Salmo 113 para coro a capella (1944) ; Patria (1944) ; Sensemayá, para coro mixto y tambor (1950) ; Canon N ° 1 para coro a capella (1961) ; Dos Pequeñas Piezas Corales (1966) ; Música para el film panameño An Mar Tule (1971) etc . Cordero escribió también un Curso de Solfeo, que es texto utilizado tanto en el Conservatorio

como en la Escuela de Música de la Universidad de Panamá, así como un Tratado de Armonia . En 1966 la Universidad de Hamline le otorgó un Doctorado Honoris Causa . Es casado con la profesional estadounidense Elizabeth Lee Johnson, más conocida como Betty, como la llaman sus amigos, profesora con especialización en música instrumental de la Universidad de Minnesota . Ha ejercido la docencia en Escuelas Secundarias en Winsconsin y en Montana y ha dirigido la Banda de Música en ambos centros . Ha traducido, así mismo, al inglés, la ópera El Gato con botas del prestigioso compositor catalán Xavier Montsalvatge así como el poema de la Cantata para la Paz, de su esposo, Roque Cordero, de quien ha sido colaboradora asidua en la copia de partituras . Entre los alumnos de composición de Roque Cordero, en el Instituto Nacional de Música, sobresalen : José Luis Cajar Escala (1914-1982) discípulo de Máximo Arrate y Pedro Rebolledo en el Conservatorio Nacional, primer trompetista de la Orquesta Nacional por muchos años, quien posteriormente viajó a México a enriquecer sus conocimientos musicales ; fue también Director titular de la Banda Republicana posición que ejerció hasta su deceso, para ser reemplazado por Luis Antonio García. Entre sus obras aparecen : Estampas Panameñas (inspiradas en tres cuentos del escritor Eustorgio Chong Ruiz) y Tres Miniaturas (escritas dentro del idioma dodecafónico y dedicadas a Teodoro Tirelli), así como una número plural de pasillos, tamboreras, himnos escolares y marchas . Cajar dirigió en varias ocasiones la Orquesta Nacional como director invitado . Marina Saiz Salazar (1930), residente en Estados Unidos, cuya obra comprende, entre otras composiciones : Ensayo para or-

4 64 - JAIME INGRAM JAEN questa ; Quinteto para soprano, clarinete, violín, viola y violonchelo ; Fuga para cuarteto de viento; Siete Piezas para violín y piano, así como unos Preludios para piano ; Sonata para piano, etc. Clarence Martin (1922-1980) talentoso

compositor y prácticamente autodidacta dejó una obra muy reducida entre la cual se distingue El Escondite del Prófugo, de 1976, para oboe y cuarteto de cuerdas dedicada al virtuoso oboísta panameño Luis Efraín Castro. Fermín Castañedas Del Cid (1930) percusionista de la Orquesta Nacional por varios años además de Director de orquesta y compositor . Inició sus estudios de música en el Conservatorio Nacional de donde egresó con un diploma de Educación Musical . Hizo diversos seminarios de Dirección de orquesta y composición en Venezuela, República Dominicana, Austria, España y Alemania, con Carlos Mendoza, Enrique García Asencio, Hans Swarovsky y Rodolfo Halter, entre otros . Fue Director Asistente de la Orquesta Nacional, Fundador y Director de la Banda de Música de la Guardia Nacional de Colón y Mayor Ejecutivo del Departamento de Música de las desaparecidas Fuerzas de Defensa . Es profesor de Instrumentación, Composición y Solfeo, en el Instituto Nacional de Música . Su obra, algunas de las cuales han sido ejecutadas en Estados Unidos, España, Costa Rica y Argentina, comprende : Las Tres JJJ, para dos clarinetes (1978) ; Cuarteto para cuerdas (1978); Intercambio 6, para flauta, oboe y violín (1978) ; Sonatina, para piano y violín (1979) ; Cinco Miniaturas para orquesta (1979) ; Sinfonía N'], "Finisterre" (1979/80) ; Concierto para clarinete y orquesta (1980) ; Concierto para violín y orquesta (1980/81) ; Concierto N ° 1 para oboe y orquesta (1981) ; Concierto N° 2 para oboe y orquesta (1982) ; Concierto para piano y orquesta (1983) ; Concierto para corno inglés y orquesta (1984) ; Pequeño Concierto para violonchelo y orquesta (1984); Ave María Panameña, para soprano (1991) ; Obertura Kayuc, para orquesta (1985) ; Patria Herida, Poema Sinfónico (1985) ; La Muerte de Leviatan, Fantasía para coro y orquesta (1989) ; Musikpus, Quinteto de viento (1986) ; Tempestad Triste, para orquesta de cuerdas (1986) ; Dos Lecciones para piano, Estudios (1987) ; Ballet Percusivo, para percusión y baile (1990) ; Iguandulí, Romana para clarinete y guitarra (1990) ; Compañeros, para quinteto de viento (1992) .


En 1953 el pianista francés, de origen español, Manuel Fuster, egresado del Conservatorio de Música de Burdeos (Francia) con un "primer premio de piano" llegó a Panamá con un contrato temporal del Conservatorio Nacional de Música . Durante años se dedicó al acompañamiento de las clases de Danza, tanto en la Escuela como en el Ballet Nacional. Fue sido así mismo acompañante privado de la gran bailarina dame Margot Fonteyn, quien en esos momentos vivía en Panamá ; ha hecho música de cámara, ha sido pianista de planta de la Orquesta Nacional, así como "pianista repetidor" de la Opera del Gran Teatro de Burdeos, Francia, durante tres años . Fuster adoptó la ciudadanía panameña . Temporadas de Verano

En 1955, Enrique Sosa, Director del Departamento de Bellas Artes del Ministerio de Educación a la sazón, junto con Gonzalo Brenes, inicia en forma sistemática la presentación de Temporadas Artísticas de Verano a precios populares en el Estadio Juan Demóstenes Arosemena con la participación de la Orquesta Sinfónica, artistas solistas, coros y bailarines nacionales . Anteriormente ya se habían realizado presentaciones semejantes aunque no sistematizadas, propulsadas por los entonces directores de Bellas Artes, el Prof . Bonifacio Pereira y Julio Aldrete respectivamente . La actividad artística de verano fue incrementada posteriormente por el Director, Mario Augusto Rodríguez, prestigioso periodista, Director del entonces Departamento Nacional de Cultura del Ministerio de Educación que reemplazó al que se conocía como Departamento de Bellas Artes . Sucedió a Rodríguez el renombrado poeta y escritor nacional Rogelio Sinán . Dicha actividad de verano contó, para su realización, con el patrocinio del capital privado, a través de empresas dispuestas a cooperar con el enriquecimiento y consolidación de la identidad nacional ."' 514)

Entre las primeras firmas comerciales que brindaron su cooperación, están : Empresas Martinz, Cemento Panamá S .A ., Banco Nacional de Panamá, Compañía Panameña de Aceites, Compañía de Productos de Arcilla, The Chiriquí Land Company, The Chase Manhattan Bank, además de la Caja de Seguro Social, la Caja de Ahorros y la Lotería Nacional de Beneficencia, entre otras .

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Eduardo Charpentier de Castro (1927), hijo y discípulo del músico flautista y ensayista Eduardo Charpentier Herrera, es egresado, del Conservatorio Nacional de Música y Declamación de Panamá, con especialización en flauta (1947) . Con una Maestría del Roosevelt School of Music de la Universidad de Chicago (1950) hizo un curso de Música de Cámara con el célebre Marcel Moyse, en Marlboro College de Vermont ; siguió estudios superiores de flauta y dirección de orquesta en el Conservatorio Nacional de Música de París, Francia, con Gaston Crunell (1951), y Eugene Bigot, respectivamente (1956) ; obtuvo un Post Grado de la Escuela Eastman de la Universidad de Rochester, (1957) y un Doctorado en Música y en Educación Musical de la Columbia Pacific University de California (1985) año, también, en que representó a Panamá en el Primer Encuentro Musical Centroamericano de Música folclórica y contemporánea que se realizó en San José de Costa Rica . Ha sido flautista de la Orquesta Sinfónica Nacional (1944) ; profesor en varios colegios secundarios de la ciudad capital, así como profesor de teoría, solfeo y flauta en el Conservatorio Nacional de Música y Declamación desde 1951 y flautista de la Banda Republicana (1960) . En 1966 fue escogido en concurso abierto por el Ministerio de Educación, como Director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional cargo que ejerció durante 22 años . Fue Director Asesor del Conservatorio Nacional de Música y Declamación en 1971 ; Director del Departamento de Música de la Facultad de Humanidades de la Universidad de Panamá durante 18 años y Director del Plan juvenil de la Orquesta Nacional, desde 1981 . En 1976 fundó y dirigió la Orquesta de Cámara de Panamá y en 1992 a instancias del Rector de la Universidad a la sazón, Dr. Carlos Ivan Zúñiga, creó la Orquesta de Cámara de la Universidad, de la que fue Director titular . Ha sido Director huésped de diversas Orquestas, en Costa Rica, Colombia y México así como en Florida y Birmingham, Alabama, Estados Unidos . El catálogo de su obra comprende : Para orquesta : Fuga en la menor (1950) ; Ensayo Típico (1950) ; Siesta y Fiesta (1961) ; Tres Estampas (1968) ; Obertura Aniversario (1981) ; Romanza y Danza Panameña,


para violin y orquesta (1981) ; Cantilena India, para flauta y orquesta (1981) ; Opus amigo, para oboe y orquesta (1985) ; Tonadas (1985) ; Encore (1985) ; Concierto para oboe (1986) ; etc . Música de cámara : Rondo para flauta y piano (1949) ; Marcha para Quinteto de viento (1950) ; Improvisación para flauta sola (1950) ; Estudio para flauta sola (1957) ; Cantilena India para flauta y piano (1961) ; Romanza y Danza Panameña para violín y piano (1961) ; Panameño, Panameño, tamborito para orquesta de cuerdas (1976) ; Feliz día del Padre, para flauta y clarinete (1989) ; Divagaciones para corno inglés y piano (1989) ; Monólogo para violonchelo (1989) ; Tonada para clarinete y piano (1989) ; Segundo Monólogo para violonchelo (1990) ; Los Sátiros y la Ninfa, para flauta sola (1990) ; etc. Para canto: Para Entonces, con letra de Manuel Gutiérrez Nájera (1949) ; Dos Canciones Infantiles (1988) ; Canto a Panamá para tenor y cuarteto de cuerdas, con letra de Carlos Cano Cartan (1990) ; Canto a Mari Fe, para tenor y cuarteto de cuerdas, tenor y piano, tenor y orquesta (1990) ; Marcela de Panamá, para tenor y piano, tenor y orquesta (1992) . Para piano : Preludio (1948) ; acaglia en re menor (1949) ; Allegro (1949) ; Fuga en la menor (1950) ; Toccata y Canción (1961) . Diálogo para piano, a cuatro manos (1992) ; Para dos pianos : Tres Estampas (1961) ; etc. Para coro y orquesta : Premio Universidad, con letra de Carlos Cano Cortan (1993) . Es autor también de una serie de transcripciones y arreglos para Orquesta Sinfónica así

como de arreglos para orquesta de cámara . Entre los frutos del nuevo Conservatorio, además de los antes mencionados, han destacado : Damián Caries, organista, egresado de la Universidad de Chicago con una Maestría, quien fuera Profesor de Armonía en el Conservatorio y Director del mismo de 1966 a 1972 . Alberto Charpentier de Castro, clarinetista, alumno de su padre Eduardo Charpentier Herrera y Ramón Fernández, respectivamente, en el Conservatorio Nacional de Música, zapador en Panamá en la divulgación de las más relevantes obras para su instrumento, tanto sólo como con orquesta y en música de cámara . Alberto Charpentier se recibió de Licenciado en Filosofía, Letras y Educación con especialización en Música, en la Universidad de Panamá y en 1985, tras concurso

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formal, ganó una cátedra universitaria en la categoría de Agregado . Durante varios años ha sido primer clarinete de la Orquesta Nacional ; actualmente es profesor titular del Departamento de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad . Alta ejecutiva de empresa privada, hoy en día retirada, pero muy ligada al quehacer musical nacional, egresada del Instituto Nacional de Música, es Carmen Linares, originalmente discípula de piano de María Alcové después de lo cual continuó con Ana Ruiz y René Brenes, respectivamente, conocida por su dedicación a la docencia del piano, particularmente con el popular Método Susuki . Claudio Vásquez, alumno de Adriana Orillac, Eric Landerer y Leo Cardona en el Conservatorio Nacional, egresado después del Conservatorio Peabody de Baltimore y de la Academia de Música de Viena, Austria, respectivamente . Ha sido Profesor del Conservatorio Nacional de Panamá y en el Daemen College de Buffalo, Nueva York, donde reside actualmente. En 1985 grabó un disco de larga duración, transformado luego en un CD con obras de Heitor Villa Lobos . Vásquez es casado con la pianista estadounidense Sue Gratfelder, quien fuera también profesora de su instrumento en el Conservatorio Nacional durante varios años, con quien ha brindado recitales a dos pianos . Luis Efraín Castro, virtuoso del oboe, discípulo en el Conservatorio Nacional de Música del profesor Víctor Guillen, egresado después de la Universidad de Panamá con la Licenciatura en Filosofía, Letras y Educación con especialización en Música, muy activo en recitales, música de cámara y conciertos con orquesta, dentro y fuera del país; primer oboísta de la Orquesta Nacional; profesor en la Escuela de Música de la Universidad ; fundador (1975) y profesor, del Plan Juvenil de la Orquesta, del que fue Director istrativo varios años. Ha sido miembro del Quinteto Erika para instrumentos de viento y del Quinteto Clásico de Viento . En 1985 presentó la primera audición mundial del Concierto para oboe y orquesta del compositor Eduardo Charpentier


de Castro en el Festival de El Valle de Antón . En 1992 fue nombrado Director Asistente de la Orquesta de Cámara de la Universidad de Panamá . En 1993 fue Director Encargado de Extensión Cultural de la Universidad . Ese mismo año representó a Panamá en la Conferencia Internacional para Dobles Cañas, en la ciudad de Minneapolis, EE .UU. Es miembro de la Asociación Internacional de las Dobles Cañas y fue Decano (1999) de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá. Américo Rengifo, pianista, alumno de Hans Janowitz y Jaime Ingram, con una Licenciatura en Educación Musical y otra Instrumental con especialización en piano, de la Universidad de Panamá y con estudios superiores de piano en el Conservatorio Benedetto Marcello de Venecia, Italia . Rengifo es actualmente pianista de planta de la Orquesta Nacional, Director de la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad y Profesor de piano de la misma . Priscila Filós de Gooch, alumna de la Profesora Ana Ruiz en el Conservatorio de Panamá, egresada luego del Conservatorio Peabody de Baltimore y con un Doctorado de la prestigiosa Universidad de Indiana, actualmente residente y profesora en Estados Unidos de Norteamérica . Es autora de un ensayo sobre la obra pianística del compositor Roque Cordero, titulado El Piano en las obras de Roque . Cordero"" Maritza Tagarópulos de Kitras, alumna en Colón de María Alcové y Leo Cardona, con estudios superiores en el Conservatorio Elinikon de Atenas, Grecia, en las clases de piano de la profesora Eli Georgiadou, alumna de Alfred Cortot, donde obtuvo el título de Profesora y Solista de piano con el Primer Premio por unanimidad del jurado después de tres años de residencia . Alicia Sáenz, soprano, alumna de Marta Spoel en el Conservatorio, muy activa en diferentes presentaciones nacionales . Rafael García, clarinetista con estudios superiores en el Conservatorio de Santiago de Chile y actual profesor de su instrumento en la Escuela Nacional de Música . 515)

El Piano en las obras de Roque Cordero, publicado en San José de Costa Rica, Litografía e Imprenta LIL, S .A . 1985 .

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Francisco Velásquez, virtuoso de la guitarra con estudios superiores en diversos centros musicales de Colombia, profesor de su instrumento en el Instituto Nacional de Música primero, y en la Extensión Universitaria de David, Chiriquí, después. Velásquez incursiona también en el arte de la composición, con Figuras de Agua, para oboe y guitarra, inspirada en un libro de poemas homónimo del escritor nacional Dimas Pitty . Sigue el conocido músico Edgardo Quintero (1938) quien también incursiona por la creación musical con sus Himnos escolares, la Fuga escolástica, Tres Espectáculos Folclóricos entre los cuales sobresale Dos Noches y una madrugada. Ha participado como compositor y arreglista en Festivales de Música como el OTI y el de Viña del Mar. Entre los discípulos de Velásquez sobresale el guitarrista Gabriel Tapia (1947) quien amplió sus estudios con el maestro argentino Victor Cacolt . En 1973 viajó a Barcelona donde hizo estudios superiores con José Luis Lopátegui y asistió luego a seminarios internacionales con el maestro uruguayo Abel Carlevaro y el virtuoso venezolano Alirio Díaz . Tapia, quien ha realizado recitales de guitarra tanto en Panamá como en el extranjero es actualmente profesor de su instrumento en el Instituto Nacional de Música y autor, también, de un número plural de composiciones, entre ellas el Concierto Panameñ o, para guitarra y orquesta que estrenó en 1984 con la Orquesta Sinfónica Nacional . Carmen Cedeño de Alza, violinista destacada, alumna de Teodoro Tirelli en el Conservatorio de Nacional de Música de Panamá . Con beca de la Fundación Frank Ulrich realizó cursos de especialización en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Santiago de Chile, con los violinistas Enrique Iniesta y Alberto Dourthé de donde egresó con la Licenciatura en Interpretación Superior con mención en Violín y el premio Orrego Carvalho, máxima distinción que otorga el Conservatorio Nacional de Chile a los alumnos más destacados . Posteriormente, becada por la Organización de Estados Americanos (OEA) estudió en la Academia Chigiana de Siena, Italia, con el maestro Riccardo


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Bréngola . Ha ejercido la docencia en el Instituto Nacional de Música así como en el Plan Juvenil, a la vez que ha sido Concertino de la Orquesta sinfónica Nacional de Panamá, cargo que actualmente ocupa en la Orquesta de Cámara de la Universidad de Panamá. Ha sido solista de la Orquesta Sinfónica Nacional en diversas ocasiones con los Conciertos de Max Bruch, Beethoven, Katchaturian, Bach (en mi mayor), Brandenburgos N ° 4 y 5 así como Mozart N° 3, 4 y 5 . En 1971 representó a Panamá en la Orquesta Sinfónica Mundial con actuaciones en Nueva York, Orlando y Washington, bajo la dirección de Arthur Fiddler. En 1985, también en representación de Panamá, participó en la Orquesta Filarmónica Mundial en Estocolmo, Suecia, bajo la dirección del maestro Carlo María Giulini. Es actualmente profesora de violín en la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá . Soprano panameña con éxitos profesionales conquistados en Europa, particularmente en Holanda, es Marianne Blok quien inició estudios de canto en clases privadas y en el Conservatorio Nacional de Música con Martha Spoel, para enriquecerlos después en Amsterdam, Holanda . Marianne ha actuado en diferentes óperas, entre ellas La Flauta Mágica de Mozart, Lucía de Lammermoor de Donizetti y Rigoletto de Verdi . Es también profesora de canto en dos importantes instituciones musicales de ese país donde se presenta en recitales y conciertos . En 1966 Arnold Walter, quien fuera alumno de canto de la profesora Marta Spoel en el nuevo Conservatorio y diplomado en Dirección Coral en el Instituto Nacional de Música, creó el Coro Polifónico, organización que lleva a su haber 35 años de actuaciones dentro y fuera del país . La permanente inquietud de Walter por el desarrollo del arte vocal lo impulsó a crear numerosos grupos corales en diferentes entidades estatales entre ellos el Coro de la Caja del Seguro Social, el Coro del Cuerpo de Bomberos, el Coro Polifónico juvenil, así como el Coro Infantil del Colegio Episcopal . Arnold Walter, fallecido en junio de 1994, fue Director del De-

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partamento de Canto y Coro del Instituto Nacional de Música. La entidad coral que cuenta actualmente con la participación de 200 integrantes, entre nacionales y extranjeros, afiliado al Instituto Nacional de Cultura (INAC), miembro de la Federación Nacional para la Música Coral y la Federación Coral del Caribe y Centroamérica, continúa su labor de divulgación de música polifónica, tanto dentro como fuera del país, bajo la dirección de la profesora Electra Castillo . Trompetista solista, Director titular de la Banda Republicana, miembro de la Orquesta Sinfónica, arreglista y compositor es Alejandro Castillo Perca . Algunas de sus obras son : Yita para oboe y guitarra (1985), Rítmica para clarinete (1985) Soliloquio para oboe (1985), El tiempo para el conjunto clarinón (1986), Salomas para duo de contrabajos (1990), Paisaje (1992), Remembranza (1994), Darién para oquesta (1996) y Cabalgando (1999). Ivan Didier (1950) con estudios en la Escuela de Música de la Universidad de Río de Janeiro, es profesor de armonía y contrapunto en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad . Entre sus composiciones están Temas Facinerosos para quinteto de metales así como una Fantasía Interiorana, escritas en 1984 . La Asociación de Conciertos

En 1962 se crea la Asociación Nacional de Concierúnico organismo en Panamá que hace casi cuarenta años se dedica a la presentación de temporadas anuales de música con prestigiosos artistas nacionales y extranjeros . La Asociación es una empresa sin fines de lucro, manejada por una junta Directiva, un Presidente y un Director Artístico . Han sido sus Directores, Jaime Ingram, Nelly H . de Ingram, Thelma E. de Carrizo y tos`,

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La Asociación Nacional de Conciertos fue creada por Nelly y Jaime Ingrain en 1962 e inició su primera temporada de Conciertos con la generosa colaboración del Instituto Panameño de Arte presidido a la sazón por la Señora Patricia de Picard Ami . El primer espectáculo de la temporada, el martes 26 de junio, fue un recital de Jaime Ingram al reemplazar al pianista vienés George Demus quien canceló su recital al último momento . Jaime Ingram fue el Director de la Asociación durante los ocho primeros anos de labores .


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Terence Ford. La Asociación de Conciertos patrocina así mismo un Campamento Musical en el Valle de Antón, frecuentado por un número plural de jóvenes que recibe instrucción instrumental de diferentes maestros extranjeros contratados especialmente para la ocasión . Discípulo de Tito Medina y Francisco Castillo, es el guitarrista Jorge Bennett (1968) quien en 1990 continuó estudios en la North Caroline School of Arts donde obtuvo la licenciatura en Música con énfasis en composición . Entre sus obras aparecen : Dolor y dulzura para piano, Cuatro suites líricas, Cuarteto para saxofones, La Máscara sensual de ella para clarinete y piano, Quinteto para viento y violonchelo, Tres cuadros para Ivonne, para cuatro flautas y seis cuerdas, Cuarteto para 4 guitarras, etc. Para orquesta escribió : En el Río, Suite Lírica, Momentos Espirituales, Fantasía para oboe y orquesta, Serenata para orquesta de cuerdas, y Reflexiones . En 1970 el gobierno presidido por Demetrio Basilio Lakas y el General Omar Torrijos, crea al Instituto Nacional de Cultura y Deporte (INCUDE) y las instituciones artísticas del Ministerio de Educación pasan a formar parte del nuevo ente estatal . Dos años más tarde, durante la Rectoría del Dr. Rómulo Escobar Bethancour se crea la Escuela de Música de la Universidad de Panamá, adscrita a la Facultad de Filosofía, Letras y Educación, actualmente Facultad de Humanidades y se escoge como Director de la misma a Eduardo Charpentier de Castro . Creación del Instituto Nacional de Cultura (INAC) En 1974 el gobierno decide, dividir el INCUDE y crea, mediante el Decreto N° 63 del 6 de junio, el Instituto Nacional de Cultura (INAC) como un organismo autónomo (además del Instituto Nacional de Deportes) bajo cuya responsabilidad quedan todas las instituciones oficiales de educación artística especializada, la Orquesta Sinfónica Nacional, el Teatro Nacional, el Concurso Literario Ricardo Miró, la Impresora de la Nación y la Dirección del Patrimonio Histórico . La primera tarea importante a que se enfrentó el nuevo ente oficial fue la total reestructuración del Teatro


Nacional, que recobró así su original esplendor y elegancia con mejoras substanciales, en las que el Arquitecto René Brenes tuvo una preponderante participación, entre las que cabe mencionar, el nuevo sillerío, las lámparas de cristal, el bar inglés en el vestíbulo de la entrada en la planta baja, la nueva distribución de las butacas del anfiteatro, el sistema de aire acondicionado central, los nuevos camerinos, el novísimo sistema de iluminación y sonido, un excelente equipo de grabación, dos pianos Steinway de gran cola de concierto, importados de Hamburgo, etc. Reapertura del Teatro Nacional En ocasión de la reapertura del Teatro, el Instituto Nacional de Cultura organizó la presentación de 31 espectáculos, entre los que estuvieron : Dame Margot Fonteyn e Ivan Nagy, traído de Nueva York especialmente para la ocasión ; el Ballet Nacional de Panamá y Alicia Alonso517 ; el Conjunto Nacional de Danzas Modernas de Cuba ; el Festival Folklórico Norteamericano ; Alfredo de Saint Malo con la Orquesta Sinfónica de Panamá bajo la dirección de Eduardo Charpentier de Castro ; la Orquesta Sinfónica de Costa Rica bajo la dirección de su titular Gerald Brown ; el célebre Mago López ; el Cuarteto de la Orquesta Sinfónica de México y el Ballet Folklórico de Panamá, entre otros artistas nacionales . El Inae y su plan de desarrollo artístico Tras un agresivo plan de desarrollo artístico a nivel nacional, el INAC, reestructuró la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección de Eduardo Charpentier de Castro, mejorando los salarios de los músicos y contratando nuevos instrumentistas del exterior hasta alcanzar una plantilla de 65 músicos, única, hasta ese momento 517) Alicia Alonso, una de las estrellas internacionales del ballet clásico, ya había estado en Panamá en 1949 con su propio grupo . Otras figuras importantes de la danza internacional han bailado en Panamá, entre ellas : Norka Ruskaya (1917), Vlasta Maslova (1918), Ana Petrova (1920), Alicia Markova (1947), Anton Dolin (1947), Mrinalini Sarabbai (1951), Nora Kay (1955), Lupe Serrano (1955), Tamara Toumanova (1958), Etc . Entre las estrellas del baile español han estado en Panamá : Pastora Imperio (1922), La Argentinita (1923), Imperio Argentina (1932), Tere Amorós (1953), María Emma, Rosario y Antonio (1946), Antonio Guedes, etc .


en la historia de la Orquesta ; se invitó a directores extranjeros para diversas presentaciones públicas ; se abrió a Concurso Público la Subdirección de la misma con un jurado internacional entre los que estuvo el compositor y director de orquesta guatemalteco Jorge Sarmientos ; se instituyeron los Conciertos y recitales didácticos en el Teatro Nacional, con la participación de solistas nacionales y extranjeros, además de la Orquesta Sinfónica, a los cuales se llevó a más de 10 .000 estudiantes por temporada de las escuelas públicas y privadas de la ciudad capital ; se organizaron las temporada de conciertos y recitales que se extendían durante ocho meses del año, además de la temporada de Verano, a nivel nacional ; se instituyeron los talleres de creación musical para los que se contrataron diversos maestros del exterior ; se crearon los Centros de Educación Artística de Colón, Penonomé, Santiago, Chitré y David y se nombraron profesores en las diferentes disciplinas del arte para su enseñanza ; se formó el Conjunto Folklórico Nacional del INAC, con participantes de todas las regiones del País, así como el Plan juvenil de la Orquesta Nacional, al que se dotó de un instrumental especializado e instructores calificados nacionales y extranjeros ; se contrataron del exterior profesores de alto nivel académico para la instrucción en las diversas actividades del arte, particularmente para la danza y la música, algunos de los cuales, constituyendo familia, permanecieron en el País, entre ellos, por ejemplo, a Cecilia N . de Escalante, chilena de nacimiento, especializada en Educación Musical, originalmente contratada como profesora del Instituto Nacional de Música y actualmente docente de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá . Los Directores Generales del Instituto Nacional de Cultura (INAC) han sido : Jaime Ingram J . (Creador de la Institución y primer Director General), Arístides Martínez Ortega, Diógenes Cedeño Censi, Alberto Osorio, Ricaurte Martínez, José Franco, Carlos Delgado y actualmente Rafael Ruiloba . Nuevos profesionales

Marcos Aguilera Ortega, egresado como instrumentista con especialización en trompeta del Instituto

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Nacional de Música en las clases de José Luis Cajar y Director titular de dicho Centro de 1983 a 1990 . Fue primer trompetista de la Orquesta Nacional desde 1954 y fliscorno solista de la Banda Republicana, de 1953 a 1959 . Licenciado en Educación Musical y en Pedagogía, Profesor de Segunda Enseñanza en cada una de sus respectivas especialidades, es también Profesor Titular de la Escuela de Música de la Universidad, desde 1973, y Director de la Escuela de Educación Musical del Departamento de Música de la actual Facultad de Bellas Artes . En 1976 llega a Panamá la pianista colombiana Guadalupe Avila S ., egresada del Conservatorio Antonio María Valencia de Cali a los 15 años de edad . Hizo la carrera de Derecho y Ciencias Políticas en la Universidad del Cauca, en Popayán, Colombia, donde además continuó su carrera musical en la Facultad de Humanidades . Sus estudios de pianos los realizó, en Colombia, con los maestros René de Bermúdez, Luis Carlos Figueroa y Harold Martina . Ha realizado cursos de perfeccionamiento en piano con Jaime Ingram en Panamá, con la pianista Yoko Yamashita, en Japón, así como estudios de composición con los maestros Tomoko Sugiyama, Kazuo Hitokoto de Yamaha Music Foundation, y el maestro Toshihiko Hisayuki, del Conservatorio de Tokyo . Actualmente es Directora Musical de Yamaha Panamá para América Latina, y directora del Coro de Cámara de Panamá que creó recientemente . Se dedica además a la docencia privada . Egresado de la Escuela de Música de la Universidad Federal de Bahía, Brasil, y con estudios superiores de Dirección de orquesta con el maestro Stanislaw Wislocki en la Academia Federico Chopin de Varsovia, Polonia, Jorge Ledezma funda en 1976 el Coro Música Viva, que pocos años después obtiene el Primer Premio, por aclamación, en el Concurso Polifónico Internacional Ciudad de Ibagué, Colombia . El Coro Música Viva alcanzó rápidamente merecidos éxitos profesionales tanto dentro como fuera del país . A su vez Jorge Ledezma ganó, por concurso, la plaza de Director Asistente de la Orquesta Nacional, posición que mantiene hasta el mo-


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mento. En 1983 Ledezma fue gestor de la creación de la que se dedica a la presentación periódica de espectáculos musicales, incursionando también en la composición . En 1994 Ledezma produjo un programa semanal de música en uno de los canales de la televisión nacional que alcanzó gran sintonía entre la ciudadanía . Le tocó a Ledezma celebrar el Quincuagésimo aniversario de la creación de la Orquesta Sinfónica Nacional, ocasión en que presentó, el 24 de julio de 2001, en primera audición en Panamá la Consagración de la Primavera de Stravinsky. Esa misma noche se otorgaron pergaminos de reconocimiento a los diferentes directores titulares de la Orquesta, a saber : Herbert de Castro, Walter Myers, Roque Cordero y Eduardo Charpentier de Castro . Asociación Música Viva

Nueva generación

Entre la nueva generación de profesionales nacionales han descollado a nivel internacional, además de la ya mencionada soprano Marianne Blok, la pianista Jacqueline Puleyo, con estudios en Panamá, y París, Francia, respectivamente, donde reside y constituye con su esposo, el pianista francés Pierre Deschamps, un dúo de pianos. Los esposos Deschamps, quienes han grabado un CD con obras para cuatro manos de compositores ses, actúan profesionalmente en diferentes ciudades de Francia ; la soprano Osiris Stanziola, con estudios de canto en Santafé de Bogotá y Roma, residente en Italia, donde cosecha aplausos en diversos papeles operísticos así como el violinista Giovanni Anaya, discípulo de Alfredo de Saint Malo quien ha logrado hacerse de una posición estable como instrumentista y profesor en la ciudad de Hannover, Alemania . La clarinetista Carmen Small Adams (1954) alumna del Instituto Nacional de Música y egresada de la Universidad Federal de Bahía, Brasil, en 1979 . En 1981 crea el grupo de cámara Clarinón, constituido por la propia Carmen Small (clarinete), Benedicta Jiménez (clarinete), Rommel Charpentier (flauta), Matías Padilla (clarinete bajo) y Juan Castillo (oboe) muy activo en presentaciones públicas. Posteriormente se adhirieron al

47 8 - JAIME INGRAM JAÉN grupo Isaac Reyes (clarinete) y Elionet Reyes (clarinete alto) Carmen Small es también profesora de su instrumento y de música de cámara en el Escuela Nacional de Música . El grupo Clarinón ha participado en el anual Festival Cervantino de México . Efraín Cruz De Gracia (1955) con estudios en el Instituto Nacional de Música y luego en la Universidad Federal de Bahía, Brasil, donde se tituló como Licenciado en Dirección y Composición, es profesor del Instituto Nacional de Música de Panamá, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad así como creador (1996) y director de la Banda Sinfónica de la misma . Ha sido director huésped de la Banda Republicana, la Banda de la Policía, la Banda del Instituto Nacional de Música, la Orquesta Sinfónica Nacional y de la Orquesta Sinfónica Juvenil . Fue también el creador, en octubre de 1992, y primer Director de la Banda Sinfónica Municipal . Es autor de varias obras, entre ellas : Dos partículas para flauta y clarinetes (en mi bemol, dos en si bemol y clarinete bajo) escrita en 1984 . La clavecinista Julieta Alvarado de Rieppel, discípula en Panamá de Nelly Hirsch de Ingram, actualmente residente en Estados Unidos de Norteamérica, casada con el pianista estadounidense Daniel Rieppel, hizo estudios superiores en el Instituto Musical de Cleveland donde obtuvo la Licenciatura con especialización en piano, luego la Maestría con especialización en clavecín y por último el Doctorado en el Instituto de Música Antigua de la Universidad de Indiana . El matrimonio Rieppel ha cosechado éxitos profesionales en recitales y festivales tanto en Estados Unidos como en Europa, ella con el clavecín, él con el piano . Otros profesionales panameños son : Gelasio Morales, guitarrista egresado de la Escuela Nacional de Música, Licenciado en Humanidades con especialización en Música, Profesor de Segunda Enseñanza y profesor de su instrumento en la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional ; Carmelo Moyano, guitarrista, con una Licenciatura en Humanidades con especialización en Educación Musical, Cursos


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de Perfeccionamiento en Educación Musical y Profesor especializado en Educación Musical . Moyano es Profesor a tiempo completo en la Escuela de Música de la Universidad Nacional, y el guitarrista Cecilio Castillero, discípulo de Gabriel Tapia, virtuoso de la guitarra que obtuvo su título de profesor en Barcelona y un doctorado en Música en la Universidad de California del Sur . Debido a un problema físico en la mano, ejerce actualmente la profesión de abogado en la ciudad de Nueva York . Original de Santiago de Veraguas es el guitarrista Emiliano Pardo-Tristán, graduado del Instituto Nacional de Música de Panamá (donde posteriormente trabajó como docente) con estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con el maestro José Luis Rodrigo . Amplió conocimientos con los maestros José Luis González de Aloy, Alicante, y Ricardo Cobo, en la Universidad de Temple, Filadelfia (EEUU), donde también hizo estudios de teoría y composición con Cynthia Folio y Maurice Wright, respectivamente . Ha frecuentado cursos monográficos de composición con el maestro Leo Brouwer, de electroacústica en el Instituto de Investigación y Coordinación de París, de dirección de orquesta en el Instituto de Directores de Orquesta de Carolina del Sur y en el Carnegie Hall de Nueva York con el gran maestro Piere Boulez . En 1996 frecuentó las clases maestras dictadas en el Conservatorio Peabody de Baltimore del guitarrista Manuel Barrueco, etc . Ha actuado tanto en Panamá como en Martinica, Austria y Estados Unidos ; actualmente (2001) se desempeña como docente en la Universidad La Salle y el Conservatorio Bryn Mawr de Filadelfia, ciudad donde reside . Creador del Primer Encuentro Internacional de Guitarra Panamá 89, director artístico del Círculo Panameño de Guitarra y creador así mismo del nuevo Concurso Centroamericano de Composición para guitarra Roque Cordero . Como compositor su obra comprende, entre otras cosas, un Trío de guitarras, Tambor de la agonía, Concerto Grosso Alía Fiesta, etc . Es miembro de varias asociaciones internacionales de música .

4 8 0 - JAIME INGRAM JAÉN En 1987 un grupo de empresarios melómanos y ejecutivos crea el Festival de Música de El Valle, que lleva ya varias celebraciones a su haber. Los conciertos se llevan a cabo en la iglesia de San José, parroquia de El Valle . Entre los pianistas nacionales tenemos a : Carlos Dutari (1950-1998) alumno de Nelly Hirsch y con estudios superiores de piano en el Conservatorio Estatal Luigi Cherubini de Florencia, Italia, y asistencia a los cursos de interpretación del maestro Cuido Agosti en la Academia Chiciana de Siena, Italia . Dutary fue profesor de piano en la Escuela Nacional de Música ; Ricardo Noriega, alumno de Nelly y Jaime Ingram, con una Maestría en música con especialización en piano de la Universidad de Kansas, bajo la dirección del pianista Sequeira Costa, ha sido profesor de su instrumento en la Escuela Nacional de Música y en la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad . Luis Troetsch y su esposa Margarita Perez de Troetsch, hicieron estudios en el Conservatorio Nacional de Música, el primero con Américo Rengifo, Carlos Dutary y el ruso Alexander Ksendosky; Margarita hizo estudios, desde los 8 años de edad con Hans Janowitz, Earl Graves, Priscila Filós, Carlos Dutary y Alexander Ksendowski, entre otros . Ambos se dedicaron mayormente a la música de cámara, muy en particular a la literatura para piano a cuatro manos . Luis, posee la Licenciatura en Música del Daemen College, de Amherst, Nueva York y Estudios de Docencia Superior ; en Panamá hizo estudios esporádicos con Jaime Ingram . Es actualmente profesor de piano en la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad . Margarita, hizo también estudios con Nelly y Jaime Ingram . Actualmente se dedica a la enseñanza privada del piano . Es, junto con otras instrumentistas, fundadora e integrante del grupo de música antigua Los Saltinbanquis que ha cosechado aplausos tanto en Panamá como en Buenos Aires, México, Madrid y París . El mencionado grupo Saltimbanquis fundado en 1992 por la brasileña Gloria Lemos está constituido por : Lizi Rodríguez, voz soprano, kazoo y percusión ; Mireya


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Salas, flautas dulces, salterio, voz y percusión : Teresa Toro, guitarra, voz y percusión ; Isabel Burgos, actriz, voz y percusión así como Margarita Troetsch, teclado, voz y percusión . Junto con el grupo han actuado, en calidad de artistas invitadas varias otras ejecutantes sea para tocar el oboe, el violín o el violonchelo . Abdiel Lombana, egresado del Instituto Nacional de Música, y de la Universidad de Panamá con una Licenciatura en Musica con especialización en piano, en las clases de René Brenes . Lombana, acreedor del Primer Premio del Concurso Nacional de Piano Kiwanis Panamá, es actualmente profesor de su instrumento en la Escuela Nacional de Música y en la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá . En 1981 Ricardo Risco Cortés (n . 1960) después de iniciar estudios en Panamá ingresa al Conservatorio Nacional de Música de México donde cursó las carreras de Composición, con Mario Lavista, dirección de Orquesta con Pedro Cortinas y dirección coral con Alberto Alva, a la vez que participó de diversos cursos de dirección de orquesta, análisis musical del siglo XX y composición, con los maestros Felix Carrasco, Rodolfo Halffter, Fernando Lozano y el húngaro István Lang . En 1986 fundó y dirigió el Ensemble Coral del Conservatorio Nacional de México ; fue también director titular del Coro de la Universidad Autónoma de México, del Ensenible Coral y Orquesta de la Ciudad de México y del Coro Polifónico "Simón Tapia Colman", director asistente de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, así como Director huésped de diversos coros y orquestas de México . En 1993 tomó un curso de interpretación de música barroca, Claudio Monteverdi, su música de cámara, con el maestro Nigel Rogers . Ha sido profesor, durante más de 10 años, en el Conservatorio Nacional de México y de otras instituciones musicales de ese país . Como director de orquesta ha dirigido obras tales como : Gloria de Vivaldi, Misa de la Coronación y Requiero de Mozart, la Novena Sinfonía de Beethoven, la Sinfonía Fúnebre y Triunfal de Berlioz, el Requiem de Fauré, los Nocturnos de Debussy, la Segunda Sinfonía de Mahler, Cantata Alexander Nevsky

4 8 2 -JAIME INGRAM JAÉN de Prokofiev, Carmina Burana de Orff, Los Planetas de Hoist, Sinfonía de los Salinos de Stravinsky, Sinfonía N ° 13 de Shostakovich, Choro N ° 10 de Villalobos, Sinfonía Hidalgo de Miguel Bernal, Cantata a la Patria de Blas Galindo, etc . Su obra comprende, composiciones para voz : Resurección para soprano y piano (1984), Confeso para mezzo soprano y piano (1985) ; para coro a capella : Reversible (1989), Vocalise (1990), Aleluya (1990), Sonetos (1992-1997), Piedra de Sol (1998), así como Dos Canciones para coro infantil, etc ., obras para diversos instrumentos : Octandro para clarinete amplificado (1985), Variaciones para clarinete amplificado (1986), Preludio y fuga para piano (1986), Introversión para violonchelo (1986), Dúo para flauta y clarinete a nplificado (1986), Numens Nocturnalis para flauta de pico (1990), Modus Nocturnus para flauta alto (1993), etc ., Trío Fantasía Cuasi una Sonata para violín, violonchelo y piano (1985), Sparkling Light para cuarteto de cuerdas (1988), bnágenes del Cuarto Naranja para flauta, violín, viola y violonchelo (1992), etc ., Convergentes para orquesta de cuerdas (1995), Música Nocturna para timbales y orquesta de cuerdas (1986), Gaia (Mantra por la Tierra) para orquesta sinfónica (1991), Mantrani para coro y orquesta (1999), etc . Escribió también música incidental para teatro, Noche con tres Lunas (1989) . Etc . Cortés ha sido merecedor de innumerables becas y Premios a la vez que ha participado en varios Foros Nacionales e Internacionales donde se ha interpretado su obra así como en diferentes grabaciones en CD, entre ellas, en calidad de productor y director, las Ocho Miniaturas de Roque Cordero con la Orquesta Sinfónica de Panamá de la cual es subdirector titular (2000) del disco Así suenan mis raíces .

En 1992 el Instituto Nacional de Cultura (INAC) invitó a Efraín Guigui Abbo, clarinetista panameños'" egresado del Conservatorio de Música de Buenos Aires, Argentina y con estudios de dirección orquestal en Boston y Nueva York, respectivamente, con Leopoldo Stokovsky, a hacerse cargo de la Orquesta Nacional, poniendo en sus manos una escuálida institución sinfónica 518) Efraín Guigui Abbo, original de Chitré, emigró con sus padres a Buenos Aires, Argentina a los tres años de edad.

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que por falta de un presupuesto oficial adecuado, se ha visto obligada a disminuir significativamente sus componentes en los últimos años . Mientras estuvo en Panamá bajo contrato del INAC gozó de una licencia temporal de su posición como Director de la Orquesta de Dartmouth, EEUU . Ha sido acreedor de varias distinciones, entre ellas, el Premio Gobernador de Vermont (1989) de cuya orquesta fue director ; el Doctorado Honoris Causa del Green Mountain College y el Cesar Award de Los Angeles, California, por su trabajo en el Festival Casals de Puerto Rico . Después de dos años en Panamá retornó a Estados Unidos, quedando la Orquesta Nacional, que estuvo en ese momento al borde del colapso por problemas internos, en manos nuevamente del Director, Jorge Ledezma . Original de Santiago de Veraguas es el compositor José Manuel Caballero Pérez (1977) quien culminó su licenciatura en Bellas Artes con especialización en Música en el Departamento de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad . Entre sus obras aparecen : 5 Miniaturas para 10 instrumentistas, 5 Piezas para 6 instrumentistas de vient o madera, Tres piezas fáciles para

piano, At-Zaric para clarinete solista y trío de cuerdas y Suite N° 1 para orquesta . Ha realizado así mismo adaptaciones y arreglos de diversas danzas y canciones . Luis Fernando Morales, pianista, después de estudiar privadamente con diferentes maestros en Málaga (España), Bruselas (Bélgica) y en la Academia Chigiana de Siena (Italia) regresó al país en 1993 . Morales llegó a Panamá con su esposa, la soprano española Victoria Balestrino quien hizo estudios de canto en The Royal College of Music de Londres, en el Real Conservatorio de Música de Madrid y con maestros privados en Roma . Luis Fernando ha llevado a cabo presentaciones públicas, sea con orquesta sea en recital sólo y en estos momentos se dedica también a la enseñanza privada del piano . A su vez Victoria Balestrino, además de las clases privadas de canto que ofrece ha desarrollado un programa de divulgación musical en Radio Hogar, logrando captar una audiencia apreciable entre los melómanos .

4 8 4 -JAIME INGRAM JAÉN Profesora de piano en la Escuela Nacional de Música durante muchos años, y actual Directora titular de la misma, posición ganada por Concurso, es María Elena Carles, quien posee una Maestría en Música con especialización en piano de la Universidad del Estado de Illinois, Normal, EE .UU . Nuevos profesionales

En 1992 llegó a Panamá el músico brasileño Elcio Rodríguez De Sá, con cursos superiores de Composición y Dirección Musical, de la Escuela de Música de la Universidad Federal de Bahía (UFBA), Salvador, Brasil, dedicándose en primera instancia a cooperar con diversos grupos musicales panameños en su calidad de compositor, arreglista y director . En estos momentos (1999) . Ejerce como Profesor de tiempo parcial en el Instituto Nacional de Música del INAC, en las asignaturas de Contrapunto, Formas y Análisis, Introducción a la Armonía y Dictado, así como Profesor especial del Departamento de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá, de Armonía y Dictado . En el catálogo de su obra aparecen, entre otras : A Fonte Eterna (1980), Pantalla (1997), para orquesta ; Darién (1998) música escénica para coro y orquesta ; gran cantidad de obras y arreglos (con originales de Brenes, LennonMcCartney, Veloso, Nascimento, Jobin, Piazzolla, etc .) para coro mixto : Quodlibet (1977), Queima do Judas (1978), Paula e Bebeto (1979), Xele (1983), Tueje (1984), Duas Sereias (1990-93), Trevo no Frevo (1992), Eu se¡ que you te mear (1993), Menino do Peló (1994), Tonada de Baile (1994), Sino (1994), Eleanor Rigby (1995), etc . Obras para coro mixto con acompañamiento de percusión u otra combinación instrumental ; obras para guitarra sola, Madrugando (1975)), Preludio (1976), Kinaxixe, Sertanitmn y Suite Africana (1983), Anticuario y Dos Estudios (1993) ; guitarra y diversas combinaciones instrumentales ; obras para orquesta de cámara : Caraiva (1977), Anonymus (1980), Njale, con percusión (1987) ; 7 Tríos, para tres guitarras u otras combinaciones, como saxofón, guitarra y violonchelo ; obras para piano, flauta, flauta dulce,

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violonchelo, voces, etc. Es creador y director del grupo vocal Vox Líber y ha escrito, además, monografías y obras didácticas como Armonía Funcional (1993), 130 Lecciones de Solfeo (1994), Piezas y Ejercicios para guitarra (1984) etc. Teresa F. Toro, alumna de Jesús Morales y Francisco Velásquez en el Instituto Nacional de Música donde obtuvo el título de Instrumentista de guitarra . En 1985 fue a Brasil donde hizo un curso superior de guitarra en la Escuela de Música de la Universidad de Bahía, bajo la orientación de Cristina Tourinho . Seguidamente participó en diversos seminarios de su instrumento tanto en Bahía como en Sao Paulo y Porto Alegre con maestros brasileños y argentinos. Dinámica y aplaudida solista de su instrumento tanto dentro como fuera del país es además miembro fundador e integrante del Grupo Saltimbanquis . En 1998 fue la organizadora del II Encuentro Internacional de Guitarra en Panamá, del cual es Coordinadora de Conciertos y Seminarios . En noviembre del 2000 se presentó como solista en el VII Festival Internacional de Guitarra, "Guitarra y Mujer 2000", en San José de Costa Rica . Es actualmente profesora de guitarra en el Instituto Nacional de Música y en el Departamento de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá . Teresa es casada con el ya mencionado compositor brasileño Elcio Rodriguez de Sa . Primer Decano de la nueva Facultad de Bellas Artes, Ex Director del Departamento de Música y Profesor titular de la Escuela de Música de la Universidad Nacional, es el santiagueño Néstor Castillo Restrepo (1954) quien posee una Licenciatura y una Maestría en Dirección de Orquesta de la Universidad Federal de Río de Janeiro, Brasil y de la Catholic University of America, de Washington, D .C. Castillo, fue también Director Asistente de la Orquesta Sinfónica Nacional y profesor de composición en el Instituto Nacional de Música . Como compositor cuenta ya con un número plural de obras, entre ellas : Suite Concertante para orquesta de cámara ; Elegía Metalúrgica para declamador y Quinteto de Metales ; Momento de Arte para flauta y piano ; Semitonalidad Rural, para flauta y guitarra; Fábula musical para declamador y

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grupo de cámara de viento-madera y percusión; Advenimiento para declamador y piano, Música Incidental para la obra teatral En la Cantina de Pancha Manchó del escritor y sociólogo Roberto Leis, etc. Es autor también de una serie de artículos sobre música en general, entre ellos: El Hombre y le música ; Manifiesto musical; La Problemática de la Música en Panamá ; La Música Precolombina de Panamá, etc . En agosto de 1988 Castillo creó la Orquesta

Filarmónica de la Universidad de Panamá de la cual es Director titular. Es en estos momentos Decano, una vez más, de la Facultad de Bellas Artes . Facultad de Bellas Artes de la Universidad

Durante la Dirección de Néstor Castillo Restrepo tuvo lugar la creación de la Facultad de Bellas Artes (1993) de la Universidad Nacional, a la que quedó adscrita, como es natural, el Departamento de Música con su Escuela y todo el personal docente que durante varios años funcionó bajo la égida de la Facultad de Humanidades, quedando al frente de la misma, interinamente, por mandato del Rector Magnífico de la Universidad a la sazón, Dr. Carlos Ivan Zúñiga, la Vicedecana de la Facultad de Humanidades, la Dra . Isabel Barragán de Turner, hasta la elección de rigor del primer Decano . En un acto encomiable, a mediados del presente año (2001) el creador del conocido programa de televisión Lo mejor del boxeo, el ejecutivo panameño Juan Carlos Tapia, asiduo melómano de la ópera, creó la Fundación Bel Canto con el propósito de apoyar y ayudar a jóvenes cantantes panameños interesados particularmente en el drama lírico . Para ello contrató al maestro de canto Detlef Scholz, decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia, quien dictó un breve taller de canto a los primeros integrantes de la Fundación . Acto seguido contrató a una serie de profesionales para orientar en diferentes disciplinas a los jóvenes, entre ellos al director de teatro Norman Douglas para impartir clases de actuación ; a profesores de idiomas para clases de italiano y francés; a la soprano estadounidense, Betty Phillips, con cursos de maestría en la Universidad de Indiana y un doctora-


do en música de la Universidad de Austin, Texas y en estos momentos profesora de canto de la Escuela de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá, para orientar y formar profesionalmente a los jóvenes cantantes ; al profesor Dino Nugent, actual director musical de la Fundación, panameño, pianista, compositor y director de orquesta, egresado con honores de la Universidad Federal de Minas Gerais, Brasil, ganador, entre otros galardones del Concurso Nacional del Centenario para escribir la "música oficial" para la conmemoración de los 100 años de Panamá como República independiente, etc . Como resultado inmediato del primer esfuerzo, la Fundación Bel Canto presentó en el Teatro Nacional, el jueves 18 de octubre, con un lleno completo, un gran concierto lírico que contó con el auspicio del Instituto Nacional de Cultura (INAC) y en el que participaron, la joven soprano Nicole Marie Puga, Lizi Rodríguez (mezo soprano), Angela Zhukova (soprano), Raúl Reimer Tapia (tenor lírico) y Carmen S . Gómez (soprano) cantando una serie de arias operísticas acompañadas por la Orquesta Sinfónica Nacional y el director titular Jorge Ledesma Bradley. Hasta aquí una relación sucinta de los hechos musicales más significativos de Panamá, en lo que va de República, salvo cualquier omisión involuntaria de nuestra parte debido a una carencia de información adecuada, particularmente de figuras nacionales que viven fuera del país . A ellos nuestras sinceras excusas . No se ha incluido en este relato la música popular, ni el jazz, ni la música de baile519 en general, ni la llama519)

Una excelente y novedosa realización en este sentido es la obra de Noel Foster Steward, Las Expresiones Musicales en Panamá, una aproximación, con un Estudio Preliminar de Rogelio Reyter Vogel, publicado por la Editorial Universitaria, EUPAN, Panamá 1997 . Noel Foster Steward es músico percusionista especializado en batería ; organizador y director de la Banda de Cornetas y Tambores del Cuerpo de Bomberos de Puerto Armuelles en 1954, donde fue director de la Orquesta Acrosónica en 1957 ; es baterista del grupo experimental de Jazz Los Ejemplos de Víctor "Boa" McRae . Se desempeña así mismo como experto en Seguridad Industrial ; Capitán del Benemérito Cuerpo de Bomberos de Panamá y Relacionista Público egresado de la Universidad de Panamá .

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da música típica, tan significativas también como géneros, en el planteamiento de la identidad nacional . Nombres conocidos y algunos muy prestigiosos, como Luis Russel1 520 , Howard Callender, Gene White, Reginal Prescot, Bat Gordon, Violeta Green, Avelino Muñoz, Armando Boza, Ricardo Fábrega 521 , "el maestro" Kipling (en una época pianista del Sombrero), Barbara Wilson, Harold Zaggy, Vicente Gómez Gudiño 522 , Ovidio Alba, Francisco (Purio) Ramírez, Betty Williamson, Máximo Rodriguez, Lucho Azcárraga, Angelo Jaspe, Papito Bequer, Victor Paz (Vitín) 523, Willi Moro, Lord Cobra 523 , Lord Panamá (George Allen), Clarence Martin, "el chino" Hassan, Carlos Eleta Almarán, Mane Nieto, Mauricio Smith, Gladys de la Lastra, Chacho Medina, Marta Estela Paredes, Bárbara Wilson, Marcela Troetsch, Danilo Perez (padre), los grupos Combos, Los Salvajes del Ritmo (cuyos fundadores en 1960 fueron : Guillermo Rodríguez, Papito Rodriguez, Rafael García, Carlos Benjamín Delgado, Eduardo Berenstein y Peter Chichaco, de donde surgió el propio Rubén Blades en su momento), Tony Fergo (de origen cubano), Victor McRae "Boa", Pipo Navarro, Bush y los Magníficos, José Antonio Riba 525 , Edgardo Quintero, "Chacho" de la Rosa, Toby 520) El compositor y pianista panameño, Luis Russell (1902-1963) nacido en Bocas del Toro, llegó a ser una celebridad en el Jazz, particularmente en Nueva Orleans, constituyendo un hito en la creación del swing, alternando con las mayores figuras del momento inclusive con Louis Amstrong, entre 1928 y 1944 . 521) Compositor de magníficos boleros, entre ellos, Pa nmnd Viejo, Noche Tropical y Tabaga .

522) Autor de tradicionales Pasillos panameños, entre ellos : El Suspiro de una Fea, Manid Eva y Vielka Elisa, así como dos oberturas : Río Gran523) 524)

de y Dos de Enero .

Prestigioso trompetista con éxitos inclusive en Nueva York . Autor de célebres calypsos, conocidos internacionalmente, como Goodbye My Friend y Matilda . Otro tanto se puede decir de George Allen . 525) Toño Riba, como le conocen sus amigos, o Toño Rubira su nombre "artístico", ha incursionado en algunas obras de mayor envergadura, como su musical Henry Morgan con texto del laureado escritor Ernesto Endara .


489

Muñoz, David Choy 52e, Mario Fábrega, Jorge Carrizo, Omar Alfano, Pedro Azael, Basilio, Dorindo Cárdenas527, Yin Carrizo, Teresín Jaén, Victorio Vergara, Ulpiano Vergara, Osvaldo Ayala, Samy y Sandra Sandoval, Nenito Vargas, Rubén Blades 528, Danilo Pérez521, Dino Nugent y tantos más, compositores unos, excelentes ejecutantes, cantantes y directores otros, algunos inclusive con sólido prestigio internacional, constituyen baluartes importantes y hasta emblemáticos algunos de ellos como Ricardo Fábrega, en el acervo musical nacional que exigen, cada cual en su género, un estudio especializado como prolijo.

526) Compositor, entre otras cosas, de la música que sirvió de fondo al pabellón de Panamá en la Exposición Universal de Lisboa de 1998 . 527) Alumno cuando joven del español Francisco Cebamanos creador de la Bandas de Música en Chitré y Los Santos . 528) Ruben Blades, estrella de renombre internacional de Panamá, prolifero compositor, cantante, director de orquesta, actor de cine y uno de los clásicos salseros de la historia, constituye un personaje muy querido y irado por la ciudadanía . Blades es el creador de] partido político Papá Egoró y fue en 1994 candidato a la Presidencia de la República . 529) El "cholo" Pérez como le llaman cariñosamente sus amigos y iradores, es una figura que ha conquistado meteóricamente un lugar relevante en el inundo internacional de Jazz . Durante la istración de la presidencia Mireya Moscoso, se le concedió un pasaporte diplomático con el título de "Embajador de la Cultura" .

49 0 -JAIME INGRAM JAÉN

Epílogo

Esta claro que todo lo expuesto anteriormente no es más que un trazo somero, una simple relación histórica de la música en Panamá, ajena a cualquier evaluación cualitativa. Es válida la ocasión para señalar que hacer referencia a una presentación pública es algo muy distinto a la confrontación valorativa de la misma . De ahí que pudiera suceder que un buen porcentaje de las actividades mencionadas no resistirían, quizás, un serio análisis crítico para lo cual, naturalmente, habría que ahondar más profundamente en cada una de ellas, aunque muchas quizás ya escapan irremediablemente a dicha probabilidad por una total falta de información confiable . Existe en nuestro medio una particular tendencia a obviar la calidad profesional de las presentaciones artísticas en general y las musicales en particular . El problema no es privativo de Panamá y sí del llamado "mundo en emergencia". Es sabido que el profesionalismo musical panameño es todavía precario . No significa esto que la vida del músico nacional sea fácil. Muy por el contrario . El medio es tan árido y tan poco propicio aún para el ejercicio de la profesión que es casi heroico el hecho de que aún existan espíritus con suficiente fuerza interior como para dedicarse al estudio de la música . (Ver El caso específico de Panamá en pág . 82, abajo) . Sorprendió sobremanera, por otro lado, que mientras la Universidad Nacional celebra haber coronado con éxito una lucha de valores formativos que llevó varias décadas al crear la Facultad de Bellas Artes, el Ministerio de Educación casi simultáneamente llegaba a la lamentable conclusión de que dichas disciplinas son totalmente irrelevantes en la formación de la juventud, conclusión que significativamente coincidió con el momento en que la instrucción nacional ha descendido al más bajo nivel de calidad de toda su historia .


49 1

¿Qué incentivo puede existir para el estudiante superior de música cuando el propio Ministerio de Educación Nacional decidió, en forma arbitraria e inconsulta, poner la enseñanza de la materia en las Escuelas Secundarias, en manos de los maestros de Ciencias Sociales, al mismo nivel de la jardinería, o de cualquier otra materia recreativa opcional? Urge que un exabrupto de esa naturaleza no vuelva a repetirse tomando en cuenta la existencia de una Facultad de Bellas Artes en la Universidad Nacional que brinda las carreras de las diferentes disciplinas del acontecer artístico y que todavía está funcionando, aunque con bajísimo presupuesto, la Escuela de Música del Instituto Nacional de Cultura . La absurda decisión del Ministerio, tomada hace años, además de restringir el campo de acción de los profesionales egresados de la nueva Facultad, o de los diferentes organismos nacionales de formación artística, obstruyó el legítimo derecho que tiene el ciudadano de enriquecer su sensibilidad, educación y conocimiento de la música a través de los únicos verdaderos docentes de la materia . Recomendación

Muy recomendable sería también que tanto el Instituto Nacional de Cultura como la Universidad de Panamá, a través de sus respectivas editoriales e impresoras, adoptaran, por primera vez en nuestra historia, un programa de publicación de algunas de las tantas partituras musicales de los diferentes compositores nacionales, sean de la llamada música popular o de la música clásica, quienes ameritan ver sus obras impresas tanto cuanto nuestros poetas y escritores . Hoy día, con el vertiginoso desarrollo de la cibernética y los múltiples programas para las computadoras, dicha impresión no constituye el complejo problema que significó en un pasado reciente . Las publicaciones servirían no sólo para cubrir la demanda del reducido mercado nacional, sino que estarían particularmente destinadas a las diferentes organizaciones musicales del Continente para la debida divulgación de la creación musical panameña, muy particularmente cuando nos encontramos en víspera de la celebración de nuestro centenario de existencia republicana .

492 - JAIME

INGRAM JAÉN

Harto fácil es criticar el profesionalismo de los músicos nacionales, mientras muy poco o nada es lo que se hace para comprender y mejorar su frustrante y abrumadora circunstancia . El día en que la formación del profesional de la música y del artista en general, así como sus condiciones laborales ocupe el lugar prioritario que merece, sea por parte de la istración Pública o por parte de la Empresa Privada o de ambas a la vez, y alcance un nivel salarial que le permita dedicarse a tiempo completo a la creatividad y enriquecimiento de su talento, como es normal en cualquier profesión, se contará en Panamá con excelentes ejecutantes, buenos grupos de cámara y una orquesta de alto nivel profesional toda vez que talentos musicales hay y de buena calidad, así como el deseo de superación . Lo que tarda son las condiciones apropiadas para incentivar su desarrollo adecuado .


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CUESTIONARIO N° 10 01 . ¿Cuál es la institución musical más antigua de Panamá? 02. ¿Qué artistas europeos actuaron en Panamá en el siglo XIX? 03 . ¿En que año se creó el primer Conservatorio de Música? 04 . ¿En qué año se construyó el Teatro Nacional? 05 . ¿Qué artista panameño pintó el plafón del Teatro? 06 . ¿Con qué obra musical se inauguró el Teatro Nacional? 07. ¿Qué Presidente decretó la enseñanza musical en Panamá? 08. ¿Quién ha sido el gran virtuoso panameño del violín? 09 . ¿Quién fue el Director del Primer Conservatorio? 10. ¿Quién creó una Escuela de Opera en Panamá? 11 . Mencionar cuatro composiciones de Narciso Garay. 12 . ¿Cuándo se crea el Segundo Conservatorio de Música? 13. ¿Quién fue el primer director del Segundo Conservatorio? 14 . ¿Cuándo se establecen las primeras temporadas de verano? 15 . ¿Quién fue el primer titular de la Orquesta Sinfónica? 16. ¿Cuándo se lleva a cabo la primera restauración del Teatro? 17 . ¿Cuándo se crea el Instituto Nacional de Cultura (INAC)? 18. ¿Cuándo se creó la Facultad de Bellas Artes? 19 . ¿En qué año se creó la Asociación de Conciertos? 20 . ¿En qué año se creó el Festival de El Valle de Antón? 21. ¿En qué año se inició el Plan juvenil de la Orquesta? 22. Quién escribió Sinfónica, Opera y Zarzuela en Panamá? 23. ¿Quién es el autor de la música de la Cucarachita Mandinga? 24 . ¿Quién fue el músico panameño más relevante del siglo XIX? 25. ¿Quién es el autor de la partitura del Himno Nacional? 26. ¿Cuando se lleva a cabo la segunda restauración del Teatro? 27 . Mencione cinco compositores nacionales . 28 . Mencione cinco composiciones de Roque Cordero 29 . ¿Cuantas Sinfonías ha escrito Roque Cordero? 30. ¿Qué premio obtuvo la Segunda Sinfonía de Cordero? 31 . ¿En que año se creó la Orquesta Sinfónica Nacional? 32 . ¿Quién es el actual director titular de la Orquesta? 33. ¿Quién fue el primer decano de la Facultad de Bellas Artes? 34 . ¿Quién es el autor de Pescao? 35 . ¿Quién es el autor de la Marcha Panamá?

3 DOS LISTAS SUPLEMENTARIAS Los compositores con sus óperas más significativas y Los compositores en orden histórico

LISTA DE COMPOSITORES CON SUS ÓPERAS MÁS SIGNIFICATIVAS Peri (1561-1633) Dafne Monteverdi (1567-1643) Orfeo Adriana El retorno de Ulises La Coronación de Popea Landi (c .1590-c .1655) Santo Alessio Lawes (1596-1662) Corras El sitio de Rodas Rossi (1598-1653) El Palacio encantado Orfeo Marazzoli (1619-1662) Quien sufre espera Cesti (1623-1669) Orontea El Pomo de Oro Cambert (c .1628-1677) Pomone Locke (c .1630-1677) Psyche La Tempestad Macbeth

Lully (1632-1687) Alcestes Isis y Galatea Caccini (1650-1680) Eurídice A . Scarlatti (1660-1680) Flavio Cuniberto Telémaco El Triunfo del honor Griselda Hândel (1685-1756) Almira Agripina Rinaldo Pergolesi (1710-1736) La Serva Padrona Gluck (1714-1787) Orfeo y Eurídice Alcestes Ifigenia en Aulis Ifigenia en Tauris Paisiello (1740-1816) El Barbero de Sevilla Cimarosa (1749-1801) La amorosa bailarina El Matrimonio Secreto

498 - JAIME

INGRAM JAÉN

Mozart (1756-1791)

Idomeneo Re di Creta El Rapto del Serrallo Las Bodas de Fígaro Don Juan Casi Fan Tutte La Clernenza di Tito La Flauta Mágica

Cherubini (1760-1842) Medea El cargador de agua Faniska

Beethoven (1770-1827) Fidelio

Spontini (1774-1851) Milton La Ves tale Hernán Cortés

Hoffmann (1776-1822) Ondina

Kreutzer (1780-1849) El Campamento de Granada

Auber (1782-1871)

Fra Diavolo El Dominó negro La Muette de Portici

Spohr (1784-1859) Fausto Jesonda

Rossini (1792-1868)

La Italiana en Algeria Otello Guillermo Tell El Barbero de Sevilla Semiramis Tancredi La Cenicienta La Gazza ladra La Donna del lago

Marschner (1795-1861)

El Vampiro El Templario y la judía Hans Heiling

Donizetti (1797-1848)

Elixir de amor Lucia de Lammermoor Don Pascuale La Hija del Regimiento La Favorita

Meyerbeer (1797-1864) Roberto El diablo Los Hugonotes El Profeta La Africana

Halevy (1799-1862) La Judía

Bellini (1801-1835) Norma La Sonámbula Los Puritanos


Berlioz (1801-1835)

Benvenutto Cellini La Condenación de Fausto Los troyanos Beatriz y Benedicto

Lortzing (1801-1851) Zar y Carpintero El Cazador Hans Sachs

Glinka (1804-1857)

La Vida por el Zar Ruslán y Ludmila

Nicolai (1810-1849)

Las Alegres comadres de Windsor

Thomas (1811-1896) Mignon Hamlet

Flotov (1812-1883) Marta

Wagner (1813-1893)

El Buque Fantasma Tannhâ Lohengrin Tristán e Isolda Los Maestros Cantores El Anillo de los Nibelungos El Oro del Rin Las Walkirias Siegfrido Parsifal El Crepúsculo de los Dioses

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Verdi (1813-1901)

Rigoletto El Trovador La Traviata El Baile de Máscaras Simón Bocanegra La Fuerza del Destino Aida Don Carlos Otello Ernani Falstaff Macbeth

Dargominski (1813-1869) Rusalka

Gounod (1818-1893) Fausto Romeo y Julieta

Suppé (1819-1895)

La chica del pueblo Fatinitza

Offenbach (1819-1893)

Los Cuentos de Hoffman

Cornelius (1824-1874)

El Barbero de Bagdad

Smetana (1824-1884) La Novia Vendida

Borodin (1833-1887) Príncipe Igor

Ponchielli (1834-1886) La Gioconda

500 - JAIME

INGRAM JAEN

Saint Saéns(1835-1921)

Leoncavallo (1858-1919)

Delibes (1836-1891)

Puccini (1858-1924)

Sansón y Dalila Lakrne

Gómez (1836-1896) El Guaraní El Esclavo Fosca

Bizet(1838-1875)

Carmen Los Pescadores de Perlas

Mussorgsky (1839-1881) Boris Godunov

Tchaikovsky (1840-1893) Eugene Onigin La Dame de Pique

Dvorak (1841-1904)

Los Payasos

Manon Lescaut La Bohemia Tosca Madame Butterfly La Fanciulla del West Il Tabarro SuorAngélica Gianni Schicchi Turandot

G. Charpentier (1860-1956) Luisa

Wolf (1860-1903) El Corregidor

Albéniz (1860-1909) Pepita Jiménez

Rey y carbonero

Debussy (1862-1918)

Massenet (1842-1912)

Mascagni (1863-1949)

Manon Thais Werther

Boito (1842-1918) Mefistófeles

R . Korsakov (1844-1908) El Gallo de Oro Sadko

Bretón (1850-1923)

La Dolores

Peleas y Melisanda Cavalleria Rusticana

R. Strauss (1864-1949)

Salomé Elektra El Caballero de la Rosa La Mujer sin Sombra

Busoni (1866-1924) Doctor Fausto

Granados (1867-1924) Goyescas


Giordano (1867-1948) Andrea Chernier Fedora

Pfitzner (1869-1924) Palestrina

Schónberg (1874-1951) Moisés y Aron

De Falla (1876-1946)

La Vida Breve El Retablo de Maese Pedro

Wolf-Ferrari (1876-1948) Las Mujeres Curiosas Las Joyas de la Virgen El Secreto de Susana

Pizzeti(1880-1968)

Crimen en la Catedral Fedra

Prokofiev (1891-1953)

El Amor de las Tres Naranjas Un Hombre de Verdad

Milhaud (1892-1974) Cristóbal Colón El Pobre Marinero

Honegger (1892-1955) Juana de Arco en la Hoguera

(ver tipos de ópera) Orff (1895-1982)

Carmina Burana

(ver tipos de óperas) Hindemith (1895-1963) Matías el Pintor Card i llac

J.J. Castro (1895-1968)

Proserpina y el Extranjero La Zapatera Prodigiosa Bodas de Sangre

Stravinsky (1882-1972) Persefone (ver tipos de óperas)

Korngold (1897-1957)

Boero (1882-1972)

Gershwin (1898-1937)

Edipo Rey La Carrera del Libertino The Rake's Progress El Matrero

Berg (1884-1958) Wozzeck Lulú

5 01

Die tote Stadt The Miracle of Heliane Kathrin Porgy and Bess

Poulenc (1899-1963)

La Voz Humana Diálogo de Carmelitas

502 - JAIME INGRAM JAÉN Weill (1900-1950) La Opera de Tres Centavos (ver tipos de ópera) The Rise and Fall ofMahagony El Lago de Plata Abajo en el Valle Guarnieri (1907-1993) Pedro Malazarte Menotti (1911El Teléfono El Cónsul La Midium Amahl y los Visitantes Nocturnos Britten (1913-1976) Hagamos una ópera Peter Grimes La fierecilla domada El Rapto de Lucrecia Billy Bud Ginastera (1916-1985) Don Rodrigo Bomarzo

LISTA DE COMPOSITORES En orden de nacimiento

Monofonía San Ambrosio San Gregorio Isidoro de Sevilla Guido de Arezzo

(340-397) (540-604) (570-636) (995-1050)

Temprana pranaPolifonía Von Bingen Leoninus Perotinus Alfonso X De Vitry Machaut Landini

(1098-1179) (1130-1190) (1150-1220) (1252-1282) (1291-1361) (1300-1377) (1325-1397)

Alta Polifonía Dunstable Binchois Dufay Ockeghem Des Pres Obrecht Encina Willaert Morales Narváez Milán Tallis Cabezón Gabrieli

(1370-'1453) (1400-1460) (1400-1474) (1420-1495) (1445-1521) (1450-1505) (1470-1534) (1490-1562) (1500-1553) (1500-1550) (1500-1562) (1505-1585) (1510-1566) (1510-1566)

Sheppard Palestrina Guerrero, F. Lassus Franco Byrd Caccini Marenzio Fernández H . Lobo Morley Gabrieli, G . Gesualdo Sweelinck Peri Bull Hassler Monteverdi Gibbons Frescobaldi Schültz Schein Scheid Carissimi Froberger Lully Buxtehude Torrejón Araujo Salazar(A) 53 ' Muffat

531) La letra (A) indica que nació en América .

(1515-1560) (1525-1590) (1528-1599) (1532-1594) (1532-1585) (1543-1623) (1549-1611) (1550-1680) (1553-1599) (1553-1618) (1555-1617) (1557-1599) (1557-1612) (1560-1613) (1561-1621) (1561-1633) (1562-1628) (1564-1612) (1567-1643) (1583-1625) (1583-1643) (1585-1672) (1586-1630) (1587-1654) (1604-1674) (1616-1667) (1632-1687) (1637-1707) (1644-1728) (1646-1712) (1650-1715) (1653-1704)

5 0 4 - JAIME INGRAM JA EN Pachelbel Corelli Torelli Purcell Scarlatti, A . Couperin, F. Literes Vivaldi Sumaya Telemann Heinichen Rameau Bach Scarlatti, D . Hijndel Geminiani Zipoli Tartini Locatelli Sammartini Seixas Orejón (A) Martini Seixas Pergolesi Gluck Alvares Nardini Salas Soler Palacio (A) Paisiello Van Zuylen Cimarosa Viotti

(1653-1706) (1653-1713) (1658-1709) (1659-1695) (1660-1725) (1668-1733) (1673-1747) (1678-1741) (1680-1754) (1681-1767) (1683-1729) (1683-1764) (1685-1750) (1685-1757) (1685-1759) (1687-1762) (1688-1726) (1692-1770) (1695-1764) (1701-1755) (1704-1742) (1705-1765) (1706-1784) (1709-1742) (1710-'1736) (1714-1787) (1719-1789) (1722-1793) (1725-1830) (1729-1783) (1739-1799) (1740-1816) (1740-1805) (1749-1801) (1755-'1824)

Homofonía Bach, C . F. E . Bach, Juan Chr . Haydn Dittersdorf Bocherini Stamitz, K. Clementi Martin y Soler Mozart Cherubini Düssek Portugal Nunes G . (A) Carulli Beethoven Cramer Angel Lamas(A) Hummel Auber

(1714-1788) (1735-1782) (1737-1809) (1739-1799) (1743-1805) (1745-1801) (1752-1832) (1754-1806) (1756-1791) (1760-1842) (1760-'1842) (1762-1830) (1767-1830) (1770-1841) (1770-1827) (1771-1858) (1775-1814) (1778-1837) (1782-1871)

Romanticismo Paganini Spohr Weber Vorisek Czerny Rossini Moscheles Schubert Donizetti Meyerbeer Bellini Berlioz Glinka Mendelssohn

(1782-1840) (1784-1859) (1786-1826) (1791-1825) (1791-1857) (1792-1868) (1794-1870) (1797-1828) (1797-1848) (1797-1864) (1801-1835) (1803-1869) (1804-1857) (1809-1847)


Chopin Schumann Ried (A) Thomas Liszt Wagner Verdi Saumel (A) Gounod Offenbach Vieuxtemps Franck Bruckner Smetana Espadero (A) Borodin Brahms Ponchielli Cui Wieniavski Saint Sa~ns Gómez (A) Balakirev Bruch Bizet Mussorgski Tchaikovsky Dvorak Massenet Boito Grieg Sarasate Korsakov Faure Cervantes (A) Duparc

(1810-1849) (1810-1856) (1810-1869) (1.8'11-1896) (1811-1886) (1813-1893) (1813-1901) (1817-1870) (1818-1893) (',1819-1880) (1820-1881) (1822-1890) (1824-1896) (1824-1884) (1832-1890) (1833-1887) (1833-1896) (1834-1886) (1835-1918) (1835-1921) (1835-1921) (1836-1896) (1837-1910) (1838-1920) (1838-1875) 1839-1881) (1840-1893) (1841-1904) (1842-1912) (1842-3918) (1843-1907) (1844-1908) (1844-1908) (1845-1924) (1847-1905) (1848-1933)

Taneiev D'Indy

(1850-1918) (1851-1913)

Modernismo Janacek Chausson Elgar Leoncavallo Puccini Wolf Albéniz Mahler Debussy Mascagni R . Strauss Ortiz de Z . (A) Dukas Sibelius Satie Busoni Granados Roussel Scriabin V Williams Rachmaninoff Reger Schónberg Ives (A) Carrillo (A) Ravel Ponce (A) De Falla Respighi Santa Cruz (A) Bloch

(1854-1928) (1855-1899) (1857-1934) (1858-1919) (1858-1924) (1860-1903) (1860-1909) (1860-1911) (1862-1918) (1863-1949) (1864-1949) (1865-1953) (1865-1935) (1865-1957) (1866-1925) (1866-1924) (1867-1916) (1869-1937) (1872-1915) (1872-1958) (1873-1943) (1873-1916) (1874-1951) (1874-1954) (1875-1965) (1875-1937) (1876-1948) (1876-1946) (1879-1936) (1899-1987) (1880-1959)


Pizzetti Bartok Enesco Allende (A) Szymanowski Ponce (A) Kodály Stravinsky Malipiero Webern Casella Fabini (A) Soro (A) Berg Varese (A) Villa Lobos (A) Ibert Martin Prokofiev Castro, J .M . (A) Honegger Milhaud Haba Hindemith Castro, J .J . (A) Orff Lecuona(A) Session (A) Fernández (A) Cowell (A) Tansman Mignone (A) Castañedas Gershwin (A) Harris (A) Revueltas (A)

(1880-1968) (1881-1945) (1881-1955) (1881-1959) (1882-1937) (1882-1948) (1882-1967) (1882-1971) (1882-1973) (1883-1945) (1883-1947) (1883-1950) (1884-1954) (1885-1935) (1885-1965) (1887-1959) (1890-1962) (1890-1974) (1891-1953) (1892-1968) (1892-1955) (1892-1974) (1893-1973) (1895-1963) (1895-1968) (1895-1982) (1896-1963) (1896-1985) (1897-1948) (1897-1965) (1897-1986) (1&97-1987) (1898) (1898-1937) (1898-1979) (1899-1940)

Poulenc Chavez (A) Roldán (A) Martinu Copland (A) Krenek Valcárcel(A) Paz (A) Walton Rodrigo Blacher Khachaturian Kabalevsky García C . (A) Shostakovitch Guarnieri (A) Messiaen Carter (A) Barber(A) Galindo (A) Menotti (A) Garrido, P. (A) Britten Lutoslawski Ginastera (A) Estévez (A) Cordero (A) Lauro (A) Hernández L . (A) Iturriaga (A) Gramatges (A) Orrego Salas (A) Carreño (A) González Z. (A) Blanco J . (A) Rago(A) Xenakis

(1899-1963) (1899-1978) (1900-1939) (1900-1959) (1900-1990) (1900-1991) (1900-1942) (190'1-1972) (1902-1983) (1902-1998) (1903-1975) (1903-1978) (1904-1987) (1906-1940) (1906-1977) (1907-1993) (1908-1992) (1908) (1910-1981) (1910-1993) (1911) (1912-1982) (1913-1976) (1913-1994) (1916-1985) (1916-1988) (19'17) (1917) (1918) (1918) (1918) (1919) (1919) (1920) (1920) (1920) (1922-2001)


Campos Parsí (A) Caamaño (A) Tosar(A) Menin (A) Malsio (A) De la Vega Escobar (A) Boulez Garrido (A) Castellanos Y. (A) Lacerda (A) Muñoz, J .L . (A) Krieger (A) Stockhausen Lanza (A) García, F. (A) Bolaños (A) PozziEscot(A) Kagel(A) Valcárcel E . (A) Penderecki

(1922) (1923) (1923-2002) (1923-1983) (1924) (1925) (1925) (1925) (1926) (1926) (1927) (1928) (1928) (1928) (1929) (1930) (1931) (1931) (1931) (1932) (1933)

Sarmientos (A) Atehortúa (A) Fariñas(A) Quintanar (A) Flores, B . (A) Nova (A) Serebrier (A) Valera (A) Aponte-Ledée (A) Mónaco (A) Maiguashca (A) Elías (A) Nobre (A) Brouwer (A) Orellana, C . (A) Lavista (A) Segerstam Mata (A) Fernández, S . (A) Rugeles (A) Mannis (A)

(1933) (1933) (1934) (1936) (1937) (1937-1975) (1938) (1938) (1938) (1938) (1938) (1939) (1939) (1939) (1942) (1943) (1944) (1942-1992) (1946) (1949) (1958)

ÍNDICE GENERAL

ORIENTACIÓN, MUSICAL -

511

ÍNDICE GENERAL A Aaron,103, 321, 390, 410, 420 Academus, 171 Adam, 250 Adam de Fulda, 166 Adam de la Halle, 146,198 Adam de Saint-Victor, n .65 Adler, Guido, 325 Agosti, Guido, 480 Agoult, Marie d', 279 Agrícola, 166 Aguiari, 204 Aguilera, Sebastián, 355 Aguilera, Marcos, 475 Aguirre, Sebastián, 360 Agustin, 118,127 Aimeric de Peguillan, 146 Alalcona, Domenico, 320 n .318 Alambert, d', 21.7 Alarcón, Antonio de, 322 Alard,196 Alba, Ovidio, 450,488 Albéniz, 260, 265, 291-292, 302, 321,505 Alberti, 175 Alberto de Rippe, 169 Albinoni, 204, 209, 244, Albrecht V.,179 Albrechtsberger, 230, Alcove, María, 468,469 Alcuino, 120 Aldrete, Antonio, 451, 455 Alejandro el Grande, 112 Alexanian, Diran,438,448 Alfano, Franco, 291 Alfano, Omar, 489 Alfonso X el sabio, 142,143, 145, 148, 182, 503

Alkan, 371 Allard, 371 Allegri, 164 Allen, George, 488 Allende, Pedro Humberto, 375 Almeida, Renato de, 380 Almendral, Andrés, 432 Alois-Haba, 315 Alva, Alberto, 481 Alvarado de Rieppel, Julieta, 478 Alvarado, Vicente, 436 Alvares Pinto, Luis, 361, Alvarez, Calixto, 378 Amati, 196,197 Amatriaim, Santos Jorge, 432 América Precolombina, 345 Anaya, Giovanni, 477 Andrade, Mario de, 380,413 Andre, José, 415 Anfossi, Pasquale, 220 Anglebert, jean, d', 209 Angles, Higinio, 142,143, n .145, 177 Angulo, Hector, 378 Anjou, René de, 175 Antheil, George, 391 Apel, Willi, 127, 177,389 Aponte Ledée, Rafael, 378 Araujo, Juan, de, 358, 359, 418, 423, Arcadelt, Jacques, 162, Arcipreste de Hita, 147, 170 Ardévol,Jose,378,380 Arenski, 262, 299 Arenzana, Manuel, 360 Aretino, ver Arezzo Aretz, Isabel 259, 378,379, 396 Arezzo, Guido de, 25,133, 182,503

512 - JAIME INGRAM JAÉN Argelier, León, 380 Arias Hidalgo, Manuel, 428 Arias, Carlos Efraín, 451 Arias, Faustino, 430 Arias, José, 430 Arias, Luis, 377 Arias, María, 430 Arias, Tomás, 430 n .474 Aristófanes, 99 Aristóteles, 100, 120, 132,186, 197 Aristóxeno, 315 Arizaga, Rodolfo, 379 Arjona, Augusto, 455 Arosemena, J . Demóstenes, 432 n .477 Arosemena, Marcela, 428 n .471 Arrates Boza, M, H ., 425 Arrau, Claudio, 449 Arrio, 115 Ars Nova, 151 Arthur Feote, Floro, 386 Ascone, Vicente, 375

Asociación Nacional de Conciertos,

472 Atehortúa,378 Atenta, 97 n.32 Attaingnant, Pierre, 161 Auber, 55, 226, 249, 250, 274, 283, 498, 504 Aubert, L., 123 Aureliano de Reomi, 120 Auric, 267 Auza León, Atiliano, 377 Avila, Guadalupe, 476 Ayala, Daniel, 378 Ayala, Manuel María de, 428 n .471 Ayala, Osvaldo, 489 Azael, Pedro, 489 Azcárraga, Luis (Lucho), 455, 488 Azumendi, Reverendo, 427

B Babbitt, Milton, 392,420 Babcock, W.J ., 400 Bach, Carlos F. E ., 222, 383 Bach, Juan Cristian, 222, 383, 394 Bach, Juan, Cristóbal, 209 Bach, J .S ., 36, 56, 57, 58, 60, 63, 64, 70, 73, 75, 76, 77, 190, 191, 193, 194, 196, 208-209, 210, 211, 212, 214, 216, 218, 221, 222, 224, 227, 236, 237, 274, 279 n .283, 281, 290, 308, 310,314,362,366,372, 382, 394, 436, 471, 504 Bacon,157,186 Baeza, García, 177 Ba f, 172 Baillot, Pierre, 196 Baker, Ernst, 458 Bal y Gay, Jesus, 286, 366, 381, 407 Balakirev, 71, 257, 259, 260, 287, 505 Baldi, Lamberto, 413 Banchieri, n .154, Baracelli, 431 Baraocci, 186 Barber, Samuel, 391, 420 Barbier, Patrick, 203 Barbieri, 78 Birch, Giovanni, 197 Barradas, Carmen, 374 Barraqué, n .306 Barrientos, María, 443 Barrios de Estripeaut, Ana, 456 Barrueco, Manuel, 479 Bartok, 74, 75, 261, 262, 312, 314, 322-323, 324, 337, 389,506 Barzin, León, 461

ORIENTACIÓN, MUSICAL-

Basilio, 489 Baudrier, 332 Bauer, Marion, 102, 209, 241 Bax, Arnold, 253,254 Bazin, 370 Bazzini, 290 Beach, George, 455 Beals, John, 382 Becerra, Gustavo, 377,419 Becker, 297 Beethoven, 49, 60, 63, 64, 65, 66, 71, 72, 74, 75, 77, 212, 215, 216, 218, 220, 222, 224, 227, 228, 229, 230, 234, 236, 238-239 240, 244, 245, 246, 247, 256, 257, 259, 260, 271, 273, 284, 310, 313, 366, 368, 369, 384, 436,446, 471,481,498,504 Béhague, Gerard, 352, 361, 380 Belaief, 299 Belisario, 120 Bellini, 221, 240, 246, 249, 277, 498,504 Benacerraff, 457 Benda, 223 Benedetto, Lina de, 431 Bennet, William S ., 252 Bennett, Jorge, 473 Benoit, 282 Bequer, Papito, 488 Berenstein, Eduardo, 488 Berg,304,308,313,315,320,326 327, 376, n .406, 415, 50t,506 Bergmann, Carl, 385 Berio, 317, 395 Berlin, Irving, 388, n .422 Berlioz, 64, 66, 71, 76, 229, 236, 246, 247, 250, 256,257, 258, 271-272-273, 278, 281, 290, 299, 384, 385, 481,499,504

513

Bermúdez, Egoberto, 379 Bermúdez, René de, 476 Bermudo, Juan, 173 Bernacchi, 203 Bernal, Miguel, 482 Bernard de Ventadour, 145 Bernardo de Armagnac, 154 n .114 Berneville, Gilbert de, 146 Bernstein, Leonard, 392 Berrito, 196 Bésard,Juan, n .125 Bethune, Conon, de, 146 Biebarach, Carlota, 455 Bigot, Eugene, 466 Billings, William, 382 Binchois, 154, 155, 503 Biriotti, León, 4378 Bizet, 59, 76, 251, n .241, 257, 372, 453, 500, 505 Blades, Rubén, 488,489 Blanco, Juan, 378 Blasco, Manuel, 355 Blavatsky, Madame, 299 Bliss, Arthur, 254 Bloch, Ernst, 280, 315, 390, 391, 505 Blok, Marianne, 471, 477 Blow, John, 202, 206, 207 Boa, Víctor, 488 Bocherini,223,240,252,504 Bodky, Erwin, 209 Boecio, 104, 120, 158 Boehme, Jacobo, 167 Boero, 501 Bohm, G ., 191 Boieldieu, 369, 381, 424 Boito, 500, 505 Bonaparte, Napoleón, 234 Bonporti, 209 Bordes, 282 Bordoni, Faustina, 203 Borgerth, Oscar, 404

5 14 - JA1ME

INGRAM JAÉN

Borgia, Lucrecia, 176 Borodin, 71, 257, 259, 260, 302, 499,505 Boroveli, 431 Bosco,167 Bossuet, 201 Botelho, Manoel de A., 361 Botticelli, 167,266 Boulanger, N ., 289, 390, 391, 395, 410, 411, 413 Boulez,n .306,308,318,332, 333, 334, 337, 479 Boza, Armando, 488 Boza, Lino, 425,426 Boza, Máximo Arrate,425, 426, 463 Bracale, Adolfo, 443 Braga, Ernani, 412 Braga, Francisco, 401, 403 Brahms, 54, 56, 60, 61, 64, 66, 72, 74, 75, 77, 224, 246, 247, 248, 256, 258, 259, 284-285, 288, 301, 308, 385,505 Brailowski, Alexander, 449 Braque,303 Brecht, 69 Brenes, Gonzalo, 443, n .489, 444, n. 492, 449, 460, 465 Brenes, René, 459, 468, 481 Bréngola, Riccardo, 471 Bretón, Tomás, 66, 77, 78, 500 Breves biografías, 127, 150, 205, 231 ., 270, 320, 400 Briceño, Alcides, 435, 436 Brid, Demetrio, 435 Bridge, Frank, 255 Brindis de Salas, 372, 427, 428 Bristow, George, 385 Britten, 64, 254-255, 502, 506 Broqua, Alfonso, 374 Broschi, 203 Brott, Alexander, 377

Brouwer, Leo, 378,479 Bruch, Max, 253, 374, 471 Bruckner, 64, 74, 76, 246, 256, 258, 259, 282, 283, 293, 301,505 Brugel, los, 167 Brulé, Grace, 146 Buck, Dudley, 400 Bulez, 332, 333-334, n .332, 507 Bull, 77,180, 1.88, 503 Billow, Hans von, 278, 296, Burge, Van, der, 448 Burgos, Isabel, 481 Burgos, Luisa de, 455 Burkhardt, 186 Burleight, Harry, 387 Bush, 488 Bosom, Ferrucio, 75, 76, 255, 297, 314, 320, 390, 500, 505 Buxtehude, 55, 60, 193, 206, 214, 503 Byrd, 77, 165, 180, n .148, 206, 503

C Caamaño, Roberto, 377 Caballero, 78, Caballero Pérez, José M ., 483 Cabanilles, Juan, Bautista, 191 Cabezón, Antonio de, 163, 176, 177 n .145,180 n .148, 182,192 Cabezón, Juan,de,177 Cabezón, Fernando de, 163,177 Caccini, 68, 198, 199, 497, 503 Cacolt, Víctor, 470 Cadet, Emilio, 457 Caffarelli, 203 Cage, John, 306, 318, 391 Cajar, José Luis, 463,476

ORIENTACIÓN, MUSICAL- 5 1 5

Calamita, 447 Calcaño, José Antonio, 379 Calderón de la Barca, 78, 186, 356,360 Caldwell, John,132 n .84 Callender, Howard, 488 Calzabigi, 231 Calzudes, Jorge, 448, 455 Cambert, 497 Canierata Fioren tina, 197 Camla, 167,436 Campo, Conrado del, 411 Campos Parsí, Hector, 378 Candé, Roland de, 163 Canto Litúrgico, 113 Canto, Agostino, 405 Capet, Lucient, 438 Capeto, Hugo, 131 Capetos, los, 13'1 Carbone, Ethel, 455,458 Carbone, William, 455,458 Carbonel, Gloria, 455 Cardenal Ascano Sforza, 156 Cardenal Ottoboni, 194, 213 Cardona, Leo, 455, 456,468 Carissimi, 192, 503 Carlos, Damián, 465 Carlos, María Elena, 484 Carlevaro, Abel, 470 Carlo Broschi . Véase Farinelli Carlomagno,118,125, n . 79, Carlos el calvo, 132 Carlos I, 350 Carlos V, 145,156,'174, 176, 177,179, 350, 353 Carlos VII, 155 Carlos V111, 155 Caro Boesi, Antonio, 364 Caro, Fray Juan, 348 Carpentier, Alejo, 259,351, 364, 368, 373, 377, 380, 399, 412, n .450 Carrasco, Félix, 481

Carreño, José Cayetano, 364 Carreño, Teresa, 365, 372, 386, 394,418 Carrillo, Julián, 315, 376, n .404, 447, n .496, 505 Carrizo, Jorge, 489 Carrizo, Yin, 489 Caruso, Enrico, 370, 444 Carvalho, Eleazar de, 376 Casanova, 235 Cascante, José, 355 Casella, 76 Casiodoro, 104,120 Castañeda, José, 376,378 Castañedas, Fermín, 464-465 Castellanos Yumar, Gonzalo, 379 Castillero, Cecilio, 479 Castillo Perea, Alejandro, 472 Castillo Restrepo, Néstor, 485, 486 Castillo, Electra, 472 Castillo, Francisco, 473 Castillo, Jesús, 373 Castillo, Juan, 477 Castillo, Ricardo, 373 Castrati, los, 202 Castro, José María, 374 Castro, Juan José, 374, n .400, 415,506 Castro, Luis Efraín, 464,468 Catalina II, 226 Catalina la Grande, 217 Cate¡, 273 n .272 Caturla, García, 380 Causade, Albert, 448 Caussemaker, Charles, 150 Cavalieri, 68 Cavalli, 200 Cedeño de Alza, Carmen, 470

Centro de Documentación de la Música Contemporánea, 377 n .408

Centurión, De Zayas, F., 378

5 1 6 - JAIME INGRAM JAÉN Ceruti, Roque, 358 Cervantes, Ignacio, 371, 419 Cervera, Natividad, 436 Cervetti, Sergio, 378 Cesti, 92,497 Chadwick, George, 386 Chaikovski,véase Tchaikovsky Chambonnicres, 189,214 Champagne, Claude, 394, 395 Chanson, Victor, 456 Chapple, Stanley, 461 Charpentier, G ., 500 Charpentier, Alberto, 467 Charpentier de Castro, Eduardo, 455, 466-467, 468, 469, 473, 474, 477 Charpentier Herrera, Eduardo 434,437,447, 455, 466, 467 Charpentier, Rommel, 477 Chase, Gilbert, 380 Chatelain, de Coucy, 146 Chausson, 257, 282, 292, 505 Chávez, Carlos, 76, 262,314 375, n .401, 406-407, 409 Chavivi, Mesa, 458,459 Cherubim, 64, 225, 258, 271, 249,480,498,504 Chiari, Luis, 425 Chichaco, Peter, 488 Chopin, 36, 49, 54, 55, 59, 65, 71, 75, 213, 216,230, 237, 246, 263, 274, 276-277, 283,299,309,310,368, 403, 408, 436, 437, 476, 505 Choy, David, 489 Chueca y Valverde, 78 Cicerón, 103 Cimarosa, 61, 219, 226, 369, 497, 504 Cipriano de Rore, 162

Cisneros, 167 Clarambault, Louis Nicolás, 189 Claro Valdez, Samuel, 379 Claudel, 69, 268, 373 Clausse, Jean, 281 Clement, Franz, 224 Clemente V, 167 Clemente VI, 158 Clemente VII, 176 Clementi, Muzio, 75, 213, 229, 240,249,504 Cluzeau Mortet, Luis, 375 Coalla, Hortensia, 442 Cobo, Ricardo, 479 Cobra, Lord, 488 Cocteau, Jean, 267, 268, 373 Codes Calixtinus, 138 Coelho, Marcos, 362 Colbert, 201 Colón, Cristobal 268, 347, 383, 501 Confucio, 94 Conon, de Bethune, 146 Constant, Alexis, 394 Constantino Copérnico VI, 1 .24 n .73, 113, 116, 125, 159 Contrapunto, 35, 36, 282, 292, 390, 433, 461, 484 Contreras, Salvador, 378 Converse, Frederick, 386 Copérnico, 186 Copland, 55, 77, 337, 390, 410-411, 420, 506 Copley, 217 Corazón, de León, Ricardo, 144 Cordero, Roque 364 n .379,378, 449, 450, 460-461-462-463, 469, 477, 482, 494 Cordovés, José María, 424 n . 457 Corelli 57, 193, 195, 209, 263, 504 Corelli, Arcangelo, 214

ORIENTACIÓN, MUSICAL- 51 7

Corneille, 186,201 Cornelius, 499 Coronado, Miguel, 455 Correa, Enrique, 436 Correia de Azevedo, Luiz I-I ., 380,403 Corsi, 199 Cortés, Ricardo Risco, 481, 482 Cortinas, César, 374 Cortinas, Pedro, 481 Cortot, Alfred, 469 Cósima, 278 Cosine, Luis, 377 Cotton, John, 137 n. 89 Couperin, 189, 194, 209, 300, 504 Cowell, Henry, 320 n . 318, 388, 391, 401, 420 Cowell, Sidney, 318 Cox, Ray, 458 Cramer, J ., 229 Cristian, IV, 169 Cristofori, Bartolomeo, 221, 240 Crunell, Gaston, 466 Cruz, Alicia, 457 Cruz, Efrain, 477 Cuevas, Antonio (Toñita), 442 Cui, Cesar, 259 Cuzzoni, sca, 203 Czerny, 76, 230, 277, 504

D Da Nóbrega, Manuel, 349, 356,418 Da Ponte, Lorenzo, 235 Da Silva Negráo, Henrique, 361 Dallapicola, 317,395 Dámaso 1, 116 Damrosch, Leopoldo, 389 Damrosch, Walter, 410 Dandrieu, 189 Danha, 21, 34, 35, 370

Daquin, Louis Claude, 189 Dargominski, 260, 499 Davenant, William de, 202 David, 71, 101, 103, 113, 121, 167, 191, 206, 217, 267, 268, 389, 432, 448, 470, 475, 489 Davidovsky, Mario, 377 Davis, Ferdinand, 224 Davis, Hans, 389 Daza, Esteban, 169 De Castro, David, 448 n .499 De Castro, Herbert, 442, 448, 450,453,455, 458, 460, 477 De Castro, Jacobo, 455 De la Guardia, Edwin, 455 De la Lastra, Gladys, 488 De la Rosa, Chacho, 488 De la Rosa, Francisco, 426 Debussy, Claude, 65, 71, 76, 216, 252, 261, 264, 265, 282, 292, 294-295, 300, 302, 304, 314, 315, 32'1, 324, 372, 481, 500, 505 Deck, s, 455, 458 Defoe, 186 Degnan, 436 Del Mónaco, Alfredo, 379 Del Val, Raoul, 442, 455, 458 Delgadillo, Luis A ., 373, 454, 455 Delgado, Carlos Benjamín, 488 Delibes, 500 Delius, 253, 266, 278 Dello Joio, Norman, 448 Demus, George, 472 Deprés, Josquin, 156, 157, 161, 177 Descarte, 186 Deschamps, Pierre, 477 Devoto, Daniel, 352,398 Diabelli, 75

5 1 8 - JAIME INGRAM

JAÉN

Diaghilev, 322,324 Dianda, Hilda, 377 Díaz, Alirio, 470 Díaz del Campo, Ramón, 424 Díaz del Castillo, Bernal, 343, 353 Díaz, Manuel, 442, n.487,445 Díaz, Virginio, 412 Diderot, 217, 231 Didier, Ivan, 472 Diego de Landa, Fray, 352 n .357 Diego de Nicuesia, 353 n .358 Dinamismo Romántico, 24'1 Dinastía Chou, 94 Dinastía Shang, 94 Dionisio, 97 n . 32 Dioniso ver Dionisio Dittersdorf, Karl Ditter von, 223, Dohnanyi, 56 Don, Pedro 1, 363 Donizetti, 68, 221, 240, 246, 249, 424, 47'1, 498, 504 Dourthé, Alberto, 470 Dowland,John, '169 Du Barry, Haydee, 455 Dubarry, Arturo, 425 Dubarry Jean, Marie Víctor, 425 Dudley, Buck, 400 Dufay, 154,155, 161,175, n .141, 182, Dufourcq, 352 Dukas,P.,264,265,268,292, 321, 331, 333, 505 Dunstable, 154,503 Duparc, H ., 248, 282, 446, 505 Duport, Jean, Louis, 383 Duprat, 377 Dupre, M ., 331 Duque de Arcos, 176 Duque de Lobkowitz, 231 Duque Hércules, 156 Duque, Ellie Anne, 379

Durante, 193, 200, n .175, Durazzo, 231 Durero, 167 Durey, 267 Dussek, 229 Dutari, Carlos, 480 Dvorak, 71, 76, 257, 260, 284, 287-288,301, 387, 446, 500,505 E Eckhart, 157 Edelmann, Juan, Federico, 371 Egoberto, 118 Eichner, 223 Einstein, Alfred, 271 n .268, 389 El Estudio de la Música, 79

El Expresionismo, El

Greco, 167

303

264 Eleta Almarán, Carlos, 488 Elgar, 71, 252, 257, 258, 261, 289290,302,505 Elías, Manual Jorge de, 378 Elízaga, José Mariano, 361 Elmann, Mischa, 449 Emmanuel, M., 331 Emperador Teodosio, 127 Encina, Juan de la, 62, 168, 503 Enesco, 261, 315, 438, 506 Enrique II, 64,145 Enrique IV, 199 Enriquez, Antonio, 442, 452 Enríquez, Manuel, 378 Erasmo de Rótterdam, 155, 167 Erígena, Scotus, véase Escoto de Erígena Erkel, Lászlo, 323 Escalante, Cecilia N . de, 475 Escobar, Luis Antonio, 378 Escobedo, Bartolomé de, 165, 176, 180 El Impresionismo,

ORIENTACIÓN, MUSICAL- 5 1 9

Escoto de Erigen, 132, 157 Escribano, Juan, 165 Escuelas Nacionales, 258 Escuelas Polifónicas, 135 Espadero, 371, 419 Espinal, Gautier d', 146 Espinosa, Antonio, 353 Espinosa, Guillermo, 396 Esquilo, 99 Essipova, 327 Este, Hipólito de, 176 Este, los, 175 Estensoro, Juan, C ., 379 Esterházy,230,233 Estévez, Antonio, 378 Estrada, Jesus, 379 Estrada, Leopoldo, 455 Estyle, A ., 331 Eugenio IV, 175 Euler, 217 Euripides, 99, 232 Expresionismo, 303

F Fabini, Eduardo, 374 Fábrega,Ricardo, 488,489 Facultad de Bellas Arles, 486 Falla, Manuel de, 261, 266, 291, 304, 321-322, 337, 372, 453, 501, 505 Farina, Carlos, 378 Farinelli, 203, 213, 365 Farnaby, Giles, 180 Farwell, Arthur, 387,391 Fauré, 54, 55, 64, 246, 248, 258, 286, 288-289, 292, 434, 438,481 Federico el Grande, 217 Fein, Robins, 449 Feinland, Alexander, 455, 458, 459

Feinland, Elizabeth, 455,458 Felipe el Bueno, 155 Felipe el Hermoso, 156 Felipe II, 77, 177, 348, 351, 352,353 Felipe IV, 77 Felipe V, 203, 357, 365 Félix 111, 128 Fernández, Ramón, 455, 467 Fergo, Tony, 488 Fernández, Pedro, 357,358 Fernández, Gutiérrez, 354,355 Fernández, Frank, 371 Fernández, Oscar Lorenzo, 375 Fernandez, Sergio, 378 Fernando de las Infantas, 168 Fernando VI, 203, 213, 365 Ferri, Baldasarre, 203 Ferroni, Vicenzo, 405 Festa, Constanzo, 276 n.279, Feuermann, Emanuel, 458 Ficher, Jacobo, 374 Fiddler, Arthur, 471 Field, John, 65, 230, 252 Figueredo, Carlos, 378 Figueroa, Daniel, 424 Filartovna von Meek, Nadezda, 287 Filós de Gooch, Priscila, 469, 480 Filtz, 223 Fischer, J .C .F., 60, 210 Fleta, Miguel, 437, 444 Floquet de Marseille, 145 Flores, Bernal, 378 Flotov, Friedrich von, 499 Folio, Cynthia, 479 Folz, Hanz, 149 Fonseca, Julio, 373 Fonteyn, Dame Margot, 465 Foote, Arthur, 383,386 Forkel, 211

520 - JAIME INGRAM JAÉN Estructuras de la Música, 49 Fortoen, Julia Elena, 366 n . 383 Forusete, John, de, 139 Foster, Lorraine, 436 Foster, Noel, 487 Foster, Stephen, 386 Franca, Angelo, 401 sco de Milano, 169 Francisco 1, 156, 169, 176 Francisco José , 285 Franck, 60, 71, 74, 246, 256, 257, 258, 281-282, 289, 301, 375, 453, 505 Franco de Colonia, 138 Franco Teutónicus, 139 Franco, Enrique, 291 Franco, Hernando, 349,352 Franklin, 217,382 Frescobaldi, 56, 76, 153, 188, 191, 192, 209, 503 Freud, Segismund, 293 n .298 Froberger, 191, 209, 503 Fry, William, 385 Fubini, Enrico, 216 Fuchs, Robert, 297 Fuenllana,168, 355 Fuentes, Joan, 455 Fürtwaengler, 329 Fuster, Joaquín, 455 Faster, Manuel, 455, 465 Fux, J ., 229 n .214

G Gabrieli, Giovanni, 76,162, 177, 190,206,503 Gabrieli, Andrea, 76, 162, 166, 177,503 Gade, Niels, 260 Gagliano, 197 Gainsborough, 217 Galilei, Vicenzo, 173, 198 Galileo, 173, 186,198

Galimani, Alberto, 437,443 Galindo, Blas, 378, 407, 482 Gallon, jean, 331, 438 Gallus, Jacob, 166 Galuppi, 203, 219 Garay Caicedo, Epifanio, 433 Garay, Narciso, 373, 424, 425, 426,429,430,431,433434,435,436,437,438, .4 0, 4 8, 450, 453, 494 Garay, Nicole, 426, 433, 436, 439, 440, 449 García Asencio, Enrique, 464 García Caturla, 378, 380, 411-412, 419 García Murillo, Roberto, 375, n .401, 407 García Viardot, Pauline, 383 García Zorro, Gonzalo, 354, 418 García, Fernando, 377 García, Hernán, 355 García, Luis Antonio, 463 García, Luis Carlos, 457 García, Manuel, 204, 369, 383 García, María, Véase Malibrán García, Rafael, 469, 488 Gardner, Leila, 414 Garrido Lecca, Celso, 378, 419 Garrido, Pablo, 377, 446 Gasparini, 193,213 Gautier d'Espinal, 146 Gavoty, Bernard, 276 Gedalge,268 Geiringer, Karl, 389 Gelmi, Josef, 117 Geminiani, 57,195, 504 Georgiadou, Eli, 469 Gershwin, 72,262, 268, 387, 458, 501, 506 Gesualdo, Carlo, 62, 163, 279, 379,503 Gianneo, Luis, 374

ORIENTACIÓN, MUSICAL -

Gibbons, 62, 77,180, 188, 503 Gibon,jean, de,331 Gide, 69 Gigli, Beniamino, 370 Gil, José, 415 Gilbert de Berneville, 146 Ginastera, 55, 353, 377,397, 414-415-416, 502, 506 Giordano, T., 220,501 Giovanni da Cascia, 153 Giulini, Carlo Maria, 471 Glazunov,54 Gliére, 327 Glinka, 260,261, 263,302,371, 499,504 Gluck,200,21.8,221,223,225, 227, 231-232, 281, 293, 383,497,504 Gnatalli, Radamés, 377 Goldmark, 297, 388, 410 Gombert, Nicolás, 162 Gómez Gudiño, Vicente, 488 Gómez, Carlos, 370,419 Gómez, Carmen, S ., 487 Gonzaga, Fernando, 179 González Roig, 375 González Zuleta, Fabio, 378 González, Hilario, 378 González, José Luis, 479 Gordon, Bat, 488 Goss y Schauffler, 284 n .293 Gossec, 223, 226 n .273, Goti, Luisa E ., 436 Gótico Musical, 151 Gottschalk, Louis, M ., 385, 427, 428,445 Gould, Morton, 392 Gounod, 246, 250, 252, 283, 370, 392,435, 499, 505 Goya, 217 Gozzella, 377 Graham, Elena, 457 Graham, Martha, 407

52 1

Gramatges, Harold, 378 Granados, 260, 266, 291, 302, 436, 500, 505 Grant Still, William, 387,454 Gratfelder de Vásquez, Sue, 468 Graves, Earl, 480 Graziani, Alfredo, 440,441 Green, Violeta, 488 Gregor-Dellin, Martin, 279 Greiff, Otto de, 380 Gretry, 226, 369,381 Grieg, 54, 257, 260, 278, 301, 387,505 Grisi, 204 Grocheo,157 Gropius, Walter, 293 Grout, Donald, 111, 141 Grunewald, 167 Grupo de los cinco, 259 Grupo de los seis, 266 Guadagni, 203 Guarnieri (violero), 196 Guarnieri, Camargo, 76, 377, 412-413, 414, 502, 506 Guastavino, 75 Guerra Peixe, César, 377 Guerrero, Pedro, 164, 176, 352, 354,355,356,503 Guido Monaco, Véase Arezzo Guigui Abbo, Efrain, 482 Guillén, José, 455 Guillén, Victor, 448, 455, 468 Guillermo II, 372 Guillermo VIL 145 Guisa, Francisco de, 247 Gutiérrez, Mario, 457 Gyrowetz, 394

H Haba, Alois, 316, Halevy, 250, 285, 498 Halffter, Ernesto, 322

52 2 - JAIME

INGRAM JAÉN

Halffter, Rodolfo, 407, 464,481 Hals, 167 Hündel, 56, 57, 60, 70, 73, 76, 77, 193, 203, 211-212, 213, 218, 231, 233, n,252, 257, 290, 360, 382, 384, 394, 420, 497, 504 Hanson, Howard, 390,458 Hardenberg, Leopold Friedrich, Véase Novalis Harris, Roy, 391 Harvey, 186 Hassan, "chino", 488 Hasse, 203 Hassler, 166 Hauer, J . M ., 307, Hauer, Joseph Mathias, 320 Haydn, 48, 64, 70, 76, 77, 218, n .200,222,228,232233,240,245,256,257, 281, 285, 295, 310, 362, 366, 368, 382, 383, 384, 394, 453, 504 Hegel, 243 Heifetz, Jascha, 254 Heinrich von Meissen, 149 Heinrich, Anthony Phillip, 383 Heiguera, Luis Ignacio, 265 Heller, 61 Henrfquez, Antonio, 435 Henrfquez, Valentin, 455 Hermano Gonzalo, 357 Hermes, 97 n .32 Hernán, Cortés, 353, 498 Hernández López, Rhazés, 379 Hernández, Gisela, 378 Herold, 250, Heron, de Alejandría, 140 Herrarte, Manuel, 378 Herrera, Juan de, 355, 363, 418 Herrera, Rufo, 377 Herz, Henri, 383

Heymann, 386 Hidalgo, Juan, 78, 356 Hilario de Poitiers, 115 Hildebrand, 222, Hildegard von Bingen, 134, 183 Hill, Ureli, 384 Hiller, 69 Hindemith, 60,304, 328-329,389, 337, 501, 506 Hisayuki, Toshihiko, 476 Hitchcock, H . Wiley, 380 Hitokoto, Kazuo, 476 Hoffmann, E .T.A ., 241 Hofmannsthal, Hugo von, 293, 296 Hoger de Werden, 132 n .82 Hogwood, Christopher, 211 Holbein, 167 Hollingue, Juan, de, 156 Hoist, Gustav, 253,481 Holzbauer, 223 Holzmann, Rodolfo, 378 Honegger, 69, 267, 333, 501, 506 Hopkinson, Francis, 382 Horowitz, Vladimir, 268 Hoyos, Esther Guardia de, 455 Huang-Ti, 91 Hucbaldo, 36, 132 n .82 Hume, 217, 230 Hummel, 230 Humperdinck, 387 Hutcheson, Ernest, 388

I Ibañez, Blasco, 280 Idiaques, José de, 359 Irnpresionisno, 264 Indice General de materias, 11 Indy, Vincent d', 257,267 n .262, 268, 282, 289, 292, 375, 289, 374, 375, 390, 434

ORIENTACIÓN, MUSICAL - 5 23

Ingegneri 164, 205 Ingram, Jaime, 159, 381, 455, 462, 469, 472, 475, 476, 480 Ingram, Nelly H. de, 455, 462, 472, 478, 480 Iniesta, Enrique, 470 instituto Nacional de Cultura

(INAC), 473 lotti, Oscar, 455 Ireland, John, 255 Isaac, Heinrich, 166, 260, 265, 291,326 Iturbi, José, 449 Iturrado, Miguel, 424 Iturriaga, Enrique, 378 lturrizaga, Luis, 378 Ivanovska, Carolyna . Lease Sayn von Wittgenstein Ives, 71, 315, 318, 386, 390, 400-401, 420, 505

J Jacchia, Agide, 431 Jackson, Isiah, 454 Jacobo de Mona, 153 Jacobo de Lieja, 152, 158, Jacobo de Todi,122 n .68 Jacobo Leodiensis, 158 Jadassohn, Salomón, 292, n .296 Jaén, Teresin, 489 Janácek,260,262 Janequin, 256 n .247 Janowitz, Hans, 443, 455, 456, 469,480 Jaspe, Angelo, 488 Jean, de Bretel, 146 Jefferson, Thomas, 382 Jerónimo de Moravia, 139, 187 Jey, Zara, 444

Jiménez, Benedicta, 477 Jiménez de Cisneros, 124 Jimeno, Federico, 446, 455, 457 Job, 128 Johannes de Muris, 152,158 Jolivet, 308, 331 Jommelli, 219 Jonas, 384, 449 Joncieres, Victoricu, 370 Johnson, Teresa, 457 Joplin, Scott, 387 Jovane, Elena, 449 Juan de Fornsete, 139 Juan de Garlandia, 139 Juan de Luxemburgo, 174 Juan de Muris, ver Johanes de Muris Juan de San Pedro, 353 Juan de Távera,168 Juan el diácono, 127 Juan, Escoto (Scotus), 132,157 Juan sin Miedo, 154 n,114, Juan, XXII, 174 Jubal,102 Juglares, 145,170 Julia von Spanheim, 134 Julio, Angel C., 427

K Kagel, Mauricio, 377 Kandinsky, 303 Katchaturian, Aram, 55, 261, 471 Keller, Maria Anna, 233 Kepler, 186 Kerll, 191 Kern, Jerome, 388 Kilenyi, Edward, 388 Kipling, 488 Kirkpatrick, Ralph, 213 Klee, 303

5 24 - JAIME INGRAM JAÉN Kleiber, Erich, 327, 376 n .406, 404 Klopstock, 270 Knorr, Ivan, 253 Kodály, 76, 261, 262, 323, 324, 506 Koechlin, Charles, 413 Koellreuter, Hans, 377 Koessler, János, 323 Kohpcke, Arturo, 433 Kokoshka, 293,303 Korngold, 389 Kostelanetz, Andres, 438 Koussevitzky, 323, 407, 410, 413,461 Krenek,77,315,389,460,506 Kreutzer, 56, 224, 498 Krieger, Adam, 189,377 Krieger, Armando, 377 Krieger, Johan, Philipp, 189 Ksendosky, Alexander, 480 Kuhlau, 75

L 197 La Rue, Pierre de, 156, 172, Lacerda, 377 Lafayette, 242 Lafontaine, 201 Lalande, 65 Laliberté, Alfred, 394 Lila, 261, Lamas, José Angel, 365 Lambardi, 443 Lambert, Constant, 254 Landerer, Eric, 455, 468 Landi, 497 Landini, 153, 503 Landowska, Wanda, 322 Landowski, M ., 123 Lang, Paul Henri, 202, 281, 481 Lang, Istvan,481. Lange, Francisco Curt, 361, 379 La ópera,

Lanza, Alcides, 377 Lassos, 62, 65, 135, 161, 163, 164, 165, 172, 178, 179, 182,503 Lauri-Volpe, Giacomo, 456 Laura, Antonio, 378 Lavallée, Calixa, 394 Lavista, Mario, 378, 481 Lázaro, Hipólito, 443, 444, n .494 445 n .495 Lechner, Leonhard, 166 Leclair, 196 Lecuona, Ernesto, 375, n .403, 44L442 Ledezma, Jorge, 476, 483, 487 Lee Johnson, Elizabeth, 463 Legrenzi, 207, 209 Leibnitz, 186 Leibowitz, René, 308, 333 Lejeune, 172 Lekeu,282 Lenz, Wilhelm von, 238 Leodiensis, Jacobus, 158 León, Argeliers, 378, 380 León X,168,359 Leonardo,167,349 Leoncavallo,252,500,505 Leoninus,137,150, 503 Lesueur, 271, 273 n .272 Lesur, Daniel, 332 Lesure, Francois, 296 Letelier, Alfonso, 377 Leuchter, Erwin, 241 Levy, Alexandre, 414 Lewis, Ramona, 426 Ley, Salvador, 378 Liadov, 327 Liberman, Arnoldo, 293 Libowitz, René, 333 Linarles, Abbey, 455 Linares, Carmen, 468 Linares, Maria Teresa, 380 Lind, Jenny, 204,384

ORIENTACION, MUSICAL -

Ling-Luen, 92 Liszt, 49, 59, 60, 64, 65, 71, 72, 75,77,224,230,246, 247, 256, 258, 274, 276, 277-278,279,280,283, 292, 310, 320, 385, 428, 436,505 Lobato, Diego, 349 Lobo, Duarte, 165 Locatelli, 56,195, 196, 504 Lock, Daniel, 207 Locke, 202, 207, 497 Lombana, Abdiel, 481 Lopátegui, José Luis, 470 Lope de Vega, 78, 186, 398 López, Guillermo, 457 López, Manuel, 455 Lord Panama, ver George Allen Lorenzo Fernández, Oscar, 375,403-404,413,506 Loriod, Ivonne, 332 Lortzing, 499 Lozano, Fernando, 481 Luis II de Baviera, 280 Luis XII, 1.56 Luis XIV, 62, 78, 185, 201 . Luis de León, Fray, 167 Lulli, véase Lully Lolly, 66, 76,201, 214, 225, 497, 503 Lutero,57,167,209 Lutoslawski, Witold, 77,224, 506 Lutz,Johanna,436 Lutz, Otto, 436 Luzzaschi, 192 Lyons, Beatriz, 450, 455

M Macdonald, Hugh, 271. MacDowell, Edward, 386 Machaut, Guillaume de, 54,149, 150, 152, 159,161, 174, 182,216,503

5 25

MacKay, Jorge Luis, 438, 460 MacMillan, Ernest, 394 Madeleine Goss, ver Goss y Schauffler Maderna, B ., 317, Maestros Cantores, 149 Magalhaes, Felipe de, 165 Mahler, 74, 247, 248, 255, 256, 283,293-294, 302, 327, 337, 481, 505 Mahu, Stefan,166 Maiguashca, Misias, 378 Málaga, Carlos Sánchez, 378 Malatesta, 175 Malawski, A ., 335 Malebranche, 186 Maleden, P., 285, Malibran, María, 204,383 Malipiero, 317 Malko, 330 Malsio, José, 378 Mancini, Compañía de Opera, 443 Manén, 427,437 Mann, Thomas, 280 Mannis, José Augusto, 377, n .408, 398,507 Manon,291,327,500 Manuscrito de Baniberg, 138 Maquiavelo, 167 Maranzano, José Ramón, 377 Marazzoli, 497 Marcello, 209, 244, 469 Marcelo 11, Papa, 178 Marchand, 189,209 Márchena, Enrique de, 378 Marchettus de Padua, 151 n .109 Marco Fabio,1 .03 Mardones, José, 443 Marec, George R ., 270, 296 Marenzio, Luca, 62, 162, 169, 503

526 - JAIME INGRAM

JAÉN

María Teresa, 78, 217, 232 Marivaux, 217 Mariz, Vasco, 374, 380 Marmontel, 291, 371, 386 Márquez, Carmen, 426 Marschner, 498 Marsik, Martin-Pierre-Joseph 433 Martín, V.,175 Martín y Soler, 226, 235 Martin, Clarence, 464,488 Martin, Edgardo, 378 Martin, Frank, 334 Martin, George, 281 Martinez, Orlando, 442 n .486 Martini, 195, 222, 226, 234, 504 Martino, 260, 389, 506 Martucci, Giuseppe, 456 Mascagni, 61, 252, 500, 505 Mascheroni, 428, 429 Mason, Lowell, 384 Mason, William, 384 Massenet, 246, 252, 500, 505 Mastrogiovanni, Antonio, 378 Mata, Eduardo, 378 Materano, 418 Mathews, William, 385 Mathieu, Rodolphe, 395 Matlowsky, Samuel, 454 Matteo de Perugia, 153 Maudit, Jacques, 172 Maximiliano, 156, 181, 268 Maya, 97 n .32 Mayer-Scrra, Otto, 379 Mayr, Johan, Simon, 249, Mazarino, 201 Medici Melfi, Mateo, 363 Medicis, Laureano de, 171 Medicis, Lorenzo de, 175 Medicis, María de, 199 Medina Alvarez, Angel, 296 Medina, Chacho, 488

Medina, Manuel (Tito), 455,473 Medner, 54 Méhul, 273 n .272,369 Mci, Girolamo, 198 Mejía Andrión, Colombia, 459 Melchor, Antonio, 357 Mendelssohn, 55, 56, 66, 71, 74, 77, 208, 224, 230, 246, 247, 256, 257, 258, 271, 273-274, 301, 394, 395, 446,458,504 Mendes, Manuel, 165 Méndez, Gilberto, 377 Mendizábal, 292 Mendoza Nava, Jaime, 377 Mendoza, Adriana, 455 Mendoza, Carlos, 464 Meneses, Gonzalo de, 357 Mengelberg, Wilhelm, 294 Menotti, Gian, Carlo, 391, 392, 502,506 Menuhin, 449 Mercadante, 220 Mercure, Pierre, 377,395 Merulo, Claudio, 76, 162, 177 Mesómedes, 104 Mesquita, José Joaquín, E . Lobo de, 362 Messiaen, 308, 331-332, n .330, 333, 334, n .334, 337,506 Metastasio, 231, 232 Metis, 97 n .32 Meyerbeer, 65, 246, 249-250, 274, 365, 498, 504 Miaskovsky, 54 Mignone, Francisco, 375,405406,506 Miguel Angel, 167 Miguéz, Leopoldo, 374 Milan, Luis do, 168, 367, 503 Mileri, L ., 431


Milhaud,267,268-269,304,314, 334,337, 372, 389, 395, 406,501,506 Milton, 186, 233, 392, 420, 498 Minnesingers, 182 Miriam, 103 Misa, véase Estructuras musicales Mitropoulos, Dmitri, 461 Miura, hmaki, 445 Moisés, 98, 273, 501 Moliére, 186 Molinaro, 169 Moll, Carl, 293 n .298 Mompou, 266 Mónaco, Alfredo del, 379 Monaco, Guido, véase Arezzo Moncayo, Pablo, 378, 407 Monsigny, 220,369 Montagnana, 197 Montaigne, 167 Monte, Felipe de, 62,164 Montesquieu, 217 Monteux, Pierre, 451 Monteverdi, 45, 62, 67, 164, 192, 200, 205, 206, 244, 279 n .283, 503 Montsalvatge, 463 Morales, Cristóbal de, 135, 164, 176,352,353,367,503 Morel, jean, 448 Moreno, Juan, Carlos, 378 Morin, Leo Pol, 395 Morini, 438 Morley, 62, 180, 503 Moro, Tomás, 167 Moro, Willi, 488 Morris, Harold, 387 Morton, Opera Co ., 443 Moscheles, 230, 384, 400, 504 Motet, de Paris, 138, 138,149 Moussorgsky, 252,257,259,500 Mouton, 156

527

Moya de Cadet, Olga, 457 Moyano, Carmelo, 478 Moyse, Marcel, 466 Mozart, 41, 60, 64, 65, 74, 75, 77, 195, 219 n.200, 226 n .212, 206, 212, 218, 220, 222, 226, 227, 218, 230, 234-235-236, 237,240,245,256,270, 271, 281, 293, 310, 313, 362, 363, 366, 371, 394, 412, 446, 471, 481, 498, 504, Muffat, 196, 503 Munch, Charles, 413 Munenbeek, Lienhard, 149 Muñoz, Avelino, 433,446, 488 Muñoz, José Luis, 379 Muññoz, Toby, 489 Muris, 158 Murt, Arturo Merel, 440, 441, 447 Música en América, 341 Música en Europa, 109 Música en la Antigüedad, 87 Música en Panamá, 423 Mussorgski, 252, 259, 260 n .252, 263, 315, 331, 500, 505 Myers, Walter, 435, 442, 445, 446, 447, 452, 455, 458, 477

N Nabucodonosor,89,101 Nadan, Eduardo, 438 Nanerl, 234 Nanino,1 .64 Nardini,195, 195,504 Narváez, Luis de, 167, 355, 367, 503 Nascimento, Frederico, 401, 403 Natola, Aurora, 415

5 2 8 -JA1ME INGRAM JAÉN Navarre, Gustavo, 377 Navarro, Juan, 352 Navarro, Pipo, 488 Navas, Manuel L, 453 n .504 Nazahualcoyotl, 346 Nebrija, 167 Nepomuceno, Alberto, 373 Nerón, 104 Neukomm, Segismundo, 362, 363 Neves, Ignacio Perreiras, 362 Newton, 186 Nicolai, 54, 499 Nicolaiev, L, V ., 330 Nieto, Mane, 488 Nietzche, 243, 296, 299 Nilsson, Birgit, 204 Nobre, Mirlos, 377 Nóbrega, Manuel da, 349, 356, 418 Nono . L., 317,395 Nordraak, Richard, 260 n.255 Noriega, Ricardo, 480 Norris, Homer, 387 Notker, Balbulus, 121 n .65 Nova, Jacqueline, 378 Novaes, Guiomar, 413 Novak, 316, Novalis, 243, 270 Nugent, Dino, 487,489 Nunes García, Mauricio, 362 405,418 Nunhes, Leonardo, 349

o

Obarrio, Carmen, de, 451 Obrecht, 155, 503 Ockeghem, 64,155,171, 503 Odington, Walter, 139 Offenbach, 55, 499, 505 Olen, 98

Olivares, Juan, Manuel, 364 Oller, Julieta, 456 Orbón,378 Ordinarium, 63, 64, 141 Ordoñez, Augusto, 443 Orejón y Aparicio, José, 364 Orellana, Gilberto, 378 Orellana, Joaquín, 378 Orff, Carl, 69, 148, 482, 501, 506 Orillac, Adriana, 435, 436, 437, 449, 455, 468 Orlando de Lasso, véase Lassus Orrego $alas, Joan, 377,419 Orsini, Yolanda, 457 Ortiz de Zárate, Eleodoro, 370 Ortiz, Diego, 165 Ortiz, Juan, 353 Ossian, 270 Oswald, H ., 403 Otger de Sans Pons, 132 n .82 Ovidio, 151, 152

P Pablo 1, 226 Pablo 111, 351 Pablo, Luis de, 311 Pacchierotti, 203 Pachelbel, 60, 191 Padilla, Matías, 477 Paesky, Efrain, 396,397 Paganini, 55, 56, 224-225,246, 258, 263, 272, 285, 301, 372,504 Paine, Charles, 455 Paine, John, 386, 420 Paisiello, 200, 220, 226, 240, 369, 497, 504 Palacio y Sojo, Pedro, 364, 418 Palestrina, 64, 65, 135, 161, 163, 164, 165, 178,179,183, 216, 281, 352, 353, 501, 503

ORIENTACIÓN, MUSICAL - 52 9

Palisca, Claude, 111, 141 Palma, Athos, 415 Palomares, Joaquín, 426 Pan, 93, 97, 98 Pandolfo, 175 Papiro de Oxyrhynchos, 115 Paracelso, 167 Parada de Fábrega, Ruth, 456 Pardo Tobar, Andrés, 379 Pardo Tristán., Emiliano, 479 Paredes, Marta Estela, 488 Parisienses, Albertus, 138 Parker, Horatio, 386, 400, 420 Parry, Hubert, 253 Pasquini, Bernardo, 192 Pasta, Giuditta, 204 Patti, Adelina, 204, 384 Patti, Carlotta, 384 Paulo 111, 176 Paz, Juan, Carlos, 307 n .309,318, 374, 376, n .405, 398, 506 Paz, Víctor (Vitín), 488 Pedrel, Carlos, 373 Pedrel, Felipe, 142, 260 n .253, 292, Pedro de Gante, 348, 349,418 Pelagio 11, 128 Peña, Juan, de la, 355 Penderecki, 57, 335-336, 337,507 Pentland, Barbara, 377 Pepino el Breve, 124 n .73 Peralta, Esteban, 427 Perdomo, José Ignacio, 355, 379 n .380 Pereira, Sá, 412 Pérez de Jiménez, Carmen, 425 Pérez de Troetsch, Margarita, 480,481 Pérez Materano, Juan, 349, 351,356 Pérez, Danilo, 488,489 Pérez, Gilberto, 452,455

Pergolesi, 60, 69, 200, 497, 504 Peri, 68, 187, 199, 257, 276, 497,503 Perini, Flora, 443 Período Barroco, 185 Periodo Hornofónico, 215 Período Monofónico, III Período Polifónico, 131 Perotin, véase Perotinus Perotinus, 137, 150, 150 n.107, 152,161,174,503 Petrarca, 64,151,152, 157, 167,270 Petrassi, 76 Petri, Egon, 451 Petrucci, Ottaviano, 161 Petrus de Cruce, 138, 158 Petrus Platensis, 156 Peyser, Ethel R ., 102,209 Pfitzner, 501 Philidor, 220 Philip Heinrich, Anthony, 383 Philipp, Isidor, 437 Phillipot, 306 n .308 Phillips, Betty, 486 Piatigorsky, Gregor, 449 Piccini, 200, 232 Pico de la Mirandola, 167 Pierné, 282,436 Pierre de la Croix, ver Petrus de Cruce Pimasonio, Guiseppe, 431 Píndaro,99,105 Pineda Duque, Roberto, 378 Pinilla, Enrique, 378 Pinto, Luíz Alvares, 361 Pisacarri, José Antonio, 369 Pisador, 168 Piston, 77,390 Pizzeti, 501 Plachard, Alejandro, 379 Plaidy, 400 Platón, 100, J20,171

530 - JAIME

INGRAM JAEN

Pié, Simone, 448 Pleyel, 383, 394 Plutarco, 89 Polión, 104 Pomponio Nena, 163 Ponce de León, José María 370,424 Ponce, Manuel, 373, 379, 406 Ponchielli, 290, 499, 505 Pons, Emilio, 429 P6rpora, 203, 233 Porras, Carlos, 457 Porras, Presidente, 424 Porter, Cole, 388 Portocarrero Lasso de la Vega, 357 Portugal, Marcos Antonio, 363, 367 Poulenc, 267, 286, 501, 506 Pousseur,395 Power, Lionel, 154 Pozzi Escot, Olga, 378 Praetorius, 56, 58, 190 Pratella, sco B ., 305 . Prats, Rodrigo, 375 n .403 Premio Iberoamericano de la Música, 181 Prescot, Reginal, 488 Príncipe Melzi, 231 Príncipe Teodoro, 222 Prokofiev, 300, 304, 314, 327-328, 337, 482, 501, 506 Proksch, Joseph, 283 Propiwn, 63,141 Prudencio, 115 Ptolomeo, Claudio, 120,299, Puccini, 66, 252, 290, 291, 301, 302, 304, 500, 505 Puga, Nicole Marie, 487 Pugnani,195 Puleyo, Jacqueline, 477 Pulgar Vidal, Francisco, 378 Purcell, 194, 202, 206, 214, 504

Q Quadrivium, 116 Quantz, 191 Quelquejeu, Lía, 455 Quesnay, 217 Quesnel, Joseph, 394 Quevedo, Juan, de, 348, 359 Quintiliano, 103,120 Quintanar, Hector, 378 Quintero, Edgardo, 470 488 Quirós, Ricaurte, 448

R Rachmaninoff, 55, 71, 74, 76, 224, 262-263, 389, 505 Racine, 186, 201, 427 Rafael, 167, 378, 469, 475 Raff, Joachim, 386 Rage, Alexis, 379 Raimbaut de Vaqueiras, 145,158 Raimon de Miraval, 146 Rameau, 34, 189, 194, 214, 216, 220, 223, 227, 231, 286, 504 Ramírez, Francisco, 488 Ramón y Rivera, Luis Felipe, 379 Ramos de Pareja, Bartolomé, 172 n .153,187 Randel, Don, 102 n .45, 303 Ratz, 320 Raval, Sebastián, 165 Ravel, 55, 65, 71, 75, 76, 265, 261, 264, 286, 287, 289, 300, 302, 304, 312, 314, 321,324,438,505 Real, Cruz Vera del, 440, 447 Rebolledo, Pedro, 447, 450, 455, 460,463 Recio, Martin, 272 Reese, Gustave, 100


Roger, Max, 60, 77, 247, 255 312,505 Regnard,172 Reicha, 271, 282 Reinagle, Alexander, 383 Reinecke, 292 Reiner, Raúl, 487 Reinken, 191,211 Rembrandt, 186 Rengifo, Americo, 469, 480 Renuccini, 199 Respighi, Ottorino, 71, 266, 403, 405,505 Revueltas, 337, 375,408-409, 451,506 Reyes, Elionct, 477 Reyes, Isaac, 477 Reynolds, 217,455 Riba, José Antonio, 488 Ribera, 167 Ricardo Corazón, de León, 144 Richelieu, 186,201 Richter, 223 Ridout, Godfrey, 377 Ried, Aquinas, 370 Riegger, Wallingford, 388,390 Rieppel, Daniel, 478 Rimski-Korsakov, 257, 259, 263, 299, 302, 324, 330,438 Rippe, Alberto de, 169 Riquier, Guiraut, 146 Roberto de Sabilon, 138 Robertson, A ., 89,113 Robinson, Harlow, 327 Rocha, Francisco Gomes da, 362 Rochberg, George, 392 Rochlitz, 211 Rode, Pierre, 196 Rodil, Antonio, 361 Rodrigo, José Luis, 479 Rodríguez de Jacobson, Ema, 451,455

53 1

Rodríguez De Sá, Elcio, 484 Rodríguez, Guillermo, 488 Rodriguez,José Manuel, 425 Rodríguez, Lisi, 480, 487 Rodríguez, Papito, 488 Rodríguez, Petronila, 457 Rodríguez, Vicente, 448,455 Roger, Nigel, 481 Roig, González, 375 n .403 Roldán, Amadeo, 375, n .402, 412,506 Rolland, Romain, 236 Roman, Stella, 442 Romanticismo ver Dinamismo Romántico

Rosanska,449 Rosen, Henry, 455 Rossi, 192, 200,497 Rossini, 55, 67, 204, 221, 224, 240, n .201, 246, 248, n.239, 274, 383, 424, 498, 504 Rouault, 303 Rousseau,61,190,217,235 Roussel, Albert, 260, 267, 321, 390,448f505 Rubens, 167,186 Rubinstein, Anton, 365 Rubinstein, Arturo, 286, 322, 401, 408,449 Rufo, Titta, 456 Rugeles, Alfredo, 379 Ruhlmann, Francois, 413 Ruiz de De la Guardia, Ana, 451, 455,468 Ruiz Espadero, Nicolás, 371 Ruiz Vernacci, Enrique, 454, 455, Ruiz, Andrés Ciudad, 341, 344 Ruiz, Juan,147 Russell, Luis, 488 Russola, Luigi, 305, Rust, 224

532 - JAIME INGRAM JAÉN S Sacchini, 225 Sachs, Curt, 389 Sachs, Hans, 149,499 Sáenz, Alicia, 469 Safonov, 299 Saint-Malo, Alfredo de, 435, 437, 438-439, 451, 453, 454, 455, 456, 457, 458, 459, 460,477 Saint-Malo, Bierman, de, 435 Saint-Saens, 71, 77, 246, 251, 256, 272, 278, 282, 283, 285-286, 288, 312, 436 Saiz Salazar, Marina, 464 Saiz, Julio, 455 Saiz, Rufino, 447, Sakadas,247 Salas y Castro, Esteban, 364 Salas, Mireya, 481 Salazar, Adolfo, 98, 177, 211, 325,407 Salazar, Antonio de, 359 Saldívar, Gabriel, 379 Salgado, Luis, 378 Salgado, Susana, 379 Salieri, Antonio, 220, 226 n . 212, 230,235 Salinas, Francisco, 163 Salomon, Johann Peter, 101, 178, 212, 233, 292 Sammartini, 223, 231, 504 San Agustin, 115, 127 San Ambrosio, 58, 11.5, 117, 121, 127,129,503 San Basilio, 117 San Benito, 58,118 San Clemente, 114, 117 San Efrén, 117 San Eugenio, 120 San Fulgencio, 125

San Gregorio magno, 103, 118, 127, 127 n.78, 129, 143, 164,171, 456, San Gregorio Micianceno, 117, San Idelfonso, 125 San Isidoro de Sevilla, 120, 125, n .76, 129 San Jerónimo, 116, 213 San Juan, 25, 87, 128,176,179, 206, 210, 263, 366 San Juan Bautista, 25 San Leandro, 125 San Pablo, 113,257 San Silvestre, 117 Sánchez de Fuentes, Eduardo, 373 Sand, Gorge, 276 Sandi, Luis, 407 Sandor, 449 Sandoval, Samy, 489 Sandoval, Sandra, 489 Sanjuán, Pedro, 411 Sanromá, Jesús María, 449 Santa Cruz, Domingo, 373 Santa Florentina, 125 Santa María, Tomás de, 163, 177, Santo Tomás de Aquino, 116, 157, 122 n .68 Santoro, Claudio, 377 Santórsola, Guido, 378 Sarasate, Pablo, 196, 372 Sarmientos, 378,475 Sarno, jama, 349 Sarrier, Antonio, 361 Sás, Andrés, 373 Satie, 266, 267, 304, 315, 321, 337, 372, 406, 505 Sauce, Angel, 378 Saúl,100,191,2 1 2 Saumel, Manuel, 371, 419 Savard,386 Saverio, 195


Sayn, Wittgenstein, 279 Scalabrini, Alessandro, 431 Scalero, 392 Scarlatti, Alejandro, 194, 200, 213, 214, 21 .6, 504 Scarlatti, Domenico, 193, 212, 213, 252 n .244, 365, 504 Schaeffer, P., 306 n .308,334 Schauffler, Robert H . ver Goss y Schauffler Scheidt, 58, 188, 190 Schein,58,1 .90,503 Scherchen, 317, Schidlowsky, León, 377 Schiller, 54, 270, 436 Schindler, Alma, 293 Schipa, Tito, 437, 456 Schmitt, 321 Schnitzler, Arthur, 293 Scholz, Detlef, 486 Sch6nberg,293 n .298,317,320321, 372 Schopenhauer, 243 Schradem, Leo, 389 Schrecker, 316, Schubert, 49, 54, 59, 64, 71, 74, 77, 241, 245, 246, 247, 248, 256, 258, 270-271, 275, 276, 278, 285, 301, 309, 375, 419, 446, 447, 504 Schultz, Roberto, 457 Schumann, 54, 59, 75, 76, 77, 224, 246, 248,252, 256, 257, 258, 260, 275-276, 277, 279, 284, 285, 301, 310,385,436,446,505 Schumann, Clara, 283 Schiitz, 64,166, 190, 199, 206 Sciarretti, Alberto, 455, 456, 458 Sciarretti, Salvador, 456 Scott, Cyril, 253,

53 3

Scott, Walter, 270 Scriabin, 71, 247, 266, 279, 299, 300, 301, 302, 505 Seeger, Charles, 396 Segismundo, 175 Segovia, Andrés, 447 Sémele, 97 n .32 Séneca,103 Senfl, Ludwig, 166 Sequeira Costa, 480 Serebrier, José, 378 Servellón, Estevan, 378 Sessions, 390, 392 Sevigné, Madame de, 201 Sforza, los, 175 Sforza, Maria, 156 Shakespeare, 71, 202, 270, 273, 274,284 Sheaffer, Myron, 460 Shelton, de Jimeno, Nini, 457 Shostakovich, 60, 304, 330-331, 337f 482 Sibelius, 71 ., 75, 259, 261, 297-298,302, 329, 505 Sigaldi, 443 Siglo XX, 303 Silberman, 221, 222 Siloti, 262, Silva, N . Henrique da, 361 Silvera, Eudoro, 453 Silvestre I, 128 Sixto IV, 171 Slonimsky, Nicolas, 380, 389, 439 Small, Carmen, 477 Smallens, Alexander, 444 Smetana, 71, 257, 260, 283-284, 288, 499, 505 Smith, Adam, 217 Smith, Mauricio, 488 Smithson, Harriet, 271

Sociedad Daniel de Conciertos, 449

534 - JAIME

INGRAM JAÉN

Sófocles, 99, 267 Sojo, Vicente Emilio, 373,419 Solares, Enrique, 378 Soler, Antonio, 213, 365,372 Solomon, Maynard, 236 Somers, Harry, 377,395 Sontag, Henriette, 204 Sor, Fernando, 225 Sor Juana Inés de la Cruz, 359 Soro, Enrique, 375 Sosa, Santiago, 432, 449, Sousa, John, Philip, 388, 420 Soustelle, Jacques, 346 Spinacino, 169 Spinoza,186 Spoel, Marta, 469,471 Spohr, 224,246, 257,384,498, 504 Spontini, 226 Stamaty, C ., 285, 385 Stamitz, J ., 222, 504 Stamitz, Karl, 223 Stampiglia, 360 Stanford, Charles, 253, Stanziola, Osiris, 477 Steinberg, M . 0 ., 330 Stern, 279, 320, 449 Steuermann, 320 Stevens, D ., 89, 113, Stevenson, Robert, 380 Still, William Grant, 387 Stockhausen, 318, 332, 333, 334, n.334,337, 507 Stokovsky, 482 Stolzer, 166 Storchio, Regina, 443 Stracciari, Ricardo, 443 Stradella, 57, 195 Stradivari, 196 Stratton, Stephen, S ., 273 Strauss, R. 252, 255, 296-297, 302, 313, 320, 405

Stravinsky, 56, 64, 69, 71, 216, 263, 265, 304, 308, 312, 314,31.5,321,324-325, 389, 398, 406, 407, 477, 482,501,506 Strobel, Heinrich, 335 Stuckenschmidt, 320 Suárez Urtubey, Pola,4'14 n .452, 415 n .454 Suárez, Francisco, 242 Subirá, José, 91,139 Sugiyama, Tomoko, 476 Suk, 260, Sullivan, Arthur, 252, Sumaya, Manuel de, véase Zumaya Supé, 66, 499 Süssmayr, 235 Susto, Juan, Antonio, 357 Swarovsky, Hans, 464 Sweelinck, 58, 188, 503 Swift, 186 Szell, George, 392 Szeryng, Henryk, 457

T Tacchia, Agide, 431 Tafuro, Franco, 444 Tagarópulos Maritza, 469 Tagliabue, Carlos, 444 Tailieferre, 267 Taine, 107,109 Talbot, Michael, 207 Tallis, 165,180,503 Taneiev,262,286,299,505 Tapia, Gabriel, 470,479 Tartini,195, 504 Tauriello, Antonio, 377 Taverner, 165 Taylor, Deems, 458 Taylor, Ronald, 275,279

ORIENTACIÓN, MUSICAL-53 55

Tclraikovsky, 55, 56, 71, 74, 75, 76, 77, 246, 248, 256, 286-287, 296, 302, 313, 437, 500, 505 Tcherepnin, 327 Telemann, 193, 211, 504 Temprana polifonía, 131

Teodorico el Grande, 120 Teofrasto, 167 Terpandro, 98 Terpnos, 104 Terzi, 169 Thalberg, 372 Theremin, 44,391 Thibaut IV, 146 Thisquesua, 354 Thomán, István, 323 Thomas, Ambroise, 370 Thomas, Theodore, 385 Thompson, 439 Ticas, Oscar, 457 Tiech,243 'rinctoris, Johannes, 155, 172 Tinto reto, 167 Tippet, Michael, 254 Tirelli, Teodoro, 470 Tirso de Molina, 235 Titelouze, 188 Tiziano, 167 Tomás de Celano, 64 n .18, 122 n .68 Tomasek, 229 n .215 Tomkins, Thomas, 180 I 'orcuato Severino, Anicio, 120 n .60 Toro, Mercedes de, 415 Toro, Teresa, 481 Torrejón, y Velasco, 356, 357, 358,360 Torres, Juan, de Dios, 363 Torrone, Eugenia, 426 Tosar, Héctor, 378, 419, 507

Toscanini, Arturo, 47,406 Traetta, 200, 203, 219 Trivium, 116 n .55 Troetsch, Luis, 480 Troetsch, Marcela, 488 Troetsch, Margarita, 480 Trovadores, 54, 174,182 Troveros, 144,146, 182 Tschudi, Burkhardt, 222 n .204 Tufts, John, 381 Tugel,217 Tunsted, Simon, 151, 152 Tuotilo, 121 n .65 Turin, 291 Tye, 165 U Ugarte, Floro, 374 Uribe-Holguín, Guillermo, 373 V Vaccaro, Humberto, 443, 457 Valcárcel, 378 Valdés, Juan, B ., 442, 445 Valdés, Octavio, 353 Valencia, 280, 377, 404, 433 Valera, Roberto, 378 Vallarín, Francisco, 444 n .491 Valle Riestra, José María, 373 Vallerand, Jean, 377 Van, Dyck, 167, 186 Van, Swieten, Gottfried, 233 Varc$reel, Edgar, 378 Varese, Edgar, 375 n .402, 389, 390,406,420,454 Vargas Ugarte, Rubén, 366 n .382 Vargas, Nenito, 489 Vasquez, Claudio, 468 Vaughan Williams, Ralph, 253, 254,261,505

5 3 6 - JAIME INGRAM JAÉN Vega, Aurelio de la, 378 Veiga, 446 Velásquez, Glauco, 167,186, 374,470 Velazco Llanos, Santiago, 378 Velázquez, José Francisco, 364 Velzayaga, Cristóbal de, 355 Venegas de Henestrosa, Luis, 177 n .145 Vengerova,392 Vera del Real, Cruz, 440, 447 n .498 Verachini,195 Verdi, 55, 64, 68, 76, 146, 246, 251, 258, 281, 282, 291 ., 301, 370, 391, 431, 471, 499,505 Vergara, Ulpiano, 489 Vergara, Victorio, 489 Vergel, Rebeca, 455 Veronés, 167 Viadana, Lodovico, Grossi de, 187 n .154 Viardot, 204 Vicentino, Nicola, 162 Vicio¡, Cleo, 443 Victoria, Tomás Luis de, 64, 65,161,165,176,178, 180, 216, 247, 324,352, 355,367,402,483,503 Vieuxtemps, 196 Villa Lobos, 71, 262, 264, 266, 374, 375, 401-402, 414, 468, 482, 506 Villalaz, Ana, 455 Villalpando, Alberto, 377 Villate, Gaspar, 370 Viotti, 195, 504 Virgilio, 1 .68 Vitry Felipe de, 151, n .109, 152,158,174,503 Vittori, 192

Vivaldi 57,194,195,196, 207, 208, 209, 213, 214, 218, 244, 247, 481, 504 Vives, Luis, 167, 167,321 Vogelweide, Walther von der, 147 Vogler, 249, Voltaire, 217,231 Vorisek, (Vorzischek) 229 n .215 270,504 Vorzischek, véase Vorisek Vourabourg-Honegger, Andrce, 333

w Wáckinger, Regina, 179 Wagenseil, 223 Wagner, 65, 68, 71, 147, 149, 221, 224, 228, 232, 246, 251, 256, 259, 276, 278, 279-280, n .284, n .285, n.286, n .287, 281, 293, 296, 308, 310, 384,431, 446,499,505 Wakefield Can, Chales, 458 Walden, Herwarth, 303 Walker, Alan, 277 n .281 Walter, Arnold, 471 Walter, Bruno, 293 Walter, Guillermina de, 447 Walton, 76, 254, 506 Washington, George, 382 Wassermann, Jakob, 293 n .298 Weber, 55, 65, 75, 245, 246, 251, 271, 281, 324, 329, 383, 451,504 Webern, 308,320, 325-326,506 Weill, Kurt, 69, 389, 502 Weinstock, Herbert, 286 Weiss, A ., 391 Weisse, H ., 392


Weissenberg, 449 Werckmeister, 210 Werfel, Franz, 293 White, Gene, 488 White, José, 371 Wider, 268,390 Wiechowicz, S ., 335 Wieck de Schumann, Clara, 275 Wieck, Friedrich, 275, Wieniawski, 196,438 Wiley Hitchcock, H ., 380 Willaert, 62,156, 161, 180, 503 Willam, Healey, 394 William, Alberto, 373 Wilson, Bárbara, 488 Winckelmann, 217 Wingenstein, Paul von, 300, Wislocki, Stanislaw, 476 Wolf, Hugo, 247, 248, 266 n .260 284,500,505 Wolf, Johannes J., 145 Wolf-Ferrari, 501 Wtilfflin, 186 Wolfram von Eschenbach, 147 Wolle, J . Frederick, 382 Wolpc, 389 Wood, 254 Wright, Maurice, 479 Wiinderlich, Elaine, 456,457

x

Xenakis, Janis, 332 Ximénez, Francisco de, 352

Y

Yamashita, Yoko, 476 Yves y Ada Rómy, 284

53 7

z Zacarías, 113 Zaggy, Harold, 488 Zárate, Dora P. de, 450 Zárate, Manuel, 450 Zaremba, N .L, 286, Zarlino, 161, 173, 198 Zelter, 249, Zemlinsky, Alexander von, 320 Zepeda, Gregorio, 456 Zeus, 97 n .32 Zhukova, Angela, 487 Zimmermann, 282 Zingarelli, 220 Zipoli, Doménico, 363 Zozaya, Enrique, 440 Zozaya, Ricardo, 440, 446, 447 Zumaya, Manuel de, 359, 418, Zurbarán,167,186 Zweig, Stefan, 293

Música Contemporánea (Palacio de Bellas Artes, de Ciudad México en 1964) ; Latino Americano de Música (Universidad de San Marcos, Lima, 1965) ; Internacional de Coligny (Ginebra, Suiza, 1973) ; Internacional de Pianistas (Bucaramanga, 1988) ; el Internacional de piano "Bogotá 450 años" (1988) ; el Internacional de Tunja (1988), etc . En 1959 obtuvo el Premio de Disco de Río de Janeiro, con el sello Ricordi . A dos pianos con su esposa ha grabado cinco CD cubriendo una amplia gama de la literatura para los dos instrumentos, que se extiende desde el período barroco hasta hoy . Grabó así mismo 15 Canciones Infantiles que se cantan en Panamá en arreglos propios para dos pianos . Ha sido Profesor de piano en el Conservatorio Nacional de Música de Panamá, Profesor superior de piano en la Academia Paulista de Música (Sao Paulo, Brasil) y es en estos momentos Profesor Extraordinario en el Departamento de Música de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá. Es autor de múltiples artículos publicados en diferentes revistas y periódicos nacionales que versan sobre cultura en general y música en particular . Es autor también de un extenso ensayo intitulado Historia, Compositores y Repertorio del Piano, publicado en 1978 por el Ministerio de Cultura, Juventud y Deporte de Costa Rica . Una segunda edición revisada, de este ensayo, ha sido publicada en la Editorial Universitaria (EUPAN) de Panamá en 1993 . Por último la obra didáctica, Orientación Musical, lanzada en su primera edición por la Editorial EUPAN, en 1978, ha tenido tres impresiones además de la presente edición, revisada y ampliada . Ha sido Embajador de la República de Panamá en varios países . Es Miembro de la American Liszt Society y de la Scriabin Society of America .

Ingram, J. - Orientación Musical.pdf 653ut

Overview 4q3b3c

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