Analisis Opera Otello 5t4q5t

La Ópera: origen y referentes La ópera (“obra musical” en italiano) es un arte total en el que confluyen la música, el canto, la poesía, las artes plásticas y, en ocasiones, la danza. En cada obra todos los componentes de la ópera combinan su expresividad y belleza. Esta compleja alquimia hace que cada función sea un espectáculo extraordinario, monopolizando la vista, el oído, la imaginación y la sensibilidad del público, en el que todas las pasiones humanas están en juego. El origen de la ópera, tiene lugar en Florencia donde se reunía un círculo de artistas y profesores llamados la Camerata Florentina, todos en torno al conde Giovanni Bardi, entre las décadas de 1570 y 1580. Este grupo trataba de dar vida nuevamente al olvidado arte dramático de la antigua Grecia, la “Tragedia Griega”. Entre ellos se encontraba Vicencio Galilei (compositor y teórico, padre del astrónomo Galileo Galilei y quién publicó por primera vez algunos fragmentos conservados de la música griega antigua) y Giovanni Caccini cantante y compositor. Las investigaciones de la Camerata no influyeron mucho en la sociedad de la época, pero si influenciaron la estética de la ópera que vendría posteriormente. Dafne (1597) de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Euridice (1600) de Peri, es la primera ópera que ha sobrevivido. A partir de principios del siglo XVII, la estructura continuó evolucionando gracias al compositor Claudio Monteverdi. Italia es uno de los países con mayor tradición en la ópera. Los compositores Gioacchino Rossini (1792–1868) y Giuseppe Verdi (1813–1901) y los tenores Enrico Caruso (1873–1921) y Luciano Pavarotti (1935–2007) son algunos de sus principales exponentes.

Juventus Lírica Es una asociación civil sin fines de lucro que desde el 26/03/1999 promueve oportunidades de formación y desempeño profesional para los artistas jóvenes y ofrece un espacio alternativo y de excelencia para que la ópera pueda ser disfrutada por todos, democratizando el a la cultura e igualando oportunidades de o con el arte. En sus primeros 10 años, con 59 producciones de ópera, 1.200 artistas en el escenario y más de 100.000 espectadores, ha estimulado el florecimiento del género y ha dado origen al circuito de ópera independiente en Buenos Aires. El Programa de Becas de Formación Artística, ha marcado un antes y un después en la vida de muchos artistas que comenzaron su carrera en la Asociación y hoy se desempeñan en los más importantes escenarios nacionales e internacionales. Con una política de precios accesibles, de ciclos de conferencias gratuitas, de conciertos a cielo abierto con entrada libre y del sobretitulado en español, trabaja para que aquellos que tradicionalmente no podían disfrutar la ópera, tengan un lugar donde conocerla, apreciarla y aplaudirla. Ana D’Anna, Directora Artística de Juventus, expone: "Quienes concebimos Juventus Lyrica en 1998, nos unimos con la idea de crear un espacio de formación y experimentación para trabajar en profundidad el género lírico. La idea que guía nuestro trabajo es que las voces y los actores crecen en el escenario. Por eso es importante brindarle al cantante la oportunidad de realizar un rol completo, en un escenario real, y acompañado por una orquesta sinfónica. Los directores musicales y escénicos de Juventus Lyrica trabajamos a partir de lo que el cantante es, con la concepción de que cada ser humano es irrepetible, lejos de los tradicionales estereotipos de la ópera, que anulan y sustituyen la riqueza gestual propia de cada artista. En la relajación y la concentración, en la conciencia de ser instrumento e instrumentista a la vez, cada cantante vive en el escenario en la piel de un personaje gracias a una unión triangular entre el director musical, el director escénico y él mismo. Para nosotros la ópera es, sobre todo, un encuentro humano. En nuestro camino no hay divismos ni deportistas cantantes, sólo la humildad y la sumisión necesarias como para encarar una obra de arte. Es posible que aun así, el arte no se haga presente. Sin embargo, es la búsqueda del hecho artístico lo que nos interesa. Es imposible fracasar si se plantea ese camino". María Jaunarena, hija de D'Anna y Directora Ejecutiva, sintetiza el propósito de Juventus: “La ópera no fue concebida así en su inicio, pero con el tiempo se fue convirtiendo en un arte de elite. Nuestra idea es volver a los orígenes y para eso hacemos hincapié en la actuación y en que no sea necesario ningún conocimiento previo, porque la ópera es un espectáculo total: reúne teatro, música y arte visual”.

1

La Ópera: Otello Otello es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito, a partir de la obra de Shakespeare Otello, el moro de Venecia. Fue la penúltima ópera de Verdi, y se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán, el 5 de febrero de 1887.

Sinopsis Otello, general moro al servicio de la República de Venecia y gobernador de Chipre, regresa victorioso de su batalla contra el Turco. El malvado Yago urde un plan para desprestigiar a Cassio, recientemente ascendido, obligando a Otello a degradarle. Yago convence a Cassio para que vaya a hablar con Desdémona y así ella interceda por él ante su marido, la conversación entre ellos despierta los celos en el moro. Otello pedirá a Yago pruebas de la infidelidad de su mujer, éste robando un pañuelo a Desdémona le dice al moro que Cassio guarda un regalo que confirma el pecado. Cuando Otello averigua que Desdémona no tiene el pañuelo, es devorado por los celos, aún más al escuchar escondido la conversación de Yago con Cassio quien está ahora en posesión del dichoso pañuelo. Movido por una furia ciega Otello mata a Desdémona en la cama matrimonial, desoyendo las súplicas de la pobre inocente. En un breve epílogo, Emilia le revela que la supuesta traición de Desdémona era sólo un invento de su marido Yago, Otello, vencido por el remordimiento, se quita la vida dando un último beso a Desdémona.

Los Autores Compositor: Giuseppe Fortunino sco Verdi (1813-1901) Compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable e influyente de la ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.

Libretista: Arrigo Boito (1842-1918) Poeta, narrador y refinado compositor italiano, conocido sobre todo por sus libretos y su ópera Mefistófeles, con la que pretendió introducir en Italia el estilo wagneriano. Fue considerado un escritor scapigliati. El movimiento de vanguardia literaria y artística Scapigliatura (“libertinaje”) se desarrolló tras la proclamación del reino de Italia (1861) sobre todo en el norte, y en particular en Milán, capital del mundo editorial y del periodismo. Los scapigliati adoptaron posiciones bastante críticas frente a la literatura y la cultura italianas de su tiempo, irando sobre todo a autores extranjeros como Baudelaire, Gautier, Heine, Hoffmann, Jean Paul y Poe: una predilección que determinó un positivo efecto de apertura y rejuvenecimiento de la cultura literaria italiana.

Texto original: William Shakespeare (1564-1616)

Dramaturgo, poeta y actor inglés, que vivió durante el reinado de Isabel I. Es considerado el escritor más importante de lengua inglesa y uno de los más destacados de la literatura universal, sus piezas se representan en mayor número de veces y en más naciones que las de cualquier otro escritor y sus obras han sido traducidas a más de 70 idiomas. La New Encyclopedia Britannica señala que "muchos lo consideran el mayor dramaturgo de todos los tiempos”. Otello se acerca, a través de diálogos sencillos y de monólogos impactantes. Todos los personajes de la obra son un símbolo en sí mismos, todos representan algo, por esas razones y la calidad de su temática merece ser nombrada cómo una de las obras más transcendentes de William Shakespeare, junto con Hamlet, El Rey Lear y Macbeth. Fue escrita alrededor de 1603 y se piensa que la primera puesta en escena se celebró el 1 de Noviembre de 1604 en el palacio de White Hall de Londres.

2

Contexto histórico

Después de la Guerra franco-prusiana, Europa vivió un período de paz que favoreció los avances científicos, técnicos, sociales y económicos, particularmente en Francia, Reino Unido, Alemania, Rusia, Austria-Hungría e Italia. Cabe indicar que, en esa época, prácticamente todas las naciones con gran influencia política a nivel mundial eran europeas, las rivalidades (políticas o económicas) entre estas potencias obligaban a guardar un equilibrio de poder que, precisamente, impidió durante cuatro décadas que tales rivalidades fueran solucionadas mediante una guerra. La tendencia general en la gente de esta época era optimista y ambiciosa respecto al porvenir, gracias a las innovaciones tecnológicas que se difundieron masivamente. El positivismo (que defiende la fe en la ciencia) y el cientifismo (que proclama que la ciencia lo explica todo) hicieron su aparición y empezaron a ganar abiertamente adeptos entre los intelectuales. La vida colectiva se habiia modificado. En las grandes ciudades, adquirioi un caraicter impersonal y anoinimo, donde la ascendencia de las familias y personalidades notables se circunscribiia cada vez mais a sus propios ciirculos y aimbitos clubs, salones, hipoidromos, oipera, casinos, parques o avenidas distinguidas de la ciudad, lugares de veraneo y donde la influencia de la vida religiosa y de las iglesias se desvaneciia. La prensa conformariia de forma creciente la conciencia de las masas urbanas. La presencia de eistas en las calles y lugares puiblicos, y la aparicioin de nuevas formas de cultura colectiva (el music hall, la prensa popular y sensacionalista, el cine, los espectaiculos deportivos), testimoniaban el cambio. El término Belle Époque se difundió entre los ses a partir de 1919, respondía en parte a una realidad recién descubierta que imponía nuevos valores a las sociedades europeas (expansión del imperialismo, fomento del capitalismo, enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad), describe una época en que las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población, y también expresa un sentimiento de nostalgia hacia un período de tiempo de estabilidad y bienestar, en oposición al drama de la Primera Guerra Mundial y las dificultades de la posguerra. Más que nada se trató de una proyección ilusoria sobre aspectos del pasado que se ensalzaron en tiempos difíciles, pero que ha perdurado hasta el día de hoy, en que ‘Belle Époque’ sigue evocando todo aquello que implica lujo y disipación mundana.

Contexto expresivo Las exposiciones universales realizadas en París en los años 1889 y 1900 son los símbolos de la Belle Époque, por su insistencia en la promoción del progreso científico y por atraer la atención a nivel realmente mundial. Tales exhibiciones servían igualmente para resaltar ante un público mundial la fe en la ciencia y la tecnología, exaltando la capacidad del individuo para dominar y vencer los obstáculos que le planteaba la naturaleza. Si bien tales ideas databan de la época de la Ilustración, ahora eran difundidas, entendidas y aceptadas como válidas por grandes masas humanas y no sólo por una élite intelectual. Bajo el título La belle epoque. Arte in Italia 1880-1915, se expusieron en el Palacio Visconteo de Pavia, un centenar de obras de artistas italianos, como Federico Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, entre otros. La mayor parte de las obras se concentran en la figura y el retrato femeninos. Algunas son de carácter publicitario como corresponde a aquel tiempo en que se descubrió el comercio a gran escala. El arte tomó nuevas formas con el impresionismo y el modernismo. El estilo llamado Art Nouveau, caracterizó a la Belle Epoque. Este movimiento artístico surgido a finales del siglo. XIX, en respuesta al empleo abusivo en la técnica de razones clásicas o tradicionales. La Exposición de 1878 marcó el inicio de la consagración del impresionismo. El 1889 representó el triunfo de los simbolistas y, por último, en el año 1900 marcó la consagración del Art Nouveau. Enormes pantallas de la industria sa y el comercio, estas exposiciones pretendía atraer a nuevos mercados en países lejanos. El Art Nouveau presenta adornos valiosos, colores brillantes y curvas sinuosas sobre la base de las elegantes formas de animales, plantas y mujeres. Estilo extravagante mezcla de barroco, rococó y el clasicismo, utilizando materiales como el vidrio y el hierro. Principalmente decorativo, de pie en las fachadas de los edificios en forma de vidrieras y mosaicos, apareció en objetos decorativos como muebles, puertas, y los vasos, así como la innovación en la forma de joyería. La música reflejó un momento de esplendor con las óperas de Richard Wagner y Giuseppe Verdi, situados dentro de la tradición musical alemana e italiana, respectivamente. Otras escuelas musicales propugnaban el retorno a las tradiciones nacionales pero dentro de los cánones clásicos, como los rusos Chaikovski, Músorgski o RimskiKórsakov, mientras otros fusionaban elementos clásicos y populares como el austriaco Johann Strauss.

3

Contexto de producción y estreno

El Otello de Giuseppe Verdi es sin ninguna duda una de las grandes obras maestras de la ópera, representando el culmen del drama en música italiano. Desde el estreno de Aida tuvieron que pasar 16 años y 94 compases para que el público pudiera volver a disfrutar de una nueva y apenas reconocible melodía operística verdiana. Verdi había regresado reinventándose de nuevo con una genial adaptación del drama shakesperiano, mérito también del excelente libreto de Arrigo Boito. Con Otello, Verdi logra una obra de equilibrio perfecto, donde, por primera vez en la lírica italiana, se funden asombrosamente la parte vocal y la instrumental, en un discurso dramático único y prodigioso que hace desaparecer por completo las formas cerradas, como arias o recitativos, sustituidas por un tejido musical en continua evolución con el drama pero. y esto es importante, sin renunciar a su propio estilo. La larga trama que tuvieron que tejer el libretista y compositor Arrigo Boito, el editor Giulio Ricordi y el director de orquesta Franco Faccio para persuadir al Maestro de que compusiera Otello, empieza en 1879, cuando le entregaron un boceto del libreto de Boito. Pero antes habrían de superar ciertas dificultades, ya que Boito formó parte importante de los scapigliati, quienes se revelaban contra la cultura más tradicional y burguesa de la que precisamente Verdi era su máximo exponente musical. Así fue que Boito debió disculparse repetidamente con el compositor, incluido un malentendido después del estreno de su ópera Mephistopheles, claramente Verdi lo puso a prueba en la colaboración de los cambios del libreto de Simon Boccanegra. No fue hasta marzo de 1884 cuando comenzó, en absoluto secreto para el público, la composición del Otello que se completó a final de 1886. Verdi preparó la producción con su habitual meticulosidad, eligiendo personalmente a los cantantes, dirigiendo la puesta en escena y el vestuario. El reparto elegido para el estreno fue con lo mejor de la época, el tenor sco Tamagno como Otello, el malvado Yago fue Victor Maurel, el bello Cassio lo interpretó Giovanni Pairoli y Romilda Pantaleoni como Desdémona. Dirigió la orquesta Franco Faccio. La representación consigue un éxito colosal que se extiende rápidamente a todos los grandes teatros de Europa, levantando una gran iración por el nuevo lenguaje creado por el maestro, sin que ello significara renunciar a nada de su pasado, ni perder sus valores melódicos y dramáticos por los que había sido tan irado.

4

Análisis de la Ópera Personajes Otello: moro y general del ejército veneciano. Provoca envidias por su matrimonio con Desdémona, esa envidia y ese odio hacia él hace que sea el objetivo de Yago para realizar sus malvados planes. Guiado por sus celos mata a su esposa y jura muerte a Cassio. Al conocer la verdad de toda la historia hiere a Yago y se suicida. Desdémona: mujer de Otello. Bondadosa, devota y fiel esposa, acaba asustándose de las reacciones de su marido por algo que ella ignoraba. Antes de morir pide piedad a Dios y a Otello pero éste guiado por sus celos la mata. Otello la ve como una vulgar cortesana, sin derecho a vivir y su amor hacia ella se convierte en odio. Yago: alférez de Otello. Es un personaje inteligente, sabe como manipular a los demás y engañarlos. Trata mal a su esposa y la utiliza. Es un personaje envidioso y traicionero, por eso provoca tantas muertes. Cassio: capitán de Otello. Leal, inteligente, ingenuo es un buen hombre pero Yago le tiene envidia y le mete en su malvado plan. Tras las mentiras de Yago, Otello le acaba quitando su puesto de capitán y jura su muerte por creer que le engañaba con su mujer. Roderigo: caballero veneciano. Enamorado de Desdémona, siente rencor hacia Otello. Influenciable, fácil de engañar, se alía con Yago para poder conquistar a Desdémona pero es traicionado por éste. Emilia: esposa de Yago, está al servicio de Desdémona. Su marido no le tiene ningún aprecio y la trata mal, la acusa de mentirosa y la engaña para poder llevar a cabo sus planes. Al final se demuestra su sinceridad y humildad cuando descubre todas las mentiras de su marido. Montano: ex-gobernador. Lodovico: enviado de Venecia. Trae órdenes para que Otello regrese a Vencecia y Cassio lo sustituya en el gobierno.

El texto original vs. la Ópera

El Otello de Shakespeare y el de Verdi-Boito comparten una misma idea, no es sólo la historia de un malvado que consigue destruir a su superior, sino mucho más: es la historia de un hombre que experimenta la imposibilidad de disociar el amor de la vida. Hay algunas diferencias notables entre las dos obras, en la ópera se elimina el primer acto de Shakespeare que está situado en Venecia, es bastante cómico y tiene como protagonista a Yago. Lo que logran Verdi y Boito con el corte son dos cosas fundamentales, una unidad espacial, en Chipre, que le da mayor empaque y un protagonismo claro de Otello frente a Yago. Además el Moro, gana ya desde el principio, con el célebre Esultate, una categoría de gran guerrero que la novela no destaca. Pero la mayor diferencia está en el papel de Yago, en Shakespeare las motivaciones malignas del alférez son claramente un deseo no correspondido por Desdémona y el racismo hacia el Moro. Mientras que en la ópera el famoso e impresionante Credo de Yago lo convierte en un malvado puro, inmoral, vil y desquiciado. También se disimula la importancia del racismo y los deseos eróticos se transforman en un amor más romántico. Como anteriormente Aida, Violetta y Leonora, nuestra Desdémona está predestinada a la muerte, víctima de nuestra sociedad, y como ocurre con todas las heroínas verdianas, está preparada para su sacrificio, no porque tenga el deber de hacerlo o por locura sino por un amor puro y absoluto que para Verdi, siempre pesimista, no puede existir en este mundo. Esas dos nuevas oraciones, el Credo de Yago y el Ave María de Desdémona, que son invenciones dramáticas necesarias de Verdi y Boito, sitúan a los dos personajes como polos opuestos representando el Mal y el Bien más puros. Sólo queda que el Moro decida a quien creer. El asesinato de Desdémona no es el éxito de los pérfidos planes de Yago sino un acto de amor que ante la imposibilidad de existir lo convierte en inmortal. Y eso se descubre más claro en Verdi, cuyo final resulta superior al propio de Shakespeare.

5

Desarrollo

Se puede considerar que Otello es la tragedia de los celos. Los celos no sólo son el principal tema de la obra sino que se repiten como motivo recurrente, entrelazando a todos los personajes. Otello tiene celos de Cassio acerca de Desdémona. Yago tiene celos de Cassio, tanto a nivel profesional como amoroso, y celos de Otello, que se convierten en odio, odio que lo lleva a destruirlo. Roderigo tiene celos de Otello y de Cassio. En el bando contrario están aquellos que no sienten celos pero los provocan inconscientemente: Desdémona y Cassio. Entonces, más bien, se puede establecer que Otello es un drama que desarrolla la idea de una desconfianza generalizada entre todos los personajes. No sólo hay celos, hay competencia, envidia, odio, incomunicación y desdicha. Por todas partes aparece la sensación de que nadie conoce ni se fía de los otros. Shakespeare describe el drama de la pasión humana, que como siempre en sus tragedias, acaba en el asesinato. La obra es un mensaje a la psicología humana de la suceptilidad ante las deslealtades o traiciones. Esta tragedia destaca precisamente por su cercanía, por la universalidad de su temática, la intolerancia, la maldad, los celos, las pasiones humanas, temas que siempre conquistan al público. Otello es una tragedia doméstica, no habla de reinos ni de gente de la corte, ni de familias poderosas. Es una tragedia que basa su pilar fundamental en el vínculo de la pareja. En base a todo lo expuesto anteriormente, podemos nombrar como actantes principales de la obra a Yago, Otello y Desdémona. Sobre el análisis de la relación y características de estos tres personajes es que pretendo extraer el tema y configuración para el diseño del afiche requerido. Yago se siente rechazado por el moro al no haber recibido un ascenso militar. Representa el odio al servicio de la hipocresía; simboliza la tiranía y la perversidad. Tiene a todos los que le rodean engañados, y jamás sospechan de sus oscuras intenciones. Es el personaje intolerante que odia a Otello, por ser diferente y por haberse involucrado tan bien en el círculo social de Venecia y para ello confecciona un plan tan diabólico como astuto. Lo que más llama la atención de este personaje, además de su infinita maldad, es su gran habilidad para insinuar que Desdémona es infiel. Logra decir ciertas cosas sin realmente decirlas: consigue transmitir a Otello sus insanos pensamientos a base de sutiles insinuaciones, que hacen perder al moro la objetividad y el o con la realidad. Resulta interesante el hecho de que Yago utiliza la propia naturaleza de cada personaje para volverla en su contra. Se gana la confianza de Otello haciéndole creer que es honrado, pero a sabiendas de que Otello es propicio a la sospecha le provoca celos y odio hacia Desdémona; Desdémona es bondadosa y Yago aprovecha su virtud para que, la misma al interceder por Cassio, alimente las sospechas de Otello; Roderigo por su amor incondicional no correspondido hacia Desdémona, se vuelve títere de Yago; el ingenuo Cassio en su deseo de recuperar su puesto y su honra, también es víctima de Yago quien lo convierte en instrumento para su plan maestro (destruir a Otello); Emilia es utilizada y traicionada por su propio marido, Yago. A si pues, por medio de estos ilusos instrumentos se logra el maravilloso giro de la obra en el que la victoria de Yago es inminente pues ha logrado convertir a Otello en un ser fuera de su raciocinio, que cegado por los celos mata a la mujer que ama convirtiéndola en víctima. Otello es un personaje cuya personalidad se encuentra escindida entre la razón y los celos irracionales. Es la cara y la cruz de esta historia, un militar fuerte que lucha por unos ideales, pero a la par, está inseguro de su pareja, porque en el fondo se siente inferior. Mientras avanza la obra, parece que Otello es un personaje paradójico. ¿Cómo puede luchar contra ejércitos y sin embargo, dejarse engañar tan fácilmente? Otello está a mitad de camino entre Venecia y sus orígenes. Aún encontrándose con los venecianos, Otello se siente un extraño, por eso, se deja cegar por los celos, porque no cree de verdad, que Desdémona pueda amarlo. En el fondo es un personaje lleno de prejuicios creados por una sociedad que no acepta que alguien diferente pueda tener un buen puesto y adaptarse a unas costumbres y país que no es el suyo. La anagnórisis de Otello: recurso narrativo, muy vinculado a la tragedia griega clásica y utilizado por Shakespeare en sus obras dramáticas, específicamente en sus tragedias. Consiste en el descubrimiento por parte de un personaje de datos esenciales sobre su identidad, sus seres queridos o su entorno, ocultos para él hasta ese momento. La revelación altera la conducta del personaje y lo obliga a hacerse una idea más exacta de sí mismo y de lo que le rodea. Desdémona es de carácter bondadoso y representa todo lo bueno que puede haber en un ser humano, pero tambipen se constituye como símbolo femenino que representa el amor incondicional y la sumisión de la mujer de la época ante su marido. Uno de los momentos de mayor tensión dramática se produce cuando Otello la repudia; ella no sabe el por qué de este abandono y sufre mucho. Acusada de infidelidad es un personaje victima, asimilable a las mujeres

6

maltratadas, cuya belleza le lleva a recoger los reproches del marido. Se podría decir que Desdémona es la antítesis de Yago.

Esquema actancial

La pareja sujeto-objeto es la pareja básica de todo relato. El sujeto se relaciona con el objeto de su deseo por una flecha que indica el sentido de su búsqueda. Debemos considerar que no siempre el héroe de la historia es el sujeto de la acción. A pesar de la importancia del rol de Otello, éste no es el sujeto de la acción, sino Yago, quien desea ser superior a Otello. Otro detalle a considerar es que si bien los personajes son la corporización de los actantes, frecuentemente estas corporizaciones pueden ser objetos y figuras no antropomorfas. Como en este caso sucede con el pañuelo de Desdémona, que forma parte del actante ayudante, fuerza que ayuda a Yago en su deseo de destruir a Otelo. Considero que el pañuelo es un elemento a destacar, ya que sintetiza a un mismo tiempo las figuras del amor y la traición: ese pañuelo que simbolizara el amor entre Otello y Desdémona, a su vez condujo a la destrucción de ambos. También se le puede entender más metafóricamente como un velo, que vela y devela una verdad. Este sería un elemento interesante (por la polisemia de su imagen) y muy aprovechable desde lo gráfico, para trabajar en el desarrollo del afiche.

7

ESQUEMA ACTANCIAL DESTINADOR Rencor/Envidia

SUJETO Yago

DESTINATARIO Yago

AYUDANTE Astucia/Manipulación + Grupo de adyuvantes:

OBJETIVO Destrucción de Otello

OPONENTE Verdad

(Emilia/Desdémona)

Rodrigo Cassio

Desdémona Otello

Emilia

Como propongo en este esquema actancial, el Sujeto de la ópera no es Otelo sino Yago, quien movido por el Destinador (Fuerza motora), su rencor contra Otello, actúa en pos de alcanzar su Objetivo/Objeto de deseo (la destrucción de Otello), para su propio beneficio (Destinatario). Para tal fin, se presentan las Fuerzas Adyuvantes y Oponentes: Yago encuentra en su propia persona (su astucia y capacidad de manipulación) y en otros (el grupo de adyuvantes) lo necesario para llevar a cabo su plan; por otro lado a toda esta orquestación estratégica se le opone la Verdad, que a través de los personajes de Emilia y Desdémona pujan por la justicia contra la falsedad (aunque en el caso de Emilia, demasiado tarde). De cualquier modo, la Fuerza Opositora no es suficiente para contrarrestar el peso de la Fuerza Ayudante y el Sujeto logra cumplir con su Objetivo.