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Ars antiqua El Ars antiqua es un período de la historia de la música que comprende los siglos XII y XIII. Su fundamento es la creación de la famosa Escuela de Notre Dame de París, de la que surgirán dos-Época que comprende entre entre los ss XII - XIII - En el s XIV se establece el concepto como el opuesto al Ars Nova. - El término Ars Antiqua ha terminado aplicándose no sólo a las obras polifónicas compuestas en el siglo XIII, sino también a las procedentes de siglos anteriores, particularmente a las obras polifónicas tempranas elaboradas dentro del círculo musical de la escuela de Notre Dame, cuyos principales representantes fueron los maestros Léonin y Perotin. Así pues, cabría establecer dentro del Ars Antiqua una división entre la música sa de la escuela de Notre Dame, compuesta entre los años 1160 y 1260, y la procedente del período que va desde el año 1260 hasta 1320. El origen del A. a. se halla, en primer lugar, en la música sagrada de NotreDame de París anterior y posterior al 1200. Las formas principales fueron: el organum, conductus, el motete, el hoquetus y el rondeau. En el repertorio del A. a. domina el ritmo ternario sobre el binario, siguiendo la teoría de los seis modos rítmicos, con su notación mensural cuadrada, inventada para expresar el ritmo modal de la polifonía.

Generos Musicales del Ars Antiqua 1.- Conductus: Forma poético musical que constituyo el origen de una gran parte de la lirica religiosa y cortesana medieval. Originalmente era utilizada en la liturgia, mientras el sacerdote se movía de un lugar a otro, por ejemplo al dirigirse al dirigirse al púlpito el diácono, acompañado de su cortejo para el canto del Evangelio Caracteristicas generales: El conductus suele tener de dos a cuatro voces, y una de sus características más importantes es su estilo homofónico: hay un sentimiento acórdico bastante claro (en la Edad Media, el "estilo conductus" hacía referencia a la homofonía). Todas las voces tienen la misma tesitura, razón por la cual no se dan cruces o choques entre voces. Además, las voces tienen todas el mismo texto (al contrario que en el motete de esta época). Se escribía en forma de partitura, dejándose el texto debajo de la parte del tenor. Este tenor podía ser un cantus firmus de alguna composición preexistente (litúrgica o profana) o de nueva creación: así, en los conductus se de por primera vez una composición totalmente nueva (todas las voces son de nueva creación). Tienen como melodia fundamental canciones profanas de troveros, también surgen melodías sacras de conductus como canciones de troveros Se cantaba siempre en latín. El texto es generalmente silábico, lo que hace que sea muy difícil determinar el modo rítmico de las voces. Tipos de Conductus: Existen dos tipos de conductus: el conductus simple y el conductus embellecido. En el conductus embellecido se introducen pasajes melismáticos sin letra, llamados caudae. Estas caudae van normalmente al comienzo o al final del conductus, aunque,

ocasionalmente, pueden ir en su interior. Con las caudae se introducen elementos de contraste y variedad. El conductus simple no tiene caudae. Forma: La forma del conductus es similar a la de los himnos (forma estrófica, cada estrofa con la misma música). Normalmente cada verso lleva una melodía distinta, aunque también se pueden dar repeticiones de melodías. A veces podemos encontrar las siguientes formas: -

aabc abab aabb

Algunos conductus tienen estribillo, siendo así su forma más parecida a la de la canción profana. (Mostrar ejemplo audio, consultar Esteban) 2.- Hoquetus: Se remonta en cuanto a su técnica de composición a la época de Notre Dame. Exisen las voces superiores de los organa, partes en que las voces presentan alternadamente pausas, de tal modo que siempre una calla cuando otra canta y viceversa. El cambio ocurre con rapidez y de nota a nota. De entre varias voces siempre son solo dos las que hoquetean (ejemplo pagina 208 C y 34 del libro). Las partes de hoquetus son virtuosas y expresivas, por ello están situadas en pasajes de gran importancia en cuanto a texto y forma. Cabe destacar que antes del siglo XIII, el hoquetus pasa de ser una estructura de composición a un género. 3.- Rondeau: ( rondellus en italiano, rotundello en castellano, rondell en catalán) Composición poético musical en forma de danza cantada, muy usada en la música monódica por lo trovadores y troveros. Es una forma musical que acompaña la danza cortesana para cuya ejecución se requiere un cantor solista para las estrofas y un coro que contesta. Dos periodos musicales alternados entre solista y coro conforman el Refrain. Su forma más simple abarcaba seis versos: aAabAB Las letras mayúsculas indican el refrain. A B a A a b A B ------------------> Otra variación de la forma. 4.- Organum: Ya no es la palabra que designa la polifonía en general, sino también la elaboración del canto, para ello la época de Notre Dame vuelve a servirse del canto gregoriano, más exactamente los cantos responsoriales de la misa (graduale, aleluya) y del oficio (en especial el matutinum y las vísperas). Se constata la aparición por primera

vez en la historia humana de terceras y de sextas como consonancias imperfectas. (Las consonancias perfectas siguen siendo la quinta, octava y cuarta.

En el siglo XI el duplum y el tenor (vox organalis) continúan moviéndose nota contra nota, pero dejan ya el movimiento paralelo único y efectúan el movimiento contrario y el oblicuo, cruzandose ambas voces. El tenor o tema gregoriano, aparece ya en la voz inferior. Dato: El tropario de Winchester: fuente musical más rica, escrita con notación neumática y melódicamente ilegible. A fines del s. XI y mediados del XII, la voz añadida va sistemáticamente en la parte superior, que con frecuencia canta varias notas sobre una sola del tenor gregoriano (mostrar ejemplo página 27 ejemplo 29). Ejemplo propio de la Escuela de Santiago de Compostela. Posterior a éste, aparece en París Leoninus, con su organa dupla, muy melismático, perfeccionado después por Perotinus. (Ejemplo página 24 “B”). Perotinus añade un triplum y hasta un cuadruplum, el tenor conserva un ritmo independiente, mientras que las voces añadidas cantan con ritmo mensural igual al duplum sobre el tenor gregoriano. (Ejemplo página 31). Las voces vecinas (triplum y duplum) deben ser consonantes (intervalos de cuarta, quinta y octava). Las voces extremas (triplum y tenor) pueden ir por intervalos de tercera y sexta (el de séptima está prohibido). Las tesituras de las voces no están definidas, por lo que se pueden cruzar, pero el Tenor siempre tiene que estar abajo. Dato: Leoninus y Perotinus fueron los principales exponentes de la Escuela de Notre Dame. 5.- Motete: Principal género del Ars Antiqua, y el campo para innovaciones y experimentos. Surge de la aplicación de textos a la voz superior de discanto. Esto significa que lo decisivo es la invención del texto, vale decir de los versos o del estribillo, puesto que la música estaba dada de antemano, por eso, el Motete es un género tan importante en el aspecto literario como musical. Al principio era sacro y latino, y se lo ejecutaba en la iglesia como ornamentación no liturgica del servicio religioso. Puesto que no era litúrgico, el motete pronto se tornó francés, y luego profano ( e inclusive erótico). De este modo, se lo ejecutó cada vez más fuera de la iglesia. El término "motete" se comienza a utilizar cuando se sale de la liturgia ("mot" significa "palabra" en francés). Lo cantaban solistas con acompañamiento instrumental. La designación del motete depende del número de voces a las cuales de les ha aplicado texto. El tenor siempre carece de él, y es probable que su ejecución siempre haya sido instrumental. Los motetes dejan de escribirse en forma de partitura (es decir, una voz

sobre otra) y se escriben en formato de libro de coro, normalmente a doble página (el duplum un lado, el motetus en el otro y el tenor bajo los dos). Es posible que este cambio, en parte, se diera porque los pergaminos eran escasos y caros (aparte, el tenor ocupaba menos espacio que las voces superiores). músicos de enorme relevancia: Léonin y Pérotin. Sistema Mensural del Ars Nova. Ars nova es un término que daban los ses al estilo de música de principios del siglo XIV. El término aparece en las obras de Johannes de Muris (Ars Nove Musice) y, sobre todo, en la de Philippe de Vitry (Ars Nova). Teoricos que perfeccionaron la escritura musical (S. XIV ). • • • •

Philippe de Vitry, Jacobo Lieja y Johannes de Muris. Asignaron valores fijos a cada nota en relación con las demas. Se logro la precisión de la duración de cada nota. Se logro percisión en la superpocision de voces.

Philippe de Vitry (31 de octubre de 1291 – 9 de junio de 1361) fue un compositor, teórico musical y poeta francés nacido en Paris. Se considera que es uno de los principales teóricos del Ars nova, así como un compositor de gran talento, innovador e influyente. Los detalles biográficos de su vida son en gran medida desconocidos. Se cree que pudo haber estudiado en la Universidad de París ya que en algunos documentos se le nombra como "Magister". Más tarde, ostentó cargos de secretario y consejero en las cortes de Carlos IV, Felipe VI y Juan II. Quizás ayudado por éstas conexiones, obtuvo varias canonjías, incluyendo las de Clermont, Beauvais, y París y sirvió durante un tiempo en el séquito del antipapa en Aviñón. También fue diplomático y soldado y se sabe que estuvo en el sitio de Aiguillon. En 1351 llegó a ser obispo de Meaux, al este de París. Como se movía en los círculos políticos y artísticos más importantes, conoció a muchas figuras destacadas de su época, como Petrarca, y al famoso matemático y teórico musical Nicole Oresme. Finalmente murió en Meaux. Su A Philippe de Vitry se le conoce principalmente en la historia de la música, por haber escrito un tratado musical, el Ars Nova, el cuál dio nombre a un periodo de la música medieval, el ars nova. Sus obras muestran innovaciones en notación, principalmente mensural y ritmo, que hicieron posible la creación de obras musicales complejas en las décadas sucesivas y que culminaría en el Ars subtilior. Frecuentemente también se le atribuye el desarrollo del concepto de isoritmia. Aunque escribió canciones y motetes, sólo han llegado hasta nosotros algunos de los motetes. Cada uno de ellos es completamente único, explorando una sola idea estructural.

Guillaume de Machaut (también Machau o Machault, 1300 aprox. - † abril de 1377), fue un importante poeta y compositor medieval francés. Machaut fue y es el más célebre compositor del s.XIV. Compuso en numerosos estilos y formas. Su proyección fue enorme y es históricamente el máximo representante del movimiento conocido como Ars nova. Machaut motivó el desarrollo del motete y de la canción secular. Compuso la Messe de Nostre Dame en cuatro partes, que es la primera misa polifónica conocida escrita por un solo compositor. Sus modos de composición fueron influencia para muchos compositores durante varios siglos.

Ars Nova Expresión debida al teórico Philippe de Vitry que designa la producción musical, tanto sa como italiana, después de las últimas obras del Ars antiqua hasta el predominio de la escuela de Borgoña, que ocupará el primer puesto en el panorama musical de Occidente en el siglo XV. Desde finales del siglo XIII, las innovaciones rítmicas introducidas por Pierre de la Croix abrieron camino para nuevas audacias. Los testimonios en que los propios músicos reconocían la innovación de la música de principios de este siglo aparecen hacia 1320, en la forma de dos tratados: el Ars Nove Musice de Johannes de Muris y el Ars Nova de Philippe de Vitry. El tratado de Johannes de Muris es probablemente el más antiguo de los dos, pero fue la obra de Vitry la que prestó su nombre a la música del siglo XIV. En él completó y codificó todo el arsenal de signos musicales utilizados en su tiempo. Por fin se daba un sistema coherente y aparecían unos signos de compases para determinar el movimiento o la unidad sobre la que basar el movimiento, lo cual supuso una innovación extraordinaria. Los signos se multiplicaron con indicaciones precisas de pausas y nuevas figuras de valor cada vez más breve. La mínima, división de la semibreve se subdivide asimismo en dos o tres semimínimas. Esta proliferación de valores permitió la dislocación de los modos rítmicos y una búsqueda de ritmos contrapuestos entre las diversas voces, que crea la sensación del uso sistemático de la síncopa. Gracias a la precisión de esta notación se generalizó el hoquetus, que ya había adelantado el ars antiqua. La escritura musical sufrió modificaciones. Se seguía componiendo a dos o tres voces (cantus firmus y duplum o también triplum), pero la intervención de la cuarta era cada vez más frecuente. Esta voz era inferior al cantus firmus y poseía valores del mismo orden de duración respecto a la voz principal. En Francia se le denominó contre-teneur, quedando así constituido el cuarteto vocal, considerada la forma polifónica ideal hasta principios del siglo XVII.Los géneros tendían a diversificarse, pero el motete siguió siendo la forma más en auge aunque su estructura interna evolucionara. La misma evolución tuvieron el rondó, la balada y el virelai, las “formas fijas” de canción en el siglo XIV, llamadas así porque siguen un esquema métrico determinado: La balada se estructura en tres estrofas poéticas, cada una de las cuales presenta el esquema melódico AaB; el virelai es presenta la estructura melódica ABbaA; y el rondó es una forma poética de ocho versos con la estructura musical ABaAabAB.