Teatro Ilumnacion Y Sonido 5b2942

La iluminación escénica es el fluido de la luz selectiva, atmosférica y dimensional, apropiado al estilo de una determinada producción, normalmente no apreciamos su valor porque es un elemento cotidiano, pero en el teatro es una de las herramientas imprescindibles para dar color, forma y sentido a lo que se está representando.

En la técnica, la iluminación teatral es el conjunto de dispositivos que se instalan para producir ciertos efectos luminosos, tanto prácticos como decorativos. Una definición correcta pero escasa, porque no la menciona como canal de comunicación. En la práctica, el arte teatral engrandece la luz como código no verbal, y lo muestra como un lenguaje a partir del cual se marcan escenas, presencias, ritmos y sensaciones El objetivo de la iluminación escénica es iluminar al intérprete, revelar correctamente la forma de todo lo que está en escena, ofrecer la imagen del escenario con una composición de luz que pueda cambiar tanto la percepción del espacio como la del tiempo. Gracias a la luz se pueden inventar espacios y desarrollar las historias proporcionando información en una atmósfera creada para cada situación. La iluminación en escena ha ido evolucionando a lo largo de los años. En la Edad Media, aunque la luz era considerada como elemento divina, se pusieron en práctica los primeros registros de luz direccionados con la intención de guiar la mirada del espectador hacia un elemento específico. Ya en el Renacimiento, las figuras y los objetos comenzaron a ser tridimensionales. Fueron desapareciendo los conceptos de iluminación divina del periodo anterior y puso su pie en escena la tercera dimensión, y con ella la pérdida del concepto biplano. Poco a poco, y con la entrada del siglo XIX, la luz se fue trasformando en un elemento integrado en lo cotidiano. Los sistemas de lámparas que anteriormente funcionaban con combustibles fueron desapareciendo y la luz en el escenario dio su paso definitivo. En 1638, comenzó a dedicarse especial atención a la manera de iluminar la escena de forma volumétrica y dramática, equilibrando las direcciones de la luz para crear luces, sombras y volúmenes. Y lo que es mejor, se comenzó a utilizar como forma de expresión de una forma deliberada e intencionada. El desarrollo de la maquinaria, los nuevos diseños arquitectónicos, escenográficos y el momento dulce que había alcanzado la iluminación, liberaron al teatro de un cierto encorsetamiento, y lo dotaron de mayor plasticidad. Iluminar no es algo tan simple como arrojar luz sobre el escenario, sino que supone una buena disposición de la iluminación de los ángulos correctos, iluminación posterior, frontal, lateral, y equilibrio de colores. Excepto en el caso de los efectos especiales, el diseño de iluminación busca la discreción; y es que no debe haber una luz más grande, que la de un actor en escena. Con la utilización inteligente del color, la intensidad y la distribución de la luz se pueden lograr ciertos efectos subliminales/emocionales en las percepciones del espectador. Se pone la luz al servicio de la emoción, y como “dictadora” del ojo, lo conduce hacia donde cree que debe ir.

Objetivos de la Iluminación El primer requerimiento básico de la iluminación escénica es que sea suficiente para alcanzar una visibilidad segura, es decir, lo más básico es que por medio de la iluminación se vea lo que hay en el escenario. Si a un títere/actor se le ilumina más que a otro ha de ser con un propósito dramático. La intensidad de luz es el comienzo del proceso de iluminación. Después de obtener la iluminación básica, la luz puede empezar a jugar un papel como instrumento dramático. La dimensión: El iluminador si bombardea el escenario con una luz plana desde el frente (desde muy baja altura, casi en ángulo horizontal) puede matar todo el esfuerzo del escenógrafo y del director, dando sensación de falta total de profundidad. Con una luz en un ángulo correcto, el títere, actor u objeto puede ser visto en su tridimensionalidad.

Es necesario esforzarse en iluminar al títere/actor tridimensionalmente. Con una luz plana no tiene sentido diseñar una escenografía corpórea. La solidez sólo llegará a ser aparente creando un contraste de luces y sombras mediante una iluminación direccional. Usando la luz parcialmente desde los lados, pero especialmente desde el fondo, es posible realzar la ilusión de profundidad en esta relación entre títere/actor y medio. El uso del contraluz cayendo sobre los hombros del títere/actor puede marcar toda la diferencia en cuanto a profundidad.

Selectividad: Es muy efectivo utilizar el balance en la iluminación para ayudar a concentrar la atención del público sobre el área de acción apropiada.

Atmósfera: Quizás lo más fascinante del uso de la luz sea la posibilidad de influir sobre el estado mental del público. La luz puede indicar si la acción se produce en una tarde de julio o en octubre, pero también puede ayudar a controlar que el público sienta felicidad o tristeza, extroversión o introversión, agresividad o sumisión. Una de las principales formas de transmitir estas emociones es mezclando la luz cálida y fría. Cálida, dorada, feliz, alegre, a un extremo de la escala; fría dura, miserable, en el otro, pero con una completa gama de tonos intermedios con los que se pueden conseguir un amplio número de emociones. Otros recursos incluyen el equilibrio de luces y sombras: los contrastes exagerados pueden inducir un sentimiento de aprensión, de terror.

Interacción: los fines de la iluminación escénica (iluminación, dimensión, selectividad, y atmósfera) están interrelacionados. De hecho esta interacción de unos y otros llega al punto de crear un verdadero conflicto:

La atmósfera frecuentemente es obtenida por una falta parcial de iluminación. La selección de un estrecho área controlada se consigue más fácilmente usando un solo foco; sin embargo, la iluminación dimensional requiere una serie de ángulos, desde varios focos, cuyos haces de luz terminen en el suelo del escenario, aumentando el tamaño del área seleccionada. Iluminar para dar dimensión puede llevarnos a una pérdida de visibilidad, a menos que el equilibrio sea controlado muy delicadamente. Fluidez: La iluminación escénica no es estática. Los cambios de luz selectivos de tipo consciente son aquellos en los que el público percibe claramente el cambio. Los cambios subconscientes son aquellos que no se perciben con tanta facilidad. Estilo: En una producción naturalista, donde el diseño pretende un realismo con todo detalle, el objetivo es hacer que la iluminación parezca coherente en términos de sol, luna, lámparas u otras fuentes de iluminación. Si la obra es romántica se puede jugar con el ocaso, con la salida de la luna, o el encendido de lámparas finamente filtradas. Si la obra es una farsa una iluminación intensa para una visibilidad total. Una obra realizada sobre tarimas negras contra un ciclorama, probablemente tratará la selectividad como elemento primario. Concebir la obra en términos de gasas, humo, música, la atmosfera saltará al tope.

Sonido y ambientación en teatro

En la actualidad, por lo general el sonido se graba durante la fase de preproducción. Desde los primeros tiempos, la mayoría de las representaciones teatrales se acompañaban de música que, hasta hace poco, se producía en directo. Sin embargo, desde la década de 1930 comenzó a utilizarse el sonido pregrabado en el teatro. Aunque la música sea todavía el efecto sonoro más corriente, el viento, la lluvia, el trueno y los ruidos de animales han sido esenciales desde las primeras tragedias griegas. Se considera efecto a cualquier sonido que no pueda ser creado por un intérprete. Estos sonidos se utilizan en la mayoría de los casos para dar realismo (por ejemplo, el paso de un tren, los ruidos de la ciudad al otro lado de la ventana), pero también podrían servir para crear un determinado ambiente o ritmo. Si bien gran parte de los sonidos utilizados pueden ser grabados de las fuentes reales que los generan, algunos de ellos podrían parecer falsos cuando se reproducen con un equipo electrónico sobre el escenario. Para este propósito, se han creado elaborados dispositivos mecánicos que simulan sonidos como la lluvia o el trueno. Los técnicos también crean efectos especiales por medios audiovisuales simulando explosiones, fuego, rayos, apariciones, objetos en movimiento o en vuelo

La música como otras artes ha evolucionado en las últimas décadas y por lo tanto permite nueva variaciones en materia de mezclar sonidos con una escena determinada. Hoy en día algunos directores afirman que jamás incluirían un tema musical cantado, cuando en la escena está hablando un actor. Piensan que en esos casos, el tema musical debe ser puramente orquestal. Hay excepciones a la regla, el teatro evoluciona y con la evolución algunos incluyen temas cantados solo cuando el actor actúa en silencio. Para estos casos sugieren que la letra debería ser del idioma del país en que se representa y por su puesto con una letra acorde a la acción o a la historia de la obra Hoy casi todos los directores, han destruido en forma permanente esos viejos principios. Más aun lo han potenciado hacia una nueva tendencia. La búsqueda de lo diferente siempre ha logrado que de muchas cosas malas queden algunas cosas buenas. Se han visto experimentos con combinaciones musicales que no coincidían para nada con lo que se estaba mostrando, pero hubo hallazgos que fueron excelentes aciertos. Cuando se trata de musicalizar una obra, suele suceder en teatro independiente que el director de la misma ya tiene una visión sobre qué tema musical y en que determinado momento lo hará. Pero hay directores que trabajan en equipo y derivan esas responsabilidades en los especialistas donde el director explica al sonidista que tipo de música desea pero no el tema en fin.

Para este último caso se sugiere que la búsqueda este orientada por la situación de la trama y la escena, es necesario presentar al director como mínimo 3 tipos de temas musicales similares o en su defecto 3 variables distintas para elegir luego 3 de idéntica variable. Para seleccionar un tema acorde se aconseja grabar la escena en video y probar en estudio las opciones. Primero será necesario ver las imágenes con el sonido del texto, luego mirar reiteradas veces la misma escena sin texto. Después buscar los temas pensados y probarlos con la escena, de principio hágalo con el texto, luego sin el texto para confirmar la elección Hay formas de musicalizar distintas escenas con distintos sonidos musicales, pero también hay distintas escenas que solo se musicalizan con el mismo tema en forma constante, con el fin de identificar la música con la obra. Como variante, en producciones más costosas una orquesta suele musicalizar el mismo tema en distintos tiempos.