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GRAN JOTA DE CONCIERTO



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“GRAN JOTA DE CONCIERTO DE FRANCISCO TÀRREGA”

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LUIS ALFONSO GARCÍA GONZÁLEZ.
 MAESTRO ENRIQUE ESCALANTE CAMPOS. ESTÈTICA CONSERVATORIO NACIONAL DE MÙSICA.

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GRAN JOTA DE CONCIERTO

METODOLOGIA.

OBJETIVO

Conocer y elaborar un proyecto acerca de la obra denominada “Gran Jota de Concierto” de Francisco Tàrrega, atendiendo a la información musical, biografía, genero, documentos y de más referencias posibles, con el fin de justificar el por qué , es importante el estudio, reproducción, interpretación, etc de la obra musical desde el punto de vista de la Estética.

ESQUEMA DEL PROYECTO

Se llevara a cabo la investigación conforme a los puntos destacados en la la clase, así elaborando un Método para su mejor realización. •Determinar el Objeto Artístico de Estudio para delimitar su campo. •Recopilar y conocer el Soporte Material para la investigación, es decir documentos en los que sustentamos la obra. •Determinar si se puede reproducir, y las condiciones de este reproducción o interpretación. •Sentidos que adquiriere la obra al realizar la justificación de la misma.

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GRAN JOTA DE CONCIERTO

LA JOTA ARAGONESA.

Es una manifestación del folclore en Aragón de un género musical, la jota, presente en la mayor parte de la geografía española. El género, tal y como se conoce en la actualidad, se conforma a finales del siglo XVIII o principios del XIX. La jota aragonesa se expresa a través del baile (bailadores), el canto (cantadores) y la interpretación instrumental, compuesta por una rondalla en la que participan fundamentalmente la guitarra, el laúd y la bandurria. A pesar de la fama de que goza como género emblemático del folclore aragonés, la jota no es más que una de las manifestaciones de su tradición musical popular. Conviven con ella otras formas (mazurcas, paloteados, villanos, boleros o valses por citar solo algunos ejemplos), aunque la interpretación de la jota en Aragón tiene un carácter peculiar y distintivo que ha hecho que sea conocida en el ámbito internacional, hasta el punto de que compositores de música culta españoles y foráneos se han servido de ella en sus obras. En palabras de uno de sus más concienzudos estudiosos, Miguel Manzano: En Aragón ha surgido, aproximadamente desde la mitad del siglo XIX, una forma muy especialísima de cantar la jota en estilo adornado y a ritmo muy lento, y con un repertorio y ejecución también muy característicos de acompañamiento de rondalla. Esta especie de jota es la única que puede denominarse con toda propiedad jota aragonesa, porque es creación personal y exclusiva del pueblo aragonés, que además lo ha conservado, fomentado, y desarrollado con un empeño muy especial y continuado. Miguel Manzano Alonso, La jota como género musical, Madrid, Alpuerta



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JULIÀN ARCAS.

Julio Gabino Arcas Lacal (María, Almería, 1832 - Antequera (Málaga), 1882), fue un guitarrista clásico y compositor español, probablemente el más importante del país durante el último tercio del siglo XIX.Nació en el gran pueblo de María. Aprendió a tocar con su padre y continuó su formación en Málaga, en la escuela de Dionisio Aguado.
 Durante la década de 1860 dio conciertos por toda Europa, destacándose los de 1862 en los palacios de los duques de Wellington y Cambridge. El joven Francisco Tárrega le escuchó este mismo año en Castellón y tocó para él después del recital, a petición del padre de Tárrega. Arcas entonces le invitó a estudiar con él en Barcelona. A Julián Arcas se le ha considerado, con criterio dispar, desde músico nacionalista con raíz en la música popular andaluza a padre de la guitarra flamenca.
 Escribió una sinfonía y cerca de 50 piezas entre transcripciones y originales para guitarra, la mayor parte de las cuales fue publicada por Vidal y Roger en Barcelona. La obra Fantasía de Julian Arcas, basada en temas de La Traviata de Giuseppe Verdi, se atribuye a veces por error a Tárrega ya que la transcripción de éste de esta obra era la única fuente disponible. Si bien no se le puede considerar estrictamente un tocaor, sí enriqueció enormemente la guitarra jonda con técnicas propias de la guitarra clásica como el arpegio, los trémolos o los ligados. Sigue vigente aún hoy una de sus piezas flamencas más importantes, conocida como Soleá de Arcas.

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FRANCISCO TÁRREGA

Francisco de Asís Tárrega y Eixea (21 November 1852 – 15 December 1909) was a Spanish composer and classical guitarist of the Romantic period.Tárrega was born on 21 November 1852, in Villarreal, Province of Castellón, Spain. It is said that Francisco's father played flamenco and several other music styles on his guitar; when his father was away working as a watchman at the Convent of San Pascual, the child would take his father's guitar and attempt to make the beautiful sounds he had heard. Francisco's nickname as a child was “Quiquet". As a child, he ran away from his nanny and fell into an irrigation channel and injured his eyes. Fearing that his son might lose his sight completely, his father moved the family to Castellón de la Plana to attend music classes because as a musician he would be able to earn a living, even if blind. Both his first music teachers, Eugeni Ruiz and Manuel González, were blind. In 1862, concert guitarist Julián Arcas, on tour in Castellón, heard the young Tárrega play and advised Tárrega's father to allow Francisco to come to Barcelona to study with him. Tárrega's father agreed, but insisted that his son take piano lessons as well. The guitar was viewed as an instrument to accompany singers, while the piano was all the rage throughout Europe. However, Tárrega had to stop his lessons shortly after, when Arcas left for a concert tour abroad. Although Tárrega was only ten years old, he ran away and tried to start a musical career on his own by playing in coffee houses and restaurants in Barcelona. He was soon found and brought back to his father, who had to make great sacrifices to advance his son's musical education. Three years later, in 1865, he ran away again, this time to Valencia where he ed a gang of gypsies. His father looked for him and brought him back home once more, but he ran away a third time, again to Valencia. By his early teens, Tárrega was proficient on both the piano and the guitar. For a time, he played with other musicians at local engagements to earn money, but eventually he returned home to help his family. Tárrega entered the Madrid conservatory in 1874, under the sponsorship of a wealthy merchant named Antonio Canesa. He had brought along with him a recently purchased guitar, made in Seville by Antonio de Torres. Its superior sonic qualities inspired him both in his playing and in his view of the instrument's compositional potential. At the conservatory, Tárrega studied composition under Emilio Arrieta who convinced him to focus on guitar and abandon the idea of a career with the piano. By the end of the 1870s, Tárrega was teaching the guitar (Emilio Pujol and Miguel Llobet as well as Daniel Fortea (1878–1953) were pupils of his) and giving regular concerts. Tárrega received much acclaim for his playing

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and began traveling to other areas of Spain to perform. By this time he was composing his first works for guitar, which he played in addition to works of other composers. During the winter of 1880, Tárrega replaced his friend Luis de Soria, in a concert in Novelda, Alicante, where, after the concert, an important man in town asked the artist to listen to his daughter, María José Rizo, who was learning to play guitar. Soon they were engaged. In 1881, Tárrega played in the Opera Theatre in Lyon and then the Paris Odeon, in the bicentenary of the death of Pedro Calderón de la Barca. He also played in London, but he liked neither the language nor the weather. There is a story about his visit to England. After a concert, some people saw that the musician was in low spirits. "What is the matter, maestro?" they asked him. "Do you miss home? Your family, perhaps?" They advised him to capture that moment of sadness in his music. Thus he conceived the theme of one of his most memorable works, Lágrima (literally meaning teardrop). After playing in London he came back to Novelda for his wedding. At Christmas 1882, Tárrega married María José Rizo. To enlarge his guitar repertory and, no doubt, to make use of his considerable knowledge of keyboard music, he soon began transcribing piano works of Beethoven, Chopin, Mendelssohn and others. Tárrega and his wife moved to Madrid, gaining their living by teaching privately and playing concerts, but after the death of an infant daughter during the winter, Maria Josefa de los Angeles Tárrega Rizo, they settled permanently inBarcelona in 1885. Among his friends in Barcelona were Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina and Pablo Casals.
 Francisco Tárrega and María José (María Josefa) Rizo had three more children: Paquito (Francisco), Maria Rosatia (María Rosalia) (best known as Marieta) and Concepción. On a concert tour in Valencia shortly afterward, Tárrega met a wealthy widow, Conxa Martinez, who became a valuable patron to him. She allowed him and his family use of a house in Barcelona, where he would write the bulk of his most popular works. Later she took him to Granada, where the guitarist conceived the theme for "Recuerdos de la Alhambra", which he composed on his return and dedicated to his friend Alfred Cottin, a Frenchman who had arranged his Paris concerts. From the later 1880s up to 1903, Tárrega continued composing, but limited his concerts to Spain. In 1900, Tárrega visited Algiers, where he heard a repetitive rhythm played on an Arabian drum. The following morning he composed "Danza Mora" based on that rhythm. In about 1902, he cut his fingernails and created a sound that would become typical of those guitarists associated with his school.

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The following year he went on tour to Italy, giving highly successful concerts in Rome, Naples, and Milan. In January 1906, he was afflicted with paralysis on his right side, and though he would eventually return to the concert stage, he never completely recovered. He finished his last work, "Oremus", on 2 December 1909. He died in Barcelona thirteen days later, on 15 December, at the age of 57.

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EL ROMANTICISMO El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes. Se desarrolló en la primera mitad del siglo xix, extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el parnasianismo, el simbolismo, el decadentismo o el prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de posromanticismo, del cual derivó el llamado modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo xx, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo. Si bien está clara la relación etimológica entre romántico y el término francés para novela roman, no toda la crítica se pone de acuerdo. En todo caso parece que la primera aparición documentada del término se debe a James Boswell a mediados del siglo xviii, y aparece en forma adjetiva, esto es, romantic o romántico. En su libro de viaje de 1768 An of Corsica el término aparece cuatro veces: para calificar la vista de la ciudad de Corti desde el monasterio de los Franciscanos, para describir un agreste valle en el que se asentó la orden de la Iglesia griega de San Basilio, al nombrar el sonido de un instrumento de cuerda parecido a la cítara y en la mención al retiro de Rousseau en Ginebra.Este término hace referencia a lo inefable, aquello que no se puede expresar con palabras. Así, en un principio, se entendería que un sentimiento romántico es aquel que requiere de un roman para ser expresado. El texto de Boswell se

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tradujo a varias lenguas, llegando a alcanzar especial fuerza en alemán, con la difusión de romantisch, en oposición a klassisch. Según René Wellek el término sirvió en principio para denominar una forma genérica de pensar y sentir y sólo en 1819, con Friedrich Bouterwek se emplea Romantiker como denominación de la escuela literaria. La difusión del término es irregular por países; en 1815 en España podemos encontrar romancesco junto a romántico, estabilizándose el segundo ya en 1918.

LA MÙSICA DEL ROMANTICISMO

El Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo. El Romanticismo musical está relacionado con el Romanticismo, la corriente de cambios en Literatura, Bellas Artes y Filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.

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REFERENCIAS

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•A Concise History of the Classic Guitar, de Graham Wade, Mel Bay Publications, 2001, ! •Handbook of Guitar and Lute Composers, de Hannu Annala & Heiki Mätlik, Mel Bay Publications, 2007

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